Efemérides, un día tal como hoy...

Alicante Capital de España. El último gobierno de la Segunda República estuvo en Alicante. Hoy 3 de febrero de 1892 nace Juan Negrín

De febrero de 1939 a abril de 1939 Alicante fue la sede del Gobierno. El presidente del Gobierno republicano Juan Negrin y los ministros se instalaron en Alicante. Juan Negrín nació el 3 de febrero de 1892 y murió el 12 de noviembre de 1956.

Detalles del evento

Cuándo

03/02/2016
de 11:50 a 11:50

Agregar evento al calendario

La casualidad quiso que la finca que eligió Negrin como sede del Gobierno y su residencia simultáneamente fuera propiedad de mi familia, concretamente de un tío con el que tengo una muy estrecha relación.

La casualidad quiso también que muchos años después a principios de los setenta yo pasara parte de los veranos en esa casa con mi abuela y durmiera en la habitación que había utilizado el presidente del Gobierno

Pero volvamos al principio de nuestra historia.

Acaba de empezar 1939. La guerra no va bien para los republicanos. Franco avanza cada vez más. El presidente Negrin decide instalar su gobierno en Alicante.

La posición Yuste fue el nombre en clave que se le dio al lugar donde se estableció el gobierno de la República Española al final de la Guerra Civil española. Su nombre alude al retiro de Carlos I de España al Monasterio de Yuste en Extremadura.

La posición Yuste se encontraba en la provincia de Alicante, concretamente en una finca en la localidad de Petrer, al lado de Elda, conocida como El Poblet.

El presidente Juan Negrín, abandonó Madrid tras celebrar un consejo de ministros e instaló la sede de la Presidencia del Gobierno en una casa de campo en medio de una densa pinada que la ocultaba de la carretera y que estaba cerca de la localidad alicantina de Elda.

La dirección del Partido Comunista de España, el principal aliado del gobierno de Negrín, hizo lo mismo e instaló su cuartel general cerca de Elda,

El traslado del gobierno de Negrín y de la dirección del PCE, su principal aliado, al interior de la provincia de Alicante ha sido objeto de polémica entre los historiadores. Hugh Thomas ya señaló en 1976 la contradicción que él veía en fijar la sede del gobierno en un lugar tan alejado de Madrid, "si Negrín deseaba ganar la guerra". Thomas intentando darle una explicación se hace eco de la interpretación que dieron los "antinegrinistas":
"La situación de esta localidad [Elda] hacía sospechar que se preveía la posibilidad de una escapatoria". También Ángel Bahamonde y Javier Cervera Gil (1999) consideran la decisión de Negrín un tanto inexplicable porque al alejarse de la capital se acentuó su soledad, es decir, su falta de apoyos para la política de resistencia, que algunos de sus ministros empezaban también a cuestionar.

Más recientemente Angel Viñas y Fernando Hernández Sánchez (2009) han encontrado una explicación relacionando el repliegue a la nPosición Yuste con los planes de Negrín, que al parecer tras conocer la situación militar de la zona Centro-Sur ya no eran la resistencia a ultranza, a la espera de que estallara el conflicto en Europa, sino una resistencia escalonada que permitiera el repliegue de las fuerzas republicanas hacia los puertos de Levante para salvar la mayor cantidad de vidas posibles, contando con la protección de la flota fondeada en Cartagena, dado que Negrín estaba convencido, y no se equivocó, de que el "Generalísmo" Franco una vez obtuviera la victoria no iba a tener compasión con los vencidos.

Y para la ejecución de ese plan de resistencia escalonada la "Posición Yuste" cerca de Elda presentaba una posición estratégica innegable. "Negrín había llegado a la convicción de que sólo si se mantenía la resistencia y se lograba controlar un arco de territorio comprendido entre Valencia y Cartagena cabría prolongar la guerra lo suficiente para proceder a una evacuación ordenada a través de los puertos. Para ello decidió instalar el aparato gubernamental en la Posición Yuste en la encrucijada de las principales vías de comunicación entre el interior y la costa mediterránea.

Ell edificio y su entorno, tal como estaba a finales de la II República, data de principios de los años veinte del siglo pasado, cuando los padres de los actuales dueños rediseñaron la casa (construida por el propietario anterior, D. Vicente Amat de Petrer) y sobre todo, terminaron de repoblar la frondosa vegetación que
prácticamente se conserva tal cual se diseñó: gran pinada, con olmos, acacias, cipreses, y laureles primorosa artísticamente distribuidos por las diez hectáreas configurando paseos, plazoletas y veladores adornados con alguna escultura y refrescados con fuentes y un estanque.

Los centenares de olivos completan la flora de la finca. En el centro de este paraíso, una bella avenida que unía la conexión de la carretera Madrid-Alicante con la entrada de la casa,

El edificio sito en El Poblet como sede del Ejecutivo tenía seguridad, tranquilidad, discreción, y cercanía a puerto marítimo y ferroviario.

Desde aquella casa se diirgió la guerra civil y la huida final. La útima ciudad de España en caer fue Alicante. Desde alicante salieron los barcos y aviones hacia el exilio.

La finca ha sido conservada con esmero todos estos años. Tiene
un frondoso jardín con árboles centenarios de ¡¡¡¡50.000. metros cuadrados¡¡¡¡.

Pasear hoy por El Poblet es pasear por la historia viva de España. He leído rodeado de preciosos árboles allí varios libros sobre la Segunda República y la Guerra Civil.

En la foto las casas de la Posición Yuste hoy, el mismo estado y forma que tenían en 1939 cuando fueron la sede del último gobierno republicano.

Russell. Frase sobre Dios. Hoy 2 de febrero de 1970 fallece Russell

Nació el 18 de mayo de 1872 y murió el 2 de febrero de 1970.

Detalles del evento

Cuándo

02/02/2016
de 16:25 a 16:25

Agregar evento al calendario

Bertrand Arthur William Russell, fue un filósofo, matemático, lógico y escritor británico ganador del Premio Nobel de Literatura y conocido por su influencia en la filosofía analítica, sus trabajos matemáticos y su activismo social. Contrajo matrimonio cuatro veces y tuvo tres hijos.

Stalingrado. Hoy 2 de febrero de 1943 termina la batalla de Stalingrado, considerada por muchos la batalla más importante de la Segunda Guerra Mundial.

Detalles del evento

Cuándo

02/02/2016
de 15:50 a 15:50

Agregar evento al calendario

Después de más de cinco meses de durísima lucha concluyó, tal día como hoy de 1943, la batalla de Stalingrado. La ciudad era un importante centro industrial y un núcleo de comunicaciones esencial con los campos petrolíferos del Cáucaso, por lo era un objetivo importante del ejército alemán durante la invasión de la URSS. Lo que los alemanes consideraron a priori como una operación más que asequible se convirtió en uno de los infiernos bélicos más duros de la Historia. La lucha acabó produciéndose metro a metro, y las bajas se han calculado en más de dos millones. Los 91.000 alemanes supervivientes no tuvieron más remedio que rendirse, en lo que fue el punto de inflexión de la invasión y también del poder del Tercer Reich.

Jomeini. Hoy 1 de febrero de 1979 Regreso triunfal de Jomeini a Irán después de más de 14 años de exilio

Detalles del evento

Cuándo

01/02/2016
de 15:45 a 15:45

Agregar evento al calendario

Tal día como hoy de 1979 volvía en un vuelo desde París a Teherán el ayatolá Jomeini, líder espiritual de la oposición islamista al sha Reza Pahlevi de Irán. Ponía así fin a más de 14 años de exilio en Iraq y Francia, después de meses de revuelta en el país que habían obligado al sha a huir a Egipto el 16 de enero anterior. Ante el vacío de poder que apenas podía cubrir el gobierno nombrado por el sha, Jomeini regresó para tomar el timón de la situación y completar la revolución islamista, que culminaría poco más tarde con la proclamación de la República Islámica de Irán.

Schoenberg. De hoy a mañana (Von Heute auf Morgen) una ópera cómica de Schoenberg con libreto de su esposa. Hoy 1 de febrero de 1930 se estrena "De hoy a mañana" de Schoenberg.

