Efemérides, un día tal como hoy...

El 31 de diciembre de 1936 murió confinado en su casa de Salamanca el escritor y filósofo Miguel de Unamuno Jugo. Nacido en Bilbao en 1864, Unamuno fue uno de los intelectuales más destacados de la España de comienzos del siglo XX. Catedrático de griego en la Universidad de Salamanca, de la que llegaría a ser rector, mostró siempre gran inquietud por la situación política española. Aunque inicialmente simpatizó con el movimiento del general Franco, terminó por mostrar públicamente su rechazo al mismo, lo que le valió la reclusión en su domicilio donde falleció tal día como hoy.

Alessandra Mussolini (30 de diciembre de 1962) es una política italiana del neofascismo europeo, miembro de la Sexta legislatura del Parlamento Europeo por el partido Alternativa Social.
Es miembro honorario de la Cruz Roja Italiana.

Biografía
Nace en la ciudad italiana de Roma. Es hija de Romano Mussolini (el cuarto hijo de Benito Mussolini), de profesión pianista de jazz y de Anna Maria Scicolone (hermana de Sofia Loren), actriz.
Está casada desde 1989 y tiene tres hijos.

Trayectoria política
En 1992 se licenció en medicina, y cirugía. Ese mismo año comienza su carrera política elegida como parlamentaria por
Nápoles, por el Movimiento Social Italiano (MSI).

Fue partidaria de una alianza entre el MSI y el partido Forza Italia para las elecciones de 1994, pero no estuvo de acuerdo cuando el MSI se integró en un nuevo partido Alianza Nacional liderado por Gianfranco Fini, pero las relaciones entre los dos nunca fueron muy buenas, pues Fini criticaba algunos aspectos del fascismo como el antisemitismo. A finales de 2003, Alessandra abandona Alianza Nacional ante la polémica visita oficial de Fini al Estado de Israel en donde tildó al fascismo como "el demonio absoluto", en relación a las leyes raciales promovidas por su abuelo en 1938.

Fundó un nuevo partido Nacionalista, Libertà di Scelta (o literalmente: "Libertad de elección") ahora renombrado como Acción Social (Azione Sociale), que junto con otros partidos nacionalistas forman una coalición llamada Alternativa Social. En 2004 en la sexta legislatura del Parlamento Europeo la coalición obtuvo el 1.2% de los votos italianos, permitiéndole ser miembro del actual Parlamento Europeo.

En 2006 causó un considerable escándalo en Italia cuando en el debate de la RAI "Porta a Porta" sobre la homosexualidad, a la preocupación mostrada por Vladimir Luxuria, diputada transexual del partido Refundación Comunista y contertulia en ese programa, de que alguien se enorgulleciera de ser fascista tras los crímenes que habían causado en el mundo, ante lo cual Alessandra le gritó:
"mejor ser fascista que maricón".

En 2014 fue elegida miembro del Parlamento Europeo por Forza Italia.

Reus, Tarragona, 1814 - Madrid, 1870) Militar y político español. Se integró en el Ejército para defender el trono de Isabel II desde el comienzo de la Primera Guerra Carlista (1833-40), en la que ascendió hasta coronel. Inclinado a las ideas liberales, se lanzó enseguida a la política como diputado por Tarragona (1841). Apoyó a los progresistas durante el trienio esparterista (1840-43); pero se enfrentó al autoritarismo de Espartero y acabó contribuyendo a derrocarlo organizando una sublevación en Reus. El gobierno progresista así formado nombró a Prim gobernador militar de Barcelona, con el encargo de reprimir el movimiento revolucionario que perduraba en la ciudad (1843).

Después, el poder pasó a los moderados de Ramón María Narváez por un largo periodo, y Prim prefirió alejarse de la política, dedicándose a viajar por Europa. En 1847-48 fue gobernador de Puerto Rico, en donde destacó por su dureza en la represión del bandolerismo y de los motines de esclavos. De regreso a la Península fue elegido nuevamente diputado (1851) y volvió a adquirir protagonismo político tras la Revolución de 1854, con la que dio comienzo un nuevo bienio progresista; en ese periodo mandó la expedición española enviada a Melilla para sofocar la insurrección de los rifeños (1856).

Por entonces se integró en la Unión Liberal, partido centrista creado por Leopoldo O'Donnell. Siendo ya éste presidente del gobierno, Prim participó en la Guerra de África (1859-60), obteniendo éxitos que le valieron el título de marqués de los Castillejos. En 1861 fue puesto al mando del cuerpo expedicionario español enviado a México, en colaboración con fuerzas francesas y británicas, para obtener del gobierno de Benito Juárez el pago de las deudas pendientes; la presión militar impulsó al gobierno mexicano a entablar conversaciones sobre la deuda, que culminaron con la firma del Convenio de la Soledad (1862).

Sin embargo, al descubrir que Napoleón III pretendía aprovechar aquel pretexto para derrocar a Juárez e instaurar en su lugar a Maximiliano I como emperador de México, Juan Prim decidió por su cuenta retirar sus fuerzas. Aunque las autoridades españolas ratificaron su postura, el desacuerdo con O'Donnell llevó a Prim a abandonar la Unión Liberal y, ante la enemistad que había suscitado en la opinión conservadora por no alinearse con los enemigos de Juárez, regresó a las filas progresistas.

Desde entonces conspiró continuamente para derrocar a los gobiernos moderados, e incluso a la propia Isabel II, que los amparaba: intentó un fallido desembarco en Valencia (1865); organizó la sublevación del Cuartel de San Gil (1866); promovió el Pacto de Ostende entre progresistas y demócratas (1866), al que se sumaron los unionistas tras la muerte de O'Donnell (1867). Y, finalmente, lanzó la Revolución de 1868, en colaboración con Sagasta, Serrano, Ruiz Zorrilla y Topete. Prim participó en el pronunciamiento inicial en Cádiz y marchó luego a sublevar Valencia y Barcelona, antes de hacer su entrada triunfal en Madrid, ya destronada la reina.

En el inmediato gobierno provisional presidido por Francisco Serrano, Prim se encargó del Ministerio de la Guerra; en las Cortes constituyentes defendió la definición del nuevo régimen como una monarquía democrática, que quedó plasmada en la Constitución de 1869. Serrano pasó entonces a ejercer la Regencia mientras se encontraba un rey para el trono vacante, sustituyéndole Prim como presidente del Consejo de Ministros. Desde ese cargo fue uno de los principales defensores de la candidatura de Amadeo de Saboya; pero unos días antes de que éste llegara a Madrid para iniciar su reinado, Prim murió asesinado en un atentado cuya autoría nunca ha podido ser esclarecida.

En la imagen película sobre Prim.

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Aunque la fama y el reconocimiento le llegaron a Bruckner cuando ya superaba los sesenta años, el elogio más importante que él hubiese podido imaginar ya lo había recibido de su idolatrado Wagner, que dijo de él: “Si hay alguien que tiene ideas sinfónicas después de Beethoven, ese es Anton Bruckner”.

El mismo año de la muerte de Wagner, 1883, pondría punto final el músico a su Sinfonía Nº 7 , a partir de la cual conocería por fin el sabor del éxito. Precisamente, el adagio sería un canto fúnebre a la memoria del maestro, ejecutado por las tubas wagnerianas. Aún así, la obra fue dedicada a Luis II de Baviera, que tanto había hecho por difundir las óperas del creador de El anillo del Nibelungo.

Denostado por los vieneses, en especial por el crítico musical Eduard Hanslinck, que confesaba abiertamente aborrecer su música, Bruckner decidió estrenar la Séptima en Leipzig, en 1884, logrando su primer triunfo absoluto. Al año siguiente la interpretación en Munich ratificaría el éxito, produciéndose además la primera ejecución de su música en Estados Unidos, con la presentación de la Tercera en el Metropolitan de Nueva York.

En la imagen la película Ludwig de Visconti.

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En la madrugada del 30 de diciembre de 1916 (17 de diciembre según el calendario juliano que se usaba en Rusia) fue asesinado en San Petersburgo Grigori Rasputín. De origen siberiano, Rasputín era un monje semianalfabeto que aprovechó sus contactos dentro de la iglesia y su indudable carisma para introducirse en los salones aristocráticos de la capital. En 1905 fue presentado al zar Nicolás II y su esposa. La fe inquebrantable de la zarina en sus poderes sobrenaturales para curar las crisis hemorrágicas de su hijo hemofílico fue el trampolín que le sirvió para ejercer un poder cada vez mayor sobre la pareja imperial y arruinar la reputación de los Romanov. Precisamente fue un grupo de aristócratas que deseaban acabar con el daño que estaba haciendo a la monarquía el que organizó y ejecutó el complot para asesinarle.

Prokofiev composed his 6th, 7th and 8th sonatas, collectively known as his “war sonatas”, between 1939 and 1944. In 1939, the same year as the 8th sonata was conceived, Prokofiev met Mira Abramovna Mendelson, with whom he would have an affair. Before this is had been 16 years since Prokofiev had last composed a piano sonata and presumably it was his meeting with Mira that inspired this renewed period of interest. By 1941 Prokofiev had left his wife Lina and was living with Mira. In 1947 the Soviets issued a decree annulling all marriages of Soviets to foreign nationals, thus ending Lina and Prokofiev’s marriage and allowing Prokofiev to have a civil ceremony with Mira. Things only got worse for Lina when in 1948 she was jailed by the Soviets on accusations of espionage. Lina spent until 1972 in jail and on her release still claimed to be Prokofiev’s only legitimate wife.

Prokofiev finished his 8th sonata in 1944 and dedicated it to Mira. The first performance was by Emil Gilels at the Grand Hall of the Moscow Conservatory on 30th December 1944; Prokofiev decided his previously fearsome piano technique had slipped and thus entrusted Gilels with the first performance.

The 8th sonata met with considerable praise and was awarded a Stalin Prize. Hailed as one of the greatest works of the 20th century, Sviatoslav Richter hailed it as Prokofiev’s greatest contribution to the sonata “the richest of all – an abundance of riches”. Barbara Nissman said “a masterwork of the 20th century keyboard literature; it expands the sonata, not only in terms of structure but as a total concept; it is the equivalent of a large scale symphony for piano”.

The first movement is marked “dolce” and lives up to the composers own statement that the sonata is primarily “lyrical in character”. The development increases in intensity and reaches a significant climax only to return in the recapitulation to the initial dolce opening. The second movement “andante sognando” is dream-like accompanied by some typically Profofiev – style harmonies. The finale is in a 3 part form. The inner section revisits material from the 1st movement whilst the outer two sections are energised by triplet movement and forceful octaves.

El arco de Tito (en italiano Arco di Tito) es un arco de triunfo, situado en la Vía Sacra, justo al sureste del Foro, en Roma. Fue construido poco después de la muerte del emperador Tito (nacido en el año 39 d.C., y emperador entre los años 79 y 81 d.C.)

Historia

El arco de Tito rememora las victorias de Tito contra los judíos. Las figuras que lo adornan se mueven entre lo real y lo divino, fundiéndose en una misma composición. En una de las escenas representadas aparece un personaje con yelmo (la diosa Roma); en otra escena aparece una “victoria”, que es un ser con alas que coloca la corona de laureles al emperador.

Ubicación

Este arco se sitúa encima de la vía Sacra, enfrente al Coliseo de Roma, dando entrada al Foro. Se trata de un arco simple, de un solo vano, de planta rectangular, aunque sus lados no son muy desiguales. La combinación arco-dintel se consigue mediante enjutas, que se sitúan en un plano inferior, rehundidas respecto al resto de la construcción. Se levanta sobre un podium elevado, en el que se asientan en cada lado dos columnas de orden compuesto en las que se sitúan sendas hornacinas rectangulares de pequeño tamaño. En el ático superior se recoge la dedicatoria al general Tito. Este arco se construyó en la época del emperador Vespasiano, para conmemorar la victoria de su hijo Tito, sobre los judíos en el año 70 de nuestra era, culminada con la toma de Jerusalén y la destrucción de su templo.

Decoración

La decoración interior y exterior reproduce escenas de este hecho. En los relieves del friso y las enjutas se muestra la preparación de la campaña. El interior abovedado nos presenta la gloria de la victoria. A un lado, el desfile triunfal de las legiones romanas transportando el botín del templo de Salomón, como el candelabro de los siete brazos (menara) o la mesa de los sacrificios. También se representa el escudo y el nombre de la legión vencedora. En el lado opuesto, aparece el general Tito en su cuádriga, acompañado de sus generales, precedido por dos figuras, la que porta casco y lleva las riendas parece ser la personificación de Roma, y la otra (actualmente decapitada) un genio desnudo, podría representar al Senado o al Pueblo romano.

La inscripción en letras mayúsculas romanas lee:

SENATVS

POPVLVSQVE·ROMANVS
DIVO·TITO·DIVI·VESPASIANI·F(ILIO)

VESPASIANO·AVGVSTO

(Senatus Populusque Romanus divo Tito divi Vespasiani filio Vespasiano Augusto)

Que traducido significa "El Senado y el pueblo (lo dedican) al divino Tito Vespasiano Augusto, hijo del divino Vespasiano.

El arco de Tito ha sido modelo o inspiración para muchos otros arcos erigidos desde el siglo 15, entre ellos el Arco de Triunfo de París, Francia (1806)

Tito Flavio Sabino Vespasiano (latín: Titus Flavius Sabinus Vespasianus), comúnmente conocido con el nombre de Tito (30 de diciembre de 39 - 13 de septiembre de 81) fue emperador del Imperio romano desde el año 79 hasta su muerte, en 81. Fue el segundo emperador de la dinastía Flavia, dinastía romana que gobernó el Imperio entre los años 69 y 96; dicha estirpe integró los reinados de su padre, Vespasiano (69 - 79), el suyo propio (79 - 81) y el de su hermano, Domiciano (81 - 96).

Antes de ser proclamado emperador alcanzó renombre como comandante militar al servir a las órdenes de su padre en Judea, durante el conflicto conocido como la Primera Guerra Judeo-Romana (67 - 70).

Esta campaña sufrió una breve pausa tras la muerte del emperador Nerón (9 de junio de 68), cuando su padre fue proclamado emperador por sus tropas (21 de diciembre de 69). En este punto, Vespasiano inició su participación en el conflicto civil que asoló al Imperio durante el año de su nombramiento como emperador, conocido como el año de los cuatro emperadores.

Tras dicho nombramiento recayó sobre Tito la responsabilidad de acabar con los judíos sediciosos, tarea que realizó de forma satisfactoria tras sitiar y conquistar Jerusalén (70), cuyo templo fue saqueado y destruido por sus tropas (que según algunas fuentes desobedecieron sus órdenes expresas de no hacerlo) en el incendio a la ciudad. Su victoria fue recompensada con un triunfo y conmemorada con la construcción del arco de Tito.

