Verdi. "I Masnadieri". Serie las óperas de Verdi nº 10. Hoy 10 de octubre de 1813 nace Verdi
I masnadieri (Los bandidos) es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Andrea Maffei, basado en Die Räuber de Friedrich von Schiller. Fue estrenada el 22 de julio de 1847 en el Teatro de Su Majestad en Londres.
Historia
Composición
En 1842 Benjamin Lumley asumió la administración de Her Majesty's Theatre, la sede tradicional de la ópera italiana en Londres. Tres años más tarde Ernani de Verdi recibió su primera producción británica en su teatro con gran aplauso del público lo que convenció a Lumley de que debía encargar una ópera a Verdi, quien entonces emergía como el compositor italiano más destacado, para un estreno mundial en Londres. Verdi aceptó la proposición de Lumley y la producción fue programada para el verano de 1846. Desafortunadamente, sin embargo, la salud de Verdi se deterioró y el estreno de la nueva obra tuvo que posponerse hasta 1847.
Durante este período de sanación, uno de los amigos íntimos de Verdi, Andrea Maffei, un distinguido poeta que había traducido tanto a Shakespeare como a Schiller al italiano, sugería que Macbeth y Die Rãuber de Schiller podrían ser temas operísticos adecuados. El propio Maffei trabajó en el libreto para la ópera de Schiller, que en italiano se convirtió en I masnadieri, mientras que Piave, uno de los libretistas habituales de Verdi, estaba ocupado proporcionando un texto adecuado para Macbeth.
Verdi al principio quería que I masnadieri se produjera durante la temporada de carnaval de 1847 en Florencia con el estreno de Macbeth en Londres más tarde aquel año. Desafortunadamente, sin embargo, no había un tenor apropiado en Florencia para el exigente papel de Carlo, de manera que Verdi decidió terminar Macbeth primero para una representación en Florencia y luego producir I masnadieri en Londres.
Representaciones
Verdi dejó Italia a finales de mayo de 1847 con su obra de Londres terminada, excepto la orquestación, que dejó hasta empezar a ensayar la ópera. El reparto reunido para el estreno de 22 de julio de 1847 fue del más alto estándar internacional. En particular, como lo más destacado de su primera temporada en Inglaterra, la gran soprano de coloratura sueca Jenny Lind fue contratada para crear el papel de Amalia, la heroína de la ópera.
La reina Victoria y el príncipe Alberto acudieron al estreno, junto con el duque de Wellington y cada miembro de la aristocracia británica y sociedad de moda fue capaz de obtener su admisión.
Después de considerable persuasión Verdi estuvo conforme en dirigir el estreno, que fue un éxito triunfante, y la prensa fue en líneas generales, generosa con sus alabanzas. Desafortunadamente, su éxito inicial no se repetiría en otros lugares; quizás (al menos en parte) por las inconsistencias y excesos del libreto.
La ópera se ha representado raramente en el siglo XX en adelante. En los Estados Unidos, la Ópera de San Diego la presentó durante su "Festival Verdi" en el verano de 1984 con Joan Sutherland en el papel de Amalia. Se dice que Vincent La Selva (ahora de la New York Grand Opera) dio su primera representación estadounidense en 127 años en 1994. Apareció en 1996 como parte del ciclo "Viva Verdi" de todas las óperas del compositor presentadas en orden cronológico.
La Ópera de Sarasota, una compañía que planea presentar todas las óperas de Verdi antes de 2013, presentó I masnadieri en 2006. Además, representaciones de concierto se han dado por la Orquesta de la Ópera de Nueva York en febrero de 1975 y en marzo de 1999 con el barítono ruso Dmitri Hvorostovsky. Más recientemente, se presentó por la Ópera de Zúrich en diciembre de 2010, con Fabio Sartori, Thomas Hampson e Isabel Rey, en los principales papeles, y la Ópera de Fráncfort en noviembre de 2008 y de nuevo en junio de 2011.5
Esta ópera se representa poco; en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 229 de las óperas representadas en 2005-2010, siendo la 68.ª en Italia y la decimonovena de Verdi, con 11 representaciones en el período.
Los bandidos (título original en alemán: Die Räuber) es un drama de cinco actos publicado en 1781 y escrito por Friedrich von Schiller. Está considerado como una de las últimas obras del Sturm und Drang.
La homónima ópera de Giuseppe Verdi ( Masnadieri ) se basa en el drama de Schiller.
Resumen:
La acción se desarrolla en Alemania, en el siglo XV, buena parte de ella en el castillo del conde Maximiliano de Moor en Franconia. El viejo noble tiene dos hijos: Carlos, un joven de buen corazón, que lleva una vida disipada en Leipzig, donde está estudiando; y Franz, quien disimula astutamente su gran hipocresía. Por una carta del corresponsal de los Moor en Leipzig, el conde se entera de la vida libertina que vive su hijo Carlos (deudas, mujeres, duelos); esto lo entristece y pone en peligro su salud. Franz no desaprovecha la oportunidad y obtiene de su padre la autorización para, en su nombre, escribir a su hermano.
El viejo conde quiere que esa carta sea sólo de consejo y reconciliación; pero, con toda perfidia, Franz escribe una misiva donde expone la falsa decisión paterna de repudiar y desheredar a Carlos debido a su conducta. Este último queda anonadado ante la inesperada severidad de la misiva; además la cree injusta y surge en él la rebeldía. Tentado por algunos compañeros, acepta dirigir un grupo de bandidos cuyo propósito es combatir y vengar injusticias, infamias y tiranías.
Entretanto, el desleal Franz pretende también enamorar a Amalia, la novia de Carlos, y le hace creer —tal como hizo con su padre, el conde— la muerte de su hermano en la guerra, Carlos, a su vez, enemigo de la violencia, está desengañado de sus antiguos ideales y, arrepentido, regresa al hogar paterno. Como Franz no ha logrado vencer el amor y fidelidad de Amalia por su hermano, vuelca su maldad en Carlos y dirige contra él las peores bajezas. Aun así, Carlos no quiere luchar contra su propio hermano y, como además se siente indigno del amor de Amalia, de nuevo se aleja del castillo familiar.
En un bosque cercano descubre a su padre, a quien todos creían muerto a causa del dolor por la pérdida del hijo abatido en la guerra. Carlos se propone vengar al anciano. Franz, aniquilado física y espiritualmente, desafía a su hermano, blasfema contra Dios, aunque teme el castigo divino, y cuando oye aproximarse a los compañeros de Carlos decididos a hacer justicia con él, se suicida.
El padre, viendo en su hijo sólo al proscrito y asesino de su hermano, muere de dolor. El propio Carlos se entrega a la justicia después de matar a Amalia, convencido de no ser digno de ella, y también comprende y lamenta la destrucción de sus valores, los cuales trataba de salvar mediante la violencia y la sangre.
El contenido de esta tragedia es el gesto rebelde de un joven escritor —fue su primera obra— en contra de la sociedad y las injusticias de su tiempo, influido por el movimiento romántico ya extendido por Alemania y toda Europa. Por ello, presenta todas las características de esta escuela, que tanto entusiasmaban a sus contemporáneos: pasión desmedida, profundo idealismo, sentimientos exagerados, situaciones inverosímiles, ansia de libertad en el protagonista, gusto por la melancolía y los contrastes, soledad final. A pesar de ello, la perfección artística como obra teatral, le ha conferido un innegable valor literario.
Verdi. "Oberto". Serie las óperas de Verdi nº 1. Hoy 10 de octubre de 1813 nace Verdi
Oberto, conde de San Bonifacio (título original en italiano, Oberto, Conte di San Bonifacio) es una ópera en dos actos con música de Giuseppe Verdi y libreto de Temistocle Solera, basada en otro preexistente por Antonio Piazza, probablemente llamado Rocester. Fue la primera ópera de Verdi, escrita a lo largo de un período de cuatro años y estrenada en Teatro alla Scala, Milán, el 17 de noviembre de 1839. La obra evidencia una gran influencia de Rossini.
La producción de La Scala disfrutó de "un buen éxito" y el empresario del teatro, Bartolomeo Merelli, encargó otras dos óperas al joven compositor.
Historia
Esta ópera rara vez se representa en la actualidad; en las estadísticas de Operabase aparece con sólo 4 representaciones para el período 2005-2010. El estreno británico no tuvo lugar hasta el 8 de abril de 1965, y sólo en una versión de concierto en el St Pancras Town Hall. No se representó escénicamente hasta el 17 de febrero de 1982 en el Teatro Bloomsbury en Londres. Su estreno estadounidense no tuvo lugar hasta el 18 de febrero de 1978 en el Teatro Amato en Nueva York, aunque la Ópera de San Diego se atribuye el estreno estadounidense en marzo de 1985.
En tiempos modernos, se han dado representaciones ocasionales. Mientras que se pretende que Vincent La Selva (ahora de la Grand Opera de Nueva York) es el responsable de la primera representación estadounidense de la ópera en 1986, fue luego presentada como parte de su ciclo "Viva Verdi", desde 1994 cuando iniciaron las representaciones de todas las óperas del compositor.
Opera North ofreció varias representaciones de Oberto durante su temporada 1994-5 con John Tomlinson tanto dirigiendo como interpretando el rol titular. La Royal Opera House, Covent Garden, dio representaciones de concierto en junio de 1997 con Denyce Graves como Cuniza. Tres compañías de ópera, con planes de representar todas las óperas de Verdi antes del bicentenario de su nacimiento en 2013, han presentado funciones de esta ópera recientemente.
La Ópera de Sarasota presentó Oberto en 2001; la Asociación Bilbaína de Amigos de la Opera (ABAO) 5 en Bilbao, España, ofreció representaciones en enero de 2007, de las que se ha editado un DVD; y el Teatro Regio de Parma la presentó en octubre de 2007 como parte de su "Festival Verdi".
Personajes
Personaje Tesitura Reparto el 17 de noviembre de 1839
Director: Eugenio Cavallini.
Oberto (Conde de San Bonifacio) bajo Ignazio Marini
Leonora (hija de Oberto) soprano Antonietta Marini-Rainieri
Riccardo (Conde de Salinguerra) tenor Lorenzo Salvi
Cuniza (prometida de Riccardo) mezzosoprano Mary Shaw
Imelda (confidente de Cuniza) mezzosoprano Marietta Sacchi
Nobles, damas, sirvientes, pueblo, etc.
Argumento.
En Bassano del Grappa en 1228, cerca del castillo de Ezzelino da Romano, algunos caballeros festejan al conde Riccardo di Salinguerra, y lo acompañan al castillo donde va a casarse con Cuniza, hermana de Ezzelino. Poco después llega Leonora, hija del conde Oberto de San Bonifacio, que, seducida por Riccardo, quiere impedir las bodas.
También llega su padre, que la ha seguido para protegerla y vengarla. Oberto y la hija son recibidos por Cuniza, a la cual Leonora confiesa lo ocurrido entre ella y Riccardo. Cuniza promete que la ayudará a obtener justicia, y después de conducir a Oberto a una estancia vecina, reúne a sus partidarios. Hace llamar a su prometido, y le muestra a Leonora, pero el conde, sin inmutarse, declara haber abandonado a la joven porque le era infiel.
Mientras Leonora protesta indignada, irrumpe Oberto, que jura matar a Riccardo. Cuniza, convencida de la buena fe de Leonora, confía a una doncella que sacrificará su amor para obligar al conde de Salinguerra a casarse con Leonora. Mientras tanto, sin embargo, Oberto busca a Riccardo para batirse en duelo, Riccardo intenta evitar el encuentro, pero Oberto se lanza contra él y el otro le contesta. En ese momento llegan Leonora y Cuniza, y Cuniza ordena a Riccardo que se case con Leonora. Sin dejarse ver, Oberto propone al rival que finja consentir, pero le advierte que lo esperará en un bosque cercano para continuar el encuentro.
Un grupo de caballeros oyen golpes de espadas que provienen del bosque y se precipitan allí, pero justo en ese momento Oberto cae, herido de muerte. Riccardo, dominado por los remordimientos, huye desesperado mientras llegan Cuniza y poco después Leonora, que ha descubierto el cuerpo de su padre. Cuniza consuela a la joven prometiéndole amistad y protección, pero Leonora, sintiéndose responsable de todo lo ocurrido, decide entrar en un convento para dedicarse a una vida de expiación de sus pecados.
Verdi. "Un Giorno di Regno". Serie las óperas de Verdi nº 2. Hoy 10 de octubre de 1813 nace Verdi
Un giorno di regno, ossia il finto Stanislao (título original en italiano, que literalmente significa Un día de reinado, o el falso Estanislao, pero a menudo traducido como Rey por un día) es un "melodrama jocoso" operístico en dos actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Felice Romani, basada en la pieza Le faux Stanislas de Alexandre Vincent Pineu-Duval. Fue estrenada en el Teatro alla Scala de Milán el 5 de septiembre de 1840. Un giorno di regno es el primer intento de Verdi en el género de la ópera cómica.
Historia.
La primera representación fue en el Teatro de La Scala de Milán el 5 de septiembre de 1840. Fue un completo fracaso, y el compositor estaba de hecho sentado en el foso de la orquesta durante la primera representación, y así oyó directamente la reacción del público. El propio Verdi y los críticos reconocieron que el fracaso en parte se debió a las propias circunstancias personales de Verdi, ya que sus dos hijos y luego su primera esposa Margherita Barezzi murieron durante la composición de la obra entre 1838 y 1840. La Scala canceló el resto de las representaciones programadas, y no repuso la obra hasta el año 2001.
Otras producciones en vida de Verdi en Italia se ofrecieron en Venecia en 1845, en Roma en 1846, y Nápoles en 1859. Verdi no volvió a intentar el género cómico hasta el final de su carrera, con Falstaff. Esta ópera rara vez se representa en la actualidad; en las estadísticas de Operabase aparece con sólo seis representaciones para el período 2005-2010.
En los Estados Unidos se estrenó el 18 de junio de 1960, mientras que en el Reino Unido, el estreno tuvo lugar el 21 de marzo de 1961. Fue parte del "Festival Verdi" de la Ópera de San Diego en junio de 1981. Junto con Oberto y otras óperas tempranas de Verdi, inauguró la presentación de 1994-2004 "Viva Verdi!" de la Grand Opera Company de Nueva York, de todas las óperas de Verdi en orden cronológico bajo Vincent La Selva.2 La compañía de ópera del Bronx (NYC) la ha interpretado dos veces, en 1983 y 1994. Aún no se ha incluido en el "Ciclo Verdi" de la Ópera de Sarasota.
En 2008, Opera della Luna giró con una versión de la ópera en el Reino Unido. En la adaptación al inglés del director Jeff Clarke, la historia se traslada a la Italia posterior a la guerra alrededor del reinado de Humberto II, infundido con elementos del crimen organizado, y se le añade humor político. Una crítica comentó que la producción "enmienda lo que le falta de elegancia belcantista siendo un entretenimiento gracioso, enormemente divertido".
Personajes
Personaje Tesitura Reparto el 5 de septiembre de 1840
Director:
Caballero Belfiore (falso rey Estanislao I Leszczynski de Polonia) barítono Raffaele Ferlotti
Barón de Kelbar bajo Raffaele Scalese
Marquesa de Poggio (amante de Belfiore) soprano Antonietta Marini-Rainieri
Julieta de Kelbar (Hija del Barón de Kelbar) mezzosoprano Luigia Abbadia
Eduardo de Sanval (amante de Julieta) tenor Lorenzo Salvi
Sr. Rocca (tesorero de Bretaña) bajo Agostino Rovere
Conde Ivrea (Prometido de la Marquesa de Poggio) tenor Giuseppe Vaschetti
Delmonte (sirviente del falso Stanislao) bajo Napoleone Marconi
Argumento
El monarca polaco, el rey Estanislao I Leszczynski, una figura histórica durante la Guerra de Sucesión, perdió su trono después de la invasión sajona en la batalla de Poltava en 1709. Lo recuperó en 1733, pero de nuevo fue depuesto en 1736 y marchó al exilio en Francia. La ópera se ambienta en 1733 cuando Stanislaw regresó a Polonia dejando a un oficial francés, el Cavaliere di Belfiore, para que lo representara en Francia.
Época: 1733
Lugar: Castillo del barón Kelbar cerca de Brest, Francia
Acto I
Escena 1: Una galería en la casa del barón Kelbar.
Belfiore, que está haciéndose pasar por el rey polaco Estanislao, es un invitado en la casa del barón Kelbar y se habla a sí mismo de su cambio de fortuna: Compagnoni di Parigi...Verrà purtroppo il giorno / "Si mis viejos camaradas de París pudieran verme ahora, el más disoluto oficial en el regimiento convertido en un rey filósofo." El barón ha arreglado recientemente una alianza política prometiendo a su hija, Giulietta, a La Rocca, el tesorero de Bretaña, pero Giulietta prefiere al sobrino de La Rocca, Edoardo. Otro matrimonio no deseado implica a la sobrina del barón, la marquesa del Poggio, una joven viuda que está enamorada de Belfiore. Se ha prometido con el conde de Ivrea debido a que Belfiore ha sido incapaz de comprometerse para casarse con ella, a pesar del hecho de que ella la ama.
Conociendo la inminente llegada de la marquesa y preocupada porque ella revelara su falsa identidad como el rey, Belfiore escribe a Estanislao y le pide ser liberado de su compromiso. Edoardo revela su situación al "Rey" y le pide que lo lleve a Polonia para olvidar a la mujer a la que ama. Además, cuando llega la marquesa y, al ser presentado a Belfiore como "el Rey", ella pretende no reconocerlo. De la misma manera, pretende no reconocerla, pero ella está decidida a probarlo proclamando su amor por el conde: Grave a core innamorato...Se dee cader la vedova.
Escena 2: el jardín del castillo de Kelbar
Giulietta está a solas con sus ayudantes y expresa su infelicidad al tener que casarse con un viejo: Non san quant'io nel petto...Non vo' quel vecchio. Cuando el conde y La Rocca llegan, seguidos después por Belfiore y Edoardo y luego la marquesa (quien estaba planeando ayudar a los amantes), Belfiore se lleva al Conde y La Rocca bajo el pretexto de discutir negocios de estado, dejando a los jóvenes amantes a solas con la marquesa.
Escena 3: la galería del castillo de Kelbar
Manteniendo su papel como el Rey, Belfiore hace al Tesorero una oferta de adelanto que incluiría el matrimonio con una rica viuda. Al aceptar, consiente en no casarse con Giulietta. Cuando el Tesorero dice al barón que rechaza casarse con su hija, el barón se ve ofendido y lo desafía a duelo. Para añadir confusión, la marquesa inmediatamente propone que Giulietta y Edoardo se casen inmediatamente. Sin embargo, el falso Rey regresa y propone que decida una solución que satisfaga a todo el mundo.
Acto II
Escena 1: la galería del castillo de Kelbar
Siguiendo a la decisión del "Rey", los sirvientes se ven confundidos y todos cantan un coro descuidado que lleva a Edoardo buscando su apoyo y anunciando su esperanza de ser todavía capaz de casarse con Giulietta: Pietoso al lungo pianto...Deh lasciate a un alma amante.
Belfiore, el Tesorero y Giulietta entra discutiendo las razones de la oposición del barón al matrimonio de su hija con Eduardo. Giulietta explica que la pobreza del joven es la principal objeción y de esa manera Belfiore inmediatamente dicta que el Tesorero debe abandonar uno de los castillos y entrega una suma de dinero al joven, y luego todos estarán bien. El último es de alguna manera renuente a desobedecer a su soberano, pero busca cómo librarse del duelo con el barón.
Escena 2: una veranda que da a los jardines del castillo
Belfiore y la marquesa se encuentran en la veranda, el primero aún incapaz de revelar su verdadera identidad. Esto enoja a la dama, quien francamente afirma que su intención es casarse con el conde de Ivrea. Sin embargo, ella no puede comprender por qué Belfiore tarda tanto en revelarse y aún confía en un cambio de su corazón: (andante) Si mostri a chi l'adora... Cuando anuncian al conde de Ivrea, ella se le enfrenta desafiante (cabaletta): Si, scordar saprò l'infido. Puesto que Eduardo había rogado unirse al "Rey" cuando se va a Polonia, Giulietta está decidido a conseguir que el Rey rescinda el compromiso. El conde entra y la marquesa de nuevo afirma que se casará con el conde. Sin embargo, Belfiore inmediatamente prohíbe el matrimonio por "razones de estado" y anuncia que él y el conde deben irse a Polonia para tratar asuntos de estado.
Todos expresan sus sentimientos, pero las cosas se detienen cuando llega una carta para Belfiore. Es del rey Estanislao anunciando su llegada segura a Varsovia y liberando a Belfiore de su tarea de hacerse pasar por él. En pago, el rey lo nombró Mariscal de Francia. Antes de dejar caer el disfraz, el "Rey" proclama que Giulietta y Eduardo se tienen que casar y, habiendo recibido el consentimiento del barón, lee la carta del verdadero rey y revela su verdadero rango. Expresa su amor por la marquesa y todo acaba felizmente con la perspectiva de dos matrimonios.
Ernani. Serie las óperas de Verdi nº 5. Hoy 10 de octubre de 1813 nace Verdi
Ópera en cuatro actos. Libreto de Francesco María Piave, basado en Hernani, drama de Víctor Hugo.
Personajes: El duque de Aragón, como fugitivo con el nombre de Ernani (tenor); don Carlos, rey de España, más tarde emperador Carlos V (barítono); don Ruiz Gómez de Silva, noble español (bajo); Elvira, su sobrina (soprano); Joanna, su dama de compañía (soprano); don Ricardo, Jago, un partidario de Ernani, caballeros, hombres armados, pueblo.
Lugar y época: En el castillo de Silva, en España, y en Aquisgrán, 1519.
Argumento: Entre los Habsburgos y los duques de Aragón hay una vieja enemistad. Un duque ha sido asesinado, pero su hijo pudo escapar: desde entonces recorre el país con el nombre de Ernani y solivianta los ánimos contra el rey Carlos, que quiere hacerse coronar emperador (Carlos I de España, V de Alemania).
Ambos, el rey y el rebelde, se enamoran de Elvira, sobrina del noble Silva, que también tiene la intención de casarse con la joven. De esta triple rivalidad surge la acción de la obra de teatro y de la ópera. El rey quiere secuestrar a Elvira, pero Ernani logra evitarlo. Silva, que sorprende a ambos hombres en el castillo, los desafía a un duelo. Carlos se da a conocer y declara haber ido a pedir consejo al noble a propósito de la elección del emperador. Ernani se aleja con torvas ideas de venganza. Pero todavía no ha llegado el instante de oponerse abiertamente al rey.
Al odio contra el viejo enemigo de su casa se añade el odio contra el poderoso rival. Pronto se llega a una batalla de los rebeldes contra el poder del rey; los hombres de Ernani muerden el polvo. Ernani escapa, pero el rumor de su muerte llega al castillo de Silva. Elvira, que lo amaba, llora su muerte; pero al final cede a las presiones de su tío y se declara dispuesta a casarse con él. En la boda, los rivales vuelven a encontrarse: Ernani se acerca disfrazado de peregrino y se aloja en el castillo.
Una larga conversación con Elvira lo convence de que la joven sigue amándolo. Silva ha oído la conversación, pero la hospitalidad que ha garantizado a Ernani es sagrada para él. Incluso lo oculta cuando entra el rey, pues ha reconocido que es un rival con más suerte. Carlos ordena registrar el castillo; como no encuentran al rebelde Ernani, hace secuestrar a Elvira, Silva quiere batirse con Ernani, pero el secuestro de Elvira es más importante. A la manera de los caballeros, los rivales deciden liberar primero a Elvira; luego, Ernani se quitará la vida cuando Silva dé una señal con el cuerno.
El último acto se desarrolla en la catedral de Aquisgrán. Durante la elección del emperador, que recae en Carlos, los conjurados se reúnen para matar al nuevo gobernante; pero los descubren y los detienen. Ernani se da a conocer como duque de Aragón. El nuevo emperador procede con benevolencia; perdona a Ernani y quiere unirlo para siempre con Elvira: en el futuro vivirán felices en el ducado de sus antepasados. Durante las bodas suena de repente el cuerno de Silva, que recuerda a Ernani su antiguo juramento. No hay poder en el mundo que le impida cumplir con su honor de caballero. Se clava el puñal ante los ojos de su amada, que se quita la vida inmediatamente después.
Fuente: En 1830, en París, Víctor Hugo obtuvo con Hernani uno de los éxitos más importantes de su carrera dramática. Se trata de una obra de teatro típicamente romántica, con grandes gestos, actitudes heroicas y pasiones en colisión.
Libreto: Era corriente que un gran éxito teatral motivara a los compositores a proyectar una versión musical. El drama de Hugo le pareció a Verdi el punto de partida ideal para una ópera: la actitud fundamentalmente romántica, que respondía exactamente al gusto de la época, la multiplicidad de figuras, las situaciones plenas de efecto. El mismo Verdi boceto, como de costumbre, el esquema de base, tal como respondía a sus exigencias musicales. El desarrollo se lo dejó a un libretista que con los años, gracias a sus creaciones, sería de gran significación para el compositor: Francesco María Piave. Para reconocer su verdadero valor, sobre todo en Ernani, deberíamos situarnos en la época; este dramatismo está lejos de los hombres de hoy, pero impulsó a Verdi a producir una obra brillante.
Música: Para muchos amantes de la música del maestro italiano, Ernani tiene un lugar especial. Sus melodías son exuberantes. Verdi se convirtió con ella en un sucesor innegable de Bellini y Donizetti, lo cual en la época era un gran cumplido. Fue la primera ópera que extendió su fama más allá de las fronteras de su patria.
Varias arias y otras piezas se hicieron muy populares. Ernani, en una interpretación realmente buena y con voces bellas y poderosas nos emociona todavía hoy; en esta obra hay verdadera sangre teatral y un impulso tan intenso, que los reparos dramáticos o psicológicos desaparecen. Sin embargo, Verdi superaría pronto esta clase de ópera, que entonces había sobrepasado su plenitud y estaba condenada a una muerte pronta.
Historia: Víctor Hugo protestó violentamente contra la puesta en música de su obra teatral e incluso exigió que en la representación de la ópera en París le cambiaran el título, para distanciarse de ella. Pero la obra de Verdi, en su ámbito, no tuvo menos éxito que el drama original. Ya en el estreno, que tuvo lugar el 9 de marzo de 1844, exactamente dos años después del de Nabucco, se hizo evidente el triunfo.
Fue en La Fenice de Venecia, uno de los teatros de Italia más bellos y más ricos en tradiciones; esta ciudad habría de desempeñar un papel importante en las creaciones de Verdi; su teatro de plata y azul estrenó nada menos que cinco de sus obras, está pues en primer lugar junto con la Scala de Milán.
Los teatros alemanes se decidieron con vacilación por Ernani, mientras que el mundo operístico latino mostró siempre una preferencia por este drama. En 1934 apareció una versión alemana del conocido profesional de la ópera Julius Kapp, en que el final sangriento se convertía en happy end: la unión definitiva de la pareja de amantes. La intención era buena, pero en nuestra época, comprometida con las versiones originales, este tipo de versiones resulta discutible. Hoy se puede rechazar el estilo «excesivamente romántico» por insoportable, pero no se puede «moderar», «aguar» ni «desromantizar». Verdi puso en música la obra de esa manera y su trabajo está hecho perfectamente a la medida del contenido y del argumento. El gran renacimiento de la ópera después de la Segunda Guerra Mundial nos ha enseñado a comprender las obras desde la perspectiva de la época en que surgieron.
Verdi. Ritmo de composición de las óperas de Verdi. Antes de los 49 escribió 24. En los últimos 38 años de su vida escribió 4 Don Carlo", "Aida", "Otello" y "Falstaff". Hoy 10 de octubre de 1813 nace Verdi
Entre 1839 con 26 años de edad y 1862 con 49 años de edad escribió 24 óperas. En 23 años escribió 24, una al año.
Entre 1867 con 54 años y 1893 con 80 escribió 4. En 26 años escribió 4 una cada 6 años.
Entre Don Carlo(1867) con 54 años y Aida con 58 años pasaron 4 años.
Entre Aida (1871) con 58 años y Otello (1887) con 74 años pasaron 16 años.
Entre Otello (1887) con 74 años y Falstaff (1893) con 80 años pasaron 6 años.
En 1865 reviso la ópera Macebth de 1847.
En 1881 reviso la ópera Simon Bocanegra de 1857
Entre 1844-1849 en cinco años escribió nueve óperas: I due Foscari, Giovanna d'Arco, Alzira, Attila, el primer Macbeth, I Mesnadieri, Jerusalem, II Corsario y La baitaglia di Legnano.
Incluímos a continuación la lista completa de óperas con una clasificación subjetiva personal de calidad,
1.- Oberto (1839) Mala
2.- Un giorno di regno (1840) Mala
3.- Nabucco (1842) Mala
4.- I Lombardi alla prima Crociata (1843) Mala
5.- Ernani ( 1844) Mala
6.- I due Foscari (1844) Mala
7.- Giovanna D’arco (1845) Mala
8.- Alzira (1846) Mala
9.- Attila (1846) Mala
10.- I Masnadieri (1847) Mala
11.- Jerusalem (1847) Mala
12.- Il Corsaro (1848) Mala
13.- La battaglia di Legnano (1849) Mala
14.- Luisa Miller (1849) Regular
15.- Stiffelio (1850) Regular
16.- Rigoletto (1851) Buena
17.– Il Trovatore (1853) Regular
18.- La Traviata (1853) Regular
19 - Le vepres siciliennes (1855) Regular
20.- Aroldo (1857) Regular
21.- Un Ballo in Maschera (1859) Buena
22.- La forza del destino (1862) Buena
23.- Macbeth, (1865) Versión revisada de la ópera de 1847. Genial
24.- Don Carlo (1867) Genial
25.- Aida (1871) Buena
26.- Simón Bocanegra.(1881) Versión revisada de la de 1857. Genial cercana a la Obra Maestra.
27.- Otello (1887) Obra Maestra. Una de las mejores óperas de la historia.
28 .- Falstaff (1893) Obra Maestra. Una de las mejores óperas de la historia.
Verdi se baso en Schiller para cuatro de sus óperas. Hoy 10 de octubre de 1813 nace Verdi
Tres de las cuatro óperas son anteriores a "Rigoleto" y son obras mediocres de escaso interés.
La única genial es "Don Carlo" que Placido Domingo considera la mejor ópera de Verdi, junto a "Otello".
Las cuatro óperas de Verdi basadas en Schiller son:
1. Ópera nº 7. "Giovanna D´arco" de 1845 sobre la pieza teatral del mismo título de Schiller. Estrenada en Milán.
2. Ópera nº 10. "I Masnadieri" de 1847 sobre la pieza teatral del "Los Ladrones" (Die Rauber) de Schiller. Estrenada en Londres.
3. Ópera nº 14. "Luisa Miller" de 1849 sobre la pieza teatral "Kabale und Liebe" (Intriga y amor) de Schiller. Estrenada en Napolés.
4. Ópera nº 24. "Don Carlo" de 1867 sobre basada en el drama "Dom Karlos, Infant von Spanien" de Schiller. Estrenada en Paris en 1867.
Verdi. Hoy 10 de octubre de 1813 nace Verdi. Verdi en la política. Entrevista con Pedro Beltrán para www.efemeridespedrobeltran.com.
1. ¿Cómo era la situación política de Italia cuando Verdi nació?
Cuando Verdi nació, Italia estaba dividida en varios países y una gran parte del territorio estaba controlado por potencias extranjeras. La parte norte pertenecía o estaba controlada por Austria. En la localidad donde Verdi nació la reina era María Luisa de Austria, que había sido esposa de Napoleón Bonaparte y madre de Napoleón II. Venecia era también parte de Austria.
El sur, con Napoles y Sicilia, habían sido parte de la corona de España y tenían un Rey Borbón. Desde el año 1250 habían pertenecido a la corona de Aragón.
En el centro estaban los estados pontificios que ocupaban un inmenso territorio. Hoy es solo una mínima parte de Roma. Entonces era la ciudad entera de Roma y varios miles de kilómetros cuadrados más.
2. ¿Cuál es el papel de Verdi en la unificación de Italia?
Verdi desde el principio fue un ardiente impulsor de la unidad de Italia. Se involucró especialmente en la lucha contra Austria. Sus óperas se convirtieron en alegatos nacionalistas contra los austriacos.
Verdi incluso entró en política. Fue durante varios años diputado y cuando se unificó Italia y se creó el Senado nacional fue senador.
Incluso su nombre se convirtió en un lema político ya que Verdi en abreviatura significaba Víctor (V) Emanuele (E) Rey (R) de (D) Italia (I). Fue el primer rey tras la unificación de Italia. El lema Viva VERDI, se confundía con el compositor.
Verdi. Hoy 10 de octubre de 1813 nace Verdi. Las 28 óperas de Verdi. Orden de composición y Calificación subjetiva personal.
1.- Oberto (1839) Mala
2.- Un giorno di regno (1840) Mala
3.- Nabucco (1842) Mala
4.- I Lombardi alla prima Crociata (1843) Mala
5.- Ernani ( 1844) Mala
6.- I due Foscari (1844) Mala
7.- Giovanna D’arco (1845) Mala
8.- Alzira (1846) Mala
9.- Attila (1846) Mala
10.- I Masnadieri (1847) Mala
11.- Jerusalem (1847) Mala
12.- Il Corsaro (1848) Mala
13.- La battaglia di Legnano (1849) Mala
14.- Luisa Miller (1849) Regular
15.- Stiffelio (1850) Regular
16.- Rigoletto (1851) Buena
17.– Il Trovatore (1853) Regular
18.- La Traviata (1853) Regular
19 - Le vepres siciliennes (1855) Regular
20.- Aroldo (1857) Regular
21.- Un Ballo in Maschera (1859) Buena
22.- La forza del destino (1862) Buena
23.- Macbeth, (1865) Versión revisada de la ópera de 1847. Genial
24.- Don Carlo (1867) Genial
25.- Aida (1871) Buena
26.- Simón Bocanegra.(1881) Versión revisada de la de 1857. Genial cercana a la Obra Maestra.
27.- Otello (1887) Obra Maestra. Una de las mejores óperas de la historia.
28 .- Falstaff (1893) Obra Maestra. Una de las mejores óperas de la historia.
Verdi. Hoy 10 de octubre de 1813 nace Verdi. Las 28 Óperas compuestas por Verdi; detallándose lugar, fecha del estreno y autor del libreto:
1.Oberto, Conde de San Bonifacio (Teatro La Scala de Milán, 17 de noviembre de 1839) — Drama en dos actos de Temistocle Solera.
2. Un giorno di regno (Un día de reino) (Teatro La Scala de Milán, 5 de septiembre de 1840) — Melodrama jocoso en dos actos de Felice Romani.
3. Nabucco (Teatro La Scala de Milán, 9 de marzo de 1842) — Drama lírico en cuatro partes de Temistocle Solera.
4. I Lombardi alla prima crociata (Los lombardos) (Teatro La Scala de Milán, 11 de febrero de 1843) — Drama lírico en cuatro actos de Temistocle Solera.
5. Ernani (Teatro La Fenice de Venecia, 9 de marzo de 1844) — Drama lírico en cuatro actos de Francesco Maria Piave.
6.I due Foscari (Teatro Argentina de Roma, 3 de noviembre de 1844) — Tragedia lírica en tres actos de Francesco Maria Piave.
7.Giovanna d'Arco (Teatro La Scala de Milán, 15 de febrero de 1845) — Drama lírico en un prólogo y tres actos de Temistocle Solera.
8. Alzira (Teatro San Carlo de Nápoles, 12 de agosto de 1845) — Tragedia lírica en un prólogo y dos actos de Salvatore Cammarano.
9. Attila (Teatro La Fenice de Venezia, 17 de marzo de 1846) — Drama lírico en un prólogo y tres actos de Temistocle Solera.
10. Macbeth (Teatro La Pergola, 14 de marzo de 1847) — Melodrama en cuatro partes de Francesco Maria Piave. Hay una versión revisada de 1865.
11. I masnadieri (Teatro Her Majesty de Londres, 22 de julio de 1847) — Melodrama trágico en cuatro partes de Andrea Maffei.
12.Jérusalem (Ópera de París, 26 de noviembre de 1847) — Ópera, en cuatro actos, con libreto de A. Royer y G. Vaëz, de un libro de Solera de 1843.
13. Il corsaro (El corsario) (Teatro Grande de Trieste, 25 de octubre de 1848) — Melodrama en tres actos de Francesco Maria Piave.
14. La battaglia di Legnano (Teatro Argentina de Roma, 27 de enero de 1849) — Tragedia lírica en cuatro actos de Salvatore Cammarano.
15. Luisa Miller (Teatro San Carlo de Nápoles, 8 de diciembre de 1849) — Melodrama trágico en tres actos de Salvatore Cammarano.
16. Stiffelio (Teatro Grande de Trieste, 16 de noviembre de 1850) — Melodrama en tres actos de Francesco Maria Piave.
17. Rigoletto (Teatro La Fenice de Venecia, 11 de marzo de 1851) — Melodrama en tres actos de Francesco Maria Piave.
18. Il trovatore (El trovador) (Teatro Apollo de Roma, 19 de enero de 1853) Drama en cuatro partes de Salvatore Cammarano y completado por Leone Emanuele Bardare sobre libreto del español Antonio García Gutiérrez.
19. La Traviata (Teatro La Fenice de Venecia, 6 de marzo de 1853) — Melodrama en tres actos de Francesco Maria Piave.
20. I vespri siciliani (Las vísperas sicilianas) (Ópera de París, 13 de junio de 1855) — Drama en cinco actos de Eugène Scribe y Charles Duveyrier.
21. Simón Boccanegra (Teatro La Fenice de Venecia, 12 de marzo de 1857) — Melodrama en un prólogo y tres actos de Francesco Maria Piave, basado en una pieza teatral homónima de Antonio García Gutiérrez. Hay una versión revisada de 1881.
22. Aroldo (revisión Stiffelio) (Teatro Nuovo de Rimini, 16 de agosto de 1857) — Melodrama en cuatro actos de Francesco Maria Piave.
23. Un ballo in maschera (Un baile de máscaras) (Teatro Apollo de Roma, 17 de febrero de 1859) — Melodrama en tres actos de Antonio Somma.
24. La forza del destino (La fuerza del destino) (Teatro Imperial de San Petersburgo, 10 de noviembre de 1862) — Ópera en cuatro actos de Francesco Maria Piave.
25. Don Carlos (Ópera de París, 11 de marzo de 1867) — Ópera en cinco actos de Joseph Méry y Camille Du Locle.
26.Aida (Teatro de la Ópera del Cairo, 24 de diciembre de 1871) — Ópera en cuatro actos de Antonio Ghislanzoni.
27. Otello (Teatro La Scala de Milán, 5 de febrero de 1887) — Drama lírico en cuatro actos de Arrigo Boito.
28. Falstaff (Teatro La Scala de Milán, 9 de febrero de 1893) — Comedia lírica en tres actos de Arrigo Boito.
Verdi. Hoy 10 de octubre de 1813 nace Verdi. La música de Verdi en la película "Matchpoint" de Woody Allen.
Match Point hace efectivamente un uso intensivo de fragmentos de ópera -principalmente ópera italiana del XIX- a manera de banda sonora. Empezando con la famosa aria "Una Furtiva Lagrima" de la ópera L'Elisir d'Amore de Donizetti -que abre, puntea y cierra la película- e incluyendo también otros fragmentos de Rossini, Verdi y otros compositores. No hay sin embargo ni ópera mozartiana, ni tampoco ejemplos de la gran tradición operística alemana que va desde Beethoven hasta Richard Strauss pasando por Wagner.
El uso de la ópera en la banda sonora engarza con el argumento de la peli, pues el flechazo entre Chris, el tenista, y Tom, el joven de buena posición que le abre las puertas al gran mundo del dinero, se produce cuando el segundo descubre que el primero es aficionado a la ópera. De hecho la introducción de Chris en ese mundo ocurre en una noche de ópera en el Covent Garden de Londres. A partir de ahi, la asistencia a funciones de ópera parece ser el entretenimiento *social favorito de los personajes "ingleses" de Match Point, de la misma forma que el jazz lo es de los personajes neoyorquinos de Allen en sus películas anteriores.
Los fragmentos operísticos más destacados son los siguientes:
1. El aria "Una furtiva lagrima" de L'Elisir d'Amore de Donizetti, que he mencionado antes:
Es el aria que canta el protagonista de L'Elisir d'Amore, el paleto Nemorino, cuando logra por fin que su amada, la campesina rica Adina, se fije en él y hasta eche una lagrimita cuando le ve flirtear con otras campesinas. En mi opinión una de las arias más bonitas del repertorio italiano del XIX. Con ella se abre y se cierra Match Point.
2.- El aria "Un di, felice, eterea" de La Traviata de Verdi:
El protagonista, Alfredo Germont, se queda a solas con Violeta, y le confiesa que la ama desde el primer momento que la vio, un año antes, un día que ella, radiante y feliz se apareció ante él. Ese amor intenso, dice Alfredo, es el motor del universo: cruz y al mismo tiempo deleite para el corazón.
3.- El aria "Gualtier Maldè" de Rigoletto de Verdi
Esta aria la canta la hermosa e inocente Gilda, hija del bufón Rigoletto, tras haber caido enamorada del inescrupuloso y donjuanesco Duque de Mantua, que se hace pasar por un estudiante pobre de nombre Gualtier Maldè. Gilda canta: "Caro nome che il mio cor festi primo palpitar" (nombre querido que ha sido el primero en hacer latir mi corazón).
4.- El aria "Mal reggendo all'aspro assalto" de Il Trovatore de Verdi:
El protagonista Manrico es un pobre trovador criado por la gitana Azucena. En realidad se trata del hijo del viejo Conde de Luna, ya muerto. Su medio hermano, el sucesor del viejo Conde, le ataca en el campo de batalla sin saber su identidad y Manrico se defiende y le domina, pero algo le impide asestar el golpe mortal a su medio hermano.
5.- El recitativo "Desdemona Rea" de Otello de Verdi:
En este pasaje Otello por fin se deja atrapar en las maquinaciones del malvado Yago, que siembra en él la duda sobre la fidelidad de su esposa Desdemona y su supuesto engaño con el capitán Cassio. El pasaje va como sigue: Desdemona deja la habitación y Otelo grita cuando ella ya no le oye: "Desdemona culpable!!!" ... "Más horrenda que la más horrenda injuria es la sospecha de la injuria" ... "Yo era valiente y dichoso; nada sabía aun; no sentía sobre su cuerpo divino que me enamora ni sobre sus labios engañosos los ardientes besos de Cassio".
6.- El pasaje "O Figli, o figli mei" de Macbeth de Verdi:
Tras finalizar el acto III en el que las brujas predicen a Macbeth que no moriría a manos de ningún hombre parido por mujer, la escena cambia al bosque de Birnam, en la frontera de Inglaterra y Escocia, donde Macduff, tras conocer el asesinato de sus hijos a manos de Macbeth se lamenta:
O figli, o figli miei!
da quel tiranno tutti
uccisi voi foste, e insieme con voi
La madre sventurata!...
En la imagen fotograma de la película.
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Verdi. Hoy 10 de octubre de 1813 nace Verdi. La Infancia de Verdi. Entrevista con Pedro Beltrán para www.efemeridespedrobeltran.com.
1. ¿Quiénes fueron los padres de Verdi?
El padre de Verdi tenía una pequeña taberna en un pueblo del norte de Italia. La madre era hilandera. Los dos eran pobres y con muy pocos recursos económicos. La relación de la madre con su hijo fue muy buena. El padre tuvo una relación más conflictiva siempre. Era un hombre que no aceptaba su estatus social y deseaba ganar mucho más dinero. Cuando Verdi empezó a triunfar, la relación se enturbió todavía más ya que el padre consideraba que Verdi no le mandaba bastante dinero aunque la realidad es que Verdi fue muy generoso. Verdi acabó firmando un acta notarial de ruptura de relaciones con su padre.
2. ¿Cómo era Verdi de niño?
Era un niño flaco, muy introvertido y solitario, sin amigos. No se integraba en ninguna pandilla y era siempre muy reservado. No contaba nada ni se reía. Siempre prefería quedarse en casa solo o con su madre. Esto se intensificó más cuando empezó su afición por la música. Sus padres, haciendo un enorme esfuerzo económico, le compraron un pequeño piano y el niño pasaba horas y horas todos los días sentado tocando el piano. Fue completamente autodidacta.
3. ¿Cómo aprendió Verdi a componer?
Verdi no tuvo ningún profesor significativo. Estudiaba solo en casa y acudía con mucha frecuencia a la iglesia parroquial para escuchar el órgano. Fue el organista de la iglesia local quien le dio sus primeros conocimientos musicales. Cuando se presentó al examen para acceder como alumno al conservatorio de Milán suspendió por lo que nunca tuvo acceso a una educación musical de alto nivel y su éxito fue solo producto de su trabajo y constancia.
En la imagen fotograma de la serie de TV, La vida de Verdi.
¡¡¡¡¡Absoluta recomendación de la serie¡¡¡¡¡¡¡¡
Verdi. Hoy 10 de octubre de 1813 nace Verdi. Entrevista con Pedro Beltrán para www.efemeridespedrobeltran.com.
.1. ¿Qué es el aria La Donna e Mobile?
Es una famosa aria de Verdi. Se llama "La Dona e mobile". En español quiere decir "La mujer es voluble". Es un aria de la ópera Rigoletto, que se inserta en el tercer y último acto de la ópera. Es una de las arias de ópera más populares que existen y la más célebre del compositor.
El momento en el que se canta es cuando el Duque de Mantua está a punto de tener relaciones con una prostituta. Ha seducido y enamorado a la hija de Rigoletto a pesar de todas las cautelas de su padre. Él sigue con su vida de mujeriego. El aria dice: "la mujer es volátil como una pluma a la que le da el viento. Cambia siempre sus palabras y pensamientos. Su rostro siempre engaña. Siempre es desgraciado el hombre que confía en una mujer".
Lo curioso es que esta aria la canta un hombre que es un libertino, siempre a la conquista de nuevas aventuras y que lo hace en un bar en el que hay un servicio de prostitución y la canta para una mujer que es prostituta.
2. ¿Cómo fue la relación de Verdi con las mujeres?
Verdi fue siempre una persona introvertida y seria. Nunca le gustaron las relaciones sociales ni el contacto con la gente.
Aunque era una persona masculina, muy seguro de sí mismo y ganó mucho dinero, nunca tuvo interés especial por las mujeres ni fue nada mujeriego. Solo se le conocen dos relaciones en toda su vida y con las dos personas se casó. Y se casó con la segunda años después de morir la primera. Al parecer no hubo ninguna otra mujer, ni siquiera de forma ocasional. No tuvo ningún tipo de aventuras, aunque conoció a muchísimas cantantes y por su profesión tenía una relación constante con el mundo de la ópera.
3. ¿Quién fue la primera mujer de Verdi?
La primera mujer de Verdi se llamaba Margarita. Cuando se casaron él tenía 22 años y ella 21. Era la hija de un empresario local apasionado por la música. Fue un matrimonio muy feliz porque a su mujer también le encantaba la música. Ella le ayudaba constantemente en su trabajo con la corrección de las partituras y la preparación de los ensayos. Casi puede decirse que era un matrimonio a tres, porque el padre de la esposa de Verdi estaba igual o más enamorado de Verdi que su hija. Incluso el viaje de novios lo hicieron juntos los tres y el objetivo del viaje fue solo escuchar óperas en vivo. Todo lo pagaba el padre de la esposa porque Verdi todavía no generaba dinero alguno con su trabajo.
La joven pareja se instaló en Milán y todo parecía ir de maravilla. Tuvieron una hija y al año siguiente un hijo. Lamentablemente las desgracias llegaron con rapidez. Con año y medio de edad falleció la niña. Seis meses después falleció el niño. El matrimonio se quedaba sin hijos y solo un año después era Margarita la que fallecía repentinamente tras una grave enfermedad. Verdi había pasado de hombre casado con una joven y atractiva esposa y con dos hijos, a quedarse totalmente solo.
Verdi cogió una depresión muy grave que le llevó a permanecer sin contacto con nadie encerrado en su casa durante un año.
3. ¿Quién fue la segunda esposa de Verdi?
La segunda esposa de Verdi fue una de las cantantes más conocidas del S. XIX. Era dos años menor que Verdi. Verdi la conoció en los ensayos de una de sus óperas. Cuando iniciaron la relación el tenía 32 años y ella 30.
Se llamaba Guisepina Streponi. Era una mujer completamente distinta que Verdi excepto en la afición a la música que ambos compartían con intensidad. Había tenido numerosos amantes. De esos amantes habían nacido tres hijos a los que había abandonado después de nacer entregándolos al cuidado de otras personas. Todos los amantes habían sido personas de alta sociedad y casados. Por eso tenía una reputación pésima como mujer fácil y además madre soltera, lo que en la época estaba muy mal visto.
Todos pensaban que se juntaba con Verdi por interés y que Verdi sería un amante más. Estuvieron juntos sin separarse nunca durante de cincuenta años hasta el fallecimiento de ambos.
Fueron compañeros inseparables y con ella Verdi entró en plenitud creativa y escribió sus mejores óperas. Muchas de ellas fueron estrenadas en casa por la propia Guisepina a la que Verdi siempre consultaba absolutamente todo. Ella cambió completamente de vida. Nunca le mencionó a Verdi sus hijos ni quiso que los mismos fueran un obstáculo para su relación.
Admitió ir a vivir con Verdi al pequeño pueblo donde Verdi había nacido. Allí los rumores eran más fuertes e intensos que nunca y la gente la despreciaba. Pero ella era feliz con Verdi que le dio el afecto, la estabilidad y seguridad que necesitaba. Verdi detestaba socializar por lo que los dos se quedaban siempre en casa excepto para los estrenos de las nuevas óperas de Verdi.
A Verdi no le importaban las convicciones sociales ni las críticas. La pareja se casó en secreto sin comunicarlo a nadie y con solo dos testigos. Hubieran existido menos rumores y críticas si la boda se hubiera hecho oficial pero nunca lo hicieron.
No tuvieron hijos y vivieron solo entregados el uno para el otro y los dos para la música de Verdi.
4. ¿Cuáles son las obras más importantes de Verdi?
Verdi no escribió obras sinfónicas y se dedicó solamente a la ópera. Escribió 27. Es un compositor de maduración tardía porque fue autodidacta y nunca tuvo una formación musical sólida. Por eso las primeras óperas están llenas de imperfecciones y son malas. Las del periodo intermedio, aunque hayan alcanzado gran popularidad, son simplemente regulares.
Las óperas más populares de Verdi no son las mejores. Las más interpretadas son "La Traviata", "Rigoleto" e " Il Trovatore" pero ninguna de las tres pueden considerarse obras maestras.
La genialidad absoluta a nivel de los más grandes compositores sólo la alcanza Verdi con sus óperas número 26 y 27, Otelo y Falstaff, las dos basadas en Shakespeare.
También tienen un nivel excepcionalmente alto y cercano a la perfección tres de sus últimas óperas, Macbeth, basada en Shakespeare, Don Carlo y Simón Bocanegra.
5. ¿Puedes hablarnos de Falstaff?
Falstaff es la última ópera de Verdi y la que muchos consideran su obra más genial. Tenía 80 años cuando se estrenó siendo uno de los casos raros de composición por parte de un octogenario ya que los compositores no han alcanzado normalmente una edad tan tardía. Verdi murió con 88 años de edad. El segundo gran compositor más longevo es Richard Strauss con 85. Chopin murió con 37, Mozart con 35, Schubert con 31.
En Falstaff Verdi cambia totalmente su estilo habitual. Hasta ese momento solo había escrito tragedias, excepto la segunda ópera que fue cómica. Falstaff es una ópera totalmente cómica. El segundo cambio es que se eliminan las arias. Verdi había sido criticado por ser poco moderno con un lenguaje muy convencional. Aquí se hace más wagneriano que el propio Wagner, porque lleva las técnicas de composición de Wagner más lejos todavía. Verdi y Wagner habían nacido el mismo año, en 1813, pero Wagner había muerto en 1883.
La trama de Falstaff gira en torno a los esfuerzos infructuosos del caballero John Falstaff para seducir a dos mujeres casadas al objeto de quedarse con la fortuna de sus esposos. Lo hace de forma torpe y escribe idénticas cartas, cambiando solo el nombre a las dos mujeres. Ellas juegan todo el rato con él haciéndole creer que puede conquistarlas aceptando citas que luego rechazan con excusas falsas y jugando hasta el extremo pero siempre dejando una puerta abierta a la esperanza. Cuando el marido de una de ellas lo descubre se dedican a jugar también con el para ponerle extraordinariamente celoso.
La ópera concluye con un conjunto vocal que canta "Todo en el mundo es burla". Es uno de los momentos más gloriosos de la historia de la música
Furtwangler. Hoy 7 de Octubre de 1944 dirige la Novena de Bruckner en Berlín con la Filarmónica de Berlín seis meses antes del final de la Guerra Mundial. Uno de los mejores discos de la historia de la música.
Alemania tiene perdida la guerra. Furtwangler nos ofrece un Bruckner de referencia. Tres días después el 10 de Octubre de 1944 los mismos interpretes ofrecieron la misma obra en Sankt Florian,la abadía austriaca donde esta enterrado Brukckner y de la que fue organista.
Es un disco imprescindible en cualquier colección.
Furtwangler fue siempre un enamorado de la música de Bruckner en especial de la Sinfonías 7, 8 y 9.
Schoenberg en Barcelona. Hoy 7 de Octubre de 1931 Schoenberg se traslada a vivir a Barcelona donde residirá hasta Julio de 1932.
JORDI PONS. EL PAIS. 24 MAY 2016.