Estrenada el . Schoenberg nació el 13 de septiembre de 1874 y murió el 13 de julio de 1951.

Detalles del evento

Cuándo

01/02/2016
de 09:50 a 09:50

Agregar evento al calendario

De hoy a mañana (título original en alemán, Von heute auf morgen, Op. 32) es una ópera en un acto con música de Arnold Schönberg y libreto en alemán de "Max Blonda," el seudónimo de Gertrud Schönberg, la esposa del compositor.

Historia.

La ópera se compuso a finales de 1928 (acabado en el primer día de 1929), y fue estrenada en Fráncfort el 1 de febrero de 1930, con William Steinberg dirigiendo una producción de Herbert Graf. Fue la primera ópera dodecafónica, y la única comedia de Schönberg. El libreto puede verdaderamente ser una comedia de costumbres contemporánea, pero la música es compleja, unas líneas vocales angulares y una amplia orquesta creando un aterrador remolino de furia.

Schönberg escribió: "He demostrado en mis óperas Von heute auf morgen y Moses und Aron que cada expresión y caracterización puede producirse en el estilo de la disonancia libre," en contraste con Alban Berg, quien creía que un contraste con elementos tonales que se necesitaba presentar por ciertas razones, y esto lo hizo en su ópera (ampliamente más exitosa) Wozzeck.

En 1930, después del estreno en Fráncfort, el propio compositor dirigió una retransmisión por la radio interpretada en Berlín. Después de eso, la ópera nunca se representó de nuevo en vida del compositor. Esta ópera rara vez se representa en la actualidad; en las estadísticas de Operabase aparece con sólo 3 representaciones en el período 2005-2010.

Personajes

Personaje Tesitura Reparto del estreno
1 de febrero de 1930
(Director: William Steinberg)
Die Frau / La esposa soprano Else Gentner-Fischer
Die Freundin / La amiga soprano Elisabeth Friedrich
Der Sänger / El cantante tenor Anton Maria Topitz
Der Mann / El esposo barítono Benno Ziegler
El niño papel hablado

Barcelona. Hoy 31 de enero de 1994 Incendio del Liceo de Barcelona.

Un incendio arrasa el Gran Teatro del Liceo de Barcelona, uno de los símbolos más importantes de la vida cultural catalana desde el siglo XIX

Detalles del evento

Cuándo

31/01/2016
de 15:35 a 15:35

Agregar evento al calendario

El 31 de enero de 1994 miles de personas contemplaron impotentes y consternadas el enorme incendio que consumió el Gran Teatro del Liceo de Barcelona. La chispa de un soplete fue el desencadenante de la tragedia. El fuego prendió en el escenario y rápidamente se propagó hacia la techumbre del edificio que terminó derrumbándose sobre el patio de butacas. Las llamas consumieron todo dejando sólo en pie las paredes de la veterana institución cultural. En apenas dos horas el fuego arrasó uno de los principales foros de ópera de Europa pese a lo cual se pudieron salvar algunos espacios emblemáticos como el Círculo del Liceo (cuya colección pictórica logró evacuarse), la sala de los Miralls y el Conservatorio. Tras el siniestro, el Liceo fue objeto de un ambicioso proyecto de reconstrucción y reforma integral que permitió la reapertura de sus puertas en 1999.

Schubert. Sonata opus 120. Hoy 31 de enero de 1797 nace Schubert

Schubert nació en Viena el 31 de enero de 1797 y murió el 19 de noviembre de 1828

Detalles del evento

Cuándo

31/01/2016
de 10:50 a 10:50

Agregar evento al calendario

Extracto de “Comentarios Musicales” de Pedro Beltrán, ediciones CAM. Enero 1992.

La “Sonata en la mayor opus 120 D 664” figura en la edición completa de la obra de Schubert publicada por Otto Erich Deutsch en Londres en 1951 (origen de la numeración de las obras de Schubert como D…) fechada en el año 1825. Ludwig Schreiber en “Zeitschrift der internationalen Musikgesellschaft, VIII, 845” dice que fue escrita en el verano de 1819.

Es la quinta por orden cronológica de las doce sonatas terminadas por el compositor. Schubert escribió esta sonata en Steyr para Josephine Keller, quien, como informó a su hermano Ferdinand el 19 de julio de 1819, “es muy bonita, toca bien el piano y va a cantar una de mis canciones”. El hecho de estar escrita para una joven que tocaba el piano “bien", pero no perfectamente, explica el carácter y estilo de esta sonata. El famoso Quinteto La Trucha fue escrito también durante esta visita de Schubert a Steyr.

La Sonata tiene tres movimientos y dura 25 minutos.

Schubert. Fantasía para violín y piano en Do mayor D 934. Hoy 31 de enero de 1797 nace Schubert

Schubert nació en Viena el 31 de enero de 1797 y murió el 19 de noviembre de 1828

Detalles del evento

Cuándo

31/01/2016
de 10:45 a 10:45

Agregar evento al calendario

Extracto de “Comentarios Musicales” de Pedro Beltrán, ediciones CAM. Enero 1992.

Diario Der Sammler 7 de febrero de 1828. “La Fantasía de Herr Franz Schubert para pianoforte y violín… dura más tiempo del que los vieneses están dispuestos a dedicar a sus placeres estéticos. La sala se fue vaciando gradualmente y un servidor tiene que admitir asimismo que tampoco podría decir como acabó esta pieza musical”.

Leipziger Allgemeine Zeitung, 2 de abril de 1828. “Una nueva fantasía que no despertó ningún interés. Se puede decir, sin ánimo de injuriar a nadie, que el popular compositor ha dado un gran resbalón en esta ocasión”.

Estas críticas se refieren al estreno de la “Fantasía para violín y piano en do mayor D 934” (también conocida como Fantasía op. posth 159 o con el subtítulo de Sei Mir Gegrusst). La obra fue escrita en diciembre de 1827, poco antes de la muerte del compositor a los 31 años de edad, por encargo del violinista Josef Slawjk. Es un ejemplo de uso de la poesía para la música instrumental ya que Schubert utiliza temas de su lied “Sei mir Gegrusst”.

Aunque la obra tiene cuatro movimientos se tocan enlazados entre sí. Dura 26 minutos

Schubert. El piano de Schubert. Hoy 31 de enero de 1797 nace Schubert

Schubert nació en Viena el 31 de enero de 1797 y murió el 19 de noviembre de 1828

Detalles del evento

Cuándo

31/01/2016
de 10:45 a 10:45

Agregar evento al calendario

Extracto de “Comentarios Musicales” de Pedro Beltrán, ediciones CAM. Enero 1992.

Aunque Beethoven y Schubert componían bajo la divina influencia de Mozart, el piano es un instrumento muy distinto en cada uno de ellos. Para Schubert es el vehículo de la expresión más personal e íntima, y no sólo en las formas más exiguas, como el momento musical, el impromptu o el scherzo, sino también en las sonatas.

Schubert estuvo muy poco influenciado por Beethoven, ni siquiera por las sonatas más íntimas del mismo. Fue un compositor “moderno”, más “moderno” que Beethoven porque era más joven.

Pero al mismo tiempo todavía seguía la concepción de la sonata más convencional del siglo XVIII, concepción que no había sido eliminada por la violencia beethoveniana.

Alfred Einstein (Schubert Editorial Taurus, pág. 89) nos explica que una indicación clara de la familiaridad de Schubert con la función intimista del piano del siglo XIX la tenemos en la música que puso a “Laura am clavier” de Schiller. El compositor prefiere no traducir en exuberancia musical la exuberancia verbal del poeta. El piano de Laura sigue siendo todavía el instrumento de los tiempos de Mozart –la espineta en vez del poderoso instrumento que necesitó Beethoven- y el lenguaje parece el de una de las sonatas del autor de “La Flauta Mágica”.

El único movimiento beethoveniano de sonata que influyó en Schubert fue el rondó del opus 31 nº 1. Como dice Einstein “es un movimiento preschubertiano en el sentido más auténtico de la palabra, con su desenfadada falta de pathos, su ausencia total de lo inesperado y su talante fácil y saltarín”.

La libertad general de Schubert respecto de influjos externos es aún más sorprendente si consideramos que cuando escribió sus primeras sonatas para piano, ya se había publicado toda la música pianística de Beethoven, con la excepción de las cinco últimas sonatas y las Variaciones Diabelli.

Einstein (opus cit) nos dice que “sería injusto e ilógico comparar a Schubert con Beethoven como compositor de sonatas y criticarlo después por su “falta de concisión”, su “ausencia de metas”, o su “contextura musical deficiente”. En palabras de Einstein “sería como culpar a Holderlin de no ser un Goethe o criticar a Shelley por no ser un Shakespeare”. En cambio no podemos dejar de admirar el hecho de que Schubert lograra mantener su independencia no sólo respecto del apabullante modelo que constituye Beethoven, sino también respecto de todos los modelos en general.

Schubert no hace experimentos en cuanto a la forma de la sonata. En él no encontramos ninguna “Sonata quasi una fantasía” como las dos que combinó Beethoven en su opus 27 sacrificando la forma musical. Schubert se adhiere a la forma convencional, en sus sonatas para piano, en su música de cámara y en sus sinfonías. Escribe sonatas para piano de cuatro movimientos o de tres cuando omite el minueto. Sus tres últimas sonatas, escritas en 1828, son más puramente musicales y están menos influenciadas por cualquier tipo de reservas mentales que sus primeras sonatas, escritas 1815.

En 1828 los pensamientos del joven Schumann, ya estaban convergiendo hacia su propia música pianística, música de programa poético e imbuido del espíritu de Jean Paul y de E.T.A. Hoffman. El romanticismo apasionado de Schumann y la idea genérica de música programática son conceptos totalmente alejados de la mentalidad de Schubert, que fue un clásico dentro del romanticismo.

Su único, verdadero y definitivo objetivo es la música. Música desnuda. Beethoven y Schumann utilizaron la música como vehículo de transmisión de sentimientos e ideas. Schubert escribía sólo para sí mismo y no para el público en general. Es la introversión de la música, la intimidad de la vivencia. El Arte como fin en sí mismo.

Schubert. Trío en mi bemol número 929. Hoy 31 de enero de 1797 nace Schubert

Schubert nació en Viena el 31 de enero de 1797 y murió el 19 de noviembre de 1828.

Detalles del evento

Cuándo

31/01/2016
de 10:45 a 10:45

Agregar evento al calendario

Extracto de “Comentarios Musicales” de Pedro Beltrán, ediciones CAM. Enero 1992.

El trío en mi bemol mayor lleva el número 929 en el nuevo catálogo de la producción de Schubert. En el antiguo tenía el opus 100. Fue escrito por Schubert en 1827 un año antes de su muerte.

Según Einstein es clara la intención de Schubert de imprimir una gran unidad a los cuatro movimientos. “El primer movimiento desarrolla, cosa inhabitual, una idea de scherzo, si bien la contrasta y combina con un segundo tema vacilante y con un tercero exquisitamente lírico, que recuerda la incompleta y se puede considerar como una ilustración de la sensibilidad armónica de Schubert… En el andante Schubert se sirvió de una canción popular sueca que había oído cantar al tenor Isaac Berg en casa de las hermanas Frohlich… El finale tiene una apariencia exterior de inocencia en un compás de seis por ocho mozartiano por la forma y el espíritu…” (Einstein "Schubert". Ed. Taurus)

Juliano, el emperador romano que compró el título de emperador en una subasta. Hoy 30 de enero de 133 nace Juliano

Tras la muerte de Comodo y Pertinax, el trono imperial fue subastado al mejor postor por los pretorianos. Fue asesinado a los dos meses de la subasta. Nació el 30 de enero de 133 y murió el 1 de junio de 193.

Detalles del evento

Cuándo

30/01/2016
de 16:40 a 16:40

Agregar evento al calendario

Marco Didio Severo Juliano, también conocido como Juliano I (30 de enero de 133- 1 de junio de 193) fue emperador del Imperio romano del 28 de marzo de 193 al 1 de junio de ese mismo año. A su muerte se convirtió en el segundo emperador de la época de guerras civiles conocida como el año de los cinco emperadores.

Tras la muerte de Pertinax, sobre el Imperio romano se asentó tal estado de anarquía que el trono imperial fue subastado al mejor postor por los pretorianos. Aunque muchos anteriores emperadores se habían garantizado su puesto sobornando a los integrantes de la Guardia Pretoriana el proceso de subasta del trono de uno de los imperios más poderosos del mundo era tan escandaloso para sus contemporáneos que resultaba totalmente ofensivo.

Aunque Didio Juliano, el ganador de la subasta, era un respetado senador, fue asesinado poco después de dos meses de gobierno. A su muerte, el estado de guerra civil que experimentaba el imperio prosiguó hasta que un general, Septimio Severo, logró alzarse con el poder.

Biografía

Infancia
Didio Juliano nació el 30 de enero de 133 en Mediolanum. Descendía de una de las familias más respetadas de la ciudad. Su madre, Emilia Clara, procedía de la ciudad africana de Hadrumentum y su padre, el jurista Publio Salvio Juliano, fue uno de los abogados más importantes durante el reinado del emperador Adriano. Fue criado por Domicia Lucila, madre del emperador Marco Aurelio

Carrera política
Al igual que todos los romanos de su posición, Juliano trató de medrar en su carrera política, logrando ser nombrado pretor en el año 162. Gobernó sobre Mogontiacum, donde comandó la Legio XXI Rapax. En el año 170 fue nombrado gobernador de la provincia de Gallia Belgica por un periodo de cinco años.

Su defensa de un ataque germano procedente de la otra orilla del Elba le valió un consulado suffectus en 175. Entre los años 176 y 177 fue nombrado gobernador de la provincia de Iliria. En 178 gobernó Germania Inferior, y posteriormente regresó a Italia. Fue nombrado gobernador de Bitinia tras exiliarse en su ciudad natal durante un breve periodo al ser acusado de formar parte de la conspiración urdida a fin de derrocar a Cómodo. Posteriormente se trasladó a África, donde sirvió como procónsul. Designado procónsul de Asia, gobernó la provincia en dos fases (188 - 190) y (192 - 193)

Reinado
Adquisición del trono

Tras la muerte del emperador Pertinax, la Guardia Pretoriana subastó el trono imperial entre los hombres más ricos e influyentes de Roma, algo intolerable para la sociedad romana de la época. Didio Juliano se impusó a Tito Flavio Sulpiciano, suegro de Pertinax y por tanto peligroso para los pretorianos. El precio final por el trono se estipuló en 25 000 sestercios por soldado.

Tras la compra del trono, los pretorianos obligaron al Senado a nombrar nuevo emperador a Didio Juliano. La ira del pueblo aumentó cuando Didio Juliano comenzó a realizar promesas a largo plazo.

Trató de ganarse al ordo equester para su causa, y de calmar al pueblo mediante la supresión de varias medidas tomadas por Pertinax, si bien no concedió los honores debidos al anterior emperador por miedo a enajenarse a la facción militar. Otorgó tanto a su esposa Manlia Escantila como a su hija Didia Clara el título de Augusta. Las ediciones monetarias de su reinado, que muestran a su esposa y sus hijas, señalan su voluntad de crear una dinastía propia.

No obstante, desde su proclamación como emperador, Juliano encontró resistencia no sólo entre la plebe, sino también en el ejército. Tras unas semanas, tres gobernadores de provincia, Clodio Albino, Pescenio Níger y Septimio Severo se rebelaron al nuevo orden. El primero y el tercero de estos se unieron y marcharon juntos sobre Roma.

El levantamiento del ejército de Septimio Severo acantonado en Panonia, al que pronto se unieron las tropas desplegadas en los Balcanes y Germania comprendía 15 legiones veteranas y fuertemente armadas. Por su parte, a Pescennius Niger se le unieron las legiones acampadas en Siria y las tropas enviadas por el emperador arsácida Vologases V.

Defensa de Roma
Juliano respondió a la amenaza que se le presentaba fortificando Roma tan rápido como las fuerzas de que disponía le permitían. Por su parte, los rebeldes ya se encontraban en Rávena, donde capturaron gran parte de la flota romana. Es posible que Juliano empleara a los elefantes destinados a servir en el circo de la ciudad para defenderla.

Entonces cometió un gran error; envió una brigada integrada por pretorianos a realizar trabajos en las murallas de la ciudad. Los hombres que formaban este destacamento eran soldados de élite, que aprovecharon esta situación para escapar. Con esto Juliano perdía la confianza de la tropa y un buen número de soldados.

Muerte
Septimio Severo proseguía su marcha sobre la capital del Imperio, haciendo que los senadores decidieran enviarle una delegación en la que le juraban lealtad. Muchos ciudadanos huyeron de la ciudad por miedo a lo que podía pasar.

Desesperado, Juliano envió a su prefecto del pretorio a Septimio Severo a fin de que le solicitara compartir el trono de manera simultánea. No obstante, éste mató al mensajero y envió un mensaje a los pretorianos diciéndoles que si le entregaban a los asesinos de Pertinax les garantizaría la impunidad, oferta que los pretorianos aceptaron.

El 1 de junio el Senado se reunió y proclamó por unanimidad a Septimio Severo nuevo emperador del Imperio romano. Juliano permaneció en el Palacio Imperial, pero fue asesinado al día siguiente por órdenes del nuevo emperador. Según Dión Casio, sus últimas palabras fueron:

Pero, ¿qué he hecho mal? ¿A quién he matado?

Julinao tiene un papel secundario en la película "La caída del Imperio Romano"
.
La caída del Imperio romano (The Fall of the Roman Empire) es una película estadounidense de 1964 dirigida por Anthony Mann, con la actuación de Stephen Boyd, Sophia Loren, Christopher Plummer, Alec Guinness, James Mason y Anthony Quayle, y con otros astros como Omar Sharif y Mel Ferrer en papeles más breves.

La película no tiene ninguna fidelidad histórica en lo que se refiere a Lucila pero si en otros muchos aspectos. El título es engañoso porque al Imperio Romano de Occidente aún le quedaban casi 300 años de vida y al de Oriente 1.200, pero lo explica diciendo que los acontecimientos relatados marcan el inicio del fin del Imperio Romano.

Juliano es Eric Porter. En los momentos finales de la película se relata la venta del título de emperador aunque en realidad la venta fue tras el asesinato de Pertinax y no del de Comodo.

¡¡¡¡¡Absoluta recomendación de la película¡¡¡¡¡

Gandhi. Hoy 30 de enero de 1948 Gandhi asesinado

El líder de la lucha por la independencia india falleció en un atentado en Nueva Delhi

Detalles del evento

Cuándo

30/01/2016
de 15:45 a 15:45

Agregar evento al calendario

Tal día como hoy de 1948 murió asesinado en Nueva Delhi Mohandas Karamchand Ghandi, conocido en todo el mundo como Mahatma Gandhi. Había protagonizado la lucha de la India Británica (actuales Pakistán, India, Sri Lanka, Bangladesh y Mianmar) por su independencia desde 1919. Para ello había desarrollado la filosofía de la no-violencia y las técnicas de resistencia pasiva para lograr que las autoridades coloniales se viesen obligadas a reconocer sus demandas. Tras la Segunda Guerra Mundial se opuso vigorosamente a la independencia por separado de hindúes y musulmanes, como finalmente sucedió en agosto de 1947, y a la ola de violencia que sacudía a todo el país. El militante radical hindú Nathuram Godse le disparó tres tiros cuando se dirigía a su reunión matinal diaria de oración. Más de un millón de personas asistieron a su cremación.

Gandhi. Los esfuerzos honestos. Hoy 30 de enero de 1948 fallece Mahatma Gandhi.

Gandhi nació el 2 de octubre de 1869 y murió el 30 de enero de 1948.

Detalles del evento

Cuándo

30/01/2016
de 12:10 a 12:10

Agregar evento al calendario

Mahatma Gandhi (Porbandar (India británica), 2 de octubre de 1869 - Nueva Delhi (Unión de la India), 30 de enero de 1948) fue un abogado, pensador y político hinduista indio. Recibió de Rabindranath Tagore el nombre honorífico de Mahatma.

Benz. Hoy 29 de enero de 1886 Carl Benz crea el primer automóvil.

Carl Benz revoluciona el mundo de los transportes y abre la puerta a los modernos automóviles

Detalles del evento

Cuándo

29/01/2016
de 15:35 a 15:35

Agregar evento al calendario

Tal día como hoy del año 1886 la historia de los vehículos conoció uno de sus más importantes hitos. El ingeniero alemán Carl Benz presentó en la Oficina Imperial de Patentes de Berlín la patente de un vehículo de tres ruedas con motor a gasolina. Se trataba del primer vehículo con motor de combustión interna y encendido eléctrico, es decir, del primer automóvil. El vehículo, de grandes ruedas parecidas a las de una bicicleta y asientos de madera, podía transportar entre una y cuatro personas. La importancia de la patente para el desarrollo de la actual sociedad móvil ha sido reseñada por la UNESCO mediante la inclusión del documento de la patente de Benz (nº DRP 37435) en el Registro del Patrimonio Documental Internacional conocido también como Registro Memoria del Mundo.

"Prometeo, la tragedia de la escucha", una obra de Luigi Nono. esposo de la hija de Schoenberg. Hoy 29 de enero de 1924 nace Nono

Estrenada el 25 de Septiembre de 1984. Nono nació el 29 de enero de 1924 y murió el 8 de mayo de 1990.

Detalles del evento

Cuándo

29/01/2016
de 10:45 a 10:45

Agregar evento al calendario

El poder musical de 'Prometeo', de Luigi Nono, llega al Monumental

ROSANA TORRES EL PAIS

Madrid 3 JUN 2003

Prometeo, última obra de Luigi Nono, considerada como una las óperas del siglo XX que ha abierto nuevos horizontes a la hora de crear y entender la música, se representará hoy y mañana en el teatro Monumental de Madrid, dentro del ciclo Música Hoy, que organiza Xavier Güell y patrocina EL PAÍS.

Una vez más, André Richard es responsable de la concepción espacial, de la coordinación artístico y de la dirección del coro, como siempre ha ocurrido desde que esta obra se estrenara en 1984 en Venecia y se reescribiera por el propio Nono en 1985, para su estreno en La Scala de Milán, cuando la dirigió musicalmente Claudio Abbado.

En esta ocasión, Prometeo cuenta con Arturo Tamayo como director musical, que también se había enfrentado a esta pieza en Italia, e Ignacio de Paz como segundo director, ya que estamos ante una pieza en la que sus distintas orquestas a veces están en dos tempos distintos. Estas orquestas son Proyecto Guerrero, la Joven Orquesta de la Generalitat Valenciana, los Percusionistas de Orquesta de RTVE, la Freiburger Solistenchor y Experimentalstudio de Friburgo. Junto a ellos, y como músicos solistas, están Roberto Fabriciani, flauta; Ciro Scarponi, clarinete contrabajo; Klaus Bürger, tuba y eufonium, y Stefano Scodanibbio, contrabajo. Además, intervienen dos sopranos, dos contraltos, un tenor y dos actores recitadores.

Concierto espacial

"Estuvimos viendo numerosos espacios en Madrid para representar Prometeo y finalmente estamos en el Monumental", señala Richard, quien utiliza en este coliseo no sólo el escenario, sino también parte del patio de butacas, del primer piso y del segundo. "Éste es un concierto espacial en el que se puede ver como un problema el que existe la partitura de Nono y cada vez hay que adaptarla al lugar donde se vaya a representar".

Además de adaptar el espacio, los cuatro grupos musicales que intervienen reproducen las formaciones de la orquesta de Monteverdi, que se ensamblan con los cinco grupos de solistas y las campanas de cristal que se utilizan en el concierto. Pero éstas no son las únicas fuentes de sonido ya que Prometeo cuenta con 22 fuentes musicales que surgen de distintos ámbitos dentro del coliseo. "Todo ocurre como si fuera una performance", dice Richard, quien deja claro que el sonido que emana a través de aparatos electrónicos y altavoces en ningún caso está grabado, ya que se transforma en el momento.

La práctica totalidad de las personas que intervienen en el montaje, algunas de las cuales, como Fabriciani o Scarponi, son primeras figuras mundiales, han trabajado tradicionalmente en esta ópera en muchas de sus representaciones. Richard, que lo ha hecho en todas, no recordaba ayer cúantas, aunque calcula que en torno al medio centenar. Todos ellos destacaron la ingente labor de experimentación que realizaron junto a Nono antes de que éste falleciera.

* Este articulo apareció en la edición impresa del Martes, 3 de junio de 2003

-----------------------------------------------------------------------------------

Prometeo (Prometheus) is a 150-minute opera by Luigi Nono, written between 1981 and 1984 and revised in 1985. Here the word "opera" carries the generic Italian meaning of "work," as in work of art, and not its usual meaning. Indeed, Nono scornfully labels Prometeo a "tragedia dell'ascolto", a tragedy of listening.

Objectively it can be considered a sequence of nine cantatas, the longest lasting 23 minutes. The Italian libretto, by Massimo Cacciari, selects from texts by such varied authors as Aeschylus, Walter Benjamin and Rainer Maria Rilke and presents the different versions of the myth of Prometheus without telling any version literally.

Vocal and orchestral forces
Prometeo in its final form (1985) is scored for

5 vocal soloists (2 sopranos, 2 altos, 1 tenor)
2 speakers (one male, one female)
choir (12 singers)
4 orchestral groups, each consisting of: flute/piccolo, clarinet, bassoon, horn, trumpet, trombone, 4 violins, viola, cello, double bass
7 glasses
6 instrumental soloists: bass flute/piccolo/C flute, contrabass clarinet/clarinet in B♭/clarinet in E♭, trombone/tuba/euphonium, viola, cello, double bass
2 conductors. Sounds from the vocalists and instrumentalists are electronically manipulated.

Nine sections
The work's nine sections are:

Prologo
Isola Prima
Isola Seconda
Interludio Primo
Tre Voci (a)
Isola Terza — Quarta — Quinta
Tre Voci (b)
Interludio Secondo
Stasimo Secondo

Performance history
At the premiere of the first version, at the Church of San Lorenzo in Venice on September 25, 1984, Claudio Abbado was the conductor, with the Chamber Orchestra of Europe, a choir from the Freiburg Conservatorium, and the following vocal soloists: Ingrid Ade, Monika Bair-Ivenz, Bernadette Manca di Nissa, Susanne Otto, and Mario Bolognesi. It is not clear whether a Conductor II was deployed. The revised and final Prometeo premiered at Teatro alla Scala in Milan on September 25, 1985. Nono banned all photography of the production in an attempt to stop what he called "artistic consumerism."

Prometeo was presented as part of the Berliner Festspiele in September 2011 under Matilda Hofman (Conductor II) and Arturo Tamayo (Conductor I); Cyndia Sieden, Silke Evers, Susanne Otto, Noa Frenkel, and Hubert Mayer were the vocal soloists, with the Konzerthausorchester Berlin. Its American premiere took place at Argentina's Teatro Colón, in November 2013.

Recordings
EMI Classics 5 55209 2 - 1993, live in Salzburg: Ingrid Ade-Jesemann, Monika Bair-Ivenz, Susanne Otto, Helena Rasker, Peter Hall; Solistenchor Freiburg; Ensemble Modern; Ingo Metzmacher, conductor

Col Legno WWE2SACD20605 - 2003, live in Freiburg: Petra Hoffmann, Monika Bair-Ivenz, Susanne Otto, Noa Frenkel, Hubert Mayer, singers; Sigrun Schell, Gregor Dalal (speakers); Freiburg Soloists’ Choir, ensemble recherche, Soloists’ Ensembles of the Freiburg Philharmonic and SWR Symphony Orchestras, Experimentalstudio Heinrich-Strobel-Stiftung of the SWR Freiburg (André Richard, director); Peter Hirsch (1st conductor), Kwamé Ryan (2nd conductor)
-------------------------------------------------------------------------------

Nono Prometeo. Critica de la Revista Gramophone

Composer or Director:
Luigi Nono
Label:
EMI

Magazine Review Date:
12/1995

Catalogue Number:
555209-2

Prometeo
Luigi Nono Composer
Ingrid Ade-Jesemann (sop)
Monika Bair-Ivenz (sop)
Peter Hall (ten)
Ingo Metzmacher Conductor
Freiburg Soloists Choir
Ensemble Modern
Author:
Michael Oliver

Prometeo is a challenge to the faculty of listening; at least part of the meaning of its subtitle, ''tragedia dell'ascolto'', is that it is a tragedy to be perceived through the hearing only. It is a two-and-a-quarter-hour opera without staging or action, in which few if any of the words are intended to be distinguishable and whose dynamic level is often at the very limit of audibility. I was about to add ''and proceeds at a tempo of adagissimo almost throughout'', but even when, as often happens, the basic tempo is very slow indeed there are often two or more musics of different degrees of slowness going on at once, thus colour, texture and harmony change more rapidly than pulse. The effect, even so, is of a very long piece of very slow, very quiet music.

It is in nine sections; two of them give a clear indication of Nono's intentions. The fourth, Interludio primo, is for solo contralto, flute, clarinet and tuba, the instruments mostly doubling the voice, so that the whole piece can be heard as a monody in which the function of the instruments is to 'colour' the voice expressively. The text hints, with the aid of a single line from Hesiod's Theogony, at a vision of a new Prometheus. It was Nono's intention, I suspect, that having previously read the text (it is very short) we should perceive its meaning through the music alone. It is like a sort of ritual 'still centre' to the entire piece, inviting you to suspend your sense of time and listen to every change of pitch and timbre with an unaccustomed intensity: the musicians are instructed never to rise above ppppp, and in this performance they are admirably faithful to that instruction.

A different kind of challenge is posed by the sixth section, in which three very fragmentary 'movements', each for a different vocal and instrumental combination, are played simultaneously, punctuated by a separate chorus intoning six 'distant memories' from the Prologue. This time you will need the texts in front of you, since there are not three but seven of them and here they have fused with the music, as the voice and the instruments fused in Intermedio primo. The effort of hearing and making sense of three different, intermittent musical strands is great but already on a limited acquaintance I am aware of a strange poetry, a grave beauty.

One of the reasons for this is the extraordinary care with which Nono planned every aspect of what he called his 'acoustic dramaturgy', including its complex yet subtle electronic transformations. The setting of Holderlin interpolated into the third section of Prometeo, for example, is scored for two sopranos, two speakers, bass flute and contrabass clarinet, but the effect is not only of a hushed chorus, but of a chorus who magically move in space and recede from you as you listen: like many pages in this work it is a strange, beautiful ceremony.

The performance maintains a remarkable control over this huge span of hushed concentration. The recording, too, is exceptional, revealing gradations of quietness that I have rarely before been asked to perceive. Or has my hearing been sharpened by the experience? For that alone it would repay the extreme demands it makes of the listener, but its challenging redefinition of how music may encompass myth and drama (oh yes: you are aware of a compelling drama taking place, one which only your ears can interpret) is even more provoking.'

En la imagen Luigi Nono y su esposa Nuria Schoenberg.

Olivier, la primera novia de Picasso. Hoy 29 de enero de 1966 fallece en París Fernande Olivier

Nació en París el 6 de junio de 1881 y falleció el 29 de enero de 1966.

Detalles del evento

Cuándo

29/01/2016
de 10:45 a 10:45

Agregar evento al calendario

Fernande Olivier (París, 6 de junio de 1881 -29 de enero de 1966) fue una modelo y artista francesa conocida principalmente por ser la primera pareja sentimental de alguna importancia del pintor español Pablo Picasso, así como por escribir unas memorias respecto a su vida junto a él.

Biografía.
Infancia y juventud
Fernande Olivier nació en París. Su verdadero nombre era Amélie Lang. Hija de Clara Lang, Amélie fue el fruto de la unión ilegítima entre su madre y un hombre casado. Desde pequeña, estuvo bajo el cuidado de una tía quien tenía un negocio de flores artificiales y plumas para sombreros. A los 18 años se vio obligada a contraer nupcias con Paul-Emile Percheron de quien había quedado embarazada cinco meses atrás. Tras perder al niño durante el embarazo y debido a maltratos sufridos, Amélie abandonó a su marido al año siguiente (1900) sin solicitar siquiera el divorcio. Para que su marido no la encontrase se cambió el nombre a Fernande Olivier. Eventualmente, conoció y se hizo pareja del escultor Laurent Debienne, quien la introdujo en el mundo del arte y la comenzó a emplear como modelo.

Vida con Picasso
Olivier pronto se ofreció como modelo para otros artistas. Era un personaje habitual en el círculo de amistades del escritor Guillaume Apollinaire, donde también hizo amistad con Paul Léautaud, Kees Van Dongen y Edmond-Marie Poullain. Más adelante, conoció a Picasso en el Bateau-Lavoir en 1904. Al año siguiente ambos comenzarían a vivir juntos.

La relación duraría unos siete años más y se caracterizó por su tempestuosidad. Ambos amantes eran celosos entre sí y rayaban en la violencia. Ella inspiró en el pintor varias de sus famosas obras del periodo cubista como algunas esculturas de 1907 a 1909, por ejemplo la Cabeza de una mujer (Fernande).

Además, al conocer a Olivier, Picasso inicia su llamado Período Rosa. Picasso asimismo admitió posteriormente que una de Las señoritas de Aviñón estaba inspirada en Olivier. En total más de 50 obras de Pablo Picasso, casi todas de una de sus épocas artísticas más trascendentes, tuvieron a Olivier como modelo. Fue con Olivier que el artista viajó varias veces a España y ella estuvo presente durante la estancia de Picasso y Georges Braque en Céret.

Cuando Picasso logró por fin el éxito como artista, comenzó a perder el interés por Fernande quien era un recuerdo de épocas más difíciles. En 1911, mientras continuaba en Céret, Picasso se ve implicado en un caso de compra-venta de objetos de arte robados y debe trasladarse a París a declarar. Fue en ese momento que el artista conoció y se enamoró de Eva Gouel. Eventualmente, la relación con Fernande se disolvió en 1912 dejando a Olivier sin los medios de vida a los que se había acostumbrado. Olivier no tenía ningún derecho legal a esperar nada del pintor, pues continuaba casada con su marido. Para subsistir, la modelo hubo de ejercer los más variados oficios, desde cajera en una carnicería hasta vendedora de antigüedades; asimismo fue asistente de Paul Poiret, siempre suplementando sus ingresos con ocasionales lecciones de dibujo.

De 1918 a 1938, Olivier vivió con el actor francés Roger Karl.

Carrera como escritora
Casi veinte años después de su relación con Picasso, Fernande Olivier publicó los recuerdos de su vida en común. Olivier había llevado un diario de 1896 hasta 1907, el cual le sirvió de base para escribir acerca de la relación sentimental. Picasso era para entonces el artista más reconocido de su época y la publicación de las memorias de Olivier revestían cierto interés comercial. Las memorias, tituladas por los editores «Quand Picasso était pompier» (Cuando Picasso era bombero), se publicaron en forma de serial en el diario vespertino belga Le Soir, a pesar de la fuerte oposición del pintor; quien hubo de recurrir a sus abogados para bloquear la posterior publicación de la serie en Le Soir (se llegaron a publicar seis entregas), aunque no logró impedir la publicación en 1931 de otras tres entregas en el periódico francés Mercure de France. El pago de Le Soir a Olivier le permitió mejorar un poco su nivel de vida, mas no tardó en terminársele el dinero.

Vejez
Olivier continuó olvidada hasta que en 1956, sorda y aquejada con artritis, logró que Picasso le pagase la para entonces relativamente modesta suma de un millón de francos a cambio de la promesa de no publicar nada alusivo a su relación mientras viviese uno de los dos. Olivier falleció en 1966, Picasso en 1973

La importancia de Fernande Olivier no sólo radica en estas memorias publicadas finalmente en 1988 bajo el nombre «Souvenirs intimes ecrits pour Picasso» (Recuerdos íntimos escritos para Picasso), pues una posterior amante de Picasso, Françoise Gilot, publicaría también un libro basado en su relación con el artista; sino en el hecho de que, como pareja sentimental de Picasso, fue la única que lo conoció antes de la inmensa fama que lograría a la postre el pintor. Esto da un interés adicional a su obra literaria .

En las imágenes la Fernande Olvier real y la pintada y esculpida por Picasso.

"Al gran sole carico d'amore" una ópera comunista de Luigi Nono con textos de Fidel Castro, Che Guevara, Karl Marx y Vladímir Lenin. Hoy 29 de enero de 1924 nace Nono

Se estrenó en el Teatro de la Scala de Milan el 4 de abril de 1975. Nono nació el 29 de enero de 1924 y murió el 8 de mayo de 1990.

Detalles del evento

Cuándo

29/01/2016
de 10:45 a 10:45

Agregar evento al calendario

Al gran sole carico d'amore (En el sol radiante lleno de amor) es una ópera (designada como una 'azione scenica') con música de Luigi Nono, basada principalmente en obras de Bertolt Brecht, pero incorporando también textos de Fidel Castro, Che Guevara, Karl Marx y Vladímir Lenin. El mismo Nono y Yury Lyubimov escribió el libreto. Se estrenó en el Teatro de la Scala el 4 de abril de 1975.

La historia esta centrada en torno a la Comuna de Paris de 1871 y la Revolución Rusa.

En las estadísticas de Operabase aparece con sólo 3 representaciones en el período 2005-2010, siendo la primera y más representada de Nono.

Grabación
Teldec 8573-81059-2: Claudia Barainsky, Maraile Lichdi, Melinda Liebermann, Stella Kleindienst, Lani Poulson, Roderic Keating, Markus Marquardt, Peter Kajlinger, Urs Winter, Helmut Holzapfel, Mark Munkittrick, Carsten Wittmoser; coro y orquesta de la Staatsoper Stuttgart; Lothar Zagrosek, director.

Crítica de la Revista Gramophone

Nono Al gran solo carico d'amore

Nono’s musical ‘fresco’ on revolution in a vividly sung and played live recording

Composer or Director:
Luigi Nono

Genre:
Opera

Label:
New Line

Magazine Review Date:
10/2001

Catalogue Number:
8573 81059-2

Al gran solo carico d'amore
Luigi Nono Composer
Lothar Zagrosek Conductor
Stuttgart State Opera Chorus
Stuttgart State Opera Orchestra
Urs Winter Soldier
Maraile Lichdi Louise Michel
Melinda Liebermann Deola
Carsten Wittmoser Dimitrov (3)
Stella Kleindienst (mez) Haydée Santamaria
Mark Munkittrick Fidel (2)
Mark Munkittrick Dimitrov (2)
Carsten Wittmoser Bass solo (2)
Carsten Wittmoser Favre
Carsten Wittmoser Worker (3)
Carsten Wittmoser Fidel (3)
Helmut Holzapfel (ten) Official
Helmut Holzapfel (ten) Director
Mark Munkittrick Bass solo (1)
Mark Munkittrick Communard
Mark Munkittrick Worker (2)
Markus Marquardt (bass) Bismarck
Peter Kajlinger Baritone solo
Peter Kajlinger Worker (2)
Peter Kajlinger Fidel (1)
Peter Kajlinger Gramsci
Peter Kajlinger Dimitrov (1)
Stella Kleindienst (mez) Vietnamese Woman
Lani Poulson (mez) Mother
Lani Poulson (mez) Contralto solo
Roderic Keating (ten) Thiers
Roderic Keating (ten) Director
Markus Marquardt (bass) Pavel
Claudia Barainsky (sop) Soprano solo
Claudia Barainsky (sop) Tania

Al gran sole carico d’amore is the culmination of the overtly political phase in Nono’s output‚ begun with his previous ‘scenic action’ Intolleranza 1960 (Teldec‚ 10/95).

Written for La Scala‚ but premièred at Milan’s Teatro Lirico in 1975‚ it reflects the polarity between political left and right which was still a defining issue‚ as was the concept of revolution leading inevitably to the future.

In fact‚ Al gran sole conveys the essence of revolution rather than depicting it historically‚ or as a linear sequence of events. Part 1 relates events leading to the collapse of the Paris Commune in May 1871 through a montage of writings‚ notably the memoirs of participant Louise Michel. Part 2 takes the 1905 uprising in Russia as its basis‚ over which are laid allusions to post­war political events. All of these were failures‚ while all aspiring to wider social and political change. Yet how to interpret them from the ‘present’ is not specified by Nono‚ resulting in a musical and dramatic experience designed to provoke as much as compel.

Musically Al gran sole takes the visceral impact of Nono’s earlier work to its limits. The mesh of individual and collective voices‚ the concentration on female vocals at extremes of register (the ‘forgotten’ role of women in revolutionary activity is central to the dramaturgy)‚ the fractured allusions to revolutionary songs‚ the massive 12­note chords that punctuate more lyrical reflections in Part 2 – all ensure active and unsettling listening. Yet the ethereal vocal and orchestral polyphony which sets the increasingly fragmented representation of events in relief is something new to Nono’s musical thinking; a clear pointer to the calm‚ inward intensity of his late work – ‘change’ as a state of mind rather than an act of becoming.

There can be little but praise for Lothar Zagrosek’s marshalling of the diverse forces required‚ or his projection of the complex musical tissue with such unfailing immediacy. Claudia Barainsky delivers her exacting ‘everywoman’ role with conviction; a telling contrast to the male voices‚ whose cameos of reactionaries and revolutionaries emerge at focal points in the drama. The live recording gets a believable spatial perspective without lessening dramatic focus. There are absorbing accompanying essays‚ but the multilingual libretto comes with no English translation – regrettable in a work where communication is enhanced by prior knowledge of the texts involved.

En la imagen Luigi Nono con su esposa Nuria Schoenberg y el compositor Bruno Maderna.

"Ha venido, Cancione para Silvia". Luigi Nono pone en música poemas de Machado para su hija, nieta de Schoenberg. Hoy 29 de enero de 1924 nace Nono.

Nono nació el 29 de enero de 1924 y murió el 8 de mayo de 1990.

Detalles del evento

Cuándo

29/01/2016
de 10:40 a 10:40

Agregar evento al calendario

En 1959 nace Silvia Nono. Para su primer cumpleaños en 1960 su padre, el compositor Luigi Nono escribe la música para unos poemas de Machado en su obra "Ha Venido, Canciones para Silvia"

Silvia Nono is known for her work on Abril (1998), Il grido d'angoscia dell'uccello predatore (20 tagli d'Aprile) (2003) and Caro diario (1993). She is married to Nanni Moretti. They have one child, Trivia.

Daughter of Italian composer Luigi Nono and Nuria Schoenberg (daughter of Arnold Schönberg). Sister of Serena Nono.

En la imagen Silvia con sus padres.

Luis de Pablo, 85 años de vanguardia musical. Hoy 28 de Enero de 1930 nace Luis de Pablo

Detalles del evento

Cuándo

28/01/2016
de 16:30 a 16:30

Agregar evento al calendario

El compositor sigue en la brega preparando su sexta ópera, ‘El abrecartas’

JESÚS RUIZ MANTILLA. EL PAIS.

Madrid 6 FEB 2015 -

Aprendió pronto piano y francés con las monjas de Fuenterrabía. Aquello le valió para epatar a sus acogedores colegas de Canadá, donde enseñó en las universidades de Montreal, Ottawa o Toronto mientras esperaba a que se extinguiera el franquismo, pero no logró arrancarle un modo de hablar barojiano. Después, Luis de Pablo (Bilbao, 1930) quedó asombrado con las audacias de los poetas del 27. Pero resuenan más fuerte en él los tonos chelis mezclados con aromas africanos o hindúes de sus vecinos de Lavapiés.

En este compositor, la obsesión por fusionar las vanguardias de dos lenguajes —el musical y el poético— ha resultado un motor constante. Cuando acaba de cumplir 85 años, persiste en ello mientras trabaja en su sexta ópera: El abrecartas, basada en la novela de Vicente Molina Foix.

Durante un tiempo, la obra en pleno periodo de creación, que consta de un prólogo, un epílogo y dos actos, ha dormido en un cajón. “Pensé empezar a pecho descubierto, después vino Gerard Mortier al Teatro Real y acogió el proyecto. Pero se murió y me quedé con un palmo de narices. Quedó en vía muerta; llegaron otros encargos, pagados, y la aparté”, comenta de Pablo.

Cuando Mortier dejó hace dos años su cargo antes de morir en marzo de 2014, pasó a la cola. “Están al parecer buscando el momento de volverlo a programar, solo he dejado caer tímidamente que tengo 85 años y que no sé lo que puede pasar. Ideas sigo teniendo, pero me puede dar un paparajote y no sé lo que vaya a quedar, soy ya paciente de riesgo y más viejo que la tos”, dice.

El maestro habla de la muerte como un estoico más bien cachondo. La ve inevitable, pero su simple cercanía —por matemáticas, que no por salud— le obliga a tomar distancia hasta de lo que se cuece tan ardorosamente por la calle. “Pues no tengo ni idea de lo que va a pasar. Debemos esperar lo que no se espera. En lo que pueda ocurrir, no me siento terriblemente implicado. Por una razón: mira lo que tengo —señala unas baldas repletas de partituras y títulos—, ahí debe haber 8.000 libros y he pensado que eso de morirse suele estilarse bastante a partir de una edad: ¿qué coño vamos a hacer con estas cosas? Tenemos dos gatas pero estoy seguro de que no se van a querer ocupar, así que bueno…”.

A falta de herederos, se lanzó en busca de un refugio para su legado. “Yo no tengo familia y empecé una penosa excursión a ver si a alguien le interesaba quedarse con esto. No he conseguido gran cosa…”.

El periplo no ha resultado emocionante. “Es pintoresco, pero no me va a quedar más remedio que hocicar porque si no me lo voy a comer cuando me entierren. Con ese interés por mí y mi obra, esto me inhibe bastante sobre lo que vaya a pasar”.

En Italia es otra cosa. “Han adquirido todos mis manuscritos hasta los ochenta y ahora me han pedido el resto. Lo han gestionado desde mi editorial para que fuera a parar a la Universidad de la Sapienzza, pero como las cosas que tienen se les salen por las orejas, lo llevan al archivo Goffredo Petrassi, con dos efes”.

Aun así, no se siente despreciado en su tierra: “Ahora no me atrevo a decir que me sienta más reconocido fuera que en España. No es que vaya a convencerte de que soy mi vecino Sabina, que vive debajo de nosotros, pero tampoco me siento subestimado”.

Nada de darse por vencido. Sigue en lo suyo: aunar música y aliento poético. “Me viene de mi fascinación por la generación del 27. Tuve la suerte de conocer a fondo a Vicente Aleixandre, que nos recibía en su casa de Velintonia, los miércoles a las 5, como la seguridad social, luego corría el turno y venían otros. También trabé amistad con Juan Larrea y Gerardo Diego, que era muy suyo y bastante impenetrable, pero le interesaba mucho la música. Mi obsesión, no consciente entonces, fue corresponder de alguna manera al deslumbramiento que me producía su trabajo. Me serví de materiales y técnicas que venían de Darmstadt…”.

Aquella ciudad de Alemania rugió tras la guerra con una generación de músicos llegados de toda Europa que quisieron dotar a su arte de una nueva, rabiosa e iconoclasta manera de expresión. De Pierre Boulez a Stockhausen, los españoles que llegaron allí —De Pablo, Cristóbal Halffter o Carmelo Bernaola— trataron de montar a España en la modernidad surgida de las ruinas.

Las guerras continentales habían representado un girón. Artístico y personal. En el caso del español, con su padre y su hermano muertos. Al primero, lo fusilaron: “Era amigo de Indalecio Prieto, mi hermano cayó en el frente del Ebro, pertenecía a la quinta del biberón”.

Quedó él, entero, curioso, muy sensibilizado hacia el arte. Con una obra vasta y poliédrica, de la que dan cuenta seis óperas, incursiones en el serialismo, la música de cine, piezas de cámara, orquestales, más de 200 partituras de un catálogo que ya es acervo, historia viva y entraña sonora. Surgido de la sorpresa en cualquier esquina de la calle o de la matemática abstracción: “A veces viene sin avisar y de los sitios más inesperados. Soy un andarín empedernido, no hay regalo mejor que se me pueda hacer que llevarme a una ciudad que no conozco y me digan: patéatela. En Ottawa, vivía en un primero, a la altura de la calle y la casualidad quiso que las cañerías fueran muy cantarinas, al bajar el agua, ofrecían unos sonidos maravillosos, de ahí nació un doble quinteto de vuelta”.

En Madrid se fue a vivir por Tirso de Molina, junto a Lavapiés, una mina para su oído intruso: “Allí nacen obras por superposición de cosas dispares. Una música de Senegal, unos hindúes que cantan...”.

LA VUELTA AL MUNDO
- Bilbao en 1930, Luis de Pablo estrenó su primera obra para piano (Gárgolas)en 1953 e inició <CJ4>un periplo mundial, de Europa</CJ> a América, pasando por Asia.

- Viaja a Darmstadt (Alemania) en 1958 y se integra en la generación más vanguardista europea tras la Escuela de Viena.

- Explora el serialismo liderado por Pierre Boulez en los años sesenta y la música electrónica y el cine.

- En 1980, se adentra en la ópera con Kiu, titulo al que siguen El viajero indiscreto, La señorita Cristina o El abrecartas.

- Es miembro de la Academia de Bellas Artes, doctor honoris causa por la Complutense y premios Tomás Luis de Vitoria, Honegger o Nacional de Música.

- Entre su obra escrita destaca Aproximación a una estética de la música contemporánea o Lo que sabemos de música.

En la imagen el compositor Luis de Pablo, rodeado de sus partituras en su casa de Madrid.

Luis de Pablo. Su obra "Tarde de Poetas". Hoy 28 de enero de 1930 nace Luis de Pablo

Detalles del evento

Cuándo

28/01/2016
de 16:30 a 16:30

Agregar evento al calendario

Crítica de la Revista Gramophone

Composer or Director:
Luis de Pablo

Label:
Harmonia Mundi

Magazine Review Date:
6/1996

Catalogue Number:
HMC90 1568

Luis de Pablo Composer
Luisa Castellani (sop)
Jorge Chaminé (bar)
Josep Pons Conductor
Valencia Choir
Teatre Lliure Chamber Orchestra (Barcelona)


Tarde de poetas

Determined efforts are being made in Spain to bring its contemporary composers to the notice of the outside world, which hears relatively little of their works; the present discs are helpful in throwing light on their activities, the more so since, except for the three Amargos chamber works, all the music dates from the last decade and a half. Interestingly, the younger the composer the less dogmatic, apparently, his musical idiom.

The most extreme is the oldest and best-known figure here, Luis de Pablo. Though put together from separate sections (some of earlier provenance), his Tarde de poetas (“An evening with poets”, 1985) is an original concept – a long series of settings by writers of different periods in Hebrew, Spanish and dialect Italian, with instrumental interludes, some based (we are told) on de Pablo’s response to Persian, Hawaiian and Italian poets.

Big claims are made for his sensitivity to their varied characters and atmospheres, though with his tortured language and, particularly, in the absence of translations this is difficult to judge.

To me the most musically interesting aspect of an otherwise forbiddingly intellectual exercise is the wealth of novel sonorities he conjures up from the diverse instrumental combinations. De Pablo seems to have made one or two misjudgements – in the very first item the baritone is unequally pitted against a brass group in the same register, and in the fifth the soprano’s tessitura is so high that comprehensible articulation of the words becomes impossible, even by so assured an artist as here. (Incidentally, if this work has to be spread over two discs, why such unequal distribution as 69 minutes and 17 respectively?)

Mora. La feminista española, Constancia de la Mora. Hoy 28 de enero de 1906 nace Constancia de la Mora

Nació el 28 de enero de 1906 y murió el 26 de enero de 1950.

Detalles del evento

Cuándo

28/01/2016
de 15:50 a 15:50

Agregar evento al calendario

Constancia de la Mora Maura (Madrid, 1906 - Guatemala, 1950) fue una feminista y comunista española.

 

Nacida en una acomodada familia de la alta burguesía emparentada con la aristocracia, vivió sus primeros años en el seno de la alta sociedad madrileña.

 

Su madre, Constancia Maura Gamazo, era hija de Antonio Maura y su tío el político y Ministro de la II República, Miguel Maura. Entre las hermanas de Constancia estaba Marichu de la Mora. Casada en primeras nupcias con el malagueño Manuel Bolín (hermano de Luis Bolín) con quien tuvo una hija y posteriormente mujer del general de la aviación republicana Ignacio Hidalgo de Cisneros y López de Montenegro).

 

Unió su suerte a la de la España republicana durante la Guerra Civil española y decidió ingresar en el Partido Comunista. Su matrimonio con Hidalgo de Cisneros, jefe de las Fuerzas Aéreas Republicanas, envolvió a la pareja en una aureola de leyenda.

 

Fue nombrada censora y jefa de la Oficina de Prensa Extranjera republicana. Tras la derrota de la República en la Guerra civil, Constancia de la Mora se exilió a México y publicó su autobiografía In place of Splendor (Doble esplendor, en su traducción al español); Eleanor Roosevelt presentó este libro en Nueva York.

 

Murió a los 44 años de edad en un accidente de tráfico en Guatemala.

Challenger. Hoy 28 de enero de 1986 Explosión del Challenger

El accidente del transbordador espacial norteamericano constituye una de las páginas más tristes de la historia de la carrera espacial

Detalles del evento

Cuándo

28/01/2016
de 15:40 a 15:40

Agregar evento al calendario

Sobre las 11:39 de la mañana del 28 de enero de 1986 el transbordador espacial Challenger despegaba de la estación espacial de Cabo Cañaveral en Florida. Era su décimo lanzamiento y las cámaras de la cadena estadounidense CNN lo estaban retransmitiendo en directo pues a bordo del transbordador junto con una tripulación de seis astronautas viajaba una joven profesora de 37 años. Christa McAuliffe había sido seleccionada entre 10.000 candidatos para unirse a la tripulación del transbordador e impartir en directo para todos los colegios de Estados Unidos dos clases de 15 minutos sobre la experiencia espacial. Pero sólo habían pasado 73 segundos desde el despegue cuando la nave explotó en el aire. La imagen fue captada por las cámaras y las miles de personas que esperaban la clase de McAuliffe contemplaron incrédulas como el Challenger se convertía en una enorme bola de fuego. El impacto de la tragedia fue enorme y la NASA suspendió temporalmente los vuelos hasta el esclarecimiento de los hechos.

Furtwangler. Hoy 28 de Enero de 1945 dirige Brahms en Viena tres meses antes del final de la Guerra Mundial. Uno de los mejores discos de la historia de la música.

El histórico concierto tuvo lugar el 28 de Enero de 1945. Tras el concierto Furtwangler escapa a Suiza. Furtwangler nació el 25 de enero de 1886 en Berlín y murió el 30 de noviembre de 1954 en Baden-Baden.

Detalles del evento

Cuándo

28/01/2016
de 14:35 a 14:35

Agregar evento al calendario

Albert Speer contó en sus Memorias (1969) que, en diciembre de 1944, Furtwängler le preguntó si Alemania tenía alguna posibilidad de ganar la guerra, a lo que Speer respondió negativamente, aconsejándole al director que se trasladase a Suiza para evitar las posibles persecuciones nazis.

Aparentemente el consejo de Speer fue seguido al pié de la letra, pues Furtwängler escapó a Suiza, después de un concierto en Viena con la Wiener Philarmoniker, el 28 de enero de 1945. En aquella velada tan importante para su vida, Furtwängler dirigió una versión de la Sinfonía nº 2 de Johannes Brahms que fue grabada en cinta y es considerada universalmente como una de sus grandes interpretaciones.

Tras