Efemérides, un día tal como hoy...

Lully. Hoy 28 de noviembre de 1632 nace uno de los grandes compositores franceses Lully

Detalles del evento

Cuándo

28/11/2016
de 16:15 a 16:15

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Lully estreno sus obras en el palacio de Versalles (en la foto).

Más información en otros post de hoy.

Lully. Hoy 28 de noviembre de 1632 nace uno de los grandes compositores franceses Lully

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Cuándo

28/11/2016
de 16:15 a 16:15

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Lully estreno sus obras en el palacio de Versalles (en la foto). Foto 2

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Lully. Hoy 28 de noviembre de 1632 nace uno de los grandes compositores franceses Lully

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Cuándo

28/11/2016
de 16:15 a 16:15

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Lully estreno sus obras en el palacio de Versalles (en la foto la iglesia).

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Nielsen. Hoy 28 de noviembre de 1902 se estrena "Saúl y David", de Nielsen, la mejor ópera danesa de la historia.

Estrenada el 28 de noviembre de 1902. Nielsen nació el 9 de junio de 1865 y murió el 3 de octubre de 1931.

Detalles del evento

Cuándo

28/11/2016
de 15:35 a 15:35

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Saúl y David (título original en danés, Saul og David) es la primera de las dos óperas del compositor danés Carl Nielsen. El libreto en cuatro actos, de Einar Christiansen, narra la historia bíblica de los celos de Saúl por el joven David, tomada del Libro de Samuel. La primera representación tuvo lugar en el Det Kongelige Teater, de Copenhague el 28 de noviembre de 1902.

En la foto Nielsen con los protagonistas del estreno.

Alfonso XII de Borbón Rey de España entre 1874 y 1885 que murió de tuberculosis con 27 años de edad. Hoy 28 de noviembre de 1857 nace Alfonso XII

Nació el 28 de noviembre de 1857 y murió el 25 de noviembre de 1885.

Detalles del evento

Cuándo

28/11/2016
de 13:55 a 13:55

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Alfonso XII de Borbón, llamado el Pacificador (Madrid, 28 de noviembre de 1857 – El Pardo, 25 de noviembre de 1885), fue rey de España entre 1874 y 1885. Era hijo de la reina Isabel II de España y de su marido, Francisco de Asís de Borbón. Reinó tras la Restauración borbónica, hasta su muerte prematura a los 27 años, víctima de la tuberculosis. Fue sucedido en el trono por su hijo póstumo, Alfonso XIII de España, cuya minoría estuvo encabezada por la regencia de su viuda, María Cristina de Austria.

Primeros años

Alfonso nació en el Palacio Real de Madrid el 28 de noviembre de 1857. En Madrid y en la corte circuló el rumor de que su verdadero padre no era el rey consorte, sino un capitán de ingenieros llamado Enrique Puigmoltó. El hecho coincidía con la conocida "promiscuidad" de la Reina y la aparente homosexualidad del Rey -manifestada a través de su evidente amaneramiento.

La paternidad de Puigmoltó es aceptada como cierta por algunos historiadores. Popularmente tenía el sobrenombre de "Puigmoltejo" debido a la supuesta paternidad de Enrique Puigmoltó sobre Alfonso.

Alfonso, que recibió el título de príncipe de Asturias tras su nacimiento, tenía cuatro hermanas: la infanta Isabel, condesa de Girgenti (1851-1931), la infanta María del Pilar (1861-1879), la infanta María de la Paz, princesa de Baviera (1862-1946) y la infanta María Eulalia, duquesa de Galliera (1864-1958).

Entre los preceptores del joven príncipe Alfonso se hallaban José Isidro Osorio y Silva-Bazán y el arzobispo de Burgos, este último elegido por la propia reina Isabel tras consultar con el papa Pío IX.

Derrocamiento de la monarquía isabelina y educación.

En 1868, siendo aún un niño, su madre fue destronada por la Revolución de 1868 (conocida como La Gloriosa), obligando a la Familia Real a partir hacia el exilio; los reyes se instalaron por separado en París. La salida a Europa del joven príncipe supuso una experiencia inestimable, al encontrarse así con otros sistemas políticos como el francés, el austríaco o el británico. De hecho, Alfonso fue el primer príncipe de Asturias que se formó en centros educativos y militares extranjeros.

El primero de ellos fue el colegio Stanislas, en París. El 29 de septiembre de 1869, la familia se trasladó transitoriamente a Ginebra, donde además de recibir clases particulares, el príncipe Alfonso acudió a la Academia Pública de la ciudad cantonal. Como continuación de su educación se eligió la Real e Imperial Academia Teresiana de Viena. Por último asistió a la Academia militar de Sandhurst, en Inglaterra. En este país el futuro rey conoció de primera mano el constitucionalismo inglés.

De la correspondencia de Alfonso con su madre la Reina durante todas sus estancias en los distintos colegios y academias, se pone de manifiesto la relativa estrechez económica en que se movía la Familia Real en esos años.

El 25 de junio de 1870, su madre, Isabel II, abdicó sus derechos dinásticos, en un documento firmado en París, en favor de su hijo Alfonso, que pasaba así a ser considerado por los monárquicos como el legítimo rey de España.

Mientras tanto, en España se sucedían distintas formas de gobierno: el Gobierno Provisional (1868–1870), la monarquía democrática de Amadeo I (1870–1873) y la I República (1873–1874). Ésta fue liquidada en el mes de enero por el golpe de estado del general Pavía, y se abrió un segundo período de gobiernos provisionales. Durante esta etapa histórica (el Sexenio Democrático), la causa alfonsina estuvo representada en las Cortes por Antonio Cánovas del Castillo.

Acceso a la corona

El 1 de diciembre de 1874, Alfonso hizo público el Manifiesto de Sandhurst, presentándose a los españoles como un príncipe católico, español, constitucionalista, liberal, y deseoso de servir a la nación.

El 29 de diciembre de 1874 se produjo la restauración de la monarquía al pronunciarse el general segoviano Martínez-Campos en Sagunto (Valencia) a favor del acceso al trono del príncipe Alfonso. En aquel momento, el Jefe del Estado era el general Serrano. El Jefe del Gobierno era Sagasta. En enero de 1875 llegó a España y fue proclamado rey ante las Cortes Españolas.

Su reinado consistió principalmente en consolidar la monarquía y la estabilidad institucional, reparando los daños que las luchas internas de los años del llamado Sexenio Revolucionario habían dejado tras de sí, ganándose el apodo de «el Pacificador». Se aprobó la nueva Constitución de 1876 y durante ese mismo año finalizó la guerra carlista, dirigida por el pretendiente Carlos VII (el propio monarca hizo acto de presencia y acudió al campo de batalla para presenciar su final). Los fueros vascos y navarros fueron reducidos y se logró que cesaran, de forma transitoria, las hostilidades en Cuba con la firma de la Paz de Zanjón.

Alfonso XII realizó en el año 1883 una visita oficial a Bélgica, Austria, Alemania y Francia. En Alemania aceptó el nombramiento como coronel honorario de un regimiento de la guarnición de Alsacia, territorio conquistado por los alemanes y cuya soberanía reclamaba Francia. Este hecho dio lugar a un recibimiento hostil al monarca español por parte del pueblo de París durante su visita oficial a ese país.

Alemania trató de ocupar las Islas Carolinas, en aquel momento bajo dominio español, provocando un incidente entre los dos países que se saldó a favor de España con la firma de un acuerdo hispanoalemán en 1885.

Ese mismo año se desató una epidemia de cólera en Valencia que se fue extendiendo hacia el interior del país. Cuando la enfermedad llegó a Aranjuez, el monarca expresó su deseo de visitar a los afectados, a lo que el Gobierno de Cánovas del Castillo se negó por el peligro que ello entrañaba. El rey partió entonces sin previo aviso hacia la ciudad y ordenó que se abriera el Palacio Real para alojar a las tropas de la guarnición.

Una vez allí, consoló a los enfermos y les repartió ayudas. Cuando el Gobierno conoció el viaje del soberano, envió al Ministro de Gracia y Justicia, al Capitán General y al Gobernador Civil para que le llevasen de vuelta a Madrid. Cuando llegó, el pueblo, enterado del gesto del rey, le recibió con vítores y, retirando a los caballos, condujo al carruaje hasta el Palacio Real.

Poco tiempo después, el 25 de noviembre, Alfonso XII murió de tuberculosis en el Palacio de El Pardo, en Madrid.

Matrimonios e hijos

Alfonso XII se casó dos veces; con su prima María de las Mercedes de Orleans, hija de los duques de Montpensier, contrajo matrimonio el 23 de enero de 1878; desgraciadamente, la Reina murió de tifus cinco meses después, y en segundas nupcias el rey se casó con María Cristina de Habsburgo-Lorena (29 de noviembre de 1879), prima segunda del emperador Francisco José I de Austria. Tuvo tres hijos fruto de su segundo matrimonio:

María de las Mercedes (1880–1904), infanta de España y princesa de Asturias.

María Teresa (1882–1912), infanta de España.

Alfonso XIII (1886–1941), rey de España desde su nacimiento, pues éste se produjo después de la muerte de su padre.

Además de su prole legítima, Alfonso XII dejó al menos dos hijos ilegítimos con la contralto Elena Sanz:

Alfonso (1880-1970).4
Fernando (1881-1922).

La viuda de Alfonso XII, María Cristina fue regente de España hasta la mayoría de edad de su hijo Alfonso XIII, en 1902.

Alfonso XII en la ficción.

¿Dónde vas, Alfonso XII? (película). El rey es interpretado por Vicente Parra.
¿Dónde vas, triste de ti? (película). El rey es interpretado por Vicente Parra.

En la imagen Alfonso XII con su segunda esposa, María Cristina de Austria.

El Rey Allfonso XII no fue hijo de Francisco de Borbón esposo de la Reina Isabel II. Su padre fue un capitán del ejército. Hoy 28 de noviembre de 1857 nace Alfonso XII

El esposo de la reina era homosexual. Alfonso XII nació el 28 de noviembre de 1857 y murió el 25 de noviembre de 1885)

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Cuándo

28/11/2016
de 12:25 a 12:25

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El esposo Borbón de la Reina reconoció a sus hijos aunque no
eran suyos,

Isabel ya desde muy niña apuntaba maneras, mostró un temperamento sexual muy activo, con apenas 13 años ya andaba persiguiendo a toda la guardia real. Era el terror de la soldadesca. Llenó la corte de amantes.

La reina se oponía a su boda con Francisco de Borbón, pues a pesar de su juventud ya era consciente de la homosexualidad de su primo borbón. Dicen que Isabel II le dijo a su madre el día antes de casarse: “He cedido como reina, pero no como mujer. Yo no he buscado a este hombre para que fuese mi marido; me lo han impuesto y no lo quiero” cuando se enteró de quién iba a ser su futuro esposo exclamó: “¡No, no, con Paquita no!”

La noche de bodas fue un fracaso total. Más tarde diría Isabel II: “¿Que se puede esperar de un hombre que en la noche de bodas llevaba en su camisa más puntillas que yo en la mía?”. Al parecer el rey , alias Paco Natillas, “Paquita” no consumó el matrimonio. La gente cantaba: “Paco Natillas es de pasta flora y se mea en cuclillas como una señora”.

Estos fueron los más famosos amantes de la reina: Ramiro Puente, Bedmart, Altman, Olózaga, Carlos Marfori, Obregón, el compositor Emilio Arrieta, Miguel Tenorio, José María Ruiz de Arana conocido este en Madrid como “el pollo Arana”. Las crónicas indican que su primer hombre fue el militar Francisco Serrano, a quien la reina llamaba siempre “el general bonito”.

Otro fue el militar Enrique Puig Moltó, a quién se atribuía junto con Arana la paternidad del futuro Alfonso XII. Sobre Arana hay una anécdota muy graciosa. Un día Paco, el rey, le llegó a decir a la reina que tuviera cuidado con el pollo Arana, que le estaba poniendo los cuernos. Mayor comprensión imposible.

Fue Isabel una niña algo corta de entendederas y de educación tan descuidada que era prácticamente analfabeta. En lo que resultó precoz fue en el sexo; en parte, porque había heredado el carácter ardiente y lujurioso de la familia y, en parte, porque la corrompieron sus propios tutores. Se dice que se acostó con toda la corte, las orgías palaciegas eran su deporte favorito.

Reinona, frívola, beatuca, caprichosa, promiscua, adultera, creció más a lo ancho que a lo alto, ninfómana, fogosa, tuvo docenas de amantes.

El entorno de Isabel se aprovechará de esta situación para presentarle potenciales amantes, en especial del ámbito castrense, para mantenerla ajena a los asuntos del reino y, además, asegurar la descendencia.

Cuando Isabel comenzó a tener hijos con sus amantes. Francisco hizo a su vez un excelente negocio. No dijo esta boca es mía, reconocía los hijos. Oficialmente, Isabel II de Borbón y Francisco tuvieron doce hijos, de los que sólo sobrevivieron cinco. Uno de ellos, el que sería el rey Alfonso XII.

Cuentan que Isabel dijo a Alfonso:“Hijo mío, la única sangre Borbón que corre por tus venas es la mía”.

De Isabel II y su relación con el capitán de ingenieros valenciano, nació nada menos que el rey Alfonso XII. Sabemos que fue así por la correspondencia vaticana y en concreto por una cartamanuscrita de Isabel II a Enrique Puigmoltó yMayans asegurándole que el hijo era suyo.

En la imagen Isabel II Reina de España y su hijo Alfonso XII Rey de España.

La amante del Rey Alfonso XII fue la cantante de ópera Elena Sanz, una de las mejores voces de la historia. Hoy 28 de noviembre de 1857 nace Alfonso XII

Alfonso XII nació el 28 de noviembre de 1857 y murió el 25 de noviembre de 1885.

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Cuándo

28/11/2016
de 12:25 a 12:25

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El Rey se enamoró de ella con 15 años de edad e inició la intensa relación tras una representación de ópera en la que cantaba su amada.

El Rey murió con 27 años.

En el último cuarto del siglo XIX una cancioncilla se hizo muy popular entre el pueblo, la cual decía: “Dónde vas Alfonso XII, dónde vas triste de ti. Voy en busca de Mercedes, que ayer tarde no la vi”. Esta tonadilla de melodía y letra pegadizas estaba dedicada al por entonces rey de España, quién se había convertido en un desconsolado viudo que lloraba amargamente las penas al recordar a su amada y difunta esposa.

Un matrimonio que tan solo había durado poco menos de medio año, tras enfermar y fallecer a causa del tifus María de las Mercedes de Orleans y Borbón, esposa y prima del rey.

Las crónicas de la época relataron la gran pena que tuvo Alfonso XII y cómo visitaba a diario el panteón en el que había sido enterrada su amada. O al menos esa era la parte romántica de la historia y la que se daba a conocer a través de las publicaciones en prensa. En realidad al afligido viudo le duró bien poco el desconsuelo, debido a que en tan solo unos meses ya se había organizado todo para que tomase como esposa a María Cristina de Habsburgo-Lorena en segundas nupcias.

Pero no solo esto alivió el dolor de Alfonso XII, ya que en los meses que transcurrieron entre que quedó viudo y volvió a casarse (apenas un año) comenzó una relación sentimental con la que se considera que fue el gran amor de su vida: Elena Sanz, una cantante de ópera 13 años mayor que el monarca (por aquel entonces el rey contaba con 21 años) y que provenía de una aristocrática familia.

Alfonso XII había conocido a Elena cuando él tenía 15 años, y ya por entonces quedó prendado de ella. No volvieron a verse en los siguientes años, pero tras enviudar de su primer matrimonio, el destino hizo que el rey acudiese al estreno de una ópera, donde volvieron a coincidir; convirtiéndola en su amante y haciendo que se retirase de su exitosa carrera como cantante lírica.

Elena se instaló a vivir en las proximidades del Palacio Real de Madrid. Lugar en el que tuvieron sus apasionados encuentros amorosos.

Una relación que contaba con beneplácito de Isabel II, quien llegaría a declarar en petit comité que Elena Sanz era “su nuera ante Dios”. Tan solo se le pidió al rey y a su amada una total discreción, planificándose un matrimonio de alta conveniencia para la estabilidad de la Casa Real y sin poner impedimento alguno para que los amantes pudiesen seguir viéndose.

Alfonso XII tan solo vivió seis años más (falleció en 1885 tras padecer una tuberculosis), pero en ese tiempo dejó una prole de cinco hijos, dos de los cuales fueron declarados bastardos y a los que nunca se les reconoció como herederos del rey de España, a pesar de que el primogénito (nacido fuera del matrimonio) fue bautizado con el nombre de Alfonso, pero no se le permitió llevar el apellido paterno.

Quien peor llevó todo este asunto fue la esposa del rey, María Cristina, teniendo que tragarse el orgullo y no poder hacer nada al respecto, mientras veía como su esposo realizaba continuas visitas a su amante, teniendo totalmente descuidadas sus obligaciones conyugales.

Pero el momento de venganza de la reina consorte llegó tras la muerte del rey, ya que ésta se ocupó (previo pago) de que Elena Sanz y los dos hijos bastardos de Alfonso XII desaparecieran de Madrid, enviándolos a residir a París y bajo la firma de un contrato en el que renunciaban a cualquier petición, comprometiéndose a no reclamar el apellido Borbón ni ninguno de los privilegios que correspondían.

Así es como Alfonso XIII, el que fuera hijo póstumo del rey (nació seis meses después del fallecimiento de su padre) se convirtió en el heredero al trono de España, pasando por delante de sus dos hermanos mayores nacidos de la relación extraconyugal de su padre con Elena Sanz.

Pero hay quien se atreve a ir un paso más allá e intentar asegurar que, en realidad, Alfonso XIII no fue hijo natural de la reina María Cristina, sino que ésta parió a una niña y al verse la Casa Real sin heredero intercambió a la pequeña con un recién nacido varón, fruto de la relación que mantuvo Alfonso XII con Adela Lucia Almerich, según relata en su libro ‘La última amante del rey romántico’ el historiador Norberto Mesado.

A pesar de vivir tan solo 27 años, el currículo sentimental del bisabuelo de nuestro actual rey estuvo cargado de amantes e hijos bastardos, muchos de ellos olvidados y/o ignorados por la historia.

Elena Sanz nació en Castellón de la Plana el 15 de diciembre de 1849 y murió en París el 24 de diciembre de 1898.

Ha sido una de las más grandes voces de la ópera de todos los tiempos. Viajó por todo el mundo exhibiendo sus grandes dotes de cantante y presumiendo de española, pero donde más se valoró su arte fue en los teatros de París. Su gran valía artística ha quedado eclipsada por su biografía.

Castelar la describió como: de labios rojos, la color morena, la dentadura blanca, la cabellera negra y reluciente como de azabache, la nariz remangada y abierta, el cuello carnoso y torneado a maravilla, la frente amplia como la de una divinidad egipcia, los ojos negros e insondables cual dos abismos que llaman a la muerte y al amor.

Ya sabemos la respuesta a la pregunta de ¿dónde vas Alfonso XII? El rey, del que nos ha quedado esa imagen distorsionada de romanticismo, iba en realidad al palacio de Riofrío a encontrarse con su amante. Cánovas lo convenció para que no se casase con ella, evitando que su hijo mayor Alfonso hubiera sido rey de España en vez de ese otro del mismo nombre.