Bajo el reinado de su padre, Tito cosechó recelos entre los ciudadanos de Roma debido a su servicio como prefecto del cuerpo de guardaespaldas del emperador, conocido como la guardia pretoriana, y también debido a su intolerable relación con la reina Berenice de Cilicia (hija del Rey Herodes de la Biblia). A pesar de estas faltas a la moral romana, Tito gobernó con gran popularidad tras la muerte de Vespasiano el 23 de junio de 79 d. C. y fue considerado como un buen emperador por Suetonio y otros historiadores contemporáneos.

Lo más importante de su reinado fue su programa de construcción de edificios públicos en Roma (Tito finalizó el anfiteatro Flavio, conocido comúnmente como el Coliseo). La enorme popularidad de Tito también se debió a su gran generosidad con las víctimas de los desastres que sufrió el Imperio durante su breve reinado, la erupción del Vesubio en el año 79 y el incendio de Roma de 80 d. C. Tras dos años en el cargo, Tito falleció a causa de unas fiebres, el 13 de septiembre de 81 d. C. La gran popularidad de Tito hizo que el Senado lo deificara. Tito fue sucedido por su hermano menor, Domiciano.

Juventud

Tito nació en Roma, hijo mayor de Tito Flavio Vespasiano y Domitila la Mayor. Tito tuvo una hermana llamada Domitila la Menor y un hermano, llamado Tito Flavio Domiciano, aunque conocido comúnmente con el nombre de Domiciano.

Las décadas de guerra civil durante el siglo I a. C. habían contribuido enormemente al fallecimiento de la vieja aristocracia de Roma, que fue gradualmente sustituida en el poder por una nueva nobleza provincial durante la primera parte del siglo I.

La familia Flavia surgió de la oscuridad bajo la Dinastía Julio-Claudia, adquiriendo la riqueza e influencia necesarias para llegar al poder. El bisabuelo de Tito, Tito Flavio Petro, sirvió como centurión a las órdenes de Cneo Pompeyo Magno durante la Segunda Guerra Civil de la República de Roma. Su carrera militar terminó cuando Pompeyo sufrió una derrota aplastante a manos de Julio César en la Batalla de Farsalia (48 a. C.).

Sin embargo, Petro logró mejorar su situación casándose con Tértula, una mujer sumamente rica, cuya fortuna garantizó el ascenso del hijo de ambos, Tito Flavio Sabino I, el abuelo de Tito.

El mismo Sabino amasó una gran riqueza como recaudador de impuestos en Asia y como banquero en Helvecia. Casándose con Vespasia Polión se alió con una de las familias patricias de mayor abolengo aristocrático. La riqueza y el linaje de Vespasia Polión y Tito Flavio Sabino I garantizaron el ascenso de sus hijos, Vespasiano y Tito Flavio Sabino II, al rango senatorial.

La carrera política de Vespasiano incluyó los cargos de cuestor, edil, pretor, y culminó con un consulado en 51 d. C., el año en que nació Domiciano. Vespasiano ganó una gran fama militar gracias a su servicio en la invasión de Britania en 43.

Lo poco que se sabe de la juventud de Tito nos ha llegado a través de los escritos de Suetonio. El historiador nos relata que el futuro emperador fue criado en la corte imperial junto a Británico, el hijo de emperador Claudio, que sería asesinado por Nerón en el año 55 d. C. Pocos detalles sobre su educación nos han llegado, pero al parecer mostró pronto una gran inclinación por las artes militares, era un poeta experto y un gran orador tanto en griego como en latín.

Carrera militar

Tito sirvió como tribuno militar en el distrito militar de Germania Inferior entre 57 d. C. y 59 d. C. y en Britania (60 d. C.) llegando con los refuerzos necesarios tras la revuelta de Boudica. En 62 d. C. regresó a Roma y se casó con Arrecina Tértula, hija de un antiguo prefecto de la Guardia Pretoriana. La esposa de Tito murió en 63 d. C. y éste tomó una nueva esposa llamada Marcia Furnila que pertenecía a una familia aristocrática.

No obstante esta familia estaba dispuesta a unirse a la oposición al emperador Nerón. Su tío Quinto Marcio Barea Sorano y su hija Servilia fallecieron tras la fracasada conspiración de Cayo Calpurnio Pisón en 65 d. C.

Algunos historiadores modernos teorizan que Tito se divorció de su esposa debido a la conexión de su familia con la conspiración. No volvió a casarse de nuevo. Tito parece haber tenido muchas hijas, siendo al menos una de ellas de Marcia Furnila. La única que llegó a la edad adulta fue Julia Flavia, que pudo ser hija de Arrecina, ya que la madre de ésta también se llamaba Julia. Durante este periodo Tito se dedicó a la justicia, siendo cuestor.

Campaña de Judea

En 66 d. C. los judíos de la Provincia de Judea se rebelaron contra el Imperio romano. Cestio Galo, el gobernador de Siria, fue derrotado en la batalla de Betorón y forzado a retirarse de Jerusalén. El rey pro-romano Herodes Agripa II y su hermana Berenice huyeron a la región de Galilea. Nerón designó a Vespasiano para aplastar la rebelión, el cual marchó inmediatamente a la región con la V y X legiones.

Vespasiano se unió a Tito y a la XV legión en Acre. Con una fuerza de 60.000 soldados profesionales, los romanos se dispusieron a barrer la rebelión a través de Galilea y marchar sobre Jerusalén.

La guerra fue cubierta detalladamente por el historiador judío-romano Flavio Josefo en su trabajo La guerra de los judíos. Josefo sirvió como comandante en la defensa de la ciudad de Jotapata cuando el ejército romano invadió Galilea en 67 d. C. Tras un duro sitio de 47 días, la ciudad cayó, dejando aproximadamente 40.000 prisioneros que fueron asesinados, mientras el resto de los rebeldes optó por el suicidio.

El propio Josefo se rindió a Vespasiano que lo liberó al observar su inteligencia. Durante 68 d. C. toda la costa y el norte de Judea cayó bajo el control romano. Esta expedición sirvió para que Tito demostrara sus capacidades como general.

Año de los cuatro emperadores

La última y más importante fortaleza que resistía era la ciudad judía de Jerusalén. Sin embargo la campaña sufrió una pausa cuando llegaron noticias desde Roma de la muerte del emperador Nerón y del nombramiento por el Senado como su sucesor a Galba. Vespasiano decidió envíar a Tito a presentar sus respetos al nuevo princeps. Sin embargo cuando Tito se aproximaba a la ciudad recibió noticias de la muerte de Galba y del nombramiento de Otón como su sucesor además de la marcha hacia Roma desde Germania Inferior de Vitelio. No queriendo arriesgarse a ser capturado por ninguno de los dos bandos, Tito canceló el viaje y volvió a unirse a su padre en Judea.

Mientras tanto, Otón había sido derrotado en la batalla de Bedriacum y se suicidó de una manera tan noble que emocionó a Roma.

Cuando llegaron noticias a los ejércitos de Judea y Egipto, estos decidieron pasar a la acción y nombraron emperador a Vespasiano el 1 de julio de 69 d. C.25 Vespasiano aceptó, y mediante intensas negociaciones llevadas por Tito, se unió al gobernador de Siria, Cayo Licinio Muciano, formando una fuerza imponente en el este. Esta fuerza marchó hacia Roma liderada por Muciano, mientras Vespasiano se dirigió a Alejandría dejando a Tito al mando para que acabara con la rebelión. A finales de 69 d. C. las tropas de Vitelio fueron derrotadas y el Senado declaró emperador a Vespasiano el 21 de diciembre finalizando de este modo el Año de los cuatro emperadores.

Sitio de Jerusalén

Mientras tanto los judíos se hallaban envueltos en un conflicto civil entre ellos, dividiendo la resistencia entre los sicarios, liderados por Simón bar Giora y los fanáticos conducidos por Juan de Giscala. Tito aprovechó la oportunidad de comenzar el asalto sobre Jerusalén. Al ejército romano se unió la XII Legión, que había sido derrotada bajo el mando de Cestio Galo. Desde Alejandría Vespasiano envío a Tiberio Julio Alejandro para que actuara como segundo de Tito. Tito rodeó la ciudad al mando de tres legiones (V, XII y XV) sobre el lado occidental y envió a la (X) sobre el Monte de los Olivos al este. Tito cortó los alimentos y el agua a la ciudad, después permitió la entrada de algunos judíos para celebrar la Pascua negándoles después la salida. El ejército romano era acosado continuamente por los judíos y en una ocasión estos casi capturaron a Tito.

Tras los intentos de Josefo de negociar una rendición, los romanos reanudaron las hostilidades y destrozaron rápidamente las primeras fases de la muralla. Para intimidar a la resistencia, Tito crucificó a los desertores del lado judío alrededor de las murallas. En este punto los judíos estaban a punto de rendirse a causa del hambre y los romanos aprovecharon la debilidad del enemigo para irrumpir en la ciudad tras romper la última fase de la muralla. Los romanos penetraron en la ciudad, capturaron la Fortaleza Antonia e iniciaron un asalto frontal sobre el Templo.

Según Josefo, Tito había ordenado que el Templo no fuera destruido, sin embargo durante la batalla por la ciudad un soldado lanzó una antorcha al interior del Templo y este ardió rápidamente. El cronista cristiano Sulpicio Severo sin embargo afirma que Tito ordenó la destrucción del Templo.

El Templo fue totalmente destruido y la ciudad fue saqueada, tras lo cual los soldados le proclamaron Imperator en el campo de batalla. Según Josefo 1.100.000 personas fueron asesinadas durante el sitio, de estas la mayoría eran judías. Fuentes antiguas informan de que 97.000 personas fueron capturadas y esclavizadas, incluyendo a Simón bar Giora y Juan de Giscala.

Muchos escaparon a lugares próximos al Mediterráneo. Al parecer Tito se negó a aceptar una corona de hierba (condecoración militar romana) alegando que "no hay mérito en vencer a unas gentes abandonadas por su propio Dios".

Heredero de Vespasiano

Incapaz de navegar hacia Italia durante el invierno, Tito celebró unos esplendorosos juegos en Cesarea Marítima y Bérito, luego viajó a Zeugma del Éufrates, donde se presentó con una corona a Vologases II de Partia. Visitando Antioquía confirmó los derechos tradicionales de los judíos en aquella ciudad.

En su camino a Alejandría, se detuvo en Menfis donde consagró el toro sagrado de Apis portando una diadema. Esta diadema era para los romanos un símbolo de realeza. Según Suetonio estos hechos causaron una gran consternación en Roma, donde se temía que se rebelara contra Vespasiano, y Tito viajó inmediatamente hacia Roma con el fin de disipar los rumores sobre su conducta.

Tras su llegada a la ciudad en 71 d. C. se le recompensó con un triunfo. Acompañado por Vespasiano y su hermano Domiciano desfiló a caballo por la ciudad siendo saludado de manera entusiasta por la población y sucedido por sus tesoros y prisioneros de guerra. Josefo lo describe como una procesión con ingentes cantidades de oro y plata.

La procesión incluía a los prisioneros de guerra y los tesoros del Templo de Jerusalén, incluyendo la Menorá y el Pentateuco.

Simón bar Giora fue ejecutado en el Foro Romano, después de lo cual la procesión se ufanó en realizar los requeridos sacrificios religiosos en el Templo de Júpiter. El Arco del Triunfo de Tito, que está situado en la entrada del Foro, conmemora la victoria de Tito.

Con Vespasiano declarado emperador, Tito y su hermano Domiciano recibieron el título de César en nombre del Senado.

Además de compartir el poder tribunicio con su padre, Tito fue nombrado cónsul en siete ocasiones durante el reinado de su padre y actuó como su secretario compareciendo en ciertas ocasiones en el Senado en su nombre.

Tito fue nombrado comandante de la Guardia Pretoriana, haciendo más sólida la posición de Vespasiano como un monarca legítimo. Sin embargo Tito se hizo desgraciadamente famoso entre la población debido a sus violentas acciones ordenando la ejecución de personas sospechosas de traición. Cuando en 79 d. C., se destapó un complot dirigido por Aulo Cecina Alieno y Eprio Marcelo para derrocar a Vespasiano, Alieno fue invitado a una cena durante la que se le asesinó apuñalándole en el corazón.

Durante las guerras judías, Tito inició una relación con Berenice de Cilicia, hija del Rey Herodes de la Biblia y hermana de Herodes Agripa II, que había colaborado con los romanos durante la campaña y luego había apoyado a Vespasiano en su camino hacia el trono.

En 75 d. C., ella volvió junto a Tito y vivió abiertamente con él en el palacio como su prometida. Los romanos eran escépticos sobre esta relación y la desaprobaban. La presión del pueblo hizo que Tito se separara de ella, sin embargo su reputación sufrió mucho a causa de esta relación.

Emperador

Vespasiano murió el 23 de junio de 79 d. C. a causa de una infección y fue sucedido por su hijo Tito. Los romanos, a causa de sus presuntos vicios, temían que Tito se convirtiera en otro Nerón. Contra todo pronóstico Tito demostró al pueblo que era un emperador eficaz y fue muy querido por todos los romanos, debido a que poseía las mejores virtudes.

Uno de sus primeros actos como emperador fue ordenar públicamente un alto en los juicios basados en traición. La ley de traición, o la ley de maiestas, al principio se usó para procesar a los que corruptamente habían perjudicado a la gente y la majestad de Roma por cualquier acción revolucionaria. Sin embargo bajo el reinado de César Augusto esta ley también se aplicó para condenar los escritos difamatorios. Bajo el reinado de Tiberio, Calígula y Nerón se utilizó para justificar las ejecuciones, creando una red de informadores que hizo temblar la administración romana durante décadas. Tito acabó con esta práctica, declarando:

"Es imposible que yo sea insultado o ultrajado de alguna forma. Yo no hago nada que merezca ser censurado, y no me importan las falsedades que sobre mí se escriban. Y en cuanto a los emperadores que ya están muertos y enterrados, ya se vengarán por sí mismos en caso de que alguien les haga algún mal, si en verdad son semidioses y poseen algún poder."

Por consiguiente, ninguno de los senadores fue asesinado durante su reinado; Tito mantuvo así su promesa de que asumiría el cargo de Pontifex Maximus " con el objetivo de mantener sus manos limpias". Los informadores públicos fueron castigados y desterrados de la ciudad. Como emperador, Tito se hizo conocido por su generosidad, y Suetonio declara que cuando terminaba un día sin haber hecho algo bueno por al menos una persona, solía decir: "Amigos, he perdido un día".

Desafíos

Aunque su reinado estuvo ausente de conflictos militares o políticos, Tito tuvo que afrontar un gran número de desastres durante su mandato. El 24 de agosto de 79 d. C., apenas dos meses después de su ascenso al trono, el Monte Vesubio entró en erupción, causando la casi completa destrucción de las ciudades de la Bahía de Nápoles. Las ciudades de Pompeya y Herculano fueron sepultadas bajo toneladas de piedra y lava causando la muerte de un gran número de personas.