Schönberg encuentra en Barcelona en 1931 no solo una cálida acogida, sino también un panorama intelectual que enriquece el momento por el que está atravesando
“¿Puedo decir —al darles las gracias de todo corazón— que un reconocimiento como éste honra también a quien lo manifiesta?, esto es, a ustedes, que con este homenaje —por encima de toda consideración estética— han testimoniado atención, una pura atención espiritual, a un hecho moral”. Esto escribe Schönberg el 3 de noviembre de 1931 como respuesta a la bienvenida de un grupo de músicos catalanes. Sus palabras no solo traslucen el empeño ético de toda verdadera actividad artística; también nos hablan de lo que el compositor está viviendo en su retorno al judaísmo. De todo ello es testimonio Moisés y Aarón, obra enraizada en la vienesa crítica del lenguaje y en la que seguirá trabajando en Barcelona, desde donde escribe a Josef Rufer el 16 de diciembre: “(…) es, en efecto, curioso que nadie se haya ocupado aún de la evidente belleza de mi forma”.
En octubre, Schönberg, junto con su esposa, Gertrud, se había instalado en la ciudad condal. Profesor desde 1926 en la berlinesa Academia de las Artes, su médico le había aconsejado un lugar con un clima más cálido. Robert Gerhard, que ya había posibilitado la primera venida de su profesor y amigo en abril de 1925 para dirigir Pierrot lunaire, le propone residir en Barcelona y le consigue una casa situada en el barrio de Vallcarca, en la Bajada de Briz —actualmente calle de Arnold Schönberg, 22-24—, construida por el arquitecto modernista Salvador Valeri. Durante la estancia barcelonesa del matrimonio, que se prolonga hasta junio de 1932, nacerá su primera hija, a la que se pondrá el nombre de Nuria Dorothea.
Schönberg encuentra en Barcelona no solo una cálida acogida, sino también un panorama intelectual que enriquece el momento por el que está atravesando. Los domingos tiene lugar en su casa una tertulia a la que asisten, entre otros, Joan Prats, promotor artístico, y el poeta Carles Sindreu. Escribe la segunda de las Piezas para piano, op. 33, la última de las publicadas para el instrumento, y prosigue la composición del segundo acto de Moisés y Aarón más allá del compás 543. El 20 de enero escribe a Alban Berg, manifestándole su inquietud por la comprensibilidad de la escena del Becerro de Oro.
Sus palabras no solo traslucen el empeño ético de toda verdadera actividad artística; también nos hablan de lo que el compositor está viviendo en su retorno al judaísmo
El 10 de marzo termina el segundo acto.
El 3 de abril, la Associació Obrera de Concerts rinde un homenaje a Schönberg con un concierto integrado por obras suyas: Noche transfigurada, Pelleas und Melisande, los Ocho Lieder op. 6 y la transcripción orquestal del Preludio y fuga, BWV 552, de Bach. Los días 5 y 7 será Anton Webern quien dirigirá la Orquesta Pau Casals en el Palau de la Música. En el segundo de los conciertos se interpreta la Música de acompañamiento para una escena cinematográfica de su maestro.
En una carta del 24 de mayo al doctor Joseph Asch, a la vez que confiesa que ha retrasado su retorno “a causa de la situación política” en Alemania y que “solo con sumo desagrado” ha decidido regresar, el maestro declara su voluntad de acabar el tercer acto de su ópera. Schönberg guardará un grato recuerdo de Barcelona. Según Gerhard, “había comprendido que la espontaneidad atenta pero sin ceremonia de los catalanes se debía a la simpatía que inspiraba su persona, y que —acaso por vez primera— su celebridad y renombre internacionales no contribuyeron a ello”.
Jordi Pons es autor de Arnold Schönberg. Ética, estética, religión.
Nielsen, el mejor composiotr danés y uno de los mejores sinfonistas de la historia de la música. Hoy 3 de octubre de 1931 fallece Carl Nielsen
Carl August Nielsen (9 de junio de 1865-3 de octubre de 1931) fue un compositor danés, uno de los más reconocidos de su país.
Nielsen nació en Sortelung, un pueblo cercano a Odense. Aunque su familia era relativamente pobre, Carl consiguió estudiar violin y piano. Aprendió también a tocar diversos instrumentos de viento gracias a su trabajo en una banda militar de Odense.
Estudió violín y teoría de la música en el conservatorio de Copenhague. Recibió las primeras lecciones de música de su padre y estudió con el compositor danés Niels Gade y con un discípulo de Joseph Joachim en el Conservatorio de Copenhague, donde a partir de 1915 trabajó como profesor. Su primera sinfonía se estrenó el 14 de marzo de 1894 sin mayor éxito. Sin embargo, la misma obra obtuvo un gran éxito cuando se interpretó en Berlín en 1896. A partir de esa fecha, su fama empezó a crecer.
Siguió tocando el violín en el Teatro Real de Copenhague hasta 1905 fecha en la que encontró editor para su composiciones. A partir de 1916 empezó a dar clases en el Conservatorio Real Danés de Copenhague, trabajo en el que continuó hasta su muerte.
El 10 de abril de 1891, Nielsen contrajo matrimonio con la escultora danesa Anne Marie Brodersen. El matrimonio permaneció unido hasta la muerte del compositor.
Internacionalmente, Nielsen es más conocido por sus seis sinfonías. Otras piezas conocidas son la música adicional que compuso para el drama del poeta Adam Oehlenschläger Aladdin, las óperas Saúl y David y Mascarada, los conciertos para flauta y clarinete y el quinteto de viento. Es autor también de numerosas canciones populares danesas.
Sinfonías
Sinfonía nº 1 en sol menor: es la primera composición de Nielsen y muestra algunos rasgos de individualidad.
Sinfonía nº 2 Los cuatro Temperamentos: un cuadro que Nielsen vio en una taberna le inspiró esta composición sobre los cuatro temperamentos (colérico, melancólico, flemático y sanguíneo). Consta de cuatro movimientos, cada uno dedicado a un temperamento.
Sinfonía nº 3 Expansiva: el segundo movimiento contiene solos para soprano y tenor que pueden ser interpretados alternativamente por el clarinete y el trombón.
Sinfonía nº 4 Inextinguible: es quizá la más conocida de Nielsen. Es la más dramática de todas.
Sinfonía nº 5: es la única que no tiene subtítulo. Utiliza la percusión de un modo sin precedentes. Es la mejor del ciclo. Parece un Brahms de última generación.
Sinfonía nº 6 Semplice: no es tan dramática como las anteriores y en algunos puntos suena extraña. En el segundo movimiento utiliza sólo nueve instrumentos de la orquesta: piccolo, dos clarinetes, dos bajos, trombón y percusión.
Nielsen. "Saúl y David", de Nielsen, la mejor ópera danesa de la historia. Hoy 3 de octubre de 1931 fallece Carl Nielsen
Saúl y David (título original en danés, Saul og David) es la primera de las dos óperas del compositor danés Carl Nielsen. El libreto en cuatro actos, de Einar Christiansen, narra la historia bíblica de los celos de Saúl por el joven David, tomada del Libro de Samuel. La primera representación tuvo lugar en el Det Kongelige Teater, de Copenhague el 28 de noviembre de 1902.
En la foto Nielsen con los protagonistas del estreno.
Strauss. Hoy 1 de Octubre de 1944 Strauss dirige su "Sinfonía Doméstica" con la Filarmónica de Viena en plena Guerra Mundial.
Texto de http://www.allmusic.com/
Richard Strauss was not only the last great composer of German Romanticism, he was one of the last great conductors of German Romanticism. On this disc, one can hear both Strausses on the podium before the Vienna Philharmonic directing the Overture to Wagner's Die Meistersinger von Nürnberg and two of his own works, Till Eulenspiegels lustige Streiche and the Sinfonie Domestica. All the performances are from 1944 when Strauss was 80 years old, but there are no signs of diminishing capacities in his conducting. His Meistersinger Overture is strong and robust with a wonderful feeling of exhilaration in its opening pages and a tremendous sense of celebratory magnificence in its closing pages. His Till Eulenspiegel has a terrific drive, glorious colors, an impish sense of humor, and a warm-hearted coda. But his Sinfonia Domestica is a revelation. While many great conductors have taken up the work -- Furtwängler, Szell, and Reiner among many others -- Strauss alone seems to have any real affection for the work and this performance is far more persuasive than even the best of the rest. The Vienna Philharmonic clearly loves playing for Strauss and its performance is powerful, precise, and, above all, passionate. Deutsche Grammophon's sound, while a bit dim, is still far better than it has any right to be.
Cervantes. La música inspirada en Cervantes. Hoy 29 de septiembre de 1547 nace Miguel de Cervantes.
1. ¿Cuál es la obra musical más conocida inspirada en Cervantes?
Es "Don Quijote" de Strauss.
Richard Strauss está considerado por muchos el mejor compositor de ópera del S. XX. Pero no solo escribió óperas, también compuso varios poemas sinfónicos geniales. La obra de Strauss se caracteriza por una espectacular riqueza armónica. Cuando se creó el CD, el primer CD grabado fue la Sinfonía Alpina de Strauss con la Filarmónica de Berlín dirigida por Karajan. Era una manera de decir que el compositor que mejor se adaptaba al medio era Strauss.
Don Quijote de Strauss es la mejor obra inspirada en Cervantes. Es un poema sinfónico para violonchelo, viola y orquesta estrenado en Colonia en 1898. La pieza dura 45 minutos y está escrita siguiendo la forma musical de tema con variaciones. El violonchelo solo representa a Don Quijote mientras que el solo de viola, la tuba tenor y el clarinete representan a Sancho Panza.
Se ilustran diversos episodios del Quijote. En el episodio en el que Don Quijote se encuentra en un rebaño de ovejas que el percibe como un ejército aproximándose, Strauss utiliza los instrumentos de viento para emular los balidos de las ovejas.
Las variaciones son la mejor forma que cualquier compositor haya podido elegir para pintar el carácter de Don Quijote. El fondo siempre es el mismo, solo cambian los episodios. Strauss crea alrededor de dos temas inmutables, Don Quijote y Sancho Panza, unas variaciones llenas de colorido.
El prólogo desarrolla el tema de Don Quijote. Nos muestra sus sueños excéntricos y sus visiones guerreras. La orquesta formada por 110 músicos ilustra el enloquecimiento de su mente cada vez más agitada. A continuación, hay una serie de variaciones que nos van describiendo conocidos episodios de la obra cervantina, la aventura con los molinos de viento, el combate con los carneros, la aventura con una procesión de penitentes y la vigilia de armas con tiernos pensamientos para la lejana Dulcinea.
En el epílogo todo se apacigua y aclara en el espíritu de Don Quijote que se deja llevar por una meditación melancólica sobre la ilusión seductora de las aventuras que simplemente soñó y nunca llegó a realizar. Con la muerte de Don Quijote termina esta obra singular, una de las creaciones más originales de toda la historia de la música.
Es una partitura tremendamente difícil, con innumerables dificultades técnicas. Las variaciones requieren una orquesta enorme y un nivel de precisión infalible para todos los instrumentistas. La escritura rítmica es muy compleja con armonías cruzadas. Debe también existir una total compenetración entre el solista y el director.
Para un director de orquesta, también es una obra muy difícil de hacer bien. Puede quedar fascinado por la complejidad sonora y la riqueza desbordante y exuberante de la instrumentación de Strauss. Pero aquí no hay sólo eso. Hay también ironía, hay humor, hay locura y está el reflejo de lo pequeños que en realidad somos.
En definitiva, una de las obras clave en la historia de la música que no se toca con la frecuencia que debería porque solo son capaces de interpretarla bien las mejores orquestas del mundo, la Filarmónica de Berlín, la Filarmónica de Viena y las grandes orquestas de Estados Unidos, como la Sinfónica de Chicago.
2. ¿Qué otras partituras hay inspiradas en Cervantes?
Al lado de la genialidad de Strauss, las demás obras son casi insignificantes. Hay una ópera de Massenet de calidad mediocre que se llama Don Quijote. También hay una ópera de Mendelssohn titulada las Bodas de Camacho que pertenece a la juventud del compositor por lo que no es una obra genial.
Hay un ballet de Minkus titulado Don Quijote.
También hay obras de Telemann, Paisiello y del compositor alicantino Óscar Esplá (Don Quijote velando las armas, que fue estrenada en Alicante en 1924).
Hay una partitura orquestal de Ullman, compositor interesante desde un punto de vista histórico porque falleció en un campo de concentración nazi.
Debe ser mencionado el retablo de Maese Pedro, obra musical para títeres de Manuel de Falla que se estreno en 1923 en París. Se recogen los capítulos 25 y 26 de la segunda parte de Don Quijote de la Mancha en los que aparece el retablo del titiritero de Maese Pedro y se cuenta la historia de Melisendra, esposa de don Gaiferos. Aparece la destrucción por parte de Don Quijote del teatro y de los muñecos para según él salvar a los fugitivos.
Bartok. Hoy 26 de septiembre de 1945 fallece Bela Bartok el mejor compositor húngaro de la historia.
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En la foto la esposa de Bela Bartok toca Bartok.
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En la foto a la izquierda Bela Bartok
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En la imagen Barenboim dirige Bartok
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Bartok. Hoy 26 de septiembre de 1945 fallece Bela Bartok el mejor compositor húngaro de la historia.
Nació en el territorio de la actual Rumanía. Integró la música folclórica de Hungría y Rumanía en creaciones de gran rigor intelectual e inspiración melódica.
Béla Viktor János Bartók, conocido como Béla Bartók (en húngaro: Bartók Béla), (Nagyszentmiklós, Imperio Austrohúngaro -actualmente Sânnicolau Mare, Rumanía-, 25 de marzo de 1881 - Nueva York, 26 de septiembre de 1945) fue un músico húngaro que destacó como compositor, pianista e investigador de música folclórica de la Europa oriental. Bartók fue uno de los fundadores de la etnomusicología, basada en las relaciones que unen la etnología y la musicología.
Béla Bartók nació en 1881 en Nagyszentmiklós, en el Banato austrohúngaro, una región situada en la confluencia de las culturas húngara, rumana y eslovaca, y foco tradicional de oposición al dominio de la Casa de Habsburgo y más tarde al régimen de Miklós Horthy. Su padre era director de una escuela agrícola y su madre, Paulina Voit, era maestra. Ésta empezó a enseñarle a tocar el piano cuando tenía 5 años.
En 1888, después de la muerte de su padre (al que Béla admiraba mucho), su madre se llevó a la familia a vivir a Vinogradiv, ahora en Ucrania, donde daba clases de piano. En esa ciudad Béla empezó a componer a la edad de 9 años.
Con 11 años, Bartók dio su primer concierto: el allegro de la sonata Waldstein de Beethoven y una de sus primeras composiciones, El curso del Danubio. La familia se trasladó entonces a Presburgo (la actual Bratislava, capital de Eslovaquia), donde László Erkel le enseñó armonía y piano. Allí Béla conoció también al compositor y pianista Ernő Dohnányi.
Con 17 años, sigue a Ernő Dohnányi a Budapest para ingresar en la Academia de Música. Allí estudió piano con István Thoman y composición con János Koessler, y conoció a Zoltán Kodály, con el que emprenderá una recopilación de la música folclórica húngara.
En 1903 ya había compuesto un extenso poema sinfónico, Kossuth, nombre del héroe de la revolución húngara de 1848, Lajos Kossuth, incorporando dichas melodías folcóricas.
A partir de 1905, profundiza sus conocimientos en la música tradicional y las canciones folclóricas magiares, en sintonía con el auge de los movimientos nacionalistas. Toma entonces conciencia de la necesidad de preservar la memoria musical tradicional de su país. Junto con Kodály, comenzó a recorrer los pueblos de Hungría y Rumanía para recoger miles de melodías y canciones que transcribieron y grabaron con un gramófono.
Extendieron luego esa labor a buena parte de los pueblos de la Europa central y hasta Turquía. Anteriormente, se pensaba que la música folclórica húngara se basaba en melodías zíngaras. Un ejemplo de ello son las rapsodias compuestas por Franz Liszt. Pero Bartók descubrió que las antiguas melodías húngaras se basaban en escalas pentatónicas, al igual que la música asiática o la de Siberia. Bartók escribió una buena cantidad de pequeñas piezas para piano derivadas de la música folclórica, y creó acompañamientos para canciones populares.
Otra gran influencia fue la música de Richard Strauss y Debussy que Zoltán Kodály trajo de París.
En 1905, descubrió París con motivo del concurso Rubinstein. En aquella época Bartók se aleja de la religión para adoptar un ateísmo profundo y sereno según sus propias palabras (en una carta de 1907 a Stefi Geyer, uno de sus primeros amores). Su ateísmo se mantendrá hasta 1916, año en el que anuncia públicamente su conversión al unitarismo. El unitarismo es una corriente de pensamiento teológico de origen cristiano que afirma la unicidad de Dios. En sentido genérico se ha etiquetado así a diversas corrientes que rechazan el dogma de la Trinidad, tales como el adopcionismo, el arrianismo, el servetismo o el socinianismo.
De 1907 a 1934, Bartók enseñó piano en la Real Academia de Budapest. En 1907, escribió Tres canciones populares húngaras, y el año siguiente su Cuarteto para cuerdas nº 1. En 1909, Bartók se casó con Márta Ziegler, su alumna de 16 años. Su hijo Béla nació en 1910.
En 1911, escribió la que fue su única ópera, El castillo de Barba Azul, que entró a concurso para el premio de la Comisión para las Bellas Artes Húngaras, pero le dijeron que no era adecuada para la escena. La ópera no se estrenó hasta 1918, con la condición del gobierno de que borrara del programa el nombre del libretista, Béla Balázs, debido a sus ideas políticas. Bartók se negó. Apasionado por su país, nunca se sintió muy contento con las instituciones políticas de Hungría que le tocaron vivir.
Seguía concentrándose en recoger música folclórica en la Europa Central, los Balcanes y Turquía, para estudiarla y clasificarla. Cuando comenzó la Primera Guerra Mundial terminó estas expediciones y regresó a la composición.
Durante la Primera Guerra Mundial, escribió los ballets El príncipe de madera y El mandarín maravilloso, seguidos por dos sonatas para violín y piano, que son armónica y estructuralmente piezas muy complejas. Escribió su segundo cuarteto de cuerdas en 1917.
Bartók se divorció de Márta en 1923 y se casó con una estudiante de piano, Ditta Pásztory, con la que hizo una gira por Europa interpretando conciertos para dos pianos. Su segundo hijo, Péter, nació en 1924. Para las lecciones de música de Péter comenzó a componer una colección de seis volúmenes de piezas de piano graduadas.
En 1927-1928 compuso el Tercero y el Cuarto cuarteto de cuerdas, considerados como unos de los cuartetos más importantes de la música clásica. En el Quinto Cuarteto de 1934 vuelve a un lenguaje armónico más simplificado y es más tradicional. Escribió su sexto y último cuarteto en 1939.
Segunda Guerra Mundial.
En 1935, la carrera de Bartók se había confirmado hasta el punto de que pudo dejar de dar clases de piano. En 1936 compuso una de sus obras emblemáticas por encargo de Paul Sacher, director de la Orquesta de Cámara de Basilea: Música para cuerda, percusión y celesta. La obra fue interpretada el 21 de enero de 1937, dirigida por Paul Sacher. Pero Hitler y la Segunda Guerra Mundial van a conmocionar su vida.
Bartók no se comprometió nunca con ningún régimen fascista. Se opuso a Horthy, que integró a Hungría dentro de la esfera nazi. Cambió de editor cuando éste se afilió al nazismo, se negó a que sus obras fueran tocadas en conciertos nazis y pidió que participaran en la exposición sobre la música llamada "degenerada" en Düsseldorf. Después del inicio de la Segunda Guerra Mundial, y con la situación política empeorando, Bartók fue tentado cada vez más a dejar Hungría. Compuso entonces Contrastes, uno de sus últimos éxitos. Primero envió sus manuscritos fuera del país, y tras el fallecimiento de su madre, se mudó a los Estados Unidos con Ditta en agosto de 1940. Péter Bartók se les unió en 1942 y después se alistó en la Marina de los Estados Unidos.
Bartók estuvo profundamente afectado por el exilio. Nunca se sintió confortable en los Estados Unidos, y encontró muy difícil escribir.
Fue bien recibido en un principio. Rechazó un puesto de profesor de composición en la Curtis University pero aceptó ser investido doctor honoris causa por la universidad de Columbia, lo que le permitió seguir transcribiendo y clasificando gracias a una beca de investigación. A pesar de ser renombrado como etno-musicólogo y pianista, no era bien conocido como compositor y había poco interés en su música. Tocaba en conciertos con Ditta, pero los conciertos fueron cada vez más escasos y la crítica era severa. La casa Baldwin recuperó uno de los dos pianos que le había prestado, por lo que ya no podía tocar a dúo con su mujer. Bartók era orgulloso e intransigente, y rechazó una vez más volver a dar clases aunque su situación económica fuera empeorando. Se manifestaron al mismo tiempo los primeros síntomas de una leucemia.
A principios de 1943 dio su último concierto como intérprete. Su estado de salud seguía degradándose, pero poco a poco los músicos norteamericanos intentaron ayudarle económicamente. Bartók se negaba a recibir limosnas, sólo quería componer. Unos últimos encargos le hicieron entonces recobrar confianza: el Cuarteto para Cuerdas n° 6, junto con el Concierto para Orquesta que le comisionó Serge Koussevitzki, el trabajo más popular de Bartók, que alivió su situación financiera. Parece que esto renovó su interés en la composición, y comenzó su Concierto para Piano n° 3 y su Concierto para Viola. Yehudi Menuhin le encargó la Sonata para violín solo.
Tras la liberación de Hungría, el país le ofreció ser diputado, puesto que aceptó sabiendo que probablemente no podría asumirlo. En septiembre de 1945, Béla Bartók murió en Nueva York de leucemia, a la edad de 64 años. Dejó el Concierto para Viola inconcluso a su muerte, el cual fue completado por su alumno Tibor Serly.
Fue enterrado en el Cementerio Ferncliff de Hartsdale, Nueva York, pero en julio de 1988 sus restos fueron transferidos a Budapest a petición de sus hijos, Béla y Peter, donde tuvo un funeral de Estado.
Shostakovich. Hoy 25 de septiembre de 1906 nace Shostakovich.
El compositor, que siempre fue muy infantil, quedó fascinado con el parque de atracciones. Al regreso de su viaje sus hijos se hartaron de escucharle lo maravilloso que era el parque. Las autoridades soviéticas no permitieron a los hijos de Shostakovich viajar con el.
En la imagen Walt Disney. y Dmitri Shostakovich fotografiados en el viaje a USA del compositor
Shostakovich en la banda sonora de la película de Disney "Fantasia 2000". Hoy 25 de septiembre de 1906 nace Shostakovich
Fantasía 2000 (Hendel Butoy, 1999)
La factoría Disney acometió en el año 2000 la tarea de repetir el esquema de Fantasía (1940): ilustrar piezas animadas sin diálogos (salvo las cortinillas de presentación de cada obra) con temas de música clásica (de Bach, Tchaikovsky, Dukas, Stravinsky, Beethoven, Ponchielli, Mussorgsky y Schubert), interpretadas por la Orquesta de Filadelfia, dirigida por Leopold Stokowski.
La nueva producción, titulada Fantasía 2000, pone esta vez en imágenes fragmentos de Beethoven, Respighi, Gershwin, Shostakovich, Saint-Saëns, Dukas, Elgar y Stravinsky, interpretadas por la Orquesta Sinfónica de Chicago, bajo la dirección de James Levine.
La pieza basada en El soldadito de plomo de Hans Christian Andersen (y cuya dirección se encomienda a Hendel Butoy), combina la tradicional animación 2d con las técnicas más avanzadas que ya se venían imponiendo de render y cgi, y emplea el chispeante primer movimiento del 2º concierto para piano y orquesta en fa mayor, Op.102 (1957) de Shostakovich, con Yefim Bronfman a cargo del instrumento solista. La gran distribución a nivel mundial habitual en todo producto Disney, contribuyó a que de nuevo otra composición de Shostakovich, tras la reciente película de Kubrick, llegara a una inmensa audiencia.
Shostakovich en la banda sonora de la última película de Kubrick, "Eyes Wide Shut". Hoy 25 de septiembre de 1906 nace Shostakovich
Si hay un cineasta que ha contribuido a que fragmentos de música culta hayan alcanzado una masiva popularidad, ése es Stanley Kubrick (1928-1999). Lo logró con Richard Strauss (Also sprach Zarathustra en 2001, una odisea del espacio), Bela Bartok (Música para cuerdas, percusión y celesta en El resplandor), György Ligeti (Requiem en 2001, Lontano en El resplandor, Musica ricercata en Eyes wide shut) o Krzysztof Penderecki (De natura sonoris nº1, en El resplandor). Y en su largometraje póstumo Eyes wide shut, popularizaría el Vals nº2 de la Suite para orquesta de 1956 de Shostakovich, utilizado y versionado desde entonces con asiduidad para orquestas y combinaciones de todo tipo y sincronizado en publicidad y otras obras audiovisuales.
Kubrick realizó así un impagable servicio para el conocimiento, aunque fuera a través de esta insignificante pieza menor poco representativa de la verdadera categoría de su autor (aunque contagiosamente pegadiza), y a la implantación de Shostakovich entre el gran público.
Shostakovich y Britten, dos compositores geniales juntos en una foto de 1963. Hoy 25 de septiembre de 1906 nace Shostakovich
Mikhail Chulaki, Rostropovich, Britten, Shostakovich, and Oistrakh during the festival of British music in Moscow. March 1963.
Shostakovich. Un niño genial de ocho años llamado Dimitri Shostakovich que será uno de los grandes compositores de la historia. Hoy 25 de septiembre de 1906 nace Shostakovich
En la imagen Shostakovich con ocho años de edad.
Shostakovich. Un niño llamado Shostakovich. Entrevista con Pedro Beltrán. Hoy 25 de septiembre de 1906 nace Shostakovich
1. ¿En qué familia nació Shostakovich?
Shostakovich nació en una familia de clase media residente en San Petersburgo pero que procedía de Siberia. Su padre era biólogo. Su madre era pianista de un nivel medio. La familia tenía incluso servicio doméstico antes de la revolución.
2. ¿Cuándo aprendió Shostakovich a tocar el piano?
Su madre empezó a enseñarle cuando tenía nueve años. A los dos días de darle clase ya anunció "Tenemos un niño con enorme talento con nosotros". Solo una semana después ya Shostakovich tocaba el piano a cuatro manos con su madre.
3. ¿Cómo fue la relación con sus padres?
Shostakovich creció en una familia unida, normal, con el afecto de su padre y de su madre. Su padre trabajaba mucho pero prestaba atención al niño cuando volvía del trabajo y los fines de semana. Su madre estaba fascinada con el talento musical de su hijo y tenía una excelente relación con él.
Lamentablemente su padre murió cuando Shostakovich tenía doce años, lo que dejó al niño muy triste y llorando durante muchos días. Es una marca de dolor que quedó siempre en su conciencia.
4. ¿Cómo era el carácter de Shostakovich de niño?
Era un niño normal pero muy reservado, introvertido y tímido. Le encantaba la naturaleza y salir de paseo. Parece que siempre estaba escuchando algo. Cualquier sonido le llamaba la atención. Su salud era frágil. Contrajo tuberculosis con diez años y todos temieron por su vida. Se salvo pero nunca tuvo una salud robusta.
5. ¿Qué notas sacaba en el colegio?
En el colegio tenía las mejores notas de la clase con todo sobresalientes y matrículas de honor. A la vez compaginaba los estudios en el colegio con el conservatorio.
6. ¿Cómo vivió Shostakovich la revolución de febrero de 1917?
Cuando tuvo lugar la famosa revolución comunista de febrero de 1917 que derrocó a los zares, Shostakovich tenía diez años. Cuando llegó en tren Lenin a la estación de Finlandia de San Petersburgo, Shostakovich estaba entre los niños que le acogieron con entusiasmo. Shostakovich volvió a casa y le dijo a sus padres "Acabo de ver a Lenin". El padre gritaba "¡Chicos, ha llegado la libertad!".
7. ¿Cómo fueron los estudios musicales de Shostakovich?
Con sólo quince años de edad ya se graduó como pianista y compositor. Era un niño prodigio que terminó las dos carreras en la mitad del tiempo normal para las mismas. Tenía una extraordinaria facilidad para la música y además de crear partituras desde niño fue siempre un excelente pianista. Casi todos los días asistía a conciertos y óperas cuando terminaba de estudiar.
En la imagen Dmitri Shostakovich niño con 13 años de edad pintado por Boris Kustodiev
Shostakovich y el fútbol. Anécdotas. Hoy 25 de septiembre de 1906 nace Shostakovich
Shostakóvich era un enamorado del futbol. Quiso ser futbolista pero no pudo por una miopía severa que padeció desde niño. Pero era un asistente asiduo al mejor futbol de su ciudad (Leningrado) y fue árbitro calificado y como tal actuó algunos años en ligas de buen nivel en su país. En 1930 compuso una suite de ballet en tres actos y 37 escenas que se llama La edad de oro. Ahí se cuenta la historia de un equipo de futbol soviético que va a jugar a un país capitalista. Los jugadores capitalistas están representados por los sonidos del jazz, shimmy, tango, etcétera.
La presentación de dicho ballet hizo enojar a las autoridades comunistas rusas, porque al parecer el partido de futbol musical fue ganado por los extranjeros, ya que el predominio del sonido fue el del jazz y el tango. Esto les pareció decadente y perverso a las autoridades rusas y censuraron la obra. Es difícil imaginar que el espacio del balón, los tiros penales, los fuera de lugar, las faltas, los tiros de esquina, los tiros libres, los silbatazos, las tarjetas amarillas y rojas, los expulsados, los once contra once, los árbitros y los abanderados quepan en la cancha de los violines, violas, violonchelos, flautas, timbales, cornos, directores y batuta. Es difícil imaginarlo, pero ocurre en La edad de oro de Dmitri Shostakóvich.
Anécdotas divertidas de Shostakóvich relacionadas con el fútbol:
– Galina: … Durante toda su vida, mi padre fue un apasionado admirdor del fútbol. No sólo recordaba los nombres de los jugadores de varias generaciones, sino que llevaba ciertas anotaciones y estadísticas de los partidos. De estar vivo ahora, no le habría costado trabajo alguno contestar a la pregunta de cuándo, en qué año, en qué fecha y en qué estadio tuvo lugar concretamente aquel partido tan memorable para mí.
– Sofía Jéntova: …, el asunto del fútbol hizo que Shostakóvich coincidiese con Konstantín Yesenin, hijo político de Meyerhold, que le recordaba desde la época en que el compositor escribió la música para la puesta en escena de “La Chinche”, pieza propagandística y satírica del poeta Maiakovsky.
Tras leer el artículo de cotumbre redactado por Konstantín Yesenin -quien había elevado las crónicas de los partidos de fútbol a la sublime altura de la poesía-, Shostakóvich le expuso en una carta una serie de puntualizaciones sobre los datos. Su letra, como de costumbre, era poco legible; la firma no se veía nada bien, y Yeseni llamó por teléfono al número que se indicaba en la carta, preguntando con voz irritada si vivía ahí un ancianito que se interesaba por el fútbol. “Vive -dijo una voz de mujer-; ahora mismo le aviso.”
Yesenin se enfrascó en una acalorada polémica cn l meticuloso “ancianito”. Al final le preguntó: “¿Y cómo se apellida usted?”.
Al oír un tímido “Shostakóvich”, se quedó pasmado.
– Maxim: Mi padre no sólo era gran conocedor del fútbol, sino también árbitro colegiado. El título lo obtuvo en Leningrado, antes incluso de la guerra. Se sabía al dedillo las reglas e los juegos deportivos y le encantaba actuar de árbitro en las competiciones. Como ya dije, en la Casa de los Compositres de Ivánovo siempre hacía de árbitro en los torneos de voleibol.
– Galina: Una vez, en la década de los cincuenta, mi padre veraneó en un sanatorio para miembros del Gobierno situado en Crimea, y allí le tocó hacer de árbitro en un torneo de tenis. Entre los veraneantes que jugaban a diario en la cancha estaba el general del ejército Iván Serov, que en aquella época dirigía el KGB. Y cuando el jefe del Comité de Seguridad del Estado soviético cometía alguna falta e inmediatamente se ponía a protestar, Shostakóvich le bajaba siempre los humos con la siguiente frase: “Con el árbitro no se discute”. Mi padre confesaba que gozaba de verdad al espetarle esta frase en la misma cara al máximo dirigente del KGB.
[fragmentos de Shostakóvich: Recuerdos de una vida, MIJAÍL ÁRDOV]
En la imagen Shostakovich en la grada siguiendo a su equipo de fútbol, el Zenit de San Petersburgo.