En 2013 el escritor Tomás Gismera Velasco (Atienza, 1958) quedó finalista del premio “Hispania” de novela histórica, con la obra "Elena Sanz: Tu serás mi reina"

En la foto Elena Sanz.

Engels. El asombroso parecido entre Brahms y Engels. Hoy 28 de noviembre de 1820 nace Engels.

Engels nació el 28 de noviembre de 1820 y murió en Londres el 5 de agosto de 1895.

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Cuándo

28/11/2016
de 11:40 a 11:40

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Friedrich Engels, nació en Barmen-Elberfeld, Prusia el 28 de noviembre de 1820 y murió en Londres el 5 de agosto de 1895. Fue un filósofo y revolucionario alemán.

Amigo y colaborador de Karl Marx, fue coautor con él de obras fundamentales para el nacimiento de los movimientos socialista, comunista y sindical, y dirigente político de la Primera Internacional y de la Segunda Internacional.

Johannes Brahms (Hamburgo, 7 de mayo de 1833 - Viena, 3 de abril de 1897) fue un pianista y compositor alemán del romanticismo, aunque se le puede considerar un posromántico. Brahms es el más clásico de los compositores románticos

Honegger, el mejor compositor suizo de la historia, dedica una Sinfonía a Basilea, la tercera ciudad de Suiza. Hoy 27 de noviembre de 1955 fallece Honegger

La “Sinfonía N° 4” (Deliciae Basilienses) fue estrenada por la Orquesta de Cámara de Basilea el 21 de enero de 1947. Honegger nació el 10 de marzo de 1892 y murió el 27 de noviembre de 1955.

Detalles del evento

Cuándo

27/11/2016
de 09:55 a 09:55

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La “Sinfonía N° 4” (Deliciae Basilienses) fue compuesta en 1946 cumpliendo un pedido para celebrar el aniversario de la fundación de la Orquesta de Cámara de Basilea, dedicándola a Paul Sacher. Se estrenó el 21 de enero de 1947 interpretada por dicha orquesta, la Basler Kammerorchester.

Paul Sacher (1906-1999) fue el fundador de la Orquesta de Cámara de Basilea en 1926, que presentó su primer concierto el 21 de enero de 1927. Gran defensor de la música moderna, encargó nuevas obras a los compositores suizos y también a los más famosos compositores internacionales de su época. Muchas grandes obras fueron estrenadas por su orquesta. En 1947 celebró con un concierto el vigésimo aniversario del primer concierto de la orquesta, estrenando obras encargadas a Martinu, Stravinsky y la citada de Honegger.

La obra está orquestada para una orquesta de cámara, con dos flautas, la segunda doblando piccolo, un oboe, dos clarinetes, un fagot, dos trompas, una trompeta, piano, platillos, glockenspiel, tambor de Basilea, tam-tam, triángulo y cuerdas.

El primer movimiento, lento e misterioso, allegro, empieza con un tema lírico tranquilo interpretado por el primer violín. La madera expone un nuevo motivo con un ligero carácter mozartiano. El tema lírico inicial se desarrolla con intervenciones de la madera. El movimiento se anima sin perder su carácter ligero. Las notas del piano se unen con las del glockenspiel para ofrecernos una clara secuencia de música oriental. La recapitulación termina con las notas tranquilas del principio del movimiento.

El segundo movimiento, larghetto, empieza con un severo passacaille, amortiguado luego por las notas sinuosas de la madera. Un segundo tema de dulce carácter lírico aparece a continuación. La flauta realiza unas imitaciones de cantos de pájaros. Los temas se superponen de modo contrapuntístico. En la parte final se cita la canción popular de Basilea, “Z’Basel an mim Rhy” interpretada por la trompa. Termina con la recapitulación del principio y la sección de transición que lo une sin interrupción al último movimiento.

El tercer movimiento, allegro, está construido de modo complicado. Cinco temas se presentan sucesivamente siendo tratados polifónicamente. Aparece un motivo soñador seguido por otro mas alegre de carácter rítmico. El tema popular “Basler Morgenstreich” emerge apoyado por flautas y tambores de un modo folclórico. Retorna el motivo soñador que nos conduce a la breve coda final.

Como nos dice su título “Delicias de Basilea” se trata de una obra de carácter alegre, única dentro de la producción sinfónica de Honegger. Una especie de divertimento con citas de canciones populares de la ciudad suiza. Por desgracia la alegría del compositor duraría muy poco.
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The Symphony No. 4 by Swiss composer Arthur Honegger is a work for orchestra, written in 1946 on a commission from Paul Sacher. Subtitled Deliciæ Basiliensis, it was first performed on January 21, 1947, by the chamber orchestra Basler Kammerorchester under Sacher. On the same program were the premieres of two other works commissioned by Sacher: Igor Stravinsky's Concerto in D and Bohuslav Martinů's Toccata e due Canzoni.

Honegger's symphony, which contains musical quotations from two Basel folk songs, expresses the composer's happiness during a pleasant stay in the Swiss countryside after the end of World War II. Despite the pastoral and often joyous mood throughout much of the symphony, the closing minutes include some tragic or more serious elements.

Honegger's Fourth Symphony is a three-movement work with a total running time of about 27 minutes. The movements are titled:

Lento e misterioso - Allegro (approx. 11'45")
Larghetto (approx. 6'15")
Allegro (approx. 8'30")

Honegger, el mejor compositor suizo de la historia,escribe la banda sonora de la película "Los Miserables" de 1934. Hoy 27 de noviembre de 1955 fallece Honegger

Honegger nació el 10 de marzo de 1892 y murió el 27 de noviembre de 1955.

Detalles del evento

Cuándo

27/11/2016
de 09:50 a 09:50

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Les Misérables is a 1934 film adaptation of Victor Hugo's novel of the same name. It was written and directed by Raymond Bernard and stars Harry Baur as Jean Valjean and Charles Vanel as Javert. The film lasts four and a half hours and is considered by critics to be the greatest adaptation of the novel, due to its in-depth development of the themes and characters in comparison with most shorter adaptations.

It was released as three films that premiered over a period of three weeks.

Part One: Une tempête sous un crâne (Tempest in a Skull)
Part Two: Les Thénardier (The Thenardiers)
Part Three: Liberté, liberté chérie (Freedom, dear Freedom)

Plot
Jean Valjean is an ex-convict struggling to redeem himself, but his attempts are continually ruined by the intrusion of Javert into his life. Javert is a cruel, ruthless police inspector who has dedicated his life to pursuing Valjean, whose only crime was stealing a loaf of bread, for which he gets 5 years in jail. And then he serves an additional 14 years for a handful of escape attempts.

The film, like the novel, features numerous other characters and plots, such as Fantine, a woman forced into prostitution to help pay two cruel innkeepers, the Thénardiers, who are looking after her daughter Cosette, and the story of the revolutionaries, including Marius, a young man who falls in love later on in the film with the now-adult Cosette.

The film has been referred to as "the most complete and well rounded adaptation of Victor Hugo's classic novel"

Honegger. Las Sinfonías de Honegger, el mejor compositor suizo de la historia. Hoy 27 de noviembre de 1955 fallece Honegger

Honegger nació el 10 de marzo de 1892 y murió el 27 de noviembre de 1955.

Detalles del evento

Cuándo

27/11/2016
de 09:35 a 09:35

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http://www.historiadelasinfonia.es/

De origen suizo, a pesar de nacer y trancurrir la mayor parte de su vida en Francia, fue uno de los mas destacados miembros del Grupo de los Seis, aunque discrepaba de su estilo. Su obra sinfónica es un trabajo de madurez, que muestra un estilo personal inclinado hacia una seria interpretación del drama humano, sin abandonar la tonalidad. Un acusado pesimismo y escepticismo le acompañará durante los últimos años de su vida.

Arthur Honegger (1892-1955) nació en Le Havre, ciudad del norte de Francia, el 10 de marzo de 1892. Sus padres eran suizos de religión protestante, del cantón de Zürich. Su padre se había instalado en la colonia suiza que vivía en Le Havre, trabajando en el comercio del café. Aunque nacido en Francia, donde transcurrió la mayor parte de su existencia, conservó durante toda su vida la nacionalidad suiza.

Vivía en una familia aficionada a la música, aprendiendo a tocar el violín. En 1909 entra como estudiante en el Conservatorio de Zürich. Allí descubre la música de Richard Strauss y de Max Reger. En 1911 se inscribe en el Conservatorio de París, no obedeciendo a su padre que quería que siguiese sus negocios. Estudia con Lucien Capet y André Gédalge. Era la época de los famosos ballets rusos de Diaghilev y la música francesa estaba dominada por las figuras de Ravel, Debussy, Dukas, Roussel y Fauré.

En el Conservatorio de París hace amistad con Darius Milhaud y Jacques Ibert. En otra de las clases estudia Germaine Tailleferre. En 1915 es movilizado para la defensa de las fronteras de Suiza, pero pronto vuelve a los estudios. Conoce a una de las alumnas del Conservatorio de París, la pianista Andrée Vaurabourg (1894-1980) en 1916, con la cual mantiene una gran relación, interpretando conciertos con ella y que más tarde se convertirá en su esposa.

Entre sus maestros destacan Widor y Vincent d’Indy. Termina sus estudios en 1918 con resultados escasamente brillantes. Como compositor sus primeras obras van tomando forma. En el mismo año de su graduación recibe el encargo para un ballet, “Le Dit des Jeux du monde” que será estrenado el 2 de diciembre de 1918, con un escándalo que lo da a conocer.

En el mes de enero de 1920 se organiza una velada musical en la casa de Darius Milhaud, reuniéndose Louis Durey, Georges Auric, Germaine Tailleferre, Francis Poulenc, Arthur Honegger y el propio Milhaud. En su compañía se encuentra Jean Cocteau. El compositor y crítico musical Henri Collet escribe un artículo el 16 de enero de 1920 en la revista “Comoedia” con el título “Les Cinq Russes et les Six Français”. Con ello nacía el famoso Grupo de los Seis. Examinaremos a continuación la formación y la estética del grupo.

Los componentes del Grupo de los Seis son en orden alfabético, Georges Auric (1899-1983), Louis Durey (1888-1979), Arthur Honegger (1892-1955), Darius Milhaud (1892-1974), Francis Poulenc (1899-1963) y Germaine Taileferre (1892-1983).

El origen de la formación de un grupo de compositores proviene de un concierto organizado en el estudio del pintor Emile Lejeune en 1917, cuando a causa de la guerra los teatros estaban cerrados. Rodeados de cuadros de Picasso, Matisse, Leger, Modigliani y otros, se escuchó música de Satie, Honegger, Auric y Durey. Erik Satie tuvo la idea de reunir a un conjunto de compositores a su alrededor con el nombre de Les Nouveaux Jeunes. Pero poco tiempo después Satie abandonaba el grupo.

El escritor Jean Cocteau (1889-1963) estaba interesado en todo lo que significaba una modernización artística. Realizó todo lo posible para liderar un grupo de músicos de vanguardia, algo similar a lo que había significado el cubismo y el surrealismo en la pintura. En el año 1918 publica su ensayo “Le Coq et l’Arlequin” que es un manifiesto estético. Desea una música simple, clara, desnuda, una música donde pueda vivir, como en una casa.

La música francesa debe encontrar sus cualidades intrínsecas. El arte de Wagner y de Debussy nos lleva a la sobrevaloración, los ritmos obsesivos del jazz y de la Sacre constituyen un mismo peligro de carácter hipnótico, siendo la vía estrecha de Satie la única posible.

La estética que preconizaba Cocteau para el grupo se encontraba en el circo, la feria, el music-hall, el jazz. Utilizando pequeñas orquestas callejeras se acercaba a las escenas de la vida real. La máquina era uno de sus elementos, tanto como los espectáculos vulgares o las canciones de la calle. Todo esto debe servir de inspiración del artista pues su procedencia es de la propia vida.

Pero en la realidad la estética del grupo no seguía los mismos caminos. Según uno de sus componentes, Milhaud dice que es un grupo arbitrario escogido por Collet bajo las ideas de Cocteau. Unas ideas que no todos compartían. Auric y Poulenc eran acaso los mas afines, pero Honegger seguía el romanticismo alemán y Milhaud el lirismo mediterráneo.

En 20 de septiembre de 1920 Honegger confiesa al crítico Paul Landormy su verdadera estética musical, a la cual permanecerá fiel durante toda su vida. Reproducimos a continuación las propias palabras del compositor que son altamente expresivas.

No sigo el culto de la feria, ni del music-hall, sino al contrario el de la música de cámara y de la música sinfónica, con lo que tiene de mas grave y austero. Doy gran importancia a la arquitectura musical, la cual nunca quisiera sacrificar por razones de tipo literario o pictórico. Tengo una tendencia acaso exagerada en rebuscar la complejidad polifónica. No busco, como algunos músicos anti-impresionistas, un retorno a la sencillez armónica. Al contrario, encuentro que debemos servirnos de materiales armónicos, creados por esta escuela que nos ha precedido, pero con un sentido distinto, como base de la línea melódica y de los ritmos. Bach utiliza los elementos de la armonía tonal como yo quisiera servirme de las superposiciones armónicas modernas.

La estética general del Grupo de los seis se puede definir con tres palabras, anti-flou, anti-alemán y anti-romántico. Anti-flou significa anti-Debussy o sea contrario a su música difusa, vaporosa. Una música contraria a la burguesa refinada de Debussy. La generación joven deseaba una música más agresiva e inmediata. Anti-alemán se refería a la música anti-Wagner. Los jóvenes de los años veinte aborrecían esta estética sublime. Anti-romántica se refiere a terminar con la música melancólica y soñadora. En definitiva una música alejada de Wagner y del impresionismo.

Después de la primera guerra mundial los seis frecuentan el bar “Le Boeuf sur le Toit”, donde el pianista Jan Wiéner interpreta piezas de Gershwin y de Youmans con el propio Cocteau y Milhaud a la percusión. Entre los seguidores se encontraban importantes figuras de la cultura como Diaghilev, Picasso, René Clair o Maurice Chevalier. Milhaud había escrito un ballet con el nombre del famoso local nocturno.

Jean Cocteau presentó el proyecto del ballet “Les Mariés de La Tour Eiffel” para los Ballets Suédois, entonces rivales de los Ballets Russes de Diaghilev, primero a Georges Auric. Al no poder realizar la obra en un corto plazo de tiempo, propuso hacer una obra conjunta con todo el grupo de los Seis. Durey no pudo participar en dicho proyecto por no encontrarse en París. El estreno de esta obra realizada conjuntamente en el año 1921 supuso un escándalo entre el público, similar al ocasionado años antes con “Le Sacré du Printemps” de Stravinsky.

El grupo no se separó formalmente, pero cada uno de sus integrantes siguió su estilo personal, encontrándose ocasionalmente. Todos son sensibles a un nuevo clasicismo pero cada uno de ellos ha contribuido a esta rehabilitación de la música francesa por su lenguaje propio.

En el mes de enero de 1921 Honegger recibe el encargo de una música para un espectáculo de René Morax, el director del Théâtre du Jorat en Mézières, Suiza. Un amplio retrato del Rey David para coro mixto y orquesta. Transformado en oratorio “Le Roi David” se estrenó en 1924 en París, obra que ha dado una gran reputación al compositor.

Pero la obra que ha dado mas fama a Honegger ha sido su movimiento sinfónico “Pacific 231” estrenado en París el 3 de mayo de 1924 por Serge Koussevitsky. Una obra inspirada por el ruido de una locomotora.

En 1925 realiza una nueva colaboración con el poeta Réne Morax para producir la música escénica del drama bíblico Judith, que también será transformada en oratorio y finalmente en ópera, pero sin alcanzar el éxito del Rey David. Honegger se enamora de la soprano Claire Croiza (1882-1946), que interpretaba el papel protagonista. Esta relación da lugar al nacimiento de su hijo Claude el 26 de abril de 1926. Pero poco tiempo después se casa con su amiga pianista Andrée Vaurabourg. Aceptó las condiciones impuestas por el compositor, vivirían en dos aposentos separados y solo se encontrarían al final del día para la cena o para alguna salida nocturna. El compositor necesitaba trabajar en soledad.

Andrée interpreta frecuentemente la música de su marido, componiendo para ella el “Concertino para piano”. También le dedicó su música escrita para “Antigone”, música de escena para la adaptación de la obra clásica realizada por Cocteau. Convertida en ópera se estrenará en 1928. La acogida de la obra fue bastante fría.

Su segundo movimiento sinfónico titulado “Rugby” fue compuesto en 1928, estrenado el 19 de octubre dirigido por Ernest Ansermet. Inspirado en los movimientos del juego y la coloración de un partido en el estadio Colombes, construye una forma de rondó.

La “Sinfonía N° 1” fue compuesta entre diciembre de 1929 y mayo de 1930. Se trata de una obra de encargo para celebrar el 50º aniversario de la Orquesta Sinfónica de Boston. La estrenó dicha orquesta en Boston el 13 de febrero de 1931 dirigida por Serge Koussevitsky.

Está orquestada para madera por triplicado, piccolo, corno inglés, clarinete bajo, contrafagot, cuatro trompas, tres trompetas, tres trombones, tuba, bombo, tam-tam y cuerda.

El primer movimiento, allegro marcato, tiene un solo tema principal dividido en dos secciones. La primera es violenta y seca, la segunda confiada a la cuerda es de un carácter más lírico. Durante el desarrollo se añaden temas secundarios en contrapunto. Termina con la recapitulación de la parte inicial, que nos lleva desde una gran agitación rítmica hasta una tranquila coda, como si la música se detuviera finalmente después de una larga carrera.

El segundo movimiento, adagio, está construido en forma de lied. Dividido en ocho secciones simétricas, empieza con un dramático tema presentado por la cuerda. Una segunda sección de un contenido lirismo da paso a una sección mas contrapuntística, con intervenciones del viento. La parte central llega a la máxima expresividad con un apasionado tutti orquestal. Luego se repite simétricamente el lirismo de las páginas precedentes, terminando calmadamente con el tema inicial.

El tercer movimiento, presto, andante tranquillo, consiste en un rondó con un potente tema rítmico, que por primera vez nos aporta algo de claridad. Figuras contrapuntísticas surgen de la cuerda en las secciones intermedias. El ritmo se hace más agitado con intervención del metal. La parte final empieza con un luminoso himno lento realzado por el metal que nos lleva hasta la serena coda.

Una música seria y austera que solo se relaja en el movimiento final parece indicarnos sus principios musicales, separándose de las ideas de Jean Cocteau. Una obra clásica pero que quiere romper con la tradición eliminando el scherzo, la dualidad de temas y la conclusión mediante una sección lenta.

Pero Honegger explota su lado ligero con la composición de la opereta “Les Aventures du Roi Pausole”, terminada en 1930 y estrenándola el 12 de diciembre consiguiendo su mayor éxito popular. Con esta obra se aproximaba a la filosofía practicada por el grupo de los seis.

Honegger tiene su primera crisis creativa en 1931 después del fracaso de sus últimas obras, entre ellas el oratorio profano “Cris du monde”, donde plantea el desarrollo del individuo frente a un mundo en crisis.

El 11 de agosto de 1932 nace su hija Pascale. En el mes de septiembre de 1934 mientras el matrimonio viaja por España, el automóvil de Honegger choca contra un árbol a consecuencia del reventón de un neumático. Solo se rompió un tobillo pero su mujer que viajaba sentada a su lado se rompió ambas rodillas y no pudo andar durante casi un año. Nunca se recuperó totalmente del accidente.