Tito designó a dos ex-cónsules para dirigir las tareas de reconstrucción y donó una gran cantidad de dinero del Tesoro Imperial con el fin de ayudar a las víctimas del volcán. El propio Tito visitó Pompeya tras la erupción y después otra vez más al año siguiente.

Durante la segunda visita un incendio que duró tres días estalló en Roma. Aunque el grado de destrucción no fuera tan desastroso como el del gran incendio de 64 d. C., Dion Casio registró una larga lista de edificios públicos que fueron dañados parcialmente o consumidos totalmente por el fuego. Estos incluían el Panteón de Agripa, el Templo de Júpiter, el Diribitorium, el Teatro de Pompeyo y la Saepta Julia, entre otros. De nuevo Tito pagó de su bolsillo los daños ocasionados por el fuego. Al parecer hubo una plaga durante el incendio, aunque se desconoce la naturaleza de la enfermedad y el número de fallecidos.

Mientras tanto la guerra había continuado en Britania, donde Cneo Julio Agrícola se internó en Caledonia y dirigió el establecimiento de varias fortalezas allí. Como consecuencia de sus acciones, Tito recibió el título de Imperator por decimoquinta vez.

Su reinado también sufrió la rebelión conducida por Terencio Máximo, uno de varios Nerones falsos que siguieron apareciendo a lo largo de los años 70. Aunque se conozca principalmente a Nerón como un tirano, nos han llegado escritos que informan que fue enormemente popular en las provincias del Este durante su reinado.

Según Dión Casio, Terencio Máximo se parecía a Nerón en la voz y el aspecto y, como él, tocaba la lira. Terencio se estableció en Asia Menor, pero pronto fue forzado a escapar más allá de Éufrates, tomando refugio entre los Partos. Además, las fuentes antiguas declaran que Tito descubrió que su hermano Domiciano conspiraba contra él, pero rechazó la opción de asesinarlo o desterrarlo.

Obras Públicas

Anfiteatro Flavio.
La construcción del Anfiteatro Flavio, conocido comúnmente como el Coliseo de Roma, fue comenzada en los años 70 bajo el reinado de Vespasiano y finalizada bajo el reinado de Tito en los años 80.

Además de las espectaculares dimensiones del Coliseo que ofrecían un gran entretenimiento para la población romana, el Coliseo representaba también los logros militares de los Flavios durante las guerras judías.

Los juegos inaugurales duraron cien días como se prometió, y fueron sumamente elaborados, incluyendo combates de gladiadores, peleas de animales salvajes, representaciones de batallas navales para las que se inundó el teatro, carreras de caballos y carreras de carros. Durante los juegos, se pasaron entre el público unas pelotas de madera, inscritas con varios premios con los que se recompensaba a los ganadores.

Junto al anfiteatro, dentro del recinto de la Domus Aurea de Nerón, Tito había ordenado la construcción de unos nuevos baños públicos, que debían llevar su nombre. La construcción de este edificio fue terminada a toda prisa para que coincidiera con la finalización de las obras del Anfiteatro Flavio.

La práctica del culto imperial fue resucitada por Tito, aunque al parecer encontró algunas dificultades ya que Vespasiano no fue deificado sino hasta seis meses después de su muerte. Para más honra y gloria de la dinastía de los Flavios, se iniciaron las obras del Templo de Tito y Vespasiano que finalizarían durante el gobierno de Domiciano.

Muerte
Al finalizar los juegos, Tito dedicó oficialmente al pueblo la construcción del anfiteatro y los baños, lo que debió ser su último acto como emperador. Tito partió para los territorios de los sabinos pero cayó enfermo y murió a causa de unas fiebres, al parecer en la misma finca que su padre. Según parece las últimas palabras que pronunció Tito fueron "sólo he cometido un error".

Tito había gobernado el Imperio romano durante dos años, desde la muerte de su padre en 79 d. C. hasta su propia muerte el 13 de septiembre de 81 d. C.65 Tito fue sucedido por Domiciano cuyo primer acto fue deificar a su hermano.

Los historiadores han especulado mucho sobre la naturaleza exacta de la muerte de Tito y del error al que se refiere en sus últimas palabras, Filóstrato defiende que fue envenenado por Domiciano y que su muerte había sido pronosticada por Apolonio de Tiana. Suetonio y Dión Casio sostienen que murió de causas naturales pero acusan a Domiciano de haber abandonado a su hermano enfermo y según Dión, el error al que Tito se refiere es no haber ejecutado a su hermano cuando descubrió su participación en el complot contra su persona.

Según el Talmud, un insecto se introdujo en la nariz de Tito y se escondió en su cerebro durante siete años causándole un gran dolor. Tito notó cómo el sonido de un herrero que martillea disminuía su dolor, tanto que pagó a unos herreros para que martillearan cerca de él; sin embargo, aunque el efecto cesó, el insecto continuó en su sitio. Cuando Tito murió, abrieron su cráneo y encontraron que el insecto había crecido hasta alcanzar el tamaño de un pájaro. El Talmud cita esto como la causa de su muerte y lo interpreta como la venganza divina por sus malas acciones.

Legado

Los relatos sobre Tito escritos por historiadores antiguos son más ejemplares que sobre cualquier otro emperador. Los escritos que han sobrevivido, la mayoría de autores contemporáneos a Tito, ofrecen una visión muy favorable del emperador, sobre todo en comparación con el tiránico gobierno de su hermano Domiciano.

La obra de Josefo La guerra de los judíos ofrece una visión de primera mano sobre el carácter de Tito durante la rebelión judía.

Sin embargo, la neutralidad de las escrituras de Josefo ha sido cuestionada, ya que Josefo estaba en deuda con el emperador. Cuando Tito llegó a Roma en 71 d. C. Josefo le acompañaba como parte de su séquito, y más tarde el historiador se naturalizó ciudadano romano y tomó el nomen y el praenomen de sus patrones. Josefo recibió una pensión anual y vivió en palacio.

Bajo el patrocinio del emperador, Josefo escribió muchas de sus obras más conocidas. La obra conocida como La Guerra de los Judíos se inclina contra los líderes de la rebelión, presentando el levantamiento como una operación mal organizada y culpando a los judíos de haber causado la guerra.

Otro contemporáneo de Tito, Publio Cornelio Tácito, que comenzó su carrera pública en 80 d. C. o 81 d. C. y que debe su ascenso a la dinastía Flavia, nos ofrece una visión sobre el emperador Tito. Sus Historias se escribieron en este período, y fueron publicadas durante el reinado de Trajano. No obstante, los cinco primeros libros de este texto, que abarcan los reinados de Tito y Domiciano no nos han llegado.

Suetonio nos ofrece un relato corto pero muy favorable sobre el reinado de Tito en su obra Las vidas de los doce césares. Suetonio acentúa sus logros militares y su generosidad, su descripción de Tito dice así:

Tito, llamado del mismo modo que su padre, fue querido por todo el pueblo romano, cosa muy difícil. Era tan superior que era un placer para la raza humana, fueron estas características lo que le hicieron ganarse los afectos de la población.

Finalmente, Dión Casio escribió su Historia de Roma unos cien años después de la muerte de Tito, Casio tiene una visión muy similar a la de Suetonio y es muy probable que utilizara a este como su fuente principal:

El hecho de que las fuentes hablen muy bien de él se debe a que estuvo poco tiempo en el trono, y casi no tuvo oportunidad de hacer el mal. Desde la fecha en que le nombraron emperador pasaron sólo dos años, dos meses y veintinueve días -además de los veintinueve años, cinco meses y veinticinco días que había vivido hasta entonces. Ciertamente, por ello se considera que igualó el largo reinado de Augusto, ya que Augusto nunca habría sido amado de haber vivido menos, ni Tito de haber vivido más.

Augusto, aunque se mostraba irascible a causa de las guerras y otros contratiempos, fue muy capaz, con el tiempo, de conseguir una brillante reputación por sus generosos actos; Tito, por el contrario, gobernó con templanza y murió en el apogeo de su gloria. Si hubiera vivido mucho más, se hubiera demostrado que debe más su fama actual a la fortuna que a sus propios méritos.

En contraste con la ideal representación de Tito por los historiadores romanos, los historiadores judíos mencionan a Tito con el apodo de "Tito el Malvado" y lo recuerdan como un opresor y como el sacrílego destructor del Templo de Jerusalén. Una leyenda del Talmud babilonio describe cómo Tito mantuvo relaciones sexuales con una prostituta en el interior del templo durante su destrucción.

La Guerra en Judea y la vida de Tito, en particular su relación con la reina Berenice, ha inspirado a muchos escritores y artistas a lo largo de los años. El bajorrelieve en el Arco de Tito ha marcado un antes y un después en la historia de las técnicas pictóricas. Se usa con frecuencia la Menora para simbolizar el saqueo del Templo de Jerusalén.

La clemencia de Tito (título original en italiano, La clemenza di Tito) es una ópera seria en dos actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto en italiano de Caterino Tommaso Mazzolá, basado en Pietro Metastasio. Lleva por número KV 621. Es su penúltima ópera y una de sus últimas obras. Fue estrenada justo 3 meses antes de su muerte.

Fue compuesta para la coronación de Leopoldo II de Austria como rey de Bohemia. Muestra la imagen de un gobernante recto pero clemente con su pueblo, incluso ante un intento de asesinato contra su persona preparado por Vitelia y llevado a cabo por Sexto, su amigo.

Se estrenó en el Teatro Nacional de Praga el 6 de septiembre de 1791. Es un “drama serio per musica”, con texto en italiano.

La trama se desarrolla en Roma, en la época del Imperio romano.

Acto I
En el primer acto, Vitelia, hija del destronado emperador Vitelio, clama venganza contra el nuevo emperador, Tito, de quien además está enamorada. Utiliza a Sexto, vacilante amigo de Tito, que está enamorado de ella, para actuar contra el emperador. Pero cuando Vitelia conoce que Tito ha enviado a Berenice, de quien ella estaba celosa, de vuelta a Jerusalén, le dice a Sexto que espere para llevar a cabo sus deseos, esperando que Tito la escoja a ella (Vitelia) como emperatriz.

Tito, sin embargo, escoge a la hermana de Sexto, Servilia, y ordena a Annio que le lleve su mensaje a Servilia. Annio y Servilia, sin saberlo Tito, están enamorados. Servilia le cuenta la verdad a Tito, pero reconociendo que, si Tito insiste en casarse con ella, obedecerá. Tito agradece a los dioses la lealtad de Servilia e inmediatamente rechaza la idea de interponerse entre ella y Annio.

Al tiempo, sin embargo, Vitelia ha oído el interés de Tito por Servilia, y de nuevo arde de celos. Urge a Sexto para que asesine a Tito. Él está de acuerdo, y canta una de las más famosas arias de esta ópera, "Parto, parto." Casi al mismo tiempo, Annio y el guarda Publio llegan para llevar a Vitelia ante Tito, quien ahora la ha escogido a ella como emperatriz. Ella se retuerce entre la culpa y la preocupación.

Sexto llega al Capitolio con los demás conjurados y le prende fuego. Todos se horrorizan ante el incendio. Sexto anuncia que vio a Tito herido, pero Vitelia lo detiene antes de que se incrimine del asesinato. Todos se lamentan, en el lento y triste final del Acto I.

Acto II
Annio le cuenta a Sexto que el emperador Tito está vivo. Entre el humo y el caos, Sexto lo había confundido con otro Tito. Pronto llega Publio para arrestar a Sexto, explicando que era uno de los conspiradores quien vistió como Tito y fue herido, aunque no mortalmente, por Sexto. El Senado juzga a Sexto, al tiempo que Tito espera impaciente, seguro de que su amigo será exonerado; pero el Senado lo encuentra culpable y un angustiado Tito debe firmar la sentencia de muerte de Sexto.

Tito decide llamar primero a Sexto, intentando obtener más detalles de la conjura. Sexto asume toda la culpa y dice que merece morir, así que Tito le dice que así será y lo despide. Pero después de una larga lucha interna, Tito rompe la orden de ejecución de Sexto y decide que si a él, Tito, desean sus detractores acusarle de algo, prefiere que sea de ser demasiado clemente antes que de tener un corazón vengativo.

Vitelia se retuerce, presa de la culpa, y decide confesarlo todo a Tito, expresando sus esperanzas de ser emperatriz en el aria muy conocida de "Non più di fiori." En el anfiteatro, los condenados, incluido Sexto, esperan ser arrojados a las bestias salvajes. Tito va a mostrar su clemencia cuando Vitelia confiesa que es la instigadora de la trama de Sexto. Aunque el emperador queda consternado, la incluye a ella en el perdón general que ofrece. La opera concluye con todos los personajes alabando la extrema generosidad de Tito, mientras que él mismo pide a los dioses que acorten su vida cuando deje de preocuparse por el bienestar de Roma.

Atenaide, también llamada Gli affetti generosi (título original en italiano; en español, Atenaida o Los afectos generosos, RV 702) es una ópera en tres actos del compositor Antonio Vivaldi y libretto en italiano de Apostolo Zeno. La historia se basa muy libremente en la historia de la emperatriz bizantina Atenaida, convertida al cristianismo con el nombre de Elia Eudoxia, esposa de Teodosio II. Se estrenó el 29 de diciembre de 1728 en el Teatro della Pergola de Florencia.

Historia
Se trata de la tercera opera compuesta por Vivaldi para el Teatro della Pergola, después de Scanderbeg (1718) e Ipermestra (1727), ambas grandes éxitos de Vivaldi. Con Atenaide el empresario del teatro Luca Casimiro degli Albizzi esperaba volver a tener el mismo éxito en la temporada de 1729. Pero la ópera resultó un fracaso, del que Vivaldi se recuperaría con su siguiente ópera, Catone in Utica.

Esta ópera se representa muy poco; en las estadísticas de Operabase aparece L'Atenaide con sólo una representación en el período 2005-2010.

La ópera es excelente , una muestra del mejor Vivaldi. Merecería una presencia mucho mayor en el repertorio.
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Crítica de la Revista Gramophone

Vivaldi’s setting of Apostolo Zeno’s libretto L’Atenaide was first performed at the Teatro di Via della Pergola in Florence on December 29, 1728, at a time when the new Neapolitan style of Vinci and Porpora was becoming dominant all over Italy. The opera was not well received, with criticism particularly aimed at Vivaldi’s mainstay opera singer Anna Girò. The only surviving complete score of the opera, now in Turin’s Biblioteca Nazionale, contains an extensive revision made in the early 1730s (probably for a projected revival that never took place), but the Pergola theatre is the only Vivaldian opera house that still exists in a fully historical condition. This recording benefits from what Federico Maria Sardelli describes as the venue’s “unchanged, perfect acoustics”. With such a fuss rightly made about bringing Vivaldi’s opera back to the place for which it was composed, one wonders why Naïve did not include at least one picture of the theatre in the chunky booklet.

The essay by Frédéric Delaméa claims that Atenaide displays “deep stylistic originality combined with formidable musical riches”, and his view is supported by this consistently strong performance. Vivica Genaux, Nathalie Stutzmann and Guillemette Laurens all contribute some good dramatic singing, and Romina Basso’s creamy melodic singing is outstanding. In particular, the extraordinary monologue for the title-heroine in Act 3 is magnificently sung by Sandrine Piau. Conductor Sardelli argues that he is “more and more convinced of the need to…protect [Vivaldi] from the deplorable modern tendency to make him into a prodigious purveyor of eccentricities and of rhythmic and dynamic convulsions which are almost invariably arbitrary”. Unlike some of the flashier approaches to Vivaldi by some of the artists involved in Naïve’s compelling series of Vivaldi’s operas, Sardelli’s methods are never extreme for the sake of a cheap thrill. Here we find a sincere attempt to let the story unfold through clearly communicated and simply delivered recitatives and superbly paced arias, and Modo Antiquo play with plenty of vivaciousness and sonority. This performance always seems to have solid and deeply satisfying foundations.

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Crítica de Raymond Tuttle

Naïve's gargantuan series of Vivaldi's music – specifically, scores and manuscripts housed in the National University Library of Turin – continues with another previously unrecorded opera. Atenaide was premièred in the Teatro della Pergola in Florence in 1728, when the composer was 50. Most of Vivaldi's operas were composed for Venice, but his relationship with that city's opera houses waxed and waned, and Atenaide was one of several operas commissioned from him by the Florentine impresario Marchese Luigi degli Albizzi. Vivaldi's relationship with Albizzi was a variable one too, however, and if Vivaldi had better resources on hand in Florence than in Venice, he also had less artistic freedom, and less leeway in engaging the singers he preferred. Indeed, the failure of Atenaide to enjoy great success during its original run has been blamed on the presence of Anna Girò in the role of Pulcheria. She was close to Vivaldi – perhaps even romantically involved with him – but contemporary accounts vary as to the excellence of her singing, and there might have been local bias against her.

When Atenaide was scheduled for revival in Florence a few years later, Vivaldi made changes to the score, adding and removing arias, probably to accommodate changes in the cast. What has been recorded here – authentically enough, in the Teatro della Pergola! – is the revised version of Atenaide, as the original version no longer exists. Both the original and revised versions contain arias that Vivaldi reused from older operas such as Farnace, Orlando furioso, and Dorilla in Tempe. Given the time and place, this was not unusual.
Apostolo Zeno's libretto is a mixture of romantic and political entanglements. The Christian Eudossa, also known as Atenaide, has come to Roman Byzantium from Athens with her father Leontino, and happily expects to wed the Emperor Teodosio. Varane, heir to the Persian throne, also desires Eudossa, and has followed her to Byzantium. Pulcheria, Teodosio's sister, is desired by Marziano, but Teodosio wishes her to marry Varane instead. Teodosio magnanimously allows Eudossa to choose between him and Varane.

Her choice, symbolized by a ring, is connivingly given by Probo (an attendant who also desires Pulcheria) not to Teodosio but to Varane. Eudossa is surprised when she and her father are banished by Teodosio, and then she is kidnapped by Varane. Marziano, a general also in love with Pulcheria, returns in the nick of time to free Eudossa. Probo's subterfuge is uncovered, Marziano gets Pulcheria, Teodosio gets Eudossa, and Varane is forgiven (but apparently is still single).

The score is essentially a series of arias in ABA form separated by secco and accompanied recitatives which advance the plot. Performers of Vivaldi's time were expected to embellish their arias, particularly at the reprise of the "A" section, and that convention is stylishly followed in this recording. All of the characters have several arias. Although the singers are good vocal actors, the longer recitatives can try a listener's patience. For example, after the sinfonia, the opera opens with a seven-minute recitative for Eudossa and Leontino. Atenaide is no slower-going that the average Baroque opera, though, but it feels a little mellower than most – perhaps because there are no supernatural elements involved?

The cast is uniformly excellent, even in the punishing coloratura passages that Vivaldi apparently loved to write. There's a lot of lovely cantabile writing, however, and that plays to this cast's strengths. Piau is vulnerable yet palpably regal as the misunderstood Eudossa, and Genaux also projects royalty as Teodosio – without playing tricks with her voice, she projects a credible masculinity. Laurens and Basso make similar distinctions in their mezzo-soprano roles. Stutzmann brings fruity tone to the general Marziano, who saves the day at the opera's end. Agnew is a calm, concerned father-figure, and Ferrari an impressive hot-head in the role of the opera's true villain. Compared to the other conductors who have conducted operas in Naïve's Vivaldi series, Sardelli is relaxed. The score's lyrical elements are emphasized, not its blazing drama or virtuosity.

The big booklet contains the libretto and translations in several languages, plus an excellent introduction to the opera by Frédéric Delaméa, and artist biographies. The engineering is intimate, and yet it carries a sense of the Pergola's space.

Copyright © 2008 by Raymond Tuttle

Los dos tercios inferiores de la torre corresponden al alminar de la antigua mezquita de la ciudad, de finales del siglo XII, en la época almohade, mientras que el tercio superior es una construcción sobrepuesta en época cristiana para albergar las campanas. En su cúspide se halla una bola llamada tinaja sobre la cual se alza el Giraldillo, estatua que hace las funciones de veleta y que fue la escultura en bronce más grande del Renacimiento europeo y que por extensión vino a dar nombre a toda la torre, pues históricamente se comenzó a denominar Giralda (literalmente "que gira") a la veleta.

La Giralda, con sus 98,5 m de altura (104,1 m incluido el Giraldillo), fue durante siglos la torre más alta de España, así como una de las construcciones más famosas de toda Andalucía (por comparación; la Torre de Pisa mide 55,8 m y el Big Ben 96,3 m). El 29 de diciembre de 1928 fue declarada Patrimonio Nacional y en 1987 integró la lista del Patrimonio de la Humanidad.1

Durante el periodo de dominación almohade, la ciudad de Sevilla se convirtió en la capital de la Península Ibérica, lo que trajo a la ciudad una actualización de sus infraestructuras procediéndose a la construcción de algunas grandes edificaciones. En este ámbito se comenzó el levantamiento de una nueva mezquita mayor en el solar que actualmente ocupa la catedral, de la que dependía el alminar. La construcción de esta nueva mezquita mayor, que reemplazaba a la existente en la Plaza del Salvador, se inició el año 1172 y en 1182 se pronunció el primer jutba (sermón de viernes) en la mezquita. Tenía orientación de norte a sur y su puerta principal correspondía a la actual Puerta del perdón que da entrada al Patio de los Naranjos, que formaba parte del recinto de la misma. El alzado exterior de la mezquita tenía influencias de la Mezquita de Córdoba, mientras que la estructura de su planta procedía del modelo de las mezquitas marroquíes de Marrakech y de Tinmal.

Las obras de construcción del alminar de la mezquita se iniciaron en el año 1184 bajo la dirección del arquitecto Ahmad Ben Baso. Hasta el 1195 las obras tuvieron un carácter intermitente, recibiendo ese año el impulso definitivo con motivo de la victoria árabe sobre las fuerzas castellanas en la batalla de Alarcos, celebrada el día 19 de julio del año 1195 siendo el califa Abu Yaqub Yusuf. El alminar tenía una altura de 82 m, siendo el edificio más alto de Europa en su tiempo. Según cuenta el cronista Ibn Sahib al-Salá, las obras se concluyeron el 10 de marzo de 1198, con la colocación de cuatro bolas de bronce dorado en el remate superior de la torre.

Período cristiano

A raíz de un terremoto ocurrido en 1365 se perdió la antigua esfera original de cobre que coronaba la torre. Esta fue sustituida por un sencillo alminar. Posteriormente, en el siglo XVI, se añadió el cuerpo de campanas, corriendo la construcción a cargo del arquitecto Hernán Ruiz, que además fue encargado por el cabildo catedralicio para que el nuevo cuerpo tuviera un remate en forma de estatua que representa la Fe. La estatua fue instalada en 1568. La palabra giralda proviene de girar y significa "veleta de torre que tiene figura humana o de animal". Con el paso del tiempo, ese nombre pasó a denominar a la torre en su conjunto, comenzándose a conocer a la figura que la corona como el Giraldillo.

En 1993 el papa Juan Pablo II dirigió el Ángelus desde el primer balcón de la Giralda, dando a la plaza Virgen de los Reyes, en el marco su segunda visita a Sevilla.

Precedentes estilísticos

La construcción de la Giralda se basó en el alminar de la mezquita Kutubia de Marrakech (Marruecos), también construido en el siglo XII, considerado con sus setenta y nueve metros de altura, una obra maestra del arte hispano-magrebí, consta de una estructura muy similar a la torre sevillana, sigue la forma más típica de los alminares de la escuela hispanomarroquí, con un cuerpo principal de forma ortoédrica sobre el que se sitúa otro mucho más reducido, a modo de remate.

Otra gran muestra de arquitectura muy similar la constituye, la gran Torre Hasan de Rabat, considerada, hermana, de la Giralda y cuyo proyecto de construcción preveía un altura de sesenta metros, pero las obras se interrumpieron cuando llegaba a los 44 metros.

En ambos precedentes se encuentran los elementos decorativos de los almohades, reproducidos en la Giralda, con arcos ciegos, lacerías y relieves que se inspiran en los que realizaban los selyúcidas en esa misma época en la región de Asia Menor.

El 28 de diciembre de 2005 el ex dictador chileno Augusto Pinochet, de noventa años, fue fichado por primera vez por la policía de su país. Pinochet, que se encontraba bajo arresto domiciliario desde el 24 de noviembre como resultado de la instrucción del sumario del caso Colombo, fue fichado por orden del juez instructor del mismo, Víctor Montiglio. El caso en el que se le acusaba de varios secuestros y desapariciones fue sólo una pequeña muestra de las gravísimas violaciones de los derechos humanos practicadas impunemente durante los más de veinte años de duración de la dictadura militar que encabezó. Desde su detención en Londres en 1999 a requerimiento de la justicia española tuvo que hacer frente a diversos procesos por estos crímenes. Falleció el 10 de diciembre de 2006.

Tal día como hoy de 1831 zarpó del puerto de Plymouth el HMS Beagle, un barco de guerra británico con la misión de cartografiar las costas del hemisferio austral. A bordo iba un joven de 22 años que se había graduado recientemente en Cambridge, Charles Darwin. Durante sus estudios había trabado amistad con el profesor de botánica John Stevens Henslow, que le guio en el estudio de la biología y la geología. Fue el propio Henslow quien propuso su nombre para encargarse de la parte de Historia Natural en la expedición. El joven, por su parte, tuvo que vencer la resistencia de su padre a autorizarle la partida. La travesía duró cinco años y desde las Islas Británicas se dirigió hacia las Canarias, Cabo Verde, Sudamérica, islas del Pacífico, Australia, Sudáfrica y regreso a Reino Unido. Durante el viaje Darwin recopiló una cantidad ingente de material científico que resultó esencial para la redacción posterior de sus revolucionarias obras sobre la evolución de las especies.

Hildegarda de Anglachgau (758 - Diedenhofen, 30 de abril de 783) fue hija del conde Gerold von Anglachgau y de Irma (Imma).

En 771 Hildegarda, entonces de sólo 13 años, contrajo nupcias con Carlomagno, quien había repudiado a su esposa Desiderata, la hija del rey lombardo Desiderio, con quien se había casado un año antes. Hildegard fue así la tercera de las seis esposas que tuvo Carlomagno.

Hildegarda gozaba de la amistad de quien luego fuera santa Lioba, y promovió la construcción de numerosas iglesias, así como del monasterio de Reichenau y de la abadía de Kempten. Apoyó muy generosamente estos y otros conventos.

Hijos de Hildegarda

1.Carlos el Joven (772 o 773-811), Rey de Neustria en 781

2. Adelaida (773-773 o 774-774)

3. Pipino de Italia, rey de Italia en 781, originalmente llamado Carlomán (773 or 777-810)

4. Rotruda (777-810)

5. Ludovico Pío, rey carolingio en 781 y Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico entre 814 y 840

6. Lotario, hermano gemelo de Ludovico Pío, muerto en 780

7.Bertha (779-823?)

8. Gisela (781-808?)

9. Hildegarda (782-783?)

En la imagen Hildegarda en el docu drama alemán Karl der Grosse,

Hito fundamental para la física de los albores del siglo XX
Tal día como hoy de 1898 Pierre y Marie Curie presentaron ante la Academia de Ciencias de Francia un artículo en el que hacían público que habían descubierto un nuevo elemento químico novecientas veces más radiactivo que el uranio, el radio. La radiactividad había sido descubierta por el físico francés Antoine-Henri Becquerel pocos años antes trabajando sobre el uranio, pero Marie Curie advirtió que de los diferentes minerales que lo contenían algunos eran mucho más radiactivos que otros. Con la ayuda de su marido trabajaron sobre dos de estos minerales, la pechblenda y la calcolita, en los que descubrieron primero el polonio y más tarde el radio. En 1903 ambos recibieron el premio Nobel de física junto a Becquerel. Sería el primero de los dos que recibió Marie a lo largo de su vida.

Carlos I el Grande; Aquisgrán, 742 - Aix-la-Chapelle, 814 fue un monarca germánico que restauró el Imperio en Europa occidental. Hijo primogénito del rey de los francos, Pipino el Breve, heredó el Trono al morir su padre (768) y lo completó con los territorios orientales concedidos a su hermano Carlomán, al morir éste en el año 771.

Su política expansiva continuó con la conquista y anexión del reino lombardo (el norte de Italia), realizada en el 774, mediante una alianza de los francos con el Papado. Dominada Italia (aunque pervivían tendencias particularistas, especialmente fuertes en los ducados meridionales de Spoleto y Benevento), Carlomagno concentró sus energías en la conquista de Sajonia (norte de Alemania), empresa que le exigió dieciocho campañas sucesivas entre los años 772 y 804.

Carlomagno dominaba así el más importante reino de la Europa de su época; pero para mantenerlo tuvo que combatir continuamente: unas veces contra rebeliones o resistencias internas y otras para asegurar las fronteras contra enemigos exteriores. Entre estas últimas cabe destacar la guerra contra los ávaros en la frontera oriental, que le llevó a dominar los territorios actuales de Hungría, Croacia y parte de Serbia; y también un intento infructuoso de penetrar en España, abortado por la derrota que le infligieron los vascos en la batalla de Roncesvalles (778), pero que le sirvió al menos para crear una Marca Hispánica sometida al reino franco, que iba de Pamplona a Barcelona.

La extensión geográfica del reino de Carlomagno correspondía a la totalidad de lo que hoy son Francia, Suiza, Austria, Bélgica, Holanda y Luxemburgo, y la mayor parte de Alemania, Italia, Hungría, la República Checa, Eslovaquia y Croacia. Ha sido considerado por ello un predecesor de la unidad europea. Ningún monarca había reunido en su mano un territorio tan extenso desde la caída del Imperio Romano (476); por lo que no es de extrañar que la idea de la restauración imperial se abriese paso, ligada a la alianza estable que Carlomagno mantuvo con el Papado.

El día de Navidad del año 800 el papa León III coronó a Carlomagno emperador, dando comienzo así un nuevo Imperio germánico, que perviviría hasta comienzos del siglo XIX. Aunque la continuidad de este Imperio germánico con el Imperio Romano de Occidente, desaparecido tres siglos antes, era una ficción, la restauración de la idea imperial significaba una aspiración a un poder universal por encima de los príncipes de los distintos reinos, que sería la contrapartida temporal de la supremacía del papa en lo espiritual. Esta peculiar alianza y complementariedad del emperador con el papa daría lugar a una pugna por la supremacía entre ambos poderes, que se prolongaría a lo largo de la Edad Media.

En una época caracterizada por el alto grado de violencia y de anarquía que presidía la vida social, el Imperio carolingio fue un gran esfuerzo de organización político-administrativa. Aunque no había una capital fija (la capital del Imperio estaba donde se encontrara el emperador con su corte), la ciudad germánica de Aquisgrán cumplió esas funciones de manera casi permanente. Desde allí, una Cancillería, a cuyo frente se encontraba un clérigo culto, dirigía los asuntos tanto civiles como eclesiásticos; el control del territorio estaba en manos de los condes, salvo en las marcas fronterizas, organizadas militarmente; y unos enviados del emperador (missi dominici) supervisaban la administración en cada rincón del territorio.

La religión cristiana constituía un elemento cultural de integración, de estabilidad y de orden social, que el emperador se encargó de cultivar: protegió a los monasterios y procuró extender la fe cristiana hacia el norte (imponiéndola por la fuerza a los sajones). Sin embargo, aquel gran conglomerado territorial no sobrevivió mucho tiempo. El propio Carlomagno había previsto que, a su muerte, el Imperio se repartiera entre sus tres hijos; pero la muerte de dos de ellos retrasó la fragmentación hasta el momento en que murió el único sucesor superviviente, Ludovico Pío, que también dividió el Imperio entre sus tres hijos (Tratado de Verdún, 843). La dinastía Carolingia siguió al frente del Imperio hasta comienzos del siglo X, y en el Trono de Francia, hasta el 987.

Cuando me amé de verdad, comprendí que en cualquier circunstancia, yo estaba en el lugar correcto y en el momento preciso. Y, entonces, pude relajarme. Hoy sé que eso tiene nombre… autoestima.

Cuando me amé de verdad, pude percibir que mi angustia y mi sufrimiento emocional, no son sino señales de que voy contra mis propias verdades. Hoy sé que eso es… autenticidad.

Cuando me amé de verdad, dejé de desear que mi vida fuera diferente, y comencé a ver que todo lo que acontece contribuye a mi crecimiento. Hoy sé que eso se llama… madurez.

Cuando me amé de verdad, comencé a comprender por qué es ofensivo tratar de forzar una situación o a una persona, solo para alcanzar aquello que deseo, aún sabiendo que no es el momento o que la persona (tal vez yo mismo) no está preparada. Hoy sé que el nombre de eso es… respeto.

Cuando me amé de verdad, comencé a librarme de todo lo que no fuese saludable: personas y situaciones, todo y cualquier cosa que me empujara hacia abajo. Al principio, mi razón llamó egoísmo a esa actitud. Hoy sé que se llama… amor hacia uno mismo.

Cuando me amé de verdad, dejé de preocuparme por no tener tiempo libre y desistí de hacer grandes planes, abandoné los mega-proyectos de futuro. Hoy hago lo que encuentro correcto, lo que me gusta, cuando quiero y a mi propio ritmo. Hoy sé que eso es… simplicidad.

Cuando me amé de verdad, desistí de querer tener siempre la razón y, con eso, erré muchas menos veces. Así descubrí la… humildad.

Cuando me amé de verdad, desistí de quedar reviviendo el pasado y de preocuparme por el futuro. Ahora, me mantengo en el presente, que es donde la vida acontece. Hoy vivo un día a la vez. Y eso se llama… plenitud.

Cuando me amé de verdad, comprendí que mi mente puede atormentarme y decepcionarme. Pero cuando yo la coloco al servicio de mi corazón, es una valiosa aliada. Y esto es… saber vivir!

No debemos tener miedo de cuestionarnos… Hasta los planetas chocan y del caos nacen las estrellas.

La vida es una obra de teatro que no permite ensayos...
Por eso, canta, ríe, baila, llora
y vive intensamente cada momento de tu vida...
...antes que el telón baje
y la obra termine sin aplausos."

Charles Chaplin

«Charlie» Chaplin (Londres, Inglaterra, Reino Unido, 16 de abril de 1889-Corsier-sur-Vevey, Suiza, 25 de diciembre de 1977) fue un actor, humorista, compositor, productor, guionista, director y escritor británico. Adquirió popularidad gracias a su personaje Charlot en múltiples películas del período mudo. A partir de entonces, es considerado un símbolo del humorismo y el cine mudo. Para el final de la Primera Guerra Mundial, era uno de los hombres más reconocidos de la cinematografía mundial

La realidad de la emperatriz es la antítesis de lo que el cine nos mostró en la famosa película «Sissi», protagonizada por la malograda Romy Schneider. Elisabeth padecía de frecuentes desequilibrios emocionales que ella misma temía, a sabiendas de los casos de locura presentes en su familia. Por los motivos que fuesen, la realidad es que, en completo desacuerdo con las rígidas normas de la corte de Viena, Elisabeth se rebeló contra el protocolo, apartó de su vida lo que para ella eran absurdas normas cortesanas, y simple y llanamente huyó de allí.

Enfrascada en viajes, buscó la libertad fuera de la encorsetada corte imperial a bordo de su yate. Amante a ultranza de la naturaleza, era una vegetariana convencida. Obsesionada por conservar su figura comía frugalmente. Medía 1,72 metros, y controlaba su peso a diario, para mantenerlo entre los 45 y los 50 kilos. Realizaba largas caminatas y era amante de la equitación y de sus perros. Admiradora de Heine, llevaba con frecuencia en la mano sus poesías a modo de breviario. Era por el contrario enemiga de los fotógrafos, lo que explica los escasos documentos fotográficos que poseemos de ella pese a estar esa técnica ya generalizada. Hoy podríamos decir de ella que fue una real ecologista, una real feminista y hasta una real personalidad rara. En cualquier caso, una adelantada para su época.

Sissi estuvo en Elche y dio nombre a la más famosa de todas sus palmeras. Su visita a la ciudad tuvo como destino el huerto del Capellán Castaño,

Durante el otoño del año 1894 la emperatriz viajaba en su yate, el Greiff, después de haber estado en la isla de Mallorca donde se había detenido para visitar a su primo, el archiduque Luis Salvador. Cuando navegaba rumbo a Marsella, le sorprendió un temporal y el barco tuvo que refugiarse en el entonces pequeño puerto de Alicante.

De riguroso incógnito, y acompañada tan solo por algunos amigos desembarcó en la ciudad. Allí, le llevaron a comer a la conocida fonda de Bossio, situada en la Rambla, en los aledaños de lo que hoy es el Banco de España. Tras una sobria comida vegetariana, el posadero le ofreció granadas como postre. A la emperatriz le sorprendió mucho el excelente sabor de aquellas granadas, y le dijo a Bossio que le enviara algunas cajas al barco. Se las pagó espléndidamente y todavía, de regreso a Viena le envió como agradecimiento una condecoración.

Tras cerrar el trato, la emperatriz preguntó el origen de esa fruta que tanto le había gustado. Le respondieron que eran de la vecina Elche, donde además existía un gran bosque de palmeras. Y Sissi, tan amante de la naturaleza mostró su deseo de visitar aquel palmeral milenario, de manera que ese mismo día y por ferrocarril se trasladó a Elche. Para no cansarla por maltrechos caminos, le condujeron directamente a visitar un huerto y eligieron el del capellán Castaño, bien poblado de palmeras y en el que además había un raro ejemplar al que le habían nacido a dos metros del suelo tantos hijuelos que le llamaban la palmera de los ojos, o «dels ulls».

Sabemos que a su llegada al huerto, la emperatriz vestía de amarillo claro y se protegía del sol con una sombrilla del mismo color. Su aspecto era de una exquisita elegancia. Por entonces tenía 57 años. Su delgadez aumentaba su estatura cuando se entrevistó con el capellán Castaño, que en aquel momento no comprendió la grandeza de la mujer que tenía delante, mostrándose torpe y atolondrado.

Poco a poco el capellán fue tomando confianza y se fue rompiendo el hielo. En mal francés, haciendo de intérprete seguramente alguno de los acompañantes de la Emperatriz, el cura Castaño cumplió como anfitrión y mostró su casa y su huerto a la real visitante. Cuando se detuvieron ante la rara palmera, la emperatriz quedó muy sorprendida. La observó detenidamente y le dio la vuelta. Finalmente dijo a su dueño estas palabras: «Mosén Castaño, esta palmera tiene una fuerza digna de un imperio. Debería usted ponerle un nombre».

No debe sorprendernos la admiración que la palmera causó en la emperatriz. Por entonces era un ejemplar muy joven que estaba en el apogeo de su belleza simetría y vigor, como lo demuestra la fotografía que de ella se hizo durante el Eclipse, seis años más tarde.

Terminada la real visita, el cura Castaño comenzó a caer en la cuenta que la señora a la que acababa de despedir era nada menos que la Emperatriz de Austria, y dándole vueltas y más vueltas a las palabras que había pronunciado ante su palmera, decidió que la denominaría Palmera Imperial. Así fue y así sigue siendo después de transcurridos 120 años.

No tenemos noticia oficial de esa visita, puesto que se realizó de incógnito. Sabemos que a uno de los marineros del yate se le escapó que «a bordo viaja un personaje real». Y a través de la obra «Elisabeth, la emperatriz enigmática», de Egon Cesar Conte, biógrafo exhaustivo de Sissi, sabemos que ésta tuvo necesidad de refugiarse en dos ocasiones en el puerto de Alicante, una por haber embarrancado su yate, y otra por haberla sorprendido una terrible tempestad cuando se dirigía a Marsella con destino a Cap Marti, en Montecarlo.

Desde aquel otoño de 1894, la Emperatriz Elisabeth está presente todos los días en el Huerto del Cura al lado de la palmera a la que dio su nombre. Su busto, obra del escultor José Sánchez Lozano, recuerda a diario aquella visita que es parte consustancial de la historia del Huerto del Cura, de la Palmera Imperial y de Elche entero.

1. ¿Qué es la ópera Wozzeck?

Wozzeck es una ópera que escribió Berg influido por su participación en la primera guerra mundial. La inició justo en 1914 cuando estalló la guerra, la interrumpió durante la guerra y la terminó en 1922. Se estrenó en Berlín en 1925 y fue un gran éxito. Es la ópera más conocida de Berg y una de las más representadas del S. XX.

Es una ópera antimilitarista que habla de los problemas psicológicos de un soldado austriaco.

Berg ganó mucho dinero con la ópera entre 1925 y 1933 solucionándose sus problemas económicos y manteniendo una existencia desahogada gracias a los derechos de autor que le proporcionaban las muchas representaciones de la ópera.

Este éxito se paró de golpe cuando Hitler ganó las elecciones en 1933 y entre sus primeras medidas estuvo prohibir Wozzeck, una ópera que detestaba por ser antimilitarista y además porque no le gustaba nada la música de Berg al que consideraba un judío pese a que Berg era 100% ario. Sí era judío su profesor Schoenberg. Berg pasó a ser un compositor que estaba prohibido. Su amigo y profesor Schoenberg tuvo que huir de Alemania por ser judío y se fue a vivir a Los Ángeles, en Estados Unidos. Berg protestó ante la prohibición de sus obras diciendo que él no era judío. Pero el problema para Hitler no era que Berg fuera o no judío. Hitler detestaba la obra de Berg por lo que se mantuvo la prohibición. Berg se quedó sin ingresos.

2. ¿Cuál es el argumento de la ópera?

Toda la ópera gira en torno al soldado Wozzeck.

En la primera escena Wozzeck está afeitando al capitán que le riñe por llevar una vida inmoral ya que tiene un hijo sin haberse casado.

En la segunda escena Wozzeck tiene visiones estremecedoras y nos damos cuenta de que padece graves problemas psicológicos.

En la tercera escena conocemos a la esposa de Wozzeck que se llama Marie y también a su hijo pequeño de cinco años.

La siguiente escena nos presenta a otro de los protagonistas de la ópera. Es el doctor psiquiatra que analiza a Wozzeck y que le dice que tiene que seguir una dieta estricta consistente en comer durante varios meses sólo guisantes. El análisis del médico nos muestra que los problemas psicológicos de Wozzeck son graves.

En la siguiente escena, la esposa de Wozzeck, Marie, se acuesta con un oficial del ejército de Wozzeck. Como recompensa recibe unos pendientes.

El segundo acto se inicia con Marie admirando los pendientes que ha recibido. Llega Wozzeck y le pregunta de donde los ha sacado. Marie le dice que los ha encontrado. Wozzeck muestra su sorpresa por el hecho de que se haya encontrado dos pendientes a la vez iguales.

En la siguiente escena, el doctor y el capitán de su compañía se ríen de Wozzeck diciendo que su mujer le es infiel.

Wozzeck vuelve a casa y su mujer le reconoce que se ha acostado con el oficial. Wozzeck va a pegarle pero ella le pide que en lugar de pegarle le clave un puñal.

Por la noche, Wozzeck ve a Marie bailando con el oficial. Está cada vez más nervioso.

Al día siguiente, Wozzeck pasea con su mujer. La apuñala y tira el puñal al lago.

Wozzeck regresa al lago. Está buscando el puñal porque tiene miedo de que el puñal le incrimine. Se suicida.

"Tres Piezas para Orquesta opus 6" fue iniciada en 1913 y terminada en 1915. Los primeros dos movimientos se ejecutaron por primera vez el 5 de junio de 1923 en Berlín, bajo la batuta de Antón Webern. Berg revisó la orquestación levemente en 1920. Johannes Schüler dirigió la primera ejecución completa, el 14 de abril de 1930. Varias influencias -el lirismo conmovedor de Schubert, la singular visión de Mahler, la disonancia libre de Schoenberg y los colores sensuales de Debussy- convergen para hacer de las Tres Piezas para Orquesta una obra de extraordinaria potencia y belleza.

Alban Berg tenía una relación particular con su maestro, Arnold Schoenberg. Este era una década mayor y Berg lo reverenciaba. El compositor más joven aprendió mucho del mayor, pero el estudiante también fue víctima de lo que no podemos menos que llamar maltrato. Schoenberg era dictatorial, exigente y autoritario. Berg, que estaba lejos de tener la confianza en sí mismo que tenía su maestro, no escatimó esfuerzos para conservar la buena voluntad de Schoenberg respecto de él.

Schoenberg obligaba a sus estudiantes a trabajar no solamente en proyectos muy extensos en cuanto a la armonía tradicional y el contrapunto, sino que también les exigía asistir a conciertos, revisar sus partituras, hacer reducciones para piano de sus obras orquestales, dirigir ensayos y escribir notas de programas muy extensas. Berg fue un aprendiz, si no un esclavo. Sin embargo, el estudiante de buen grado asumía todo este trabajo, parte del cual realizó sin recibir ninguna paga, aunque le quedara mucho menos tiempo del necesario para ocuparse de sus propias composiciones. Schoenberg le pidió a Berg que realizara una versión para piano de los masivos Gurrelieder, que copiara la mayoría de las partes orquestales para el estreno de esta obra, que ensayara con el coro y que escribiera un opúsculo de 100 páginas analizando la pieza. Aunque a Berg le llevó más de un año concluir estos proyectos, Schoenberg no pareció satisfecho con los resultados. En lugar de demostrar gratitud, el compositor mayor ignoró a Berg desdeñosamente y en una ocasión le dejó esperando largo tiempo a la puerta antes de aceptar recibirle.

Berg se sentía herido por el mal humor de su maestro pero aceptaba cualquier maltrato que Schoenberg le infligiera. En particular, este le ofendió mucho cuando, al decidir mudarse de Viena a Berlín, le encargó en el último momento a su discípulo hacerse cargo de todos los arreglos correspondientes a la mudanza y atender sus asuntos legales en Viena. El compositor más joven hizo todo lo que se le pidió sin quejarse. Incluso fue más allá, reuniendo dinero para su maestro. Se refería a Schoenberg como a un genio cuya música era un milagro. Si Berg experimentó alguna vez resentimiento, nunca lo manifestó. Después de que Schoenberg se mudara a Berlín, Berg se quedó solo como compositor.

Continuó su correspondencia con Schoenberg y trató de arreglar presentaciones de la música de Schoenberg en Viena. Después de algún tiempo visitó a este en Berlín, donde recibió una desdeñosa crítica de sus canciones Altenberg y de las Cuatro Piezas para Clarinete y Piano, la primera obra musical que había escrito lejos de su maestro. Schoenberg también se quejó de la escasa productividad de Berg (de la cual era, en parte, responsable). El antiguo estudiante escribió a su maestro con su característica autonegación: "Debo agradecerle su crítica tanto como todo lo que usted me ha dado; sé que es por mi bien. No necesito decirle que el gran dolor que me causó es una prueba de que he tomado sus críticas muy a pecho."

"Todo estudiante mío debe escribir una sinfonía", dijo una vez Schoenberg y así Berg, decidido a recuperar la aprobación de su anterior maestro, se puso a trabajar en una gran composición orquestal que iba a dedicar a Schoenberg en el cuadragésimo cumpleaños de este último. Berg escribió: "Usted mismo sabe, querido señor Schoenberg, que soy siempre consciente -no podría ser consciente de nada más- de ser el alumno que le obedece en todos los aspectos y que sabe que cualquier cosa que pudiera hacer en contra de sus deseos sería un error. Si en las últimas semanas he pensado tanto y tan intensamente en la sinfonía, es en gran medida porque deseaba ponerme al día con todo lo que hubiera escrito en el caso de haber seguido bajo su dirección si usted hubiera permanecido en Viena."

La obra, que en realidad no quedó terminada hasta que Schoenberg tenía casi 41 años, fue las Tres Piezas para Orquesta, Opus 6. Para el cuadragésimo cumpleaños de Schoenberg este recibió, en lugar de la sinfonía que de ninguna manera había exigido, una carta de disculpas del todavía poco prolífico Berg.

"Durante años ha sido mi secreto pero persistente deseo dedicarle algo a usted. Las obras compuestas bajo su supervisión... no sirven a tal propósito, ya que las recibí directamente de usted. Mí esperanza en el sentido de escribir algo más independiente y sin embargo tan bueno como esas primeras composiciones (algo que pudiera dedicarle con confianza, sin provocarle disgusto) a menudo se ha visto frustrada... No puedo decirle hoy si he tenido éxito o si el intento ha fracasado. De ser este último el caso, usted, en su paternal benevolencia, tendrá que aceptar de todas maneras la buena intención de esta obra. De verdad he procurado dar lo mejor de mí y seguir sus consejos. En esta empresa fue de inmensa ayuda la inolvidable experiencia de... el minucioso estudio de sus piezas orquestales, lo que también ha agudizado más y más mi autocrítica... Esta es la razón por la cual no he podido terminar a tiempo la partitura de la segunda de las tres piezas, Rondas, y el porqué de que haya tenido que dejarla para después, cuando probablemente esté en condiciones de cambiar en ella lo que no está bien,"

Schoenberg aparentemente nunca respondió a esta carta ni a la dedicatoria de la partitura completa que llegó un año más tarde.

Es difícil explicar adecuadamente la extraña relación entre estos dos grandes maestros de la música de principios del siglo XX. Schoenberg era un paranoico capaz de volverse en contra de su amigo más confiado a la menor provocación. Sin embargo, también creía profundamente en el genio de Berg y se veía a sí mismo como un maestro exigente encargado de moldear el talento de su colega más joven. Berg, por otra parte, era inseguro y parece haber medrado con las críticas de Schoenberg tanto como con sus enseñanzas. La interacción psicológica entre estos dos hombres fue compleja, tanto como lo fue su música. Lo interesante de esto es que no hubo verdadera influencia musical. Quizá lo que realmente fastidiaba a Schoenberg era que el estilo de Berg se parecía mucho más al de Debussy y al de Mahler que al suyo propio. Aunque Berg manifestó haber aprendido mucho de las Cinco Piezas para Orquesta, Opus 16, de Schoenberg, al escribir su propia obra, Tres Piezas, la música de Berg suena más próxima al mundo expresivo de la Sexta y Tercera Sinfonías de Mahler y por momentos al mundo armónico y orquestal del impresionismo francés.

Berg, Schoenberg y Webern a menudo han sido llamados la Segunda Escuela Vienesa (la Primera comprende a Haydn, Mozart y Beethoven). En los tiempos en que esta disonante y expresiva música era nueva, parecía una ruptura revolucionaria con el pasado. En la música de sus últimos tiempos, estos compositores usaron el método de composición dodecafónico para crear obras claramente relacionadas con la tradición: algunos ejemplos de esto son los Conciertos para Violín de Berg y de Schoenberg. A veces se sugiere que Schoenberg fue el innovador, que Berg relacionó los adelantos de Schoenberg con el pasado y que Webern los relacionó con el futuro. Hay algo de verdad en esta simplificación. Como lo señalara la biógrafa de Berg, Karen Monson, en las Tres Piezas, "Berg logró producir la obra que era tan necesaria pero que ni Schoenberg ni Webern habían sido capaces de hallar; la obra que marca el límite entre la corriente principal de fines del siglo XIX y principios del siglo XX y la fracción de avanzada denominada la Nueva Escuela Vienesa."

El lazo más fuerte con el pasado inmediato que encontramos en las Tres Piezas es con Mahler, un compositor al que Berg reverenció y que había muerto dos años antes de que Berg comenzara a escribir las Tres Piezas. Hay similitudes superficiales respecto de Mahler en algunas de las líneas melódicas de la Opus 6, la manera de orquestar, el tamaño de la orquesta (aunque el contrapunto de Berg es más denso, aun después de que la orquestación se afinó en la versión de 1929) y el uso de los golpes de martillo en el Final (que recuerdan el poderoso final de la Sexta Sinfonía de Mahler, de la cual Berg una vez dijo: "No hay sino una sola Sexta, a pesar de la Pastoral de Beethoven). La percusión en la apertura y el cierre de la primera pieza recuerda a la Tercera Sinfonía de Mahler y las figuras de vals estilizadas de la segunda pieza no se apartan mucho de los movimientos de tipo folclórico de varias de las sinfonías de Mahler. La pieza final, la marcha, está muy cerca de este compositor, con sus fanfarrias, sus redobles de tambor y sus ritmos de marcha.

El Preludio comienza con sonidos indefinidos de percusión suave. La sonoridad se hace más clara gradualmente y más focalizada, culminando en una bella melodía de violín. El movimiento continúa creciendo, llegando a su climax más alto en el medio. Entonces va muriendo gradualmente y termina como comenzó, sólo con la percusión. La forma de arco así creada sugiere el interés de Berg en los últimos años por los "retrógrados", música que es la misma cuando se la ejecuta de atrás para adelante.

Berg declaró que Rondas era un estudio para la Escena de la Posada de su ópera Wozzeck. La atmósfera del vals austríaco en ningún momento está lejos en este movimiento, lo que por momentos suena como un tratamiento surrealista del lenguaje de Johann Strauss.

La pieza final es tan larga como las otras dos juntas. Es una versión feroz y agitada de la marcha: densa, compleja y potente. El biógrafo de Berg, Mosco Carner, ve en este movimiento una relación no sólo con Mahler sino también con Schubert: "Ambos [Mahler y Berg] parecen haber interpretado la marcha como el símbolo de un destino inexorable y cruel, [pero] el primero en ver en el ritmo de la marcha la corporización de una idea poética, es decir, la vida como un interminable y triste deambular sobre la tierra, fue Schubert." Varias influencias -el lirismo conmovedor de Schubert, la singular visión de Mahler, la disonancia libre de Schoenberg y los colores sensuales de Debussy- convergen para hacer de las Tres Piezas para Orquesta de Berg una obra de extraordinaria potencia y belleza.

Texto tomado de www.hagaselamusica.com

La Suite Lírica (título original en alemán: Lyrische Suite für Streichquartett) es una obra musical en seis movimientos escrita para cuarteto de cuerda por el compositor austríaco Alban Berg entre los años 1925 y 1926, utilizando métodos derivados de la técnica dodecafónica desarrollada por su maestro Arnold Schönberg. Aunque al ser publicada fue dedicada a Alexander von Zemlinsky (quien es citado en la Suite), se ha descubierto que la obra posee una "dedicatoria secreta", a su amante Hanna Fuchs-Robettin así como también hay evidencias de que posee un programa oculto. El propio Berg arregló tres números para orquesta de cuerda.

Análisis musical

De acuerdo con Erwin Stein, amigo de Berg y discípulo también de Schönberg, «La obra (I y IV parte, la parte principal de la III y la sección central de la V) fue escrita con estricta observancia a la técnica dodecafónica de Schönberg. Un grupo de 12 tonos diferentes constituyen la materia prima de la obra, y las partes que son tratadas de manera más "libre" aun así guardan cierta relación con esta técnica.»

Según René Leibowitz (1947) la obra «está completamente escrita utilizando la técnica dodecafónica, posee forma sonata pero sin sección de desarrollo. La reexposición aparece directamente seguida a la exposición. Sin embargo, debido a la tan avanzada técnica de variación empleada en el método dodecafónico, "todo" está en este movimiento en perpetuo desarrollo.»

Sin embargo, el primer análisis musical de la obra fue realizado por Hans Redlich en 1957, quien advierte que «el primer movimiento de la 'Suite Lírica' se desarrolla a partir del desorden de los intervalos del primer compás, notas las cuales, colocándolas horizontalmente, presentan la escala cromática completa, y a partir de aquí en los compases siguientes, aparece la Serie Básica de manera ya temática.»

Theodor Adorno llamó a este cuarteto «una ópera latente» describe «el vocalismo oculto de la 'Suite Lírica', a pesar de no tener conocimiento de la utilización de materiales de Baudelaire en el último movimiento, descifrado por Douglas M. Green en 1976 de lo que George Perle llama "notaciones crípticas de Berg".» Perle descubrió una copia completa de la primera edición con anotaciones de Berg hechas para Hanna Fuchs-Robettin, la hermana de Franz Werfel, con quien Berg tuvo una relación amorosa en la década de 1920.

Berg utilizó el motivo La-Si-Sib-Fa (A-B-H-F en notación germana), para combinar Alban Berg (A.B.) y Hanna Fuchs-Robettin (H.F.). Esto se hace notar sobre todo en el tercer movimiento. Berg también cita una melodía de la Sinfonía Lírica de Alexander von Zemlinsky en el cuarto movimiento, que originalmente utilizaba las palabras "tú eres mío". En el último movimiento, de acuerdo con el propio análisis de Berg, «el total del material, también el elemento tonal... así como el "motivo de Tristán" es desarrollado "bajo estricta observancia de la serie dodecafónica.»

Alban Berg fue soldado del ejército austríaco en la Primera Guerra Mundial. Al principio tenía gran entusiasmo por la victoria de Austria y Alemania. Pero volvió de la Guerra con un profundo antimilitarismo que plasmó en su genial ópera Wozzeck terminada en 1922 que encierra una dura crítica a los trastornos psicológicos causados a un soldado que mata a su mujer y se suicida.

En la imagen Berg con otros soldados en 1916. Berg, que medía 1.86, es el más alto de la foto (tercero por la derecha).

Alban Berg tenía una relación particular con su maestro, Arnold Schoenberg. Este era una década mayor y Berg lo reverenciaba. El compositor más joven aprendió mucho del mayor, pero el estudiante también fue víctima de lo que no podemos menos que llamar maltrato. Schoenberg era dictatorial, exigente y autoritario. Berg, que estaba lejos de tener la confianza en sí mismo que tenía su maestro, no escatimó esfuerzos para conservar la buena voluntad de Schoenberg respecto de él.

Schoenberg obligaba a sus estudiantes a trabajar no solamente en proyectos muy extensos en cuanto a la armonía tradicional y el contrapunto, sino que también les exigía asistir a conciertos, revisar sus partituras, hacer reducciones para piano de sus obras orquestales, dirigir ensayos y escribir notas de programas muy extensas. Berg fue un aprendiz, si no un esclavo. Sin embargo, el estudiante de buen grado asumía todo este trabajo, parte del cual realizó sin recibir ninguna paga, aunque le quedara mucho menos tiempo del necesario para ocuparse de sus propias composiciones.

Schoenberg le pidió a Berg que realizara una versión para piano de los masivos Gurrelieder, que copiara la mayoría de las partes orquestales para el estreno de esta obra, que ensayara con el coro y que escribiera un opúsculo de 100 páginas analizando la pieza. Aunque a Berg le llevó más de un año concluir estos proyectos, Schoenberg no pareció satisfecho con los resultados. En lugar de demostrar gratitud, el compositor mayor ignoró a Berg desdeñosamente y en una ocasión le dejó esperando largo tiempo a la puerta antes de aceptar recibirle.

Berg se sentía herido por el mal humor de su maestro pero aceptaba cualquier maltrato que Schoenberg le infligiera. En particular, este le ofendió mucho cuando, al decidir mudarse de Viena a Berlín, le encargó en el último momento a su discípulo hacerse cargo de todos los arreglos correspondientes a la mudanza y atender sus asuntos legales en Viena. El compositor más joven hizo todo lo que se le pidió sin quejarse. Incluso fue más allá, reuniendo dinero para su maestro. Se refería a Schoenberg como a un genio cuya música era un milagro. Si Berg experimentó alguna vez resentimiento, nunca lo manifestó. Después de que Schoenberg se mudara a Berlín, Berg se quedó solo como compositor.

Continuó su correspondencia con Schoenberg y trató de arreglar presentaciones de la música de Schoenberg en Viena. Después de algún tiempo visitó a este en Berlín, donde recibió una desdeñosa crítica de sus canciones Altenberg y de las Cuatro Piezas para Clarinete y Piano, la primera obra musical que había escrito lejos de su maestro. Schoenberg también se quejó de la escasa productividad de Berg (de la cual era, en parte, responsable). El antiguo estudiante escribió a su maestro con su característica autonegación: "Debo agradecerle su crítica tanto como todo lo que usted me ha dado; sé que es por mi bien. No necesito decirle que el gran dolor que me causó es una prueba de que he tomado sus críticas muy a pecho."

"Todo estudiante mío debe escribir una sinfonía", dijo una vez Schoenberg y así Berg, decidido a recuperar la aprobación de su anterior maestro, se puso a trabajar en una gran composición orquestal que iba a dedicar a Schoenberg en el cuadragésimo cumpleaños de este último. Berg escribió: "Usted mismo sabe, querido señor Schoenberg, que soy siempre consciente -no podría ser consciente de nada más- de ser el alumno que le obedece en todos los aspectos y que sabe que cualquier cosa que pudiera hacer en contra de sus deseos sería un error. Si en las últimas semanas he pensado tanto y tan intensamente en la sinfonía, es en gran medida porque deseaba ponerme al día con todo lo que hubiera escrito en el caso de haber seguido bajo su dirección si usted hubiera permanecido en Viena."

La obra, que en realidad no quedó terminada hasta que Schoenberg tenía casi 41 años, fue las Tres Piezas para Orquesta, Opus 6. Para el cuadragésimo cumpleaños de Schoenberg este recibió, en lugar de la sinfonía que de ninguna manera había exigido, una carta de disculpas del todavía poco prolífico Berg.

"Durante años ha sido mi secreto pero persistente deseo dedicarle algo a usted. Las obras compuestas bajo su supervisión... no sirven a tal propósito, ya que las recibí directamente de usted. Mí esperanza en el sentido de escribir algo más independiente y sin embargo tan bueno como esas primeras composiciones (algo que pudiera dedicarle con confianza, sin provocarle disgusto) a menudo se ha visto frustrada... No puedo decirle hoy si he tenido éxito o si el intento ha fracasado. De ser este último el caso, usted, en su paternal benevolencia, tendrá que aceptar de todas maneras la buena intención de esta obra. De verdad he procurado dar lo mejor de mí y seguir sus consejos. En esta empresa fue de inmensa ayuda la inolvidable experiencia de... el minucioso estudio de sus piezas orquestales, lo que también ha agudizado más y más mi autocrítica... Esta es la razón por la cual no he podido terminar a tiempo la partitura de la segunda de las tres piezas, Rondas, y el porqué de que haya tenido que dejarla para después, cuando probablemente esté en condiciones de cambiar en ella lo que no está bien,"

Schoenberg aparentemente nunca respondió a esta carta ni a la dedicatoria de la partitura completa que llegó un año más tarde.
Es difícil explicar adecuadamente la extraña relación entre estos dos grandes maestros de la música de principios del siglo XX. Schoenberg era un paranoico capaz de volverse en contra de su amigo más confiado a la menor provocación. Sin embargo, también creía profundamente en el genio de Berg y se veía a sí mismo como un maestro exigente encargado de moldear el talento de su colega más joven. Berg, por otra parte, era inseguro y parece haber medrado con las críticas de Schoenberg tanto como con sus enseñanzas. La interacción psicológica entre estos dos hombres fue compleja, tanto como lo fue su música. Lo interesante de esto es que no hubo verdadera influencia musical.

Quizá lo que realmente fastidiaba a Schoenberg era que el estilo de Berg se parecía mucho más al de Debussy y al de Mahler que al suyo propio. Aunque Berg manifestó haber aprendido mucho de las Cinco Piezas para Orquesta, Opus 16, de Schoenberg, al escribir su propia obra, Tres Piezas, la música de Berg suena más próxima al mundo expresivo de la Sexta y Tercera Sinfonías de Mahler y por momentos al mundo armónico y orquestal del impresionismo francés.

Berg, Schoenberg y Webern a menudo han sido llamados la Segunda Escuela Vienesa (la Primera comprende a Haydn, Mozart y Beethoven). En los tiempos en que esta disonante y expresiva música era nueva, parecía una ruptura revolucionaria con el pasado. En la música de sus últimos tiempos, estos compositores usaron el método de composición dodecafónico para crear obras claramente relacionadas con la tradición: algunos ejemplos de esto son los Conciertos para Violín de Berg y de Schoenberg. A veces se sugiere que Schoenberg fue el innovador, que Berg relacionó los adelantos de Schoenberg con el pasado y que Webern los relacionó con el futuro. Hay algo de verdad en esta simplificación.

Como lo señalara la biógrafa de Berg, Karen Monson, en las Tres Piezas, "Berg logró producir la obra que era tan necesaria pero que ni Schoenberg ni Webern habían sido capaces de hallar; la obra que marca el límite entre la corriente principal de fines del siglo XIX y principios del siglo XX y la fracción de avanzada denominada la Nueva Escuela Vienesa."

En la imagen Schoenberg (de frente) y Berg,

Texto tomado de www.hagaselamusica.com

Berg nació en Viena, el tercero de cuatro hijos de Conrad Berg, un comerciante y exportador acomodado procedente de Núremberg, que tenía una tienda de libros, objetos de arte y artículos religiosos cerca de la iglesia de San Esteban, y Johanna Braun, hija de un joyero imperial. El mayor de sus hermanos, Hermann, emigró a Estados Unidos, pero los otros dos, Charly (Karl Bernhard) y Esmeralda, la única mujer, fueron sus compañeros de infancia. Su familia, de formación católica, vivió muy confortablemente hasta la muerte de su padre, el 30 de marzo de 1900.

Berg tenía más interés por la literatura que por la música de niño, y comenzó a componer lieder y dúos desde los quince años, con la educación musical tradicional que tuvo. Su hermana, excelente pianista, le introdujo en la música francesa contemporánea (Claude Debussy y Maurice Ravel sobre todo). En 1903 suspendió en los exámenes finales, lo que ocasionó una depresión que le llevó a un intento de suicidio. Al aprobarlos después, inició una práctica como auxiliar en contabilidad, en Statthalterei, en la Baja Austria, mientras, simultáneamente, asistía a lecturas de Derecho y Musicología.

El encuentro con Schönberg
En 1904, Charly, hermano de Berg, llevó la música de algunos lieder a Schönberg, quien gratamente sorprendido, se ofreció para darle clases, que comenzaron desde octubre de aquel año (gratuitas hasta 1906 debido a su precaria situación económica). En ellas conoció a Anton Webern.

En 1906 adquirió una herencia que le permitió vivir más holgadamente y dedicarse intensamente a sus estudios. En ese mismo año conocía a Helene Nahowski, cantante e hija de una familia acomodada y su futura esposa. En un recital en Viena el 7 de noviembre de 1907 ofreció los estrenos públicos de 3 lieder (que luego incluiría en sus Sieben frühe Lieder) y una fuga con cuarteto de cuerdas y piano. En todas estas primeras obras, Berg reveló la influencia del romanticismo y el postromanticismo alemán (Schumann, Wagner, Brahms, Hugo Wolf, su maestro Schoenberg) y también del impresionismo francés (Debussy).

En 1910 terminó sus estudios con Schönberg. Su obra de "graduación" fue la Sonata para piano catalogada como Op. 1; y según su profesor "una de las obras más formidables jamás escritas por un compositor". Cuando Schoenberg abandonó el uso de la tonalidad (que había sido el sistema principal usado en la música occidental durante varios siglos) y comenzó a experimentar en lo que se llamaría atonalidad, Berg y su colega Webern se unieron en esta búsqueda de posibilidades sonoras y que se evidencian en sus Cuatro Lieder Op. 2 y su Cuarteto de cuerdas Op. 3. Durante toda su vida, Berg tuvo una gran amistad y estima hacia su maestro Arnold Schoenberg, a quien lo consideraba como un padre. También su compañero de clases Anton Webern fue un gran amigo suyo.

Un concepto importante que Schoenberg le enseñó es lo que se conocería después como variación continua, que consiste en que la unidad de una pieza depende de que todos los aspectos de ella deriven de una sencilla idea básica. Berg también transmitió esta idea a sus alumnos; uno de ellos, el filósofo Theodor Adorno dijo: "El principio más importante que me enseñó es el de la variación: se asume que todo debe desarrollarse y ser además intrínsecamente diferente." La Sonata es un impactante ejemplo de trabajo de esta idea: toda la composición se deriva del motivo inicial de cuartas y de la frase inicial.

Inicios como compositor
Berg formó parte de la élite cultural de Viena durante el período conocido como el fin de siècle. Este círculo incluyó a músicos como Alexander von Zemlinsky y Franz Schreker, el pintor Gustav Klimt, el escritor y satírico Karl Kraus, el arquitecto Adolf Loos y el poeta Peter Altenberg. El 14 de abril de 1911, estrenó su Sonata para piano y su Cuarteto de cuerdas, el 3 de mayo se casaba con Helene Nahowski, pese a la abierta hostilidad de su familia. De su idilio se conservan unas cartas de amor muy famosas. El 18 de mayo moría Gustav Mahler, el gran director y compositor austríaco, a quien Berg admiraba profundamente y que ejerció una poderosa influencia en su música.

En 1912 comenzó a componer música para unos textos de Peter Altenberg, singular poeta vienés que escribía breves poesías en postales que regalaba a sus amigos. En aquellos años, los miembros de la Trinidad Vienesa comenzaron a experimentar con la forma musical, escribiendo obras de extremada concisión y densidad y por lo tanto muy cortas; también compuso en este estilo (llamado estilo aforístico), sus Cuatro piezas para clarinete y piano en 1913. Precisamente, el 31 de marzo de ese año, se preparó el estreno de los Altenberg-Lieder Op. 4 para un concierto dedicado exclusivamente a obras de los alumnos de Schoenberg y dirigido por éste. La extrañeza de las piezas y la discreción del uso de la enorme orquesta sinfónica terminaron por causar un escándalo que interrumpió el concierto - las canciones serían terminadas de "estrenar" en 1952.

Wozzeck

El 14 de mayo de 1914 Berg asistió a una representación teatral de Woyzeck (en ese tiempo se llamaba Wozzeck debido a un error de edición), drama inconcluso del entonces recién descubierto escritor alemán Georg Büchner y decidió componer música con él. Sin embargo, este proyecto se vio interrumpido por la Primera Guerra Mundial. Berg fue llamado a servir en la Armada del Imperio austrohúngaro. Debido a su salud enfermiza, fue enviado al Ministerio de Guerra. Ahí comenzó a trabajar en su futura obra.

Terminada la guerra, en 1918 Schoenberg fundaba la Sociedad para Ejecuciones Musicales Privadas, que buscaba crear un ambiente ideal para la exploración de música nueva no apreciada y poco familiar mediante ensayos públicos, ejecuciones repetidas, y la exclusión de todos los críticos profesionales, en la que Berg colaboraría asiduamente. En 1920 Berg tuvo una exitosa actividad como escritor, por un tiempo dudó de si seguir componiendo o enfocarse en escribir. También impartía clases privadas, siendo uno de sus alumnos el después brillante filósofo Adorno.

En 1921 terminaba su ópera Wozzeck. Al año siguiente publicaba la partitura de la reducción para piano de su ópera con el aporte económico de su gran amiga Alma Mahler, la viuda del compositor. En 1923 firmaba un contrato para la publicación de su obra con Universal Edition (hasta hoy en día se encarga de ello).

Debido que los teatros de ópera rechazaban estrenar su obra, el director Hermann Scherchen sugirió que escribiese una especie de suite sinfónica para llamar la atención del público y los empresarios por su reciente obra. Estrenó entonces en 1924 en Frankfurt sus Tres escenas de Wozzeck para soprano y orquesta, que tuvo un gran éxito, y permitió el estreno de la ópera completa el 14 de diciembre de ese mismo año en la Ópera Estatal de Berlín por el director Erich Kleiber. Wozzeck consagró internacionalmente al compositor, que se dedicó en los años siguientes a viajar por toda Europa para supervisar las representaciones de su ópera y dar conferencias: Praga en 1926, Leningrado en 1927, Oldenburgo en 1929 y 25 veces más durante el resto de su vida. También le permitió vivir con mayor holgura.

Dodecafonismo

En 1923, Schoenberg anuncia su último descubrimiento: la técnica dodecafónica. Inmediatamente sus alumnos comenzaron a usarla, la primera obra en que la emplearía sería en la re-musicalización de "Schliesse mir die Augen beide" (cierra mis dos ojos). La puso libre y parcialmente en práctica en su Suite Lírica (1925) para cuarteto de cuerda, obra que llevaba oculta su relación extramatrimonial con Hanna Fuchs-Robettin. Esta obra sería estrenada por el famoso Cuarteto Kolisch el 8 de enero de 1927, y después a pedido de su editorial haría un arreglo de 3 movimientos para orquesta de cuerdas. Berg siempre usó el dodecafonismo en forma muy libre, violando las ortodoxas reglas que puso inicialmente Schoenberg, dándole un particular color tonal. En esa época también el Concierto de cámara que dedicaba al cincuentenario de su maestro Schoenberg, y en la que como era su costumbre, colocaba una serie de símbolos, alusivos a la Trinidad Vienesa.

En 1927 consideraba musicalizar el cuento fantástico de Gerhart Hauptmann Und Pippa tanzt. Finalmente se decide a poner música en 1928 al tema de Lulu del dramaturgo Frank Wedekind que había visto en escena en 1905. En 1929 escribe por encargo una aria de concierto Der Wein (El vino), basado en poemas de las Las flores del mal de Charles Baudelaire traducidos por Stefan George. En 1930 fue nombrado miembro de la Academia de las Artes de Prusia. Dos años después compraba una residencia de verano en Wörthersee.

Lulu y el final

Berg se dedicaba intensamente a la composición de su nueva ópera. Dedicó para el cincuentenario de Anton Webern el Lied der Lulu que terminó el 3 de diciembre de 1933. Con la Anschluss (anexión) de Austria por la Alemania de Hitler, y con la censura nazi de los estilos musicales considerados Entartete Kunst (arte degenerado), Berg pasó serias dificultades económicas. Además sufrió el exilio de su gran amigo Schoenberg por el creciente antisemitismo.

En abril de 1934, estaba culminando la composición de Lulu. El estreno mundial es programado para Berlín por el director Erich Kleiber. Compuso entonces, al igual que para Wozzeck, la Lulu Suite que se estrenó el 30 de noviembre en la Ópera Estatal de Berlín con Erich Kleiber.

Debido a las hostilidades contra Kleiber y la campaña de la prensa, éste emigró en enero del año siguiente. Las obras de Berg fueron prohibidas en Alemania. Entonces interrumpe la composición de Lulu (faltaba la orquestación de los últimos actos) desde abril hasta agosto de 1935 para componer su Concierto para violín, dedicado a la hija del matrimonio de Alma Mahler con Walter Gropius, Manon, que había muerto paralizada por poliomielitis.

En nochebuena de ese mismo año, Berg fallece de una septicemia causada al parecer por una picadura de abeja, dejando Lulu inconclusa - el acto III sería orquestado después por el compositor austríaco Friedrich Cerha el 24 de febrero de 1979 en París, bajo la dirección de Pierre Boulez. Su Concierto para violín "Dem Andenken eines Engels" (a la memoria de un ángel) sería estrenado póstumamente el 19 de abril de 1936 por el violinista Louis Krasner y el director Hermann Scherchen en Barcelona.

En la imagen Berg con su esposa Helena en Venecia.

1. ¿Cómo fue la relación de Berg con las mujeres?

Berg siempre tuvo una gran atracción por el sexo femenino y fue un conquistador con numerosas amantes. Era un hombre muy apuesto que medía 1.86, una altura excepcional para la época. Estaba delgado. Además, era una persona muy educada con muy buenos modales y un extraordinario nivel cultural especialmente en música y en literatura. Su carácter era también muy agradable y tenía gran poder de seducción, tanto respecto a los hombres como respecto a las mujeres. Su compañía era muy atractiva.

2. ¿Cuál fue la primera relación de Berg?

Su primera relación fue con una empleada doméstica de la casa de su madre. Tanto él como ella tenían 17 años. Fruto de esta relación nació una hija que se llamo Albina. Berg se desentendió completamente de la niña y no tuvo relaciones con ella. Fue su única descendencia.

3. ¿Con quién se casó Berg?

Berg se casó con una mujer que se llamaba Helena. La madre de Helena había sido amante durante muchos años del famoso emperador Francisco I de Austria casado con Sisi. La realidad de la vida del emperador no tiene nada que ver con la imagen edulcorada que nos ofrecen las tres películas de Sisi. El emperador puso a la madre de Helena un piso en Viena y la visitaba todos los días a las cuatro de la madrugada. Su relación era puramente sexual y nunca salían juntos.

El emperador nunca reconoció a Helena como hija suya y no tuvo relaciones con ella.

La circunstancia de que Helena era hija del emperador era conocida por todas las personas que rodeaban a Berg. A Helena le encantaba que le llamaran alteza. No se hizo de dominio público este hecho hasta que Alma Mahler, la esposa de Mahler que era muy amiga de los Berg, lo recogió en sus memorias.

Los Berg en sus inicios fueron un matrimonio ideal. A los dos les encantaba la música y en especial la música de Mahler que estudiaban juntos. Muchas veces se les veía en el autobús yendo a los conciertos y revisando la partitura de la sinfonía de Mahler que se iba a interpretar.

Pero el problema es que Alban Berg no se conformaba con una sola mujer. Era mujeriego, tenía amantes y se enamoró perdidamente de una de ellas que se llamaba Hanna Fuchs.
Alban simultaneó las dos relaciones. No dejó a su mujer pero mantuvo la relación con su amante. Fue fácil porque ella también estaba casada.

Helena sobrevivió a su marido 40 años. Berg murió con 50 y ella con 90. Prohibió que nadie completara su ópera Lulú que Berg había dejado prácticamente terminada porque le traía recuerdos de su relación con Hanna. Completar la ópera hubiera supuesto para ella muchísimos más ingresos porque Berg solo tenía otra ópera más y el tema de Lulú era más atractivo. Helena hubiera podido ganar mucho dinero con los derechos de autor pero no quiso que la ópera se terminara.

4. ¿Cómo fue la relación de Berg con Hanna Fuchs?

Los dos estaban casados por lo que llevaban su relación con discreción. Hanna era hermana de Franz Werfel, el tercer esposo de Alma Mahler, la mujer de Gustav Mahler en su primer matrimonio.

Los Werfel Mahler conocían la relación de Hanna con Berg. Y les ayudaron en todo lo que pudieron facilitando sus encuentros y con excusas que sirvieran para tranquilizar al marido de Hanna y a la esposa de Berg.

Berg inmortalizó su relación con Hanna en la suite lírica. Las notas en alemán no son do re mi fa sol la si sino a b c d e . La obra está llena de referencias en notas a los nombres de Hanna y de Berg. Todo está escrito en clave pero es evidente que hace referencia a la relación de amor entre ambos. Las mismas referencias se contienen en la ópera Lulú en la que el protagonista Alwa es en realidad Alban y la protagonista Lulú es en realidad Hanna.

Para gran enfado de la esposa de Berg, tras la muerte de su marido, Hanna quedó depositaria de varias partituras originales y Alma Mahler hizo oficial la relación que había mantenido Hanna, hermana de su marido, con Berg.

En la imagen Hanna Fuchs.

Berg tenía especial afecto por su hermana Smaragda que era lesbiana. En su ópera "Lulu" la Condesa Geshwitz que es lesbiana es en realidad Smaragda. Es la única que ama incondicionalmente y de verdad a Lulu.

En la imagen la hermana de Berg retratada por Richard Gerstl , el pintor amante de la esposa de Schoenberg que se suicido con 22 años de edad tras mantener una relación con ella.

1. ¿Cómo fue la infancia de Berg?

Berg nació en una familia de Viena de alto nivel económico. Su padre tenía un próspero negocio de exportación con el que ganaba mucho dinero. Su madre tenía una tienda de artículos religiosos en la que vendía biblias, rosarios y crucifijos. Entre los clientes de aquella tienda estaba el famoso compositor Anton Bruckner que vivía muy cerca. El propio Berg siempre contaba la anécdota de que Bruckner fue a la tienda un día para que le arreglaran un crucifijo. Era un objeto muy especial que tenía un brazo articulado para girarlo hacia él y poder besar al Señor. El mecanismo se había roto y Bruckner quiso que se restaurara. Al ir a recogerlo insistió que habían recortado el crucifijo y llevó mucho tiempo persuadirle que el crucifijo en realidad tenía las mismas dimensiones que antes.

Berg ayudaba a veces a su madre en la tienda y tenía una excelente relación con sus padres.

2. ¿Qué notas tenía Berg en el colegio?

Berg fue muy mal estudiante. Pasaba todo su tiempo leyendo libros y estudiando música. No le interesaban nada los temas del colegio y suspendía muchas asgnaturas. Por ello tuvo que repetir dos cursos completos.

Cuando tenía 15 años falleció su padre y la situación económica de la familia empeoró mucho. Berg tuvo que ponerse a trabajar en un banco. Por ello le dedicó todavía menos tiempo a los estudios y acabó suspendiendo el examen de bachillerato lo que le ocasionó una gran depresión

3. ¿Cómo fue su juventud?

En la juventud, ya abandonados los estudios, Berg seguía trabajando en el banco y dedicaba todo su tiempo a la música. Cuando tenía 17 años conoció a Schoenberg y quedó completamente admirado . Schoenberg se convirtió en su profesor. Reconoció el talento del que sería su alumno más genial y famoso y no le cobró nada por las clases.

4. ¿Cuál fue la intervención de Berg en la primera guerra mundial?

Berg fue soldado del ejército austriaco en la primera guerra mundial. Al principio tenía un gran entusiasmo y estaba muy ilusionado con la participación en la guerra. Le gustaba mucho que Austria y Alemania formaran una alianza. El entusiasmo se le fue pasando y sintió horror por todas las muertes. Fue dado de baja por motivos de salud debido a su asma. A su regreso a la vida civil llevó sus experiencias en la guerra a la ópera Wozzeck que encierra un profundo antimilitarismo

5. ¿Cuándo empezó a tener éxito Berg?

Sus primeras obras se representaron junto a las de Schoenberg y fueron un gran escándalo. El primer éxito llegó con la representación en Berlín de su primera ópera que se llamaba Wozzek. La ópera se representó muchas veces en diversas ciudades de Europa y Berg empezó a ganar dinero y a tener una situación económica muy desahogada.

6. ¿Se mantuvo el éxito de Berg?

Berg tuvo éxito hasta 1933. En ese año ganó Hitler las elecciones en Alemania. Hitler prohibió que se representaran todas las obras de Berg. Pasó a ser un compositor que estaba prohibido. Su amigo y profesor Schoenberg tuvo que huir de Alemania por ser judío y se fue a vivir a Los Ángeles, en Estados Unidos. Berg protestó ante la prohibición de sus obras diciendo que él no era judío. Pero el problema para Hitler no era que Berg fuera o no judío. Hitler detestaba la obra de Berg por lo que se mantuvo la prohibición. Berg se quedó sin ingresos.

7. ¿Cómo murió Berg?
Cuando solo tenía 50 años de edad le picó una abeja. La herida se infectó. Su esposa le dijo que no era nada y cuando se inició el tratamiento médico ya era tarde. Berg murió a los dos meses en el año 1935.

8. ¿Qué es la suite lirica?

La suite lirica es una obra que escribió Berg y es una de las más conocidas de su producción. Está escrita en clave secreta. En alemán las notas no son como en español, do re mi fa sol, sino que se escriben como a b c d e. Las notas de la obra juegan con los nombres de Berg y de su amante, llamada Hanna. Berg estaba casado pero mantenía una relación con Hanna de una manera oculta.

La obra también tiene referencias tomadas de otro compositor sobre el amor y está claro que Berg está hablando del amor que siente por Hanna.

La circunstancia de que la obra está relacionada con Hanna se demostró tras la muerte de Berg porque ella conservaba la partitura original con todas las anotaciones manuscritas del propio Berg referidas a ella.

9.. ¿Qué es el concierto a la memoria de un ángel?

El concierto a la memoria de un ángel es un concierto para violín de Berg. Es su última obra y su testamento musical. Muchos lo consideran el mejor concierto para violín del S. XX y algunos el mejor concierto para violín de la historia de la música.

Fue estrenado en Barcelona el 19 de abril de 1936, muy poco tiempo antes de que estallara la guerra civil en España. En esa época había un festival de música contemporánea en Barcelona todos los años. Cuando se estrenó Berg ya había muerto. El director del estreno iba a ser su amigo Webern pero no se sintió capaz por el dolor que le ocasionó la muerte de Berg.

La obra es un homenaje a Manon, hija de Alma Mahler. Tras morir su marido, Gustav Mahler, Alma se casó con un famoso arquitecto del S. XX llamado Gropius. Tuvieron una hija a la que pusieron por nombre Manon.

Berg, que tenía gran debilidad por las mujeres, estaba completamente fascinado con Manon que era una chica muy atractiva y culta. La relación fue solamente platónica dada la gran diferencia de edad. Berg tenía 50 años y Manon 18. Además Berg estaba casado y a la vez tenía una amante.

Berg tenía una gran amistad con Alma Mahler y por eso veía con mucha frecuencia a Manon.

Manon se puso muy enferma al poco tiempo de cumplir los 18 años. Los médicos no pudieron hacer nada para curarla y falleció.
Berg sintió una enorme tristeza por el fallecimiento de Manon. Su madre Alma Mahler también estaba desolada. Mientras estuvo casada con Gustav Mahler falleció otra hija, con solo cinco años de edad. Era la segunda hija que perdía.

El concierto está escrito en homenaje a Manon aunque se convirtió en el propio réquiem de Berg ya que fue su última partitura. Le pico una abeja, la herida se infecto, no le cuidaron bien y falleció.

Una de las muertes precoces más tristes de la historia de la música.

Nos podría haber deparado otras muchas obras geniales si hubiera vivido hasta los 90 años y hubiera muerto en 1975. Tendríamos un Berg posterior a la Segunda Guerra Mundial.

Esta enterrado con su esposa en el Cementerio de Hietzinger, Viena (Austria) muy cerca del pintor Gustav Klimt.

En la imagen el entierro de Berg. El compositor Ernst Krenek segundo esposo de Anna Mahler, hija de Gutav Mahler, dirige unas palabras a los asistentes. En el momento del funeral estaban divorciados. Anna era en 1935, cuando murió Berg, amante del Dictador de Austria Kurt von Schuschnigg.

Alban Berg vivió rodeado de personas para las que el sexo desempeñaba un papel esencial.

1. La madre de su esposa había sido amante del Emperador Francisco I Su relación era puramente sexual.

2. Su esposa se había criado con una madre entregada al sexo y no había conocido a su padre, el emperador.

3. Su hermana era lesbiana y lo proclamaba abiertamente algo muy infrecuente en la época.

4. Su mejor amiga Alma Mahler, esposa de Mahler se caso tres veces, tuvo numerosos amantes y fue adicta al sexo.

5. La hija de Alma Mahler, Anna, con la que mantenía una excelente relación se caso cinco veces y fue amante del Dictador de Austria Kurt Schuschnigg.

6. Su querida Manon Gropius (dedicataria de su última obra, el genial "Concierto para violín") era hija del arquitecto Walther Gropius que había sido amante de Alma Mahler cuando estaba casada con Mahler.

7. Mathilde, la esposa de su profesor Arnold Schoenberg, con el que mantenía una estrecha relación, abandonó a su marido por Richard Gerstl un pintor de 22 años que se suicido cuando su amada volvió con Schoenberg.

8.Su amante Hanna Fuchs era la hermana del tercer marido de Alma Mahler, Franz Werfel.

9. Alma Mahler y su esposo Franz Werfel ayudaron a Berg a mantener oculta su relación con Hanna Fuchs engañando al esposo de Hanna y a la esposa de Berg.

10. Con 17 años sedujo (o fue seducido) por una empleada doméstica de su madre. Se acostó con ella varias veces y tuvieron un hijo.

Con estos antecedentes antecedentes se entiende mejor que tuviera varias amantes y que compatibilizara la relación con su esposa y su amante Hanna Fuchs.

Esta agitada vida sexual tuvo un claro reflejo en su última y genial opera "Lulu".

1. Lulu es Hanna Fuchs, su amante.

2 . Alwa es Berg (Alwa y Alban)

3. El Doctor Schon y Jack (cliente de la prostituta Lulu) es Schoenberg

4. El Pintor y el Negro (cliente de la prostituta Lulu) es Richard Gerstl.

5. La Condesa Geschwitz es Smaragda Berg, hermana lesbiana de Berg.

6. Schigolch el padre de "Lulu" es el emperador Francisco I

7. El médico es toda la sociedad.

Schonberg rechazó completar la ópera porque reconoció el paralelismo entre personajes imaginarios y reales.

La esposa de Berg prohibió que se completará porque se dio cuenta que reflejaba la relación entre Berg y su amante.

En la imagen Barbara Hathingham es "Lulu" en una producción de la Opera La Monaie de Bruselas disponible en DVD.