Por razones financieras Honegger en unos años de crisis económica, se dedica a la composición de música para films. Entre 1934 y 1939 escribe la música de 23 bandas sonoras. Entre ellas destaca la realizada para el film de Raymond Bernard, “Les Misérables”.

La colaboración con Claudel le ayuda a salir de su estado de crisis. Desde el año 1925 Honegger colaboraba con la actriz y bailarina Ida Rubinstein (1885-1960), para la cual había escrito varias músicas de escena. Claudel les presenta el libreto para la obra escénica “Jeanne d’Arc au bûcher” a finales de 1934. Honegger compone la música en 1935, Pero por razones diversas no puede estrenarse hasta el mes de mayo de 1938 en Basilea con Ida en el papel protagonista.

La declaración de guerra contra Alemania afectó a Honegger, que no quiso abandonar París cuando fue invadido por las tropas de Hitler. Durante esta época compone varias obras que reflejan la situación, entre ellas una nueva sinfonía.

La “Sinfonía N° 2 para orquesta de cuerda y trompeta” fue compuesta entre los años 1940 y 1941, en respuesta a un antiguo pedido de Paul Sacher. Una música oscura compuesta durante un depresivo periodo de su vida en el cual se estaba despertando su fe.

Está compuesta para orquesta de cuerda empleando una trompeta ad libitum, una locución latina que significa a placer. Frecuentemente abreviado ad lib, significa que el intérprete o músico puede variar el tiempo como lo desee (nunca alterando las notas, solo los tiempos) durante el periodo que está indicado. Esta notación es usada cuando el autor cede al intérprete la posibilidad de ejecutar el trozo musical según su estado de ánimo

El primer movimiento, molto moderato, allegro, empieza después de unos acordes presentando el primer tema por la viola. Está basado en la repetición de dos notas, do y si bemol, un intervalo de segunda menor, que pronto se convierte en un repetitivo ostinato. Este tema mostrando un estado de desesperación alterna con otro motivo más enérgico, dotado con cierto aire de trágica marcha. Termina con una lenta coda basada en el motivo inicial.

El segundo movimiento, adagio mesto, es de un intenso carácter sombrío. El primer motivo parece derivado del anterior movimiento. Luego los violoncelos interpretan un tema más expansivo. El tema es repetido por los violines en contrapunto. El desarrollo posterior del tema nos lleva hasta un climax lleno de ansiedad. Luego el tema principal es repetido con mayor tranquilidad.

El último movimiento, vivace, non troppo, presto, empieza de un modo impaciente, con una parte de los violines tocando en un tono mientras el resto lo repite en otro. En la parte central el tema es presentado en una forma más rápida expresando el deseo de una próxima victoria. La música va volviéndose más heroica y en la última parte los violines al unísono con la trompeta presentan una melodía coral de aspecto triunfante.

La obra tiene un eminente carácter descriptivo aunque su autor no gustaba de usar estos términos. Los primeros movimientos reflejan la tristeza ocasionada por la ocupación de París por los nazis. En el último movimiento expresa el deseo de una próxima liberación, con las notas finales triunfales de la trompeta anunciando la entrada de los blindados aliados, la moderna caballería, por las calles de la capital.

Durante la ocupación continúa trabajando en París y dando conciertos en países libres como Suiza. Pero no podemos hablar de colaboracionismo. Su música es prohibida en Alemania por considerarla degenerada. En 1933 Furtwängler le había pedido una obra para estrenar con la Filarmónica de Berlín. Esta obra Honegger le dio el título de “Movimiento Sinfónico Nº 3”. Los primeros habían sido “Pacific 231” y “Rugby”. Pero su estilo más ambiguo que sus anteriores obras buscando una expresividad más abstracta no convencieron al régimen nazi y desde entonces estuvo considerado como un compositor non grato. Escribe artículos para la revista Comaedia pero sin mostrar nunca ninguna simpatía con el enemigo y su música. Sus estrenos son considerados como actos de resistencia.

A pesar de todo ello, cuando finalmente llega la liberación su música es retirada de los programas. Se le reprocha el haber conseguido demasiado éxito durante el tiempo de la ocupación.

La “Sinfonía N° 3” (Sinfonía Litúrgica) fue compuesta entre enero de 1945 y abril de 1946 como resultado de un pedido de la fundación Pro Helvetia. Esta fundación fue creada en 1939 para la conservación y salvaguarda de la particularidad cultural de la nación suiza. Se realizó en unos momentos difíciles en Europa para protegerse de la amenaza externa. Entre sus tareas se encuentra también la promoción de la creación cultural.

La obra se estrenó en Zürich el 17 de agosto de 1946 dirigida por Charles Münch, a quién está dedicada. El 14 de noviembre del mismo año la presentó en París. Está orquestada para madera por triplicado, piccolo, corno inglés, clarinete bajo, contrafagot, cuatro trompas, tres trompetas, tres trombones, tuba, piano, timbales, platillos, caja, bombo, tam-tam y cuerda.

El primer movimiento, allegro marcato, lleva el subtítulo “Dies irae”. A pesar de llevar un título popular de la iglesia católica no contiene ninguna citación del canto gregoriano. Escrito en forma de una toccata tiene un carácter violento. Surgiendo de las profundidades, las cuerdas se lanzan en un dramático tema acompañadas por las trompas, con llamadas breves pero insistentes de las trompetas y de la madera. El segundo tema contrastante aparece como una indolente melodía en los violines, sobre un ostinato de la cuerda. En la parte central la música se calma, pero sin perder su tensión. Aparece un tema con cierto aspecto oriental acompañado por la caja. Pero pronto vuelve la agitación, iniciándose una especie de recapitulación libre de los primeros temas. Una corta coda presentando una ligera luz de esperanza, con un coral de los trombones, el llamado por el compositor canto del pájaro, retorna la música a las profundidades de donde se había iniciado.

Sin emplear el gregoriano la música expresa su idea, el día de cólera, el odio destructivo de la humanidad. Presenta imágenes de espanto, caos, barbarie y destrucción de una humanidad dirigida por fuerzas apocalípticas. Es la escena descrita en la Misa de Requiem como el terrible día del Juicio Final.

El segundo movimiento, adagio, lleva el subtítulo “De profundis clamavi”. La dulzura de las primeras frases contrasta con la dureza del primer movimiento. El tema principal es ampliamente lírico, alternando entre la cuerda y la madera. El tema se desarrolla aumentando su expresividad. Es notable la sección de los violines acompañados por las trompetas con sordina. Acordes del piano en sus notas graves anuncian el principio del climax, culminando con la interpretación apasionada de las primeras frases del tema. No existe una verdadera recapitulación. La flauta solista repite con una variación difícilmente reconocible el llamado tema del pájaro, representando a la paloma de la paz volando sobre los escombros de las ciudades destruidas por la guerra. Después de intentar iniciar un nuevo climax, la música desciende hacia los temas líricos iniciales, terminando con una coda apacible, pero presentando un cierto carácter interrogativo.

Surgiendo de las profundidades como su título latino nos indica, se presenta una oración de liberación, una inspirada y noble melodía. Termina con una esperanzada visión, con los arabescos de la transformación del canto de pájaro, interpretado por la flauta. Su título también pertenece a la Misa de Requiem, tomado del Salmo 130.

El tercer movimiento, andante, lleva el título “Dona nobis pacem”. Empieza con un pesado ritmo de marcha. Las trompas presentan un tema amenazante sobre la cuerda y el ritmo de los timbales. Los metales subrayan el ritmo con un cierto color militar. Es según el compositor la representación de los robots contra la gente civilizada. Reaparece el tema de la trompa sobre una melodía de la cuerda. El ritmo de la marcha se acentúa. La percusión y los metales la llevan hasta su climax. Termina en un gran acorde disonante de toda la orquesta, como un gran grito de dolor, que luego nos conduce a un silencio. De aquí nace un tema en la cuerda baja. Una melodía cálida expresiva representando las voces de la humanidad. El piccolo interpreta nuevamente el tema del pájaro con el violín solista expresando la súplica evangélica De profundis clamavi ad te, del anterior movimiento.

La marcha lenta representa el desfile de la humanidad miserable y agotada, arrastrándose desesperadamente. Finalmente se revoluciona terminando con un terrible grito de dolor. Sigue un episodio de consolación finalizando con la visión de la paz eterna expresada por los arabescos de la flauta adornando el tema del pájaro. Es la visión de un mundo utópico dirigido por el amor y la fraternidad, un bello sueño. Su título, danos la paz, es la parte final del ordinario de la misa.

El programa detallado que Honegger escribe para esta obra se resume en la siguiente frase. “Quería simbolizar en esta obra la rebelión del hombre moderno contra el alud de barbarie, estupidez, sufrimiento, mecanización y burocracia que nos viene azotando últimamente”.

Una obra que de ningún modo celebra la victoria aliada. La humanidad ha llegado a sus más altos niveles de destrucción, llegando a poner en peligro su propia supervivencia. Parece que el compositor ha recuperado su fe en la última parte de su vida, como expresa en esta obra.

La “Sinfonía N° 4” (Deliciae Basilienses) fue compuesta en 1946 cumpliendo un pedido para celebrar el aniversario de la fundación de la Orquesta de Cámara de Basilea, dedicándola a Paul Sacher. Se estrenó el 21 de enero de 1947 interpretada por dicha orquesta, la Basler Kammerorchester.

Paul Sacher (1906-1999) fue el fundador de la Orquesta de Cámara de Basilea en 1926, que presentó su primer concierto el 21 de enero de 1927. Gran defensor de la música moderna, encargó nuevas obras a los compositores suizos y también a los más famosos compositores internacionales de su época. Muchas grandes obras fueron estrenadas por su orquesta. En 1947 celebró con un concierto el vigésimo aniversario del primer concierto de la orquesta, estrenando obras encargadas a Martinu, Stravinsky y la citada de Honegger.

La obra está orquestada para una orquesta de cámara, con dos flautas, la segunda doblando piccolo, un oboe, dos clarinetes, un fagot, dos trompas, una trompeta, piano, platillos, glockenspiel, tambor de Basilea, tam-tam, triángulo y cuerdas.

El primer movimiento, lento e misterioso, allegro, empieza con un tema lírico tranquilo interpretado por el primer violín. La madera expone un nuevo motivo con un ligero carácter mozartiano. El tema lírico inicial se desarrolla con intervenciones de la madera. El movimiento se anima sin perder su carácter ligero. Las notas del piano se unen con las del glockenspiel para ofrecernos una clara secuencia de música oriental. La recapitulación termina con las notas tranquilas del principio del movimiento.

El segundo movimiento, larghetto, empieza con un severo passacaille, amortiguado luego por las notas sinuosas de la madera. Un segundo tema de dulce carácter lírico aparece a continuación. La flauta realiza unas imitaciones de cantos de pájaros. Los temas se superponen de modo contrapuntístico. En la parte final se cita la canción popular de Basilea, “Z’Basel an mim Rhy” interpretada por la trompa. Termina con la recapitulación del principio y la sección de transición que lo une sin interrupción al último movimiento.

El tercer movimiento, allegro, está construido de modo complicado. Cinco temas se presentan sucesivamente siendo tratados polifónicamente. Aparece un motivo soñador seguido por otro mas alegre de carácter rítmico. El tema popular “Basler Morgenstreich” emerge apoyado por flautas y tambores de un modo folclórico. Retorna el motivo soñador que nos conduce a la breve coda final.

Como nos dice su título “Delicias de Basilea” se trata de una obra de carácter alegre, única dentro de la producción sinfónica de Honegger. Una especie de divertimento con citas de canciones populares de la ciudad suiza. Por desgracia la alegría del compositor duraría muy poco.

A partir de noviembre de 1946 da clases en la Ecole Normale de Musique de París. En el mes de julio de 1947 Honegger vuela a los Estados Unidos para iniciar una gira a través de toda América. Pero a los pocos días se le presentan problemas cardíacos. Un mes mas tarde, mientras da un curso de composición en el Berkshire Music Center de Tanglewood, Massachussets, lugar famoso por el ciclo de conciertos de verano de la Boston Symphony Orchestra, padece un infarto de miocardio triple con múltiples complicaciones.

El compositor tardará tres meses en dar sus primeros pasos. En noviembre regresa a Francia y parece recuperarse lentamente. En el mes de abril de 1948 vuelve a la composición y regresa al mundo de los conciertos. Recibe en el mismo año el título de Doctor honoris causa de la Universidad de Zürich.

Interesado en la política musical el 16 de octubre de 1948 es elegido Presidente de la CISAC, la Confederación Internacional de las Sociedades de Autores y Compositores.

La “Sinfonía N° 5” (Di tre re) fue compuesta en el otoño de 1950. Se estrenó en Boston el 9 de marzo de 1951 dirigida por Charles Münch. El compositor no pudo asistir a su estreno debido a su enfermedad.

Está orquestada para madera por triplicado, piccolo, corno inglés, clarinete bajo, cuatro trompas, tres trompetas, tres trombones, tuba, timbales y cuerda.

El primer movimiento, grave, empieza con un gran coral para orquesta. La música toma la forma de una marcha lenta la cual el compositor tituló como marcha de la locura humana. Inquietantes llamadas de las trompetas nos recuerdan el juicio final. Continúa con un episodio más tranquilo que nos lleva al final del movimiento, como si la música muriera. Los timbales afinados en re terminan el movimiento, con tres suaves golpes, lo cual da nombre a la sinfonía.

El segundo movimiento, allegretto, corresponde al scherzo. Nos presenta una inquietante danza de robots empleando recursos próximos a la música dodecafónica. Es interrumpido por el trio en forma de adagio expresando una cierta resignación. Se reemprende luego la danza inhumana. Nuevamente se repite el trio pero esta vez en contrapunto con el tema del scherzo. Termina como cada movimiento con los tres golpes de timbal en pianissimo.

El último movimiento, allegro marcato, presenta su tema con violencia. En medio de la tormenta se insinúa un coral de esperanza pero pronto es barrido por el furor desatado de la orquesta que nos lleva hasta su climax. Luego sin cambiar el ritmo se hunde en un pianissimo como si hubiera agotado sus fuerzas. Los tres suaves golpes de los timbales en re terminan la obra,

Se trata de una obra dramática reflejando la amargura que sentía, terminando con una expresión de desesperación.

A principios de los años 1950 Honegger escribe la siguiente frase. La profesión de compositor tiene la peculiaridad de ser la actividad y ocupación primordiales de un hombre que se dedica a producir bienes que no son de utilidad para nadie.

A pesar de darse cuenta de lo que estaba haciendo era totalmente inútil siguió componiendo, creyendo que era lo que tenía que hacer. La salud del compositor continua degradándose, especialmente a partir de 1951. Su mujer Andrée, a pesar de intentar durante el año 1935 vivir junto a su marido, no lo consigue hasta el último año de su vida, cuando el compositor ya no puede vivir solo. Profesora de contrapunto entre sus alumnos se encuentra Pierre Boulez.

Honegger es nombrado miembro del Instituto de Francia, en el mes de enero de 1953 y Gran Oficial de la Legión de Honor en 1954. A pesar de su profundo pesimismo su música es interpretada y su última obra “Une Cantate de Noël” compuesta en 1953 logra un gran triunfo.

El 27 de noviembre de 1955 muere en su estudio del Boulevard de Clichy en Montmatre. Durante su entierro en el famoso cementerio de Père Lachaise, Jean Cocteau le escribe el siguiente epitafio, que creemos interesante reproducir para terminar la parte que le dedicamos en esta obra:

“Arthur, has logrado obtener el respeto en una época irrespetuosa. Añadías a la ciencia de un arquitecto de la Edad Media, la sencillez de un humilde obrero de las catedrales. Tus cenizas son ardientes y no se enfriarán, ni en el caso en que nuestra tierra deje de vivir. Pues la música no es de este mundo y su reino no tiene fin”.

 

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De origen suizo, a pesar de nacer y trancurrir la mayor parte de su vida en Francia, fue uno de los mas destacados miembros del Grupo de los Seis, aunque discrepaba de su estilo. Su obra sinfónica es un trabajo de madurez, que muestra un estilo personal inclinado hacia una seria interpretación del drama humano, sin abandonar la tonalidad. Un acusado pesimismo y escepticismo le acompañará durante los últimos años de su vida.

Arthur Honegger (1892-1955) nació en Le Havre, ciudad del norte de Francia, el 10 de marzo de 1892. Sus padres eran suizos de religión protestante, del cantón de Zürich. Su padre se había instalado en la colonia suiza que vivía en Le Havre, trabajando en el comercio del café. Aunque nacido en Francia, donde transcurrió la mayor parte de su existencia, conservó durante toda su vida la nacionalidad suiza.

Vivía en una familia aficionada a la música, aprendiendo a tocar el violín. En 1909 entra como estudiante en el Conservatorio de Zürich. Allí descubre la música de Richard Strauss y de Max Reger. En 1911 se inscribe en el Conservatorio de París, no obedeciendo a su padre que quería que siguiese sus negocios. Estudia con Lucien Capet y André Gédalge. Era la época de los famosos ballets rusos de Diaghilev y la música francesa estaba dominada por las figuras de Ravel, Debussy, Dukas, Roussel y Fauré.

En el Conservatorio de París hace amistad con Darius Milhaud y Jacques Ibert. En otra de las clases estudia Germaine Tailleferre. En 1915 es movilizado para la defensa de las fronteras de Suiza, pero pronto vuelve a los estudios. Conoce a una de las alumnas del Conservatorio de París, la pianista Andrée Vaurabourg (1894-1980) en 1916, con la cual mantiene una gran relación, interpretando conciertos con ella y que más tarde se convertirá en su esposa.

Entre sus maestros destacan Widor y Vincent d’Indy. Termina sus estudios en 1918 con resultados escasamente brillantes. Como compositor sus primeras obras van tomando forma. En el mismo año de su graduación recibe el encargo para un ballet, “Le Dit des Jeux du monde” que será estrenado el 2 de diciembre de 1918, con un escándalo que lo da a conocer.

En el mes de enero de 1920 se organiza una velada musical en la casa de Darius Milhaud, reuniéndose Louis Durey, Georges Auric, Germaine Tailleferre, Francis Poulenc, Arthur Honegger y el propio Milhaud. En su compañía se encuentra Jean Cocteau. El compositor y crítico musical Henri Collet escribe un artículo el 16 de enero de 1920 en la revista “Comoedia” con el título “Les Cinq Russes et les Six Français”. Con ello nacía el famoso Grupo de los Seis. Examinaremos a continuación la formación y la estética del grupo.

Los componentes del Grupo de los Seis son en orden alfabético, Georges Auric (1899-1983), Louis Durey (1888-1979), Arthur Honegger (1892-1955), Darius Milhaud (1892-1974), Francis Poulenc (1899-1963) y Germaine Taileferre (1892-1983).

El origen de la formación de un grupo de compositores proviene de un concierto organizado en el estudio del pintor Emile Lejeune en 1917, cuando a causa de la guerra los teatros estaban cerrados. Rodeados de cuadros de Picasso, Matisse, Leger, Modigliani y otros, se escuchó música de Satie, Honegger, Auric y Durey. Erik Satie tuvo la idea de reunir a un conjunto de compositores a su alrededor con el nombre de Les Nouveaux Jeunes. Pero poco tiempo después Satie abandonaba el grupo.

El escritor Jean Cocteau (1889-1963) estaba interesado en todo lo que significaba una modernización artística. Realizó todo lo posible para liderar un grupo de músicos de vanguardia, algo similar a lo que había significado el cubismo y el surrealismo en la pintura. En el año 1918 publica su ensayo “Le Coq et l’Arlequin” que es un manifiesto estético. Desea una música simple, clara, desnuda, una música donde pueda vivir, como en una casa.

La música francesa debe encontrar sus cualidades intrínsecas. El arte de Wagner y de Debussy nos lleva a la sobrevaloración, los ritmos obsesivos del jazz y de la Sacre constituyen un mismo peligro de carácter hipnótico, siendo la vía estrecha de Satie la única posible.

La estética que preconizaba Cocteau para el grupo se encontraba en el circo, la feria, el music-hall, el jazz. Utilizando pequeñas orquestas callejeras se acercaba a las escenas de la vida real. La máquina era uno de sus elementos, tanto como los espectáculos vulgares o las canciones de la calle. Todo esto debe servir de inspiración del artista pues su procedencia es de la propia vida.

Pero en la realidad la estética del grupo no seguía los mismos caminos. Según uno de sus componentes, Milhaud dice que es un grupo arbitrario escogido por Collet bajo las ideas de Cocteau. Unas ideas que no todos compartían. Auric y Poulenc eran acaso los mas afines, pero Honegger seguía el romanticismo alemán y Milhaud el lirismo mediterráneo.

En 20 de septiembre de 1920 Honegger confiesa al crítico Paul Landormy su verdadera estética musical, a la cual permanecerá fiel durante toda su vida. Reproducimos a continuación las propias palabras del compositor que son altamente expresivas.

No sigo el culto de la feria, ni del music-hall, sino al contrario el de la música de cámara y de la música sinfónica, con lo que tiene de mas grave y austero. Doy gran importancia a la arquitectura musical, la cual nunca quisiera sacrificar por razones de tipo literario o pictórico. Tengo una tendencia acaso exagerada en rebuscar la complejidad polifónica. No busco, como algunos músicos anti-impresionistas, un retorno a la sencillez armónica. Al contrario, encuentro que debemos servirnos de materiales armónicos, creados por esta escuela que nos ha precedido, pero con un sentido distinto, como base de la línea melódica y de los ritmos. Bach utiliza los elementos de la armonía tonal como yo quisiera servirme de las superposiciones armónicas modernas.

La estética general del Grupo de los seis se puede definir con tres palabras, anti-flou, anti-alemán y anti-romántico. Anti-flou significa anti-Debussy o sea contrario a su música difusa, vaporosa. Una música contraria a la burguesa refinada de Debussy. La generación joven deseaba una música más agresiva e inmediata. Anti-alemán se refería a la música anti-Wagner. Los jóvenes de los años veinte aborrecían esta estética sublime. Anti-romántica se refiere a terminar con la música melancólica y soñadora. En definitiva una música alejada de Wagner y del impresionismo.

Después de la primera guerra mundial los seis frecuentan el bar “Le Boeuf sur le Toit”, donde el pianista Jan Wiéner interpreta piezas de Gershwin y de Youmans con el propio Cocteau y Milhaud a la percusión. Entre los seguidores se encontraban importantes figuras de la cultura como Diaghilev, Picasso, René Clair o Maurice Chevalier. Milhaud había escrito un ballet con el nombre del famoso local nocturno.

Jean Cocteau presentó el proyecto del ballet “Les Mariés de La Tour Eiffel” para los Ballets Suédois, entonces rivales de los Ballets Russes de Diaghilev, primero a Georges Auric. Al no poder realizar la obra en un corto plazo de tiempo, propuso hacer una obra conjunta con todo el grupo de los Seis. Durey no pudo participar en dicho proyecto por no encontrarse en París. El estreno de esta obra realizada conjuntamente en el año 1921 supuso un escándalo entre el público, similar al ocasionado años antes con “Le Sacré du Printemps” de Stravinsky.

El grupo no se separó formalmente, pero cada uno de sus integrantes siguió su estilo personal, encontrándose ocasionalmente. Todos son sensibles a un nuevo clasicismo pero cada uno de ellos ha contribuido a esta rehabilitación de la música francesa por su lenguaje propio.

En el mes de enero de 1921 Honegger recibe el encargo de una música para un espectáculo de René Morax, el director del Théâtre du Jorat en Mézières, Suiza. Un amplio retrato del Rey David para coro mixto y orquesta. Transformado en oratorio “Le Roi David” se estrenó en 1924 en París, obra que ha dado una gran reputación al compositor.

Pero la obra que ha dado mas fama a Honegger ha sido su movimiento sinfónico “Pacific 231” estrenado en París el 3 de mayo de 1924 por Serge Koussevitsky. Una obra inspirada por el ruido de una locomotora.

En 1925 realiza una nueva colaboración con el poeta Réne Morax para producir la música escénica del drama bíblico Judith, que también será transformada en oratorio y finalmente en ópera, pero sin alcanzar el éxito del Rey David. Honegger se enamora de la soprano Claire Croiza (1882-1946), que interpretaba el papel protagonista. Esta relación da lugar al nacimiento de su hijo Claude el 26 de abril de 1926. Pero poco tiempo después se casa con su amiga pianista Andrée Vaurabourg. Aceptó las condiciones impuestas por el compositor, vivirían en dos aposentos separados y solo se encontrarían al final del día para la cena o para alguna salida nocturna. El compositor necesitaba trabajar en soledad.

Andrée interpreta frecuentemente la música de su marido, componiendo para ella el “Concertino para piano”. También le dedicó su música escrita para “Antigone”, música de escena para la adaptación de la obra clásica realizada por Cocteau. Convertida en ópera se estrenará en 1928. La acogida de la obra fue bastante fría.

Su segundo movimiento sinfónico titulado “Rugby” fue compuesto en 1928, estrenado el 19 de octubre dirigido por Ernest Ansermet. Inspirado en los movimientos del juego y la coloración de un partido en el estadio Colombes, construye una forma de rondó.

La “Sinfonía N° 1” fue compuesta entre diciembre de 1929 y mayo de 1930. Se trata de una obra de encargo para celebrar el 50º aniversario de la Orquesta Sinfónica de Boston. La estrenó dicha orquesta en Boston el 13 de febrero de 1931 dirigida por Serge Koussevitsky.

Está orquestada para madera por triplicado, piccolo, corno inglés, clarinete bajo, contrafagot, cuatro trompas, tres trompetas, tres trombones, tuba, bombo, tam-tam y cuerda.

El primer movimiento, allegro marcato, tiene un solo tema principal dividido en dos secciones. La primera es violenta y seca, la segunda confiada a la cuerda es de un carácter más lírico. Durante el desarrollo se añaden temas secundarios en contrapunto. Termina con la recapitulación de la parte inicial, que nos lleva desde una gran agitación rítmica hasta una tranquila coda, como si la música se detuviera finalmente después de una larga carrera.

El segundo movimiento, adagio, está construido en forma de lied. Dividido en ocho secciones simétricas, empieza con un dramático tema presentado por la cuerda. Una segunda sección de un contenido lirismo da paso a una sección mas contrapuntística, con intervenciones del viento. La parte central llega a la máxima expresividad con un apasionado tutti orquestal. Luego se repite simétricamente el lirismo de las páginas precedentes, terminando calmadamente con el tema inicial.

El tercer movimiento, presto, andante tranquillo, consiste en un rondó con un potente tema rítmico, que por primera vez nos aporta algo de claridad. Figuras contrapuntísticas surgen de la cuerda en las secciones intermedias. El ritmo se hace más agitado con intervención del metal. La parte final empieza con un luminoso himno lento realzado por el metal que nos lleva hasta la serena coda.

Una música seria y austera que solo se relaja en el movimiento final parece indicarnos sus principios musicales, separándose de las ideas de Jean Cocteau. Una obra clásica pero que quiere romper con la tradición eliminando el scherzo, la dualidad de temas y la conclusión mediante una sección lenta.

Pero Honegger explota su lado ligero con la composición de la opereta “Les Aventures du Roi Pausole”, terminada en 1930 y estrenándola el 12 de diciembre consiguiendo su mayor éxito popular. Con esta obra se aproximaba a la filosofía practicada por el grupo de los seis.

Honegger tiene su primera crisis creativa en 1931 después del fracaso de sus últimas obras, entre ellas el oratorio profano “Cris du monde”, donde plantea el desarrollo del individuo frente a un mundo en crisis.

El 11 de agosto de 1932 nace su hija Pascale. En el mes de septiembre de 1934 mientras el matrimonio viaja por España, el automóvil de Honegger choca contra un árbol a consecuencia del reventón de un neumático. Solo se rompió un tobillo pero su mujer que viajaba sentada a su lado se rompió ambas rodillas y no pudo andar durante casi un año. Nunca se recuperó totalmente del accidente.

Por razones financieras Honegger en unos años de crisis económica, se dedica a la composición de música para films. Entre 1934 y 1939 escribe la música de 23 bandas sonoras. Entre ellas destaca la realizada para el film de Raymond Bernard, “Les Misérables”.

La colaboración con Claudel le ayuda a salir de su estado de crisis. Desde el año 1925 Honegger colaboraba con la actriz y bailarina Ida Rubinstein (1885-1960), para la cual había escrito varias músicas de escena. Claudel les presenta el libreto para la obra escénica “Jeanne d’Arc au bûcher” a finales de 1934. Honegger compone la música en 1935, Pero por razones diversas no puede estrenarse hasta el mes de mayo de 1938 en Basilea con Ida en el papel protagonista.

La declaración de guerra contra Alemania afectó a Honegger, que no quiso abandonar París cuando fue invadido por las tropas de Hitler. Durante esta época compone varias obras que reflejan la situación, entre ellas una nueva sinfonía.

La “Sinfonía N° 2 para orquesta de cuerda y trompeta” fue compuesta entre los años 1940 y 1941, en respuesta a un antiguo pedido de Paul Sacher. Una música oscura compuesta durante un depresivo periodo de su vida en el cual se estaba despertando su fe.

Está compuesta para orquesta de cuerda empleando una trompeta ad libitum, una locución latina que significa a placer. Frecuentemente abreviado ad lib, significa que el intérprete o músico puede variar el tiempo como lo desee (nunca alterando las notas, solo los tiempos) durante el periodo que está indicado. Esta notación es usada cuando el autor cede al intérprete la posibilidad de ejecutar el trozo musical según su estado de ánimo

El primer movimiento, molto moderato, allegro, empieza después de unos acordes presentando el primer tema por la viola. Está basado en la repetición de dos notas, do y si bemol, un intervalo de segunda menor, que pronto se convierte en un repetitivo ostinato. Este tema mostrando un estado de desesperación alterna con otro motivo más enérgico, dotado con cierto aire de trágica marcha. Termina con una lenta coda basada en el motivo inicial.

El segundo movimiento, adagio mesto, es de un intenso carácter sombrío. El primer motivo parece derivado del anterior movimiento. Luego los violoncelos interpretan un tema más expansivo. El tema es repetido por los violines en contrapunto. El desarrollo posterior del tema nos lleva hasta un climax lleno de ansiedad. Luego el tema principal es repetido con mayor tranquilidad.

El último movimiento, vivace, non troppo, presto, empieza de un modo impaciente, con una parte de los violines tocando en un tono mientras el resto lo repite en otro. En la parte central el tema es presentado en una forma más rápida expresando el deseo de una próxima victoria. La música va volviéndose más heroica y en la última parte los violines al unísono con la trompeta presentan una melodía coral de aspecto triunfante.

La obra tiene un eminente carácter descriptivo aunque su autor no gustaba de usar estos términos. Los primeros movimientos reflejan la tristeza ocasionada por la ocupación de París por los nazis. En el último movimiento expresa el deseo de una próxima liberación, con las notas finales triunfales de la trompeta anunciando la entrada de los blindados aliados, la moderna caballería, por las calles de la capital.

Durante la ocupación continúa trabajando en París y dando conciertos en países libres como Suiza. Pero no podemos hablar de colaboracionismo. Su música es prohibida en Alemania por considerarla degenerada. En 1933 Furtwängler le había pedido una obra para estrenar con la Filarmónica de Berlín. Esta obra Honegger le dio el título de “Movimiento Sinfónico Nº 3”. Los primeros habían sido “Pacific 231” y “Rugby”. Pero su estilo más ambiguo que sus anteriores obras buscando una expresividad más abstracta no convencieron al régimen nazi y desde entonces estuvo considerado como un compositor non grato. Escribe artículos para la revista Comaedia pero sin mostrar nunca ninguna simpatía con el enemigo y su música. Sus estrenos son considerados como actos de resistencia.

A pesar de todo ello, cuando finalmente llega la liberación su música es retirada de los programas. Se le reprocha el haber conseguido demasiado éxito durante el tiempo de la ocupación.

La “Sinfonía N° 3” (Sinfonía Litúrgica) fue compuesta entre enero de 1945 y abril de 1946 como resultado de un pedido de la fundación Pro Helvetia. Esta fundación fue creada en 1939 para la conservación y salvaguarda de la particularidad cultural de la nación suiza. Se realizó en unos momentos difíciles en Europa para protegerse de la amenaza externa. Entre sus tareas se encuentra también la promoción de la creación cultural.

La obra se estrenó en Zürich el 17 de agosto de 1946 dirigida por Charles Münch, a quién está dedicada. El 14 de noviembre del mismo año la presentó en París. Está orquestada para madera por triplicado, piccolo, corno inglés, clarinete bajo, contrafagot, cuatro trompas, tres trompetas, tres trombones, tuba, piano, timbales, platillos, caja, bombo, tam-tam y cuerda.

El primer movimiento, allegro marcato, lleva el subtítulo “Dies irae”. A pesar de llevar un título popular de la iglesia católica no contiene ninguna citación del canto gregoriano. Escrito en forma de una toccata tiene un carácter violento. Surgiendo de las profundidades, las cuerdas se lanzan en un dramático tema acompañadas por las trompas, con llamadas breves pero insistentes de las trompetas y de la madera. El segundo tema contrastante aparece como una indolente melodía en los violines, sobre un ostinato de la cuerda. En la parte central la música se calma, pero sin perder su tensión. Aparece un tema con cierto aspecto oriental acompañado por la caja. Pero pronto vuelve la agitación, iniciándose una especie de recapitulación libre de los primeros temas. Una corta coda presentando una ligera luz de esperanza, con un coral de los trombones, el llamado por el compositor canto del pájaro, retorna la música a las profundidades de donde se había iniciado.

Sin emplear el gregoriano la música expresa su idea, el día de cólera, el odio destructivo de la humanidad. Presenta imágenes de espanto, caos, barbarie y destrucción de una humanidad dirigida por fuerzas apocalípticas. Es la escena descrita en la Misa de Requiem como el terrible día del Juicio Final.

El segundo movimiento, adagio, lleva el subtítulo “De profundis clamavi”. La dulzura de las primeras frases contrasta con la dureza del primer movimiento. El tema principal es ampliamente lírico, alternando entre la cuerda y la madera. El tema se desarrolla aumentando su expresividad. Es notable la sección de los violines acompañados por las trompetas con sordina. Acordes del piano en sus notas graves anuncian el principio del climax, culminando con la interpretación apasionada de las primeras frases del tema. No existe una verdadera recapitulación. La flauta solista repite con una variación difícilmente reconocible el llamado tema del pájaro, representando a la paloma de la paz volando sobre los escombros de las ciudades destruidas por la guerra. Después de intentar iniciar un nuevo climax, la música desciende hacia los temas líricos iniciales, terminando con una coda apacible, pero presentando un cierto carácter interrogativo.

Surgiendo de las profundidades como su título latino nos indica, se presenta una oración de liberación, una inspirada y noble melodía. Termina con una esperanzada visión, con los arabescos de la transformación del canto de pájaro, interpretado por la flauta. Su título también pertenece a la Misa de Requiem, tomado del Salmo 130.

El tercer movimiento, andante, lleva el título “Dona nobis pacem”. Empieza con un pesado ritmo de marcha. Las trompas presentan un tema amenazante sobre la cuerda y el ritmo de los timbales. Los metales subrayan el ritmo con un cierto color militar. Es según el compositor la representación de los robots contra la gente civilizada. Reaparece el tema de la trompa sobre una melodía de la cuerda. El ritmo de la marcha se acentúa. La percusión y los metales la llevan hasta su climax. Termina en un gran acorde disonante de toda la orquesta, como un gran grito de dolor, que luego nos conduce a un silencio. De aquí nace un tema en la cuerda baja. Una melodía cálida expresiva representando las voces de la humanidad. El piccolo interpreta nuevamente el tema del pájaro con el violín solista expresando la súplica evangélica De profundis clamavi ad te, del anterior movimiento.

La marcha lenta representa el desfile de la humanidad miserable y agotada, arrastrándose desesperadamente. Finalmente se revoluciona terminando con un terrible grito de dolor. Sigue un episodio de consolación finalizando con la visión de la paz eterna expresada por los arabescos de la flauta adornando el tema del pájaro. Es la visión de un mundo utópico dirigido por el amor y la fraternidad, un bello sueño. Su título, danos la paz, es la parte final del ordinario de la misa.

El programa detallado que Honegger escribe para esta obra se resume en la siguiente frase. “Quería simbolizar en esta obra la rebelión del hombre moderno contra el alud de barbarie, estupidez, sufrimiento, mecanización y burocracia que nos viene azotando últimamente”.

Una obra que de ningún modo celebra la victoria aliada. La humanidad ha llegado a sus más altos niveles de destrucción, llegando a poner en peligro su propia supervivencia. Parece que el compositor ha recuperado su fe en la última parte de su vida, como expresa en esta obra.

La “Sinfonía N° 4” (Deliciae Basilienses) fue compuesta en 1946 cumpliendo un pedido para celebrar el aniversario de la fundación de la Orquesta de Cámara de Basilea, dedicándola a Paul Sacher. Se estrenó el 21 de enero de 1947 interpretada por dicha orquesta, la Basler Kammerorchester.

Paul Sacher (1906-1999) fue el fundador de la Orquesta de Cámara de Basilea en 1926, que presentó su primer concierto el 21 de enero de 1927. Gran defensor de la música moderna, encargó nuevas obras a los compositores suizos y también a los más famosos compositores internacionales de su época. Muchas grandes obras fueron estrenadas por su orquesta. En 1947 celebró con un concierto el vigésimo aniversario del primer concierto de la orquesta, estrenando obras encargadas a Martinu, Stravinsky y la citada de Honegger.

La obra está orquestada para una orquesta de cámara, con dos flautas, la segunda doblando piccolo, un oboe, dos clarinetes, un fagot, dos trompas, una trompeta, piano, platillos, glockenspiel, tambor de Basilea, tam-tam, triángulo y cuerdas.

El primer movimiento, lento e misterioso, allegro, empieza con un tema lírico tranquilo interpretado por el primer violín. La madera expone un nuevo motivo con un ligero carácter mozartiano. El tema lírico inicial se desarrolla con intervenciones de la madera. El movimiento se anima sin perder su carácter ligero. Las notas del piano se unen con las del glockenspiel para ofrecernos una clara secuencia de música oriental. La recapitulación termina con las notas tranquilas del principio del movimiento.

El segundo movimiento, larghetto, empieza con un severo passacaille, amortiguado luego por las notas sinuosas de la madera. Un segundo tema de dulce carácter lírico aparece a continuación. La flauta realiza unas imitaciones de cantos de pájaros. Los temas se superponen de modo contrapuntístico. En la parte final se cita la canción popular de Basilea, “Z’Basel an mim Rhy” interpretada por la trompa. Termina con la recapitulación del principio y la sección de transición que lo une sin interrupción al último movimiento.

El tercer movimiento, allegro, está construido de modo complicado. Cinco temas se presentan sucesivamente siendo tratados polifónicamente. Aparece un motivo soñador seguido por otro mas alegre de carácter rítmico. El tema popular “Basler Morgenstreich” emerge apoyado por flautas y tambores de un modo folclórico. Retorna el motivo soñador que nos conduce a la breve coda final.

Como nos dice su título “Delicias de Basilea” se trata de una obra de carácter alegre, única dentro de la producción sinfónica de Honegger. Una especie de divertimento con citas de canciones populares de la ciudad suiza. Por desgracia la alegría del compositor duraría muy poco.

A partir de noviembre de 1946 da clases en la Ecole Normale de Musique de París. En el mes de julio de 1947 Honegger vuela a los Estados Unidos para iniciar una gira a través de toda América. Pero a los pocos días se le presentan problemas cardíacos. Un mes mas tarde, mientras da un curso de composición en el Berkshire Music Center de Tanglewood, Massachussets, lugar famoso por el ciclo de conciertos de verano de la Boston Symphony Orchestra, padece un infarto de miocardio triple con múltiples complicaciones.

El compositor tardará tres meses en dar sus primeros pasos. En noviembre regresa a Francia y parece recuperarse lentamente. En el mes de abril de 1948 vuelve a la composición y regresa al mundo de los conciertos. Recibe en el mismo año el título de Doctor honoris causa de la Universidad de Zürich.

Interesado en la política musical el 16 de octubre de 1948 es elegido Presidente de la CISAC, la Confederación Internacional de las Sociedades de Autores y Compositores.

La “Sinfonía N° 5” (Di tre re) fue compuesta en el otoño de 1950. Se estrenó en Boston el 9 de marzo de 1951 dirigida por Charles Münch. El compositor no pudo asistir a su estreno debido a su enfermedad.

Está orquestada para madera por triplicado, piccolo, corno inglés, clarinete bajo, cuatro trompas, tres trompetas, tres trombones, tuba, timbales y cuerda.

El primer movimiento, grave, empieza con un gran coral para orquesta. La música toma la forma de una marcha lenta la cual el compositor tituló como marcha de la locura humana. Inquietantes llamadas de las trompetas nos recuerdan el juicio final. Continúa con un episodio más tranquilo que nos lleva al final del movimiento, como si la música muriera. Los timbales afinados en re terminan el movimiento, con tres suaves golpes, lo cual da nombre a la sinfonía.

El segundo movimiento, allegretto, corresponde al scherzo. Nos presenta una inquietante danza de robots empleando recursos próximos a la música dodecafónica. Es interrumpido por el trio en forma de adagio expresando una cierta resignación. Se reemprende luego la danza inhumana. Nuevamente se repite el trio pero esta vez en contrapunto con el tema del scherzo. Termina como cada movimiento con los tres golpes de timbal en pianissimo.

El último movimiento, allegro marcato, presenta su tema con violencia. En medio de la tormenta se insinúa un coral de esperanza pero pronto es barrido por el furor desatado de la orquesta que nos lleva hasta su climax. Luego sin cambiar el ritmo se hunde en un pianissimo como si hubiera agotado sus fuerzas. Los tres suaves golpes de los timbales en re terminan la obra,

Se trata de una obra dramática reflejando la amargura que sentía, terminando con una expresión de desesperación.

A principios de los años 1950 Honegger escribe la siguiente frase. La profesión de compositor tiene la peculiaridad de ser la actividad y ocupación primordiales de un hombre que se dedica a producir bienes que no son de utilidad para nadie.

A pesar de darse cuenta de lo que estaba haciendo era totalmente inútil siguió componiendo, creyendo que era lo que tenía que hacer. La salud del compositor continua degradándose, especialmente a partir de 1951. Su mujer Andrée, a pesar de intentar durante el año 1935 vivir junto a su marido, no lo consigue hasta el último año de su vida, cuando el compositor ya no puede vivir solo. Profesora de contrapunto entre sus alumnos se encuentra Pierre Boulez.

Honegger es nombrado miembro del Instituto de Francia, en el mes de enero de 1953 y Gran Oficial de la Legión de Honor en 1954. A pesar de su profundo pesimismo su música es interpretada y su última obra “Une Cantate de Noël” compuesta en 1953 logra un gran triunfo.

El 27 de noviembre de 1955 muere en su estudio del Boulevard de Clichy en Montmatre. Durante su entierro en el famoso cementerio de Père Lachaise, Jean Cocteau le escribe el siguiente epitafio, que creemos interesante reproducir para terminar la parte que le dedicamos en esta obra:

“Arthur, has logrado obtener el respeto en una época irrespetuosa. Añadías a la ciencia de un arquitecto de la Edad Media, la sencillez de un humilde obrero de las catedrales. Tus cenizas son ardientes y no se enfriarán, ni en el caso en que nuestra tierra deje de vivir. Pues la música no es de este mundo y su reino no tiene fin”.

Tanto Monta, Monta tanto Isabel como Fernando en los relieves nazaríes de la Alhambra. Hoy 26 de noviembre de 1504 fallece Isabel I de Castilla

La frase Tanto Monta procede de Alejandro Magno. Isabel I de Castilla nació el 22 de abril de 1451 y murió el 26 de noviembre de 1504.

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Cuándo

26/11/2016
de 13:30 a 13:30

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El lema significa que los medios utilizados para resolver un problema no son importantes ya que lo único que importa es la solución del problema en si.

El lema Tanto Monta y el yugo con las flechas se usaba como emblema de los Reyes Católicos, por coincidir con las iniciales del otro: Yugo comienza por Y como se escribía Ysabel antiguamente y la palabra flechas comienza por F como Fernando.

Tanto monta, abreviación de tanto monta cortar como desatar, es el mote heráldico (comienzo de una frase breve que constituía, sola o acompañada de la empresa —o figura heráldica—, una divisa alusiva a la persona que lo usaba) que utilizó Fernando II de Aragón llamado el Católico.

Su divisa personal consistía en la representación del nudo gordiano atado al yugo, cortado (que remitía a la anécdota de Alejandro Magno), acompañado del mote «tanto monta», que iniciaba la frase «tanto monta cortar como desatar», señalando que los medios utilizados para resolver un problema no son importantes frente a la solución de este. Probablemente esta divisa le fue sugerida a Fernando II de Aragón por el gran humanista Antonio de Nebrija.

La empresa del yugo con el nudo gordiano cortado suponía también un juego cortesano, al comenzar «yugo» con «Y», que era la inicial con que frecuentemente se escribía el nombre de su esposa Isabel. Era común en los juegos galantes de la época adoptar una divisa que incluyera el nombre de la persona amada, como ocurría a su vez con las flechas de la reina católica, cuya primera letra era la «F» de su esposo.

Estas divisas se encuentran en muchas representaciones del escudo de los Reyes Católicos y por ello aparecen en labras de multitud de edificios construidos durante su reinado, finales del siglo XV y principios del XVI.

Formulación original

La frase implicaba que tanto importa cortar el nudo gordiano como desatarlo, y remite a la anécdota clásica de la biografía de Alejandro Magno.

Las armas del Rey Católico fueron tomadas del famoso nudo gordiano cuya leyenda cuenta, según el historiador Quinto Curcio, que cuando el emperador Alejandro Magno llegó a un templo de Gordio, halló un yugo atado por un nudo muy intrincado del que se decía que quien lo desatase sería señor de Asia. Alejandro, sin pensárselo dos veces, sacó la espada y cortó el nudo, diciendo: da lo mismo (tanto monta) cortar como desatar.

Hoy se pueden encontrar la frase «tanto monta», así como los símbolos del yugo y las flechas, en los escudos de algunas ciudades y municipios alusivos a los monarcas que unificaron las coronas de Aragón y Castilla. Por tanto no están relacionados con la dictadura franquista, que utilizó la simbología de los Reyes Católicos. Por otra parte, las interpretaciones populares han modificado el mote, como ocurre con la expresión «Tanto monta, monta tanto, Isabel como Fernando», que no era la formulación del lema en la época, y que está influida por una explicación del carácter dual de aquella monarquía.

En la imagen el lema inscrito sobre los preexistentes relieves nazaríes de la Alhambra marcando físicamente la reconquista cristiana del espacio de poder sobre Granada.

Alfonso XII de Borbón Rey de España entre 1874 y 1885 que murió de tuberculosis con 27 años de edad. Hoy 25 de noviembre de 1885 fallece Alfonso XII

Nació el 28 de noviembre de 1857 y murió el 25 de noviembre de 1885.

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Cuándo

25/11/2016
de 13:55 a 13:55

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Alfonso XII de Borbón, llamado el Pacificador (Madrid, 28 de noviembre de 1857 – El Pardo, 25 de noviembre de 1885), fue rey de España entre 1874 y 1885. Era hijo de la reina Isabel II de España y de su marido, Francisco de Asís de Borbón. Reinó tras la Restauración borbónica, hasta su muerte prematura a los 27 años, víctima de la tuberculosis. Fue sucedido en el trono por su hijo póstumo, Alfonso XIII de España, cuya minoría estuvo encabezada por la regencia de su viuda, María Cristina de Austria.

Primeros años

Alfonso nació en el Palacio Real de Madrid el 28 de noviembre de 1857. En Madrid y en la corte circuló el rumor de que su verdadero padre no era el rey consorte, sino un capitán de ingenieros llamado Enrique Puigmoltó. El hecho coincidía con la conocida "promiscuidad" de la Reina y la aparente homosexualidad del Rey -manifestada a través de su evidente amaneramiento.

La paternidad de Puigmoltó es aceptada como cierta por algunos historiadores. Popularmente tenía el sobrenombre de "Puigmoltejo" debido a la supuesta paternidad de Enrique Puigmoltó sobre Alfonso.

Alfonso, que recibió el título de príncipe de Asturias tras su nacimiento, tenía cuatro hermanas: la infanta Isabel, condesa de Girgenti (1851-1931), la infanta María del Pilar (1861-1879), la infanta María de la Paz, princesa de Baviera (1862-1946) y la infanta María Eulalia, duquesa de Galliera (1864-1958).

Entre los preceptores del joven príncipe Alfonso se hallaban José Isidro Osorio y Silva-Bazán y el arzobispo de Burgos, este último elegido por la propia reina Isabel tras consultar con el papa Pío IX.

Derrocamiento de la monarquía isabelina y educación.

En 1868, siendo aún un niño, su madre fue destronada por la Revolución de 1868 (conocida como La Gloriosa), obligando a la Familia Real a partir hacia el exilio; los reyes se instalaron por separado en París. La salida a Europa del joven príncipe supuso una experiencia inestimable, al encontrarse así con otros sistemas políticos como el francés, el austríaco o el británico. De hecho, Alfonso fue el primer príncipe de Asturias que se formó en centros educativos y militares extranjeros.

El primero de ellos fue el colegio Stanislas, en París. El 29 de septiembre de 1869, la familia se trasladó transitoriamente a Ginebra, donde además de recibir clases particulares, el príncipe Alfonso acudió a la Academia Pública de la ciudad cantonal. Como continuación de su educación se eligió la Real e Imperial Academia Teresiana de Viena. Por último asistió a la Academia militar de Sandhurst, en Inglaterra. En este país el futuro rey conoció de primera mano el constitucionalismo inglés.

De la correspondencia de Alfonso con su madre la Reina durante todas sus estancias en los distintos colegios y academias, se pone de manifiesto la relativa estrechez económica en que se movía la Familia Real en esos años.

El 25 de junio de 1870, su madre, Isabel II, abdicó sus derechos dinásticos, en un documento firmado en París, en favor de su hijo Alfonso, que pasaba así a ser considerado por los monárquicos como el legítimo rey de España.

Mientras tanto, en España se sucedían distintas formas de gobierno: el Gobierno Provisional (1868–1870), la monarquía democrática de Amadeo I (1870–1873) y la I República (1873–1874). Ésta fue liquidada en el mes de enero por el golpe de estado del general Pavía, y se abrió un segundo período de gobiernos provisionales. Durante esta etapa histórica (el Sexenio Democrático), la causa alfonsina estuvo representada en las Cortes por Antonio Cánovas del Castillo.

Acceso a la corona

El 1 de diciembre de 1874, Alfonso hizo público el Manifiesto de Sandhurst, presentándose a los españoles como un príncipe católico, español, constitucionalista, liberal, y deseoso de servir a la nación.

El 29 de diciembre de 1874 se produjo la restauración de la monarquía al pronunciarse el general segoviano Martínez-Campos en Sagunto (Valencia) a favor del acceso al trono del príncipe Alfonso. En aquel momento, el Jefe del Estado era el general Serrano. El Jefe del Gobierno era Sagasta. En enero de 1875 llegó a España y fue proclamado rey ante las Cortes Españolas.

Su reinado consistió principalmente en consolidar la monarquía y la estabilidad institucional, reparando los daños que las luchas internas de los años del llamado Sexenio Revolucionario habían dejado tras de sí, ganándose el apodo de «el Pacificador». Se aprobó la nueva Constitución de 1876 y durante ese mismo año finalizó la guerra carlista, dirigida por el pretendiente Carlos VII (el propio monarca hizo acto de presencia y acudió al campo de batalla para presenciar su final). Los fueros vascos y navarros fueron reducidos y se logró que cesaran, de forma transitoria, las hostilidades en Cuba con la firma de la Paz de Zanjón.

Alfonso XII realizó en el año 1883 una visita oficial a Bélgica, Austria, Alemania y Francia. En Alemania aceptó el nombramiento como coronel honorario de un regimiento de la guarnición de Alsacia, territorio conquistado por los alemanes y cuya soberanía reclamaba Francia. Este hecho dio lugar a un recibimiento hostil al monarca español por parte del pueblo de París durante su visita oficial a ese país.

Alemania trató de ocupar las Islas Carolinas, en aquel momento bajo dominio español, provocando un incidente entre los dos países que se saldó a favor de España con la firma de un acuerdo hispanoalemán en 1885.

Ese mismo año se desató una epidemia de cólera en Valencia que se fue extendiendo hacia el interior del país. Cuando la enfermedad llegó a Aranjuez, el monarca expresó su deseo de visitar a los afectados, a lo que el Gobierno de Cánovas del Castillo se negó por el peligro que ello entrañaba. El rey partió entonces sin previo aviso hacia la ciudad y ordenó que se abriera el Palacio Real para alojar a las tropas de la guarnición.

Una vez allí, consoló a los enfermos y les repartió ayudas. Cuando el Gobierno conoció el viaje del soberano, envió al Ministro de Gracia y Justicia, al Capitán General y al Gobernador Civil para que le llevasen de vuelta a Madrid. Cuando llegó, el pueblo, enterado del gesto del rey, le recibió con vítores y, retirando a los caballos, condujo al carruaje hasta el Palacio Real.

Poco tiempo después, el 25 de noviembre, Alfonso XII murió de tuberculosis en el Palacio de El Pardo, en Madrid.

Matrimonios e hijos

Alfonso XII se casó dos veces; con su prima María de las Mercedes de Orleans, hija de los duques de Montpensier, contrajo matrimonio el 23 de enero de 1878; desgraciadamente, la Reina murió de tifus cinco meses después, y en segundas nupcias el rey se casó con María Cristina de Habsburgo-Lorena (29 de noviembre de 1879), prima segunda del emperador Francisco José I de Austria. Tuvo tres hijos fruto de su segundo matrimonio:

María de las Mercedes (1880–1904), infanta de España y princesa de Asturias.

María Teresa (1882–1912), infanta de España.

Alfonso XIII (1886–1941), rey de España desde su nacimiento, pues éste se produjo después de la muerte de su padre.

Además de su prole legítima, Alfonso XII dejó al menos dos hijos ilegítimos con la contralto Elena Sanz:

Alfonso (1880-1970).4
Fernando (1881-1922).

La viuda de Alfonso XII, María Cristina fue regente de España hasta la mayoría de edad de su hijo Alfonso XIII, en 1902.

Alfonso XII en la ficción.

¿Dónde vas, Alfonso XII? (película). El rey es interpretado por Vicente Parra.
¿Dónde vas, triste de ti? (película). El rey es interpretado por Vicente Parra.

En la imagen Alfonso XII con su segunda esposa, María Cristina de Austria.

Francisco Serrano, Presidente del Gobierno de España entre 1871 y 1874. Hoy 25 de noviembre de 1885 fallece Francisco de Serrano.

Nació el 17 de diciembre de 1810 y murió el 25 de noviembre de 1885.

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Cuándo

25/11/2016
de 13:40 a 13:40

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(Francisco Serrano y Domínguez, Duque de la Torre) Militar y político español (Isla de León, San Fernando, Cádiz, 1810 - Madrid, 1885). Hijo de un militar liberal, nació durante el asedio francés a la plaza de Cádiz, en donde se reunían las primeras Cortes españolas. Ingresó en el ejército en 1822 y ascendió por méritos propios durante la Primera Guerra Carlista (1833-40).

En 1839, siendo ya brigadier, dio el salto a la política, alineándose con la opción progresista que representaba Espartero. Como diputado, apoyó la Regencia de Espartero (1841), quien le nombró mariscal y ministro de la Guerra; pero luego se volvió contra el excesivo poder del regente, cooperando con Juan Prim para derrocarle (1843).

Hacia 1846-48 fue amante de la reina Isabel II, sobre la cual ejerció una gran influencia política; el general bonito despertaba recelos entre los políticos moderados de la época, que le alejaron de la corte nombrándole capitán general de Granada (1848). Se apartó entonces de la política, dimitió del cargo que tenía, se casó y se dedicó a viajar.

Al estallar una nueva revolución progresista en 1854, volvió para apoyar otra vez a Espartero. Durante el Bienio Progresista que entonces comenzó fue director general de Artillería, alineándose con el partido centrista que quería formar O'Donnell entre progresistas y moderados (la Unión Liberal). Luego fue embajador en París (1856), capitán general de Cuba (1859-62) y ministro de Estado (1863). Fue entonces cuando la reina le nombró duque de la Torre, añadiendo más tarde la concesión del Toisón de Oro por su labor en la represión de la sublevación del Cuartel de San Gil (1866).

Muerto O'Donnell al año siguiente, Serrano le sucedió como jefe de la Unión Liberal y sumó al partido a las conspiraciones antidinásticas de progresistas y demócratas. Participó de manera decisiva en la Revolución de 1868 que destronó a Isabel II, venciendo a las tropas gubernamentales en la batalla de Alcolea. Enseguida fue nombrado presidente del gobierno provisional (1868-69) y, vacante la jefatura del Estado, recayó sobre él como presidente del Poder Ejecutivo con tratamiento de alteza (1869-70).

Una vez instaurada la monarquía democrática con la coronación de Amadeo de Saboya, Serrano fue llamado a presidir el gobierno en dos ocasiones (1871 y 1872). Al estallar entonces una Tercera Guerra Carlista, Serrano derrotó al pretendiente don Carlos (VII) en Oroquieta y firmó el Acuerdo de Amorebieta, con la esperanza de liquidar el conflicto (1872). El rechazo de las Cortes a este convenio provocó la caída de Serrano del gobierno. Luego admitió la proclamación de la Primera República, aunque tuvo que exiliarse por su implicación en una conspiración (1873).

Cuando el golpe de Estado del general Pavía disolvió las Cortes republicanas en 1874, Serrano fue nombrado presidente del gobierno y del Poder Ejecutivo, instaurando una especie de dictadura republicana de talante conservador; su ambición era perpetuarse como dictador, pero la destrucción de las fuerzas republicanas había abierto el camino para la restauración de los Borbones, precipitada en aquel mismo año por el pronunciamiento de Martínez Campos en Sagunto.

Aceptó al nuevo rey, Alfonso XII, y pretendió desempeñar un papel importante en el nuevo régimen como jefe del Partido Constitucional. Quedó desairado por Cánovas y por el rey cuando éstos prefirieron a Sagasta como líder liberal, razón por la que se escindió con el grupo de la Izquierda Dinástica (1881).

Su labor de gobierno, a lo largo de tantos avatares, resulta insignificante, dado que fue un político sin ideales ni proyectos, al que la ambición de poder hizo cambiar frecuentemente de orientación y de lealtades (le apodaron el Judas de Arjonilla, por su tendencia a la traición y por el lugar en donde tenía su finca). No debe confundirse con Francisco Serrano Bedoya (1813-82), también general y político progresista, que también combatió en las guerras carlistas, apoyó a Espartero, se integró en la Unión Liberal, participó en la Revolución de 1868, fue ministro de la Guerra y acabó reconociendo a Alfonso XII.

La amante del Rey Alfonso XII fue la cantante de ópera Elena Sanz, una de las mejores voces de la historia. Hoy 25 de noviembre de 1885 fallece Alfonso XII

Alfonso XII nació el 28 de noviembre de 1857 y murió el 25 de noviembre de 1885.

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Cuándo

25/11/2016
de 12:25 a 12:25

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El Rey se enamoró de ella con 15 años de edad e inició la intensa relación tras una representación de ópera en la que cantaba su amada.

El Rey murió con 27 años.

En el último cuarto del siglo XIX una cancioncilla se hizo muy popular entre el pueblo, la cual decía: “Dónde vas Alfonso XII, dónde vas triste de ti. Voy en busca de Mercedes, que ayer tarde no la vi”. Esta tonadilla de melodía y letra pegadizas estaba dedicada al por entonces rey de España, quién se había convertido en un desconsolado viudo que lloraba amargamente las penas al recordar a su amada y difunta esposa.

Un matrimonio que tan solo había durado poco menos de medio año, tras enfermar y fallecer a causa del tifus María de las Mercedes de Orleans y Borbón, esposa y prima del rey.

Las crónicas de la época relataron la gran pena que tuvo Alfonso XII y cómo visitaba a diario el panteón en el que había sido enterrada su amada. O al menos esa era la parte romántica de la historia y la que se daba a conocer a través de las publicaciones en prensa. En realidad al afligido viudo le duró bien poco el desconsuelo, debido a que en tan solo unos meses ya se había organizado todo para que tomase como esposa a María Cristina de Habsburgo-Lorena en segundas nupcias.

Pero no solo esto alivió el dolor de Alfonso XII, ya que en los meses que transcurrieron entre que quedó viudo y volvió a casarse (apenas un año) comenzó una relación sentimental con la que se considera que fue el gran amor de su vida: Elena Sanz, una cantante de ópera 13 años mayor que el monarca (por aquel entonces el rey contaba con 21 años) y que provenía de una aristocrática familia.

Alfonso XII había conocido a Elena cuando él tenía 15 años, y ya por entonces quedó prendado de ella. No volvieron a verse en los siguientes años, pero tras enviudar de su primer matrimonio, el destino hizo que el rey acudiese al estreno de una ópera, donde volvieron a coincidir; convirtiéndola en su amante y haciendo que se retirase de su exitosa carrera como cantante lírica.

Elena se instaló a vivir en las proximidades del Palacio Real de Madrid. Lugar en el que tuvieron sus apasionados encuentros amorosos.

Una relación que contaba con beneplácito de Isabel II, quien llegaría a declarar en petit comité que Elena Sanz era “su nuera ante Dios”. Tan solo se le pidió al rey y a su amada una total discreción, planificándose un matrimonio de alta conveniencia para la estabilidad de la Casa Real y sin poner impedimento alguno para que los amantes pudiesen seguir viéndose.

Alfonso XII tan solo vivió seis años más (falleció en 1885 tras padecer una tuberculosis), pero en ese tiempo dejó una prole de cinco hijos, dos de los cuales fueron declarados bastardos y a los que nunca se les reconoció como herederos del rey de España, a pesar de que el primogénito (nacido fuera del matrimonio) fue bautizado con el nombre de Alfonso, pero no se le permitió llevar el apellido paterno.

Quien peor llevó todo este asunto fue la esposa del rey, María Cristina, teniendo que tragarse el orgullo y no poder hacer nada al respecto, mientras veía como su esposo realizaba continuas visitas a su amante, teniendo totalmente descuidadas sus obligaciones conyugales.

Pero el momento de venganza de la reina consorte llegó tras la muerte del rey, ya que ésta se ocupó (previo pago) de que Elena Sanz y los dos hijos bastardos de Alfonso XII desaparecieran de Madrid, enviándolos a residir a París y bajo la firma de un contrato en el que renunciaban a cualquier petición, comprometiéndose a no reclamar el apellido Borbón ni ninguno de los privilegios que correspondían.

Así es como Alfonso XIII, el que fuera hijo póstumo del rey (nació seis meses después del fallecimiento de su padre) se convirtió en el heredero al trono de España, pasando por delante de sus dos hermanos mayores nacidos de la relación extraconyugal de su padre con Elena Sanz.

Pero hay quien se atreve a ir un paso más allá e intentar asegurar que, en realidad, Alfonso XIII no fue hijo natural de la reina María Cristina, sino que ésta parió a una niña y al verse la Casa Real sin heredero intercambió a la pequeña con un recién nacido varón, fruto de la relación que mantuvo Alfonso XII con Adela Lucia Almerich, según relata en su libro ‘La última amante del rey romántico’ el historiador Norberto Mesado.

A pesar de vivir tan solo 27 años, el currículo sentimental del bisabuelo de nuestro actual rey estuvo cargado de amantes e hijos bastardos, muchos de ellos olvidados y/o ignorados por la historia.

Elena Sanz nació en Castellón de la Plana el 15 de diciembre de 1849 y murió en París el 24 de diciembre de 1898.

Ha sido una de las más grandes voces de la ópera de todos los tiempos. Viajó por todo el mundo exhibiendo sus grandes dotes de cantante y presumiendo de española, pero donde más se valoró su arte fue en los teatros de París. Su gran valía artística ha quedado eclipsada por su biografía.

Castelar la describió como: de labios rojos, la color morena, la dentadura blanca, la cabellera negra y reluciente como de azabache, la nariz remangada y abierta, el cuello carnoso y torneado a maravilla, la frente amplia como la de una divinidad egipcia, los ojos negros e insondables cual dos abismos que llaman a la muerte y al amor.

Ya sabemos la respuesta a la pregunta de ¿dónde vas Alfonso XII? El rey, del que nos ha quedado esa imagen distorsionada de romanticismo, iba en realidad al palacio de Riofrío a encontrarse con su amante. Cánovas lo convenció para que no se casase con ella, evitando que su hijo mayor Alfonso hubiera sido rey de España en vez de ese otro del mismo nombre.

En 2013 el escritor Tomás Gismera Velasco (Atienza, 1958) quedó finalista del premio “Hispania” de novela histórica, con la obra "Elena Sanz: Tu serás mi reina"

En la foto Elena Sanz.

El Rey Allfonso XII no fue hijo de Francisco de Borbón esposo de la Reina Isabel II. Su padre fue un capitán del ejército. Hoy 25 de noviembre de 1885 fallece Alfonso XII

El esposo de la reina era homosexual. Alfonso XII nació el 28 de noviembre de 1857 y murió el 25 de noviembre de 1885

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Cuándo

25/11/2016
de 12:25 a 12:25

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El esposo Borbón de la Reina reconoció a sus hijos aunque no
eran suyos,

Isabel ya desde muy niña apuntaba maneras, mostró un temperamento sexual muy activo, con apenas 13 años ya andaba persiguiendo a toda la guardia real. Era el terror de la soldadesca. Llenó la corte de amantes.

La reina se oponía a su boda con Francisco de Borbón, pues a pesar de su juventud ya era consciente de la homosexualidad de su primo borbón. Dicen que Isabel II le dijo a su madre el día antes de casarse: “He cedido como reina, pero no como mujer. Yo no he buscado a este hombre para que fuese mi marido; me lo han impuesto y no lo quiero” cuando se enteró de quién iba a ser su futuro esposo exclamó: “¡No, no, con Paquita no!”

La noche de bodas fue un fracaso total. Más tarde diría Isabel II: “¿Que se puede esperar de un hombre que en la noche de bodas llevaba en su camisa más puntillas que yo en la mía?”. Al parecer el rey , alias Paco Natillas, “Paquita” no consumó el matrimonio. La gente cantaba: “Paco Natillas es de pasta flora y se mea en cuclillas como una señora”.

Estos fueron los más famosos amantes de la reina: Ramiro Puente, Bedmart, Altman, Olózaga, Carlos Marfori, Obregón, el compositor Emilio Arrieta, Miguel Tenorio, José María Ruiz de Arana conocido este en Madrid como “el pollo Arana”. Las crónicas indican que su primer hombre fue el militar Francisco Serrano, a quien la reina llamaba siempre “el general bonito”.

Otro fue el militar Enrique Puig Moltó, a quién se atribuía junto con Arana la paternidad del futuro Alfonso XII. Sobre Arana hay una anécdota muy graciosa. Un día Paco, el rey, le llegó a decir a la reina que tuviera cuidado con el pollo Arana, que le estaba poniendo los cuernos. Mayor comprensión imposible.

Fue Isabel una niña algo corta de entendederas y de educación tan descuidada que era prácticamente analfabeta. En lo que resultó precoz fue en el sexo; en parte, porque había heredado el carácter ardiente y lujurioso de la familia y, en parte, porque la corrompieron sus propios tutores. Se dice que se acostó con toda la corte, las orgías palaciegas eran su deporte favorito.

Reinona, frívola, beatuca, caprichosa, promiscua, adultera, creció más a lo ancho que a lo alto, ninfómana, fogosa, tuvo docenas de amantes.

El entorno de Isabel se aprovechará de esta situación para presentarle potenciales amantes, en especial del ámbito castrense, para mantenerla ajena a los asuntos del reino y, además, asegurar la descendencia.

Cuando Isabel comenzó a tener hijos con sus amantes. Francisco hizo a su vez un excelente negocio. No dijo esta boca es mía, reconocía los hijos. Oficialmente, Isabel II de Borbón y Francisco tuvieron doce hijos, de los que sólo sobrevivieron cinco. Uno de ellos, el que sería el rey Alfonso XII.

Cuentan que Isabel dijo a Alfonso:“Hijo mío, la única sangre Borbón que corre por tus venas es la mía”.

De Isabel II y su relación con el capitán de ingenieros valenciano, nació nada menos que el rey Alfonso XII. Sabemos que fue así por la correspondencia vaticana y en concreto por una cartamanuscrita de Isabel II a Enrique Puigmoltó yMayans asegurándole que el hijo era suyo.

En la imagen Isabel II Reina de España y su hijo Alfonso XII Rey de España.

Dale Carnegie. Reconocer los errores. Hoy 24 de noviembre de 1888 nace Dale Carnegie

Dale Carnegie nació el 24 de noviembre de 1888 y murió el 1 de noviembre de 1955.

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Cuándo

24/11/2016
de 12:20 a 12:20

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Dale Carnegie (seudónimo de Dale Breckenridge Carnegie, 24 de noviembre de 1888 - 1 de noviembre de 1955) fue un empresario y escritor estadounidense de libros de autoayuda.

Carnegie fue promotor de lo que en la actualidad se conoce como asunción de responsabilidades, aunque esto sólo aparece puntualmente en sus escritos. Una de las ideas centrales de sus libros es que resulta posible cambiar el comportamiento de los demás si cambiamos nuestra actitud hacia ellos.

Dar las Gracias. Decir Ok no es lo mismo que dar las Gracias. Hoy 24 de Noviembre es el día de Acción de Gracias.

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Cuándo

24/11/2016
de 11:20 a 11:20

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Thanksgiving o Día de Acción de Gracias se celebra en Estados Unidos el último jueves de Noviembre. En 2016 es el 24 de Noviembre pero la fecha varia cada año.

Dar las Gracias. Decir Ok no es lo mismo que dar las Gracias. Hoy 24 de Noviembre es el día de Acción de Gracias.

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24/11/2016
de 11:20 a 11:20

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Thanksgiving o Día de Acción de Gracias se celebra en Estados Unidos el último jueves de Noviembre. En 2016 es el 24 de Noviembre pero la fecha varia cada año.

Dar las Gracias. Decir Ok no es lo mismo que dar las Gracias. Hoy 24 de Noviembre es el día de Acción de Gracias.

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24/11/2016
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Thanksgiving o Día de Acción de Gracias se celebra en Estados Unidos el último jueves de Noviembre. En 2016 es el 24 de Noviembre pero la fecha varia cada año.

"El retablo de Maese Pedro", una ópera para títeres de Manuel de Falla inspirada en el "Quijote" de Cervantes. Hoy 23 de noviembre de 1876 nace Manuel de Falla

Estrenada en versión escénica el 25 de junio de 1923 en Paris. Falla nació en Cádiz el 23 de noviembre de 1876 y murió en Argentina el 14 de noviembre de 1946.

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Cuándo

23/11/2016
de 15:45 a 15:45

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El Retablo de Maese Pedro es una obra musical para títeres de Manuel de Falla, con libreto inspirado en un episodio del Quijote. La obra fue compuesta para ser interpretada en los conciertos y representaciones privadas que ofrecía en París la Princesa de Polignac a quien está dedicada, compartiendo dedicatoria junto a Miguel de Cervantes por el autor, Manuel de Falla.

Personajes

Personaje Tesitura Reparto el 25 de junio de 1923

Director: Vladimir Golschmann

Don Quijote barítono Hector Dufranne
Maese Pedro tenor
Trujamán Niño soprano
Sancho Panza mimo
El ventero mimo
El estudiante mimo
El paje mimo
El hombre de las lanzas y alabardas
Figuras del retablo

Carlo Magno
Don Gayferos
Don Roldán
Melisendra
El rey Marsilio
El moro enamorado

La obra
Se recogen en esta obra los capítulos XXV y XXVI de la segunda parte de Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes, en que aparece el retablo del titiritero Maese Pedro y donde se cuenta la historia de Melisendra, esposa de don Gaiferos, a quien tenía cautiva el rey Moro Marsilio, más la liberación por parte de su marido de esta dama con el final de la persecución por parte de los moros. Llegado este lance, don Quijote destruye el teatro y los muñecos, con el fin, según él, de salvar a los fugitivos, acto que es presenciado y soportado con gran asombro y desesperación por parte de Maese Pedro y los espectadores.

La estructura de la obra es de un acto con la participación de tres cantantes y marionetas. El único acto se divide en ocho fragmentos que se van desarrollando sin interrupción:

Pregón
Sinfonía de Maese Pedro
Corte de Carlomagno
Melisendra
Los Pirineos
La Fuga
La Persecución
Final

Representaciones

Se estrenó en versión de concierto en Sevilla en marzo de 1923.

El 25 de junio de 1923 se representó en forma escénica en el ya citado palacio de la princesa de Polignac en París.

El 21 de agosto de 1926 se llevó la obra a Buenos Aires, en versión de concierto, en el Teatro Politeama. Por aquella época, Falla tenía su residencia en Argentina, en Alta Gracia (provincia de Córdoba); allí murió.

También en Argentina, en el Teatro Colón de Buenos Aires, se representó la obra en las temporadas de 1931, 1932, 1939, representaciones que dirigió el propio autor.

Manuel de Falla contaba que de pequeño jugaba a representar con marionetas aventuras de Don Quijote para su hermana menor. Este era un personaje querido y familiar para el niño gaditano, antes de convertirse en el célebre compositor español. Por eso, cuando la princesa de Polignac le encargó en 1918 escribir una obra breve para orquesta de cámara, Falla le propuso el Capítulo XXVI de la Segunda Parte de la novela cervantina como argumento de su ópera, y sugirió además montarla con títeres, pues ese capítulo narra "la graciosa historia del titerero".

La acción tiene lugar en una venta manchega donde Maese Pedro y su ayudante, el joven Trujamán, ofrecen una función de títeres para los huéspedes. Entre los espectadores se encuentran Don Quijote y Sancho Panza. Los títeres representan "el retablo de la libertad de Melisendra", un romance medieval que cuenta cómo Don Gayferos rescata a su esposa Melisendra, prisionera por los moros en la ciudad de Sansueña (antigua Zaragoza). Don Quijote, al observar la escena, metido de lleno en la acción y queriendo hacer justicia, desenvaina su espada cuando los amantes huyen y son perseguidos por los moros. Pero los gestos del valeroso hidalgo sólo consiguen destrozar el teatrino y los muñecos del titerero.

Para el estreno de 'El retablo de maese Pedro' en París en 1923, y luego en Sevilla en 1925, Manuel de Falla contó con diferentes colaboradores, entre ellos su amigo Hermenegildo Lanz. Este artista quería y admiraba profundamente a don Manuel, y guardaba con celo todo lo relacionado con él. Así, conservó desde la partitura y las cartas con los consejos de Falla, hasta las plantillas con las que confeccionó las figuras, los bocetos de los mecanismos de los muñecos, o la lista de materiales que necesitó para construir el teatrino y las marionetas.

De Cervantes toma Lanz el recurso del teatro dentro del teatro, el juego entre niveles de realidad, de universos confundidos. El autor de El ingenioso hidalgo Don Quijote de La Mancha creó el personaje Cide Hamete Benengeli, quien –según la ficción literaria– creó gran parte de la historia de Alonso Quijano, el célebre hidalgo manchego que –apasionado por las novelas de caballería– creó a Don Quijote de La Mancha, quien a su vez creó el personaje de Dulcinea, dama a quien dedicarle sus honores. La ficción y la realidad en la obra de Cervantes están constantemente confundidas, distorsionadas por la imaginación de Don Quijote, y esta idea es el pilar del espectáculo de Enrique Lanz. Su puesta en escena teje un continuo juego de capas de realidad, de sorpresas visuales, de trampantojos, de ilusiones de verosimilitud trocadas.

Para su partitura Manuel de Falla emuló la mezcla de estilos literarios que utilizó Cervantes, y compuso su ópera a partir de músicas de diferentes épocas y estilos, combinando notas antiguas, folclóricas, litúrgicas o de vanguardia.

Falla le pone música a los Jardines del Generalife en la Alhambra en "Noches en los Jardines de España". Hoy 23 de noviembre de 1876 nace Manuel de Falla

Manuel de Falla nació el 23 de noviembre de 1876 y murió el 14 de noviembre de 1946.

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Cuándo

23/11/2016
de 11:50 a 11:50

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Noches en los jardines de España es una pieza musical compuesta por el compositor andaluz Manuel de Falla (1876-1946).

Falla comenzó esta pieza como un conjunto de nocturnos para piano solo en 1909, pero el pianista Ricardo Viñes le sugirió que transformara los nocturnos en una obra para piano y orquesta. Falla la terminó en 1915, dedicándosela a Ricardo Viñes. La primera ejecución se realizó el 9 de abril de 1916 en el Teatro Real de Madrid por la Orquesta Sinfónica de Madrid dirigida por Enrique Fernández Arbós; con José Cubiles al piano.

La obra describe 3 jardines:

En el Generalife (Palacio de la Alhambra)
Danza lejana (este segundo jardín no es identificable)
En los jardines de la Sierra de Córdoba (fiesta gitana del Corpus)

Falla describió las Noches en los jardines de España como "impresiones sinfónicas". La parte del piano es elaborada, brillante y elocuente, pero raramente dominante. La partitura orquestal es exuberante. Se trata de la obra más impresionista del maestro gaditano.

La obra original está escrita para: piano, 3 flautas y piccolo, 2 oboes y corno inglés, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas, 2 trompetas, 3 trombones y tuba, timbales, platillos, triángulo, celesta, arpa y cuerdas.

Su duración aproximada es de 22 a 26 minutos.

Dora Maar, la más intelectual de todas las amantes de Picasso. Hoy 22 de noviembre de 1907 nace Dora Maar.

Nació el 22 de noviembre de 1907 y murió el 16 de julio de 1997.

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Cuándo

22/11/2016
de 12:55 a 12:55

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Theodora Markovitch, más conocida como Dora Maar (Tours, Francia, 22 de noviembre de 1907 - París, Francia, 16 de julio de 1997), fue una artista plástica, pintora, fotógrafa y escultora francesa.

Biografía de Dora Maar.

Infancia y su adolescencia.

Nació en París el 22 de noviembre de 1907. En la partida de nacimiento consta con el nombre de Henriette Markovitch. Theodora sería una elección posterior pero no figura en ningún documento. Su padre, Joseph Markovitch (Marković), era un arquitecto croata que hizo distintos proyectos en Sudamérica, y su madre, Julie Voisin, era una violinista francesa, originaria de Tours.

La madre de Dora se nacionalizó croata para casarse con Joseph y más tarde recuperó su nacionalidad francesa. En su matrimonio se celebraron dos ceremonias, una en Zagreb y otra al lado de Rijeka. Seguramente se conocieron en esta última ciudad. Padre e hija acostumbraban a salir a comer juntos por el barrio de Saint Germain-des-Prés durante los años 1940 y 1950. En la familia se hablaba francés y español. Fueron muy cosmopolitas y las fotografías de su juventud muestran a Dora desde paisajes de los Alpes hasta zonas tropicales. Dora creció en Argentina.

Su familia se opuso fervientemente a su relación con Picasso. Un día, Julie, discutía violentamente con Dora por teléfono, cuando de pronto la voz de la primera se cortó. Había muerto. Fue durante la ocupación de Francia por los Nazis y era de noche, después del toque de queda. A la mañana siguiente, Dora la halló muerta con el teléfono en una mano.

En casi un millar de fotografías, tan sólo hay dos en las que sonríe. Dora era una persona callada, orgullosa, muy inteligente y de una ironía fina a veces teñida de cierta maldad. Le gustaba disfrazarse de siglos anteriores. Ése es un aspecto de ella que aparece en muchos otros collages.

Se emancipó con prontitud y se convirtió a la vez en un símbolo para la alta sociedad parisina.

La joven fotógrafa

Dora Maar debió pintar sobre los años 1950. Estudió en la Academie Lothe donde conoció a Henri Cartier-Bresson un año más joven que ella y que aún no se había convertido en uno de los mejores fotógrafos. Fue en 1949 cuando éste la definió como una fotógrafa notable en que sus obras poseían un halo misterioso y espantoso; también admiraba sus pinturas. Cartier-Bresson creía que la fotografía es un oficio de solitarios, esa creencia podría aplicarse muy bien a Dora.

En ese entonces la fotografía no estaba tan bien considerada como ahora. Así pues, los fotógrafos solían ser también pintores. Picasso ironizaba sobre la actividad fotográfica de Dora. Ésta no estaba del todo satisfecha con la enseñanza de la Academie Lothe. Así que, más tarde, siguiendo el consejo de Marcel Zahar siguió sus estudios de fotografía matriculándose en “L’École de Photographie de la Ville de Paris”. Para poder revelar sus fotografías ella daba clases a Pierre Kéfer, a cambio él le dejaba usar el taller. Algunas fotografías llevan el tampón Kéfer-Dora a pesar de que las últimas están hechas únicamente por ella.

La formación de Dora pasa principalmente por la búsqueda de mentores. El único consejo que dio Man Ray a Dora fue “el efecto desenfocado”. Fue entonces cuando conoció a Brassaï con quien mantendría una larga amistad. Dora fotografió el proceso de composición del Guernica. Sougez aconseja a Dora tanto a nivel técnico como personal. Ellos publicarán varias obras conjuntas. A través de su padre, consiguió tener un estudio propio. En éste creó sus famosos fotocollages. Ella dijo que no distinguía entre encargo y creación. Trabajó también como actriz en la película “Les gens de voyage de Jaques Feyder”.

Surrealismo

Era amiga íntima de André, Jaques Breton, Paul Éluard y Nusch Éluard. Con George Hugnet tuvo una breve historia amorosa. André le escribe pidiéndole que recoja los dibujos y objetos realizados por los locos del asilo de Sainte-Anne, donde más tarde ella misma sería ingresada. Dora se sentía atraída por la muerte. Maar experimentaba con los objetos desproporcionados como un recurso que desestabilizaba nuestra realidad.

La fotografía de Dora en este nuevo aspecto era más bien clásica siguiendo el estilo refinado de Meerson. Trabajó un tiempo de exposición más largo para intensificar los negros. El recurso de la sobre-exposición es sumamente efectivo en “Les années vous guettent”, donde una telaraña cubre amenazadoramente el rostro de Nusch Éluard. Publicó únicamente dos fotografías de mujeres desnudas.

Picasso fue a una cafetería a tomar algo y se fijó en Dora por su extravagante juego en el que a veces erraba cortándose la mano y sus guantes negros se teñían de rojo. Dora fue activista de los derechos humanos.

El desamor
Françoise apareció en la vida de Picasso cuando éste se aburría con Dora Maar y en unos momentos en los que la consideraba excesivamente desequilibrada y testaruda.

En 1945 a Picasso ya no le interesaba Dora y ella empezó a mostrar un comportamiento extraño y paranoico: un día comentó a Picasso que le habían robado a su perrito y lo encontraron andando por los muelles; en otra ocasión dijo que le habían robado la bicicleta y más tarde la encontraron intacta; una vez la encontraron desnuda en las escaleras de su casa para consternación de un séquito nupcial; tuvo un ataque histérico en un cine.

Fue psicoanalizada por Jacques Lacan. Posteriormente, ingresó en el hospital de Sainte-Anne. Le aplicaron electroshock y fue Paul Éluard quien dijo a Picasso que la sacara de allí. Paul Éluard que era el mejor amigo de Dora en ese entonces, acusó a Picasso de hacerla sufrir demasiado.

Retiro y muerte
John Russell admiraba la valentía de Dora en su decisión de encerrarse en su estudio durante muchos años para investigar lo más profundo de su propio ser. Un día Dora no quería enseñar unos dibujos de su órgano sexual y Picasso le ordenó que los dejara ver.

Maar murió en 1997 y en su testamento dejó todos sus bienes a su padre y a un monje. Sus bienes se componían de 130 Picassos y la mayoría de sus fotografías. Ella había vendido algún Picasso cuando se había sentido en apuros económicos pero siempre con el permiso de éste. El apartamento en el que se recluyó era un fiel reflejo de su compleja personalidad.

Dora Maar, la musa doliente.

Un libro reconstruye la enigmática figura de la fotógrafa y pintora, más allá de su relación con Picasso

ÁNGELES GARCÍA Madrid 8 SEP 2013 - EL PAIS.

Cuando Pablo Picasso y Dora Maar se conocieron, ella tenía 29 años y él 55. Fue en París en el mítico café Deux Magots en 1936, poco antes del comienzo de la guerra civil española. Ella arrastraba una tormentosa relación con el filósofo Georges Bataille y con el actor Louis Chavance. Él, ya un dios indiscutido en todo el mundo del arte, seguía casado con la rusa Olga Khokhlova, madre de su hijo Paulo, y compartía casa con la sueca Marie-Thérèse Walter, madre de Maya. La pasión amorosa entre ambos estalló con tal furia que parecía que nada de lo que ocurría a su alrededor importaba. Como a sus anteriores (y posteriores) mujeres, Picasso la retrató decenas de veces. Era su modelo y su musa. Hasta que, en 1943, todo acabó. Él la sustituyó por Françoise Gilot mientras que Dora inició un descenso a los infiernos en una dolorosa caída durante la que recaló en hospitales psiquiátricos, con aplicación de electroschocks incluida, hasta terminar refugiada en la religión en su apartamento parisino, alejada y apartada de un mundo en el que durante unos años había sido una de sus reinas imprescindibles. Murió en 1997 completamente sola, a los 89 años

Aunque su personaje ha servido de inspiración literaria en varias ocasiones y algunos historiadores del arte se han aproximado a su vida, pocas certezas se tienen de ella al margen del tiempo durante el que estuvo vinculada al artista malagueño. La leyenda en torno a su persona ha ido creciendo con el tiempo hasta adueñarse de la realidad. Los enigmas son muchos y atañen a sus orígenes, a su valía como fotógrafa y pintora, a su peso dentro del Surrealismo, a su actitud política durante la guerra civil española y la Segunda Guerra mundial, a su locura. Victoria Combalía (Barcelona, 1952), historiadora y crítica, ha dedicado veinte años a desentrañar los muchos misterios que rodean la vida de la musa más desesperada de Picasso. El resultado de este trabajo es la biografía titulada sencillamente Dora Maar (Circe) en la que a lo largo de 358 páginas vuelca los descubrimientos obtenidos en más de 2000 documentos inéditos y las numerosas entrevistas telefónicas que Combalía mantuvo con Maar en 1994.

Dueña de unos deslumbrantes ojos claros cuyo color definía la luz del día, Dora Maar era una mujer de presencia imponente y porte elegante. Nacida en París en 1907 como Henriette Markovitch, era hija de un arquitecto croata y una madre francesa dedicada a la familia. La posición económica era elevada debido a los años durante los que el padre construyó numerosos edificios en Argentina. En ese tiempo, Dora aprendió español, una ventaja para su aproximación a Picasso.

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Maar tuvo una gran preparación intelectual y artística, primero en la pintura y luego en la fotografía, por la que, desde muy joven, formó parte de los círculos más vanguardistas del París de los años 20 y 30. Combalía advierte en su libro que Dora Maar no es una de las muchas modelos que se acercan a Picasso para acabar siendo devoradas sexualmente por el artista. La investigadora mantiene que junto a la pasión enloquecida que ambos vivieron, hubo un entendimiento intelectual que Picasso no alcanzó con ninguna de sus muchas otras amantes.

A finales de los años 20, Maar formaba parte del círculo de los surrealistas. Era amiga y colega de Brassaï y de Cartier Bresson. Sus fotografías de personajes de perdedores y excluidos de la sociedad eran aplaudidas y valoradas entre los expertos.

Amante del mundo de la alta costura, se movía como pez en el agua en los ambientes de la alta burguesía y entre las mesas de los cafés que frecuentaban los artistas de toda índole. Ideológicamente simpatizaba con los partidos políticos de izquierda, aunque, a diferencia de Picasso, no llegó a militar en ninguno de ellos.

Su manera de entender la fotografía y su popularidad entre los surrealistas le sirvieron a Dora para entrar en la vida de Picasso. Muy segura de sí misma en aquellos años, Dora Maar llamó la atención del artista con una curiosa anécdota que Combalía cuenta en el libro y que también da pistas sobre el carácter masoquista de Dora. Ocurrió en el café Les Deux Magots. Ella se puso a jugar con una navajita que habitualmente llevaba en el bolso. Haciendo saltar la hoja entre los dedos, no detuvo el juego pese a que la sangre chorreaba por su mano. Picasso quedó hipnotizado y le pidió sus guantes moteados de sangre.

Con los guantes, Dora le entregó su vida.

Dedicada en cuerpo y alma a Picasso, Dora documenta con su cámara la compleja realización del mural más famoso del mundo: el Guernica. Su objetivo detalla la metamorfosis de los personajes que ocupan la tela, un trabajo por el que nunca llegó a cobrar nada, ni siquiera los derechos de reproducción que tan bien le hubieran venido en sus difíciles años posteriores.

Ambos comparten amistades, veranos, viajes, trabajo y vida. Y especialmente sexo, algo en lo que Picasso parecía ser tan insuperable como en su pintura.

Pero mientras que para ella no había más mundo, él seguía viendo a otras mujeres. A sus anteriores amantes y a las nuevas. Y la bellísima y deslumbrante Dora pasó a ser la mujer desencajada, rota y llorosa que acabó ingresada en un psiquiátrico.

En 1943 Picasso se enamoró de Françoise Gilot y para Dora se acabó el mundo. La musa divina se convirtió en una loca a la que muchos fueron abandonando. Su amigo Paul Eluard fue una de las pocas excepciones entre los que mantuvieron su amistad hasta el final.

Con el paso de los años, Dora Maar volvió a la pintura pero muy esporádicamente a la fotografía. No se le volvió a conocer ninguna relación amorosa. Para sorpresa de muchos, abrazó el catolicismo con una intensidad que ya nunca abandonaría. Después de Picasso, solo Dios.

Maar. Dora Maar, la más intelectual de todas las amantes de Picasso. Hoy 22 de noviembre de 1907 nace Dora Maar

Nació el 22 de noviembre de 1907 y murió el 16 de julio de 1997.

Detalles del evento

Cuándo

22/11/2016
de 10:40 a 10:40

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Theodora Markovitch, más conocida como Dora Maar (Tours, Francia, 22 de noviembre de 1907 - París, Francia, 16 de julio de 1997), fue una artista plástica, pintora, fotógrafa y escultora francesa.

Biografía de Dora Maar.

Infancia y su adolescencia.

Nació en París el 22 de noviembre de 1907. En la partida de nacimiento consta con el nombre de Henriette Markovitch. Theodora sería una elección posterior pero no figura en ningún documento. Su padre, Joseph Markovitch (Marković), era un arquitecto croata que hizo distintos proyectos en Sudamérica, y su madre, Julie Voisin, era una violinista francesa, originaria de Tours.

La madre de Dora se nacionalizó croata para casarse con Joseph y más tarde recuperó su nacionalidad francesa. En su matrimonio se celebraron dos ceremonias, una en Zagreb y otra al lado de Rijeka. Seguramente se conocieron en esta última ciudad. Padre e hija acostumbraban a salir a comer juntos por el barrio de Saint Germain-des-Prés durante los años 1940 y 1950. En la familia se hablaba francés y español. Fueron muy cosmopolitas y las fotografías de su juventud muestran a Dora desde paisajes de los Alpes hasta zonas tropicales. Dora creció en Argentina.

Su familia se opuso fervientemente a su relación con Picasso. Un día, Julie, discutía violentamente con Dora por teléfono, cuando de pronto la voz de la primera se cortó. Había muerto. Fue durante la ocupación de Francia por los Nazis y era de noche, después del toque de queda. A la mañana siguiente, Dora la halló muerta con el teléfono en una mano.

En casi un millar de fotografías, tan sólo hay dos en las que sonríe. Dora era una persona callada, orgullosa, muy inteligente y de una ironía fina a veces teñida de cierta maldad. Le gustaba disfrazarse de siglos anteriores. Ése es un aspecto de ella que aparece en muchos otros collages.

Se emancipó con prontitud y se convirtió a la vez en un símbolo para la alta sociedad parisina.

La joven fotógrafa

Dora Maar debió pintar sobre los años 1950. Estudió en la Academie Lothe donde conoció a Henri Cartier-Bresson un año más joven que ella y que aún no se había convertido en uno de los mejores fotógrafos. Fue en 1949 cuando éste la definió como una fotógrafa notable en que sus obras poseían un halo misterioso y espantoso; también admiraba sus pinturas. Cartier-Bresson creía que la fotografía es un oficio de solitarios, esa creencia podría aplicarse muy bien a Dora.

En ese entonces la fotografía no estaba tan bien considerada como ahora. Así pues, los fotógrafos solían ser también pintores. Picasso ironizaba sobre la actividad fotográfica de Dora. Ésta no estaba del todo satisfecha con la enseñanza de la Academie Lothe. Así que, más tarde, siguiendo el consejo de Marcel Zahar siguió sus estudios de fotografía matriculándose en “L’École de Photographie de la Ville de Paris”. Para poder revelar sus fotografías ella daba clases a Pierre Kéfer, a cambio él le dejaba usar el taller. Algunas fotografías llevan el tampón Kéfer-Dora a pesar de que las últimas están hechas únicamente por ella.

La formación de Dora pasa principalmente por la búsqueda de mentores. El único consejo que dio Man Ray a Dora fue “el efecto desenfocado”. Fue entonces cuando conoció a Brassaï con quien mantendría una larga amistad. Dora fotografió el proceso de composición del Guernica. Sougez aconseja a Dora tanto a nivel técnico como personal. Ellos publicarán varias obras conjuntas. A través de su padre, consiguió tener un estudio propio. En éste creó sus famosos fotocollages. Ella dijo que no distinguía entre encargo y creación. Trabajó también como actriz en la película “Les gens de voyage de Jaques Feyder”.

Surrealismo

Era amiga íntima de André, Jaques Breton, Paul Éluard y Nusch Éluard. Con George Hugnet tuvo una breve historia amorosa. André le escribe pidiéndole que recoja los dibujos y objetos realizados por los locos del asilo de Sainte-Anne, donde más tarde ella misma sería ingresada. Dora se sentía atraída por la muerte. Maar experimentaba con los objetos desproporcionados como un recurso que desestabilizaba nuestra realidad.

La fotografía de Dora en este nuevo aspecto era más bien clásica siguiendo el estilo refinado de Meerson. Trabajó un tiempo de exposición más largo para intensificar los negros. El recurso de la sobre-exposición es sumamente efectivo en “Les années vous guettent”, donde una telaraña cubre amenazadoramente el rostro de Nusch Éluard. Publicó únicamente dos fotografías de mujeres desnudas.

Picasso fue a una cafetería a tomar algo y se fijó en Dora por su extravagante juego en el que a veces erraba cortándose la mano y sus guantes negros se teñían de rojo. Dora fue activista de los derechos humanos.

El desamor
Françoise apareció en la vida de Picasso cuando éste se aburría con Dora Maar y en unos momentos en los que la consideraba excesivamente desequilibrada y testaruda.

En 1945 a Picasso ya no le interesaba Dora y ella empezó a mostrar un comportamiento extraño y paranoico: un día comentó a Picasso que le habían robado a su perrito y lo encontraron andando por los muelles; en otra ocasión dijo que le habían robado la bicicleta y más tarde la encontraron intacta; una vez la encontraron desnuda en las escaleras de su casa para consternación de un séquito nupcial; tuvo un ataque histérico en un cine.

Fue psicoanalizada por Jacques Lacan. Posteriormente, ingresó en el hospital de Sainte-Anne. Le aplicaron electroshock y fue Paul Éluard quien dijo a Picasso que la sacara de allí. Paul Éluard que era el mejor amigo de Dora en ese entonces, acusó a Picasso de hacerla sufrir demasiado.

Retiro y muerte
John Russell admiraba la valentía de Dora en su decisión de encerrarse en su estudio durante muchos años para investigar lo más profundo de su propio ser. Un día Dora no quería enseñar unos dibujos de su órgano sexual y Picasso le ordenó que los dejara ver.

Maar murió en 1997 y en su testamento dejó todos sus bienes a su padre y a un monje. Sus bienes se componían de 130 Picassos y la mayoría de sus fotografías. Ella había vendido algún Picasso cuando se había sentido en apuros económicos pero siempre con el permiso de éste. El apartamento en el que se recluyó era un fiel reflejo de su compleja personalidad.

Dora Maar, la musa doliente.

Un libro reconstruye la enigmática figura de la fotógrafa y pintora, más allá de su relación con Picasso

ÁNGELES GARCÍA Madrid 8 SEP 2013 - EL PAIS.

Cuando Pablo Picasso y Dora Maar se conocieron, ella tenía 29 años y él 55. Fue en París en el mítico café Deux Magots en 1936, poco antes del comienzo de la guerra civil española. Ella arrastraba una tormentosa relación con el filósofo Georges Bataille y con el actor Louis Chavance. Él, ya un dios indiscutido en todo el mundo del arte, seguía casado con la rusa Olga Khokhlova, madre de su hijo Paulo, y compartía casa con la sueca Marie-Thérèse Walter, madre de Maya. La pasión amorosa entre ambos estalló con tal furia que parecía que nada de lo que ocurría a su alrededor importaba. Como a sus anteriores (y posteriores) mujeres, Picasso la retrató decenas de veces. Era su modelo y su musa. Hasta que, en 1943, todo acabó. Él la sustituyó por Françoise Gilot mientras que Dora inició un descenso a los infiernos en una dolorosa caída durante la que recaló en hospitales psiquiátricos, con aplicación de electroschocks incluida, hasta terminar refugiada en la religión en su apartamento parisino, alejada y apartada de un mundo en el que durante unos años había sido una de sus reinas imprescindibles. Murió en 1997 completamente sola, a los 89 años

Aunque su personaje ha servido de inspiración literaria en varias ocasiones y algunos historiadores del arte se han aproximado a su vida, pocas certezas se tienen de ella al margen del tiempo durante el que estuvo vinculada al artista malagueño. La leyenda en torno a su persona ha ido creciendo con el tiempo hasta adueñarse de la realidad. Los enigmas son muchos y atañen a sus orígenes, a su valía como fotógrafa y pintora, a su peso dentro del Surrealismo, a su actitud política durante la guerra civil española y la Segunda Guerra mundial, a su locura. Victoria Combalía (Barcelona, 1952), historiadora y crítica, ha dedicado veinte años a desentrañar los muchos misterios que rodean la vida de la musa más desesperada de Picasso. El resultado de este trabajo es la biografía titulada sencillamente Dora Maar (Circe) en la que a lo largo de 358 páginas vuelca los descubrimientos obtenidos en más de 2000 documentos inéditos y las numerosas entrevistas telefónicas que Combalía mantuvo con Maar en 1994.

Dueña de unos deslumbrantes ojos claros cuyo color definía la luz del día, Dora Maar era una mujer de presencia imponente y porte elegante. Nacida en París en 1907 como Henriette Markovitch, era hija de un arquitecto croata y una madre francesa dedicada a la familia. La posición económica era elevada debido a los años durante los que el padre construyó numerosos edificios en Argentina. En ese tiempo, Dora aprendió español, una ventaja para su aproximación a Picasso.

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Maar tuvo una gran preparación intelectual y artística, primero en la pintura y luego en la fotografía, por la que, desde muy joven, formó parte de los círculos más vanguardistas del París de los años 20 y 30. Combalía advierte en su libro que Dora Maar no es una de las muchas modelos que se acercan a Picasso para acabar siendo devoradas sexualmente por el artista. La investigadora mantiene que junto a la pasión enloquecida que ambos vivieron, hubo un entendimiento intelectual que Picasso no alcanzó con ninguna de sus muchas otras amantes.

A finales de los años 20, Maar formaba parte del círculo de los surrealistas. Era amiga y colega de Brassaï y de Cartier Bresson. Sus fotografías de personajes de perdedores y excluidos de la sociedad eran aplaudidas y valoradas entre los expertos.

Amante del mundo de la alta costura, se movía como pez en el agua en los ambientes de la alta burguesía y entre las mesas de los cafés que frecuentaban los artistas de toda índole. Ideológicamente simpatizaba con los partidos políticos de izquierda, aunque, a diferencia de Picasso, no llegó a militar en ninguno de ellos.

Su manera de entender la fotografía y su popularidad entre los surrealistas le sirvieron a Dora para entrar en la vida de Picasso. Muy segura de sí misma en aquellos años, Dora Maar llamó la atención del artista con una curiosa anécdota que Combalía cuenta en el libro y que también da pistas sobre el carácter masoquista de Dora. Ocurrió en el café Les Deux Magots. Ella se puso a jugar con una navajita que habitualmente llevaba en el bolso. Haciendo saltar la hoja entre los dedos, no detuvo el juego pese a que la sangre chorreaba por su mano. Picasso quedó hipnotizado y le pidió sus guantes moteados de sangre.

Con los guantes, Dora le entregó su vida.

Dedicada en cuerpo y alma a Picasso, Dora documenta con su cámara la compleja realización del mural más famoso del mundo: el Guernica. Su objetivo detalla la metamorfosis de los personajes que ocupan la tela, un trabajo por el que nunca llegó a cobrar nada, ni siquiera los derechos de reproducción que tan bien le hubieran venido en sus difíciles años posteriores.

Ambos comparten amistades, veranos, viajes, trabajo y vida. Y especialmente sexo, algo en lo que Picasso parecía ser tan insuperable como en su pintura.

Pero mientras que para ella no había más mundo, él seguía viendo a otras mujeres. A sus anteriores amantes y a las nuevas. Y la bellísima y deslumbrante Dora pasó a ser la mujer desencajada, rota y llorosa que acabó ingresada en un psiquiátrico.

En 1943 Picasso se enamoró de Françoise Gilot y para Dora se acabó el mundo. La musa divina se convirtió en una loca a la que muchos fueron abandonando. Su amigo Paul Eluard fue una de las pocas excepciones entre los que mantuvieron su amistad hasta el final.

Con el paso de los años, Dora Maar volvió a la pintura pero muy esporádicamente a la fotografía. No se le volvió a conocer ninguna relación amorosa. Para sorpresa de muchos, abrazó el catolicismo con una intensidad que ya nunca abandonaría. Después de Picasso, solo Dios.

Martin. Hoy 21 de noviembre de 1974 fallece el compositor suizo Frank Martin.

Suiza es un país con escasos compositores de relevancia.

Detalles del evento

Cuándo

21/11/2016
de 15:55 a 15:55

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Frank Martin nació en Ginebra el 15 de septiembre de 1890 y murió en Naarden, Países Bajos el 21 de noviembre de 1974.

Frank Martin fue el décimo y último hijo de Charles Martin, un pastor. Antes mismo de comenzar en la escuela, tocaba ya el piano y practicaba la improvisación. A los 9 años, componía canciones completas, sin haber recibido ninguna instrucción musical. Una pieza de Bach, la Pasión según San Mateo que escuchó a los 12 años le causó una profunda impresión, y Bach se convirtió en su verdadero mentor.

Estudió matemáticas y física en la Universidad de Ginebra durante dos años (según el deseo de sus padres), simultaneándolo con la composición y estudiando piano con Joseph Lauber (1864-1952), un compositor ginebrino que fue también organista en Locle, profesor en Zurich en 1901 y director de orquesta en el Gran Teatro de Ginebra. Martin, de 1918 a 1926, vivió en Zúrich, Roma y París. Las composiciones de esta época le muestran a la búsqueda de su propio lenguaje musical.

En 1926, fundó la «Société de Musique de Chambre de Genève», que dirigió en tanto pianista y clavecínista durante 10 años. Durante este periodo, enseñó también teoría musical e improvisación en el Instituto Jacques-Dalcroze y música de cámara en el Conservatorio de Ginebra.

Fue director del «Technicum Moderne de Musique» de 1933 a 1940 y presidente de la «Association des musiciens Suisses» de 1942 a 1946.

Se trasladó a los Países Bajos en 1946 para encontrar más tiempo para sus composiciones que no podía tener en Suiza, donde estaba implicado en numerosas actividades. Vivió 10 años en Ámsterdam y se instaló finalmente en Naarden.

De 1950 a 1957, enseño composición en la «Staatliche Hochschule für Musik» de Colonia (Alemania). A continuación renunció a la enseñanza y se concentró en sus composiciones, abandonándolas ocasionalmente por conciertos de música de cámara y para dirigir sus propias obras orquestales. Trabajó en su última obra, la cantata Et la vie l'emporta, hasta diez días antes de su muerte.

Franco. Franco fue partidario de los judíos aunque hablara en ocasiones de la conspiración judeo masónica. Hoy 20 de noviembre de 1975 fallece Francisco Franco

Algunos historiadores opinan que Franco era descendiente de judíos. Los nazis examinaron a Franco pero no descubrieron sus raíces Judías. Franco nació el 4 de diciembre de 1892 y murió el 20 de noviembre de 1975.

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Cuándo

20/11/2016
de 13:05 a 13:05

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Uno de los militares africanistas filosefardíes fue, según Gonzalo Álvarez Chillida, Francisco Franco como lo prueba el artículo "Xauen la triste" que escribió para la Revista de tropas coloniales en 1926, cuando tenía 33 años y acababa de ser ascendido a general de Brigada. En el artículo resaltaba las virtudes de los judíos sefardíes con los que había tratado que contrastaba con el "salvajismo" de los "moros".

En su guión de la película Raza (1942) aparece un episodio en el que se refleja este filosefardismo. El protagonista visita con su familia la sinagoga de Santa María la Blanca de Toledo y allí dice: "Judíos, moros y cristianos aquí estuvieron y al contacto con España se purificaron". "Para Franco, como vemos, la superioridad de la nación española se manifestaba en su capacidad de purificar hasta a los judíos, convirtiéndolos en sefardíes, bien diferentes de sus demás correligionarios", afirma Álvarez Chillida.

El filosefardismo de Franco se ha intentado explicar por sus supuestos orígenes judeoconversos –que algunos han relacionado incluso con su devoción a Santa Teresa de Jesús, de familia conversa- pero no hay ninguna prueba al respecto.

El nazi Heydrich ordenó una investigación sobre la ascendencia judía de Franco sin ningún resultado. De todas formas el filosefardismo del general Franco no afectó a su política de mantener España libre de judíos, salvo en sus territorios africanos.

En la imagen Franco y Hitler, en Hendaya, el 23 de octubre de 1940.

José Antonio Primo de Rivera. Frase. Hoy 20 de noviembre de 1936 fallece José Antonio Primo de Rivera

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20/11/2016
de 12:45 a 12:45

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José Antonio Primo de Rivera nació el 24 de abril de 1903 y murió en Alicante el 20 de noviembre de 1936. Fue ejecutado en la antigua cárcel de Alicante, actual edificio de los Juzgados.

Primo de Rivera. Anguita opina sobre José Antonio Primo de Rivera. Hoy 20 de noviembre de 1936 fallece José Antonio Primo de Rivera

José Antonio Primo de Rivera nació el 24 de abril de 1903 y murió en Alicante el 20 de noviembre de 1936. Fue ejecutado en la antigua cárcel de Alicante, actual edificio de los Juzgados.

Detalles del evento

Cuándo

20/11/2016
de 12:10 a 12:10

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José Antonio Primo de Rivera y Sáenz de Heredia (Madrid, 24 de abril de 1903-Alicante, 20 de noviembre de 1936) fue un abogado y político español, primogénito del dictador Miguel Primo de Rivera y fundador y líder del partido Falange Española. Acusado de conspiración y rebelión militar contra el Gobierno de la Segunda República, fue condenado a muerte y finalmente ejecutado durante los primeros meses de la Guerra Civil Española.

Yúdina. María Yúdina, la pianista favorita de Stalin. Hoy 19 de noviembre de 1970 fallece María Yúdina

Nació el 28 de agosto de 1899 y murió el 19 de noviembre de 1970.

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Cuándo

19/11/2016
de 15:45 a 15:45

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María Veniamínovna Yúdina ( Nével, 28 de agosto de 1899 - Moscú, 19 de noviembre de 1970) fue una pianista rusa, gran defensora de la música contemporánea y muy reconocida también por sus interpretaciones de Johann Sebastian Bach y Ludwig van Beethoven. Yúdina fue una de las pocas voces del mundo artístico soviético que mostró abiertamente su disconformidad con el régimen comunista, lo que le costó numerosas represalias (se le impidió en numerosas ocasiones ejercer la docencia o interpretar en público). De familia judía, su conversión al cristianismo y su profunda fe la convierten también en una de las figuras cristianas (junto con su amigo el filósofo Pável Florenski) más importantes de la Unión Soviética.

Juventud.

Estudió en el Conservatorio de Petrogrado donde tuvo como compañeros de clase a Dmitri Shostakóvich y Vladímir Sofronitski. Durante un breve periodo de tiempo recibió también clases particulares de Felix Blumenfeld.

Carrera docente y musical.
Tras terminar sus estudios en el Conservatorio de Petrogrado, Yúdina fue invitada a dar clases allí. Ejerció la docencia hasta 1930, cuando fue apartada de la institución por sus convicciones religiosas y sus críticas a los dirigentes políticos soviéticos. Tras estar sin trabajo y sin casa durante un par de años, el Conservatorio de Tiflis le ofreció impartir un curso de piano en el curso 1932-1933.

En 1936, por invitación de Heinrich Neuhaus, Maria Yúdina ofreció un recital en el Conservatorio de Moscú. Dio clases en esta institución hasta 1951. Además, entre 1944 y 1960, Yúdina enseñó música de cámara y acompañamiento vocal en el Instituto Gnéssiny (hoy conocido como Academia Rusa de Música), pero fue expulsada por sus creencias religiosas y por su preferencia por la música contemporánea occidental. Continuó con sus recitales hasta que en uno de ellos leyó un poema de Borís Pasternak: fue sancionada y se le impidió interpretar en público durante cinco años. En 1966, cuando terminó su castigo, Maria Yúdina dio un ciclo de conferencias sobre el Romanticismo en el Conservatorio de Moscú.

Maria Yúdina y Stalin
Curiosamente, Yúdina fue la pianista favorita de Iósif Stalin. Stalin escuchó en la radio una interpretación del Concierto para piano nº 23 de Mozart y pidió una copia. Como había sido una transmisión en directo, se solicitó inmediatamente a Yúdina que lo grabara esa misma noche. La llevaron a un estudio junto con una pequeña orquesta y así se pudo presentar una grabación a Stalin (esta versión se conserva y está actualmente editada en CD). Al parecer, a Stalin se le saltaban las lágrimas sólo con oír las primeras notas tocadas por Yúdina. Pese a contar con esta predilección, Yúdina continuó con sus críticas al régimen. Donó el dinero con el que se la recompensó por esta grabación a la Iglesia Ortodoxa «para oraciones perpetuas por los pecados de Stalin.»

Ambiente intelectual
Yúdina intervino activamente en el ambiente cultural de su tiempo y se relacionó con escritores, artistas o arquitectos. Estre sus amigos estaba Borís Pasternak (quien hizo la primera lectura de su novela Doctor Zhivago en la casa de Yúdina en febrero de 1947), Ósip Mandelshtam, Mijaíl Bajtín, Piotr Suvchinski, Dmitri Shostakóvich, Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen y muchos otros.

Publicaciones y grabaciones discográficas
Gracias a los esfuerzos de los amigos de Yúdina (especialmente a los de Anatoli Kuznetsov), las cartas y escritos de Maria Yúdina se publicaron en Rusia entre finales de los años 90 y principios de la década posterior.

Las grabaciones de Yúdina actualmente están disponibles en sellos como Brilliant (en una caja de 9 cds) o Vista Vera (en 16 cds). La Fundación Internacional Maria Yúdina, por su parte, ha editado las grabaciones completas de Yúdina en 33 cds.

El filósofo Alekséi Lósev escribió una novela de tintes autobiográficos en la que caracteriza a Maria Yúdina como una persona promiscua. Al parecer, ella había rechazado sus proposiciones amorosas.

Primo de Rivera. El traslado de los restos de José Antonio Primo de Rivera desde Alicante a El Escorial, hoy 19 de Noviembre de 1939.

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Cuándo

19/11/2016
de 13:45 a 13:45

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Artículo de ABC Día 23/11/2014

José Antonio Primo de Rivera fue fusilado a las 6,20 de la mañana del 20 de noviembre de 1936 en el patio de la cárcel de Alicante, dónde había sido trasladado desde la cárcel Modelo de Madrid. El fundador y Jefe Nacional de Falange Española de las JONS fue enterrado en una fosa común de la cárcel de Alicante, desde donde dos años después fue trasladado al nicho número 515 del cementerio de Nuestra Señora de los Remedios.

Al terminar la guerra se decidió trasladar sus restos a San Lorenzo de El Escorial, en Madrid. El 19 de noviembre de 1939 sus restos fueron nuevamente exhumados. Su ataúd, cubierto de terciopelo negro, fue acarreado durante diez días por falangistas que se turnaron cada diez kilómetros, entre salvas de cañón o de fusil.

El tiempo que duró el traslado se decretó Luto Nacional. El paso por las localidades se realizó entre el silencio de los vecinos y los saludos falangistas. Sobre todo por la noche, las camisas azules de la falange, las antorchas con las que se iluminaba el paso y el silencio que lo envuelve todo sobrecoge. El día 28 de noviembre la comitiva llegó a Aranjuez y luego a Madrid, dónde recorre sus calles y pasa por la Gran Vía, ya entonces avenida de José Antonio, para llegar a la Plaza de España dónde es recibido por las autoridades. El 30 de noviembre de 1939, su féretro entraba al Monasterio de El Escorial, recibido por Francisco Franco. Fue enterrado a los pies del altar mayor de la Basílica. Pero no sería esa su última morada.

El 31 de marzo de 1959, un día antes de la inauguración oficial del Valle de los Caídos, José Antonio fue de nuevo exhumado. La primera intención del gobierno era hacer un traslado discreto e íntimo, pero finalmente se realizó con solemnidad. En el Patio de los Leones de la Basílica de El Escorial su féretro fue de nuevo subido a las mismas andas con las que se le trasladó en 1939. Los 14 kilómetros que separan El Escorial de la Basílica de Cuelgamuros se recorrieron con un paso de 3 km por hora. Los relevos fueron esta vez cada cien metros. Al llegar a la Basílica, sus restos fueron inhumados en un emplazamiento igual al que ocupaba en El Escorial y con una lapida idéntica. El primer abad mitrado de la basílica de Santa Cruz del Valle de los Caídos, Fray Justo Pérez de Urbiel ofició una Misa de Réquiem por José Antonio.

En la imagen la comitiva en la Explanada de Alicante.

Si lo desea, elija otra fecha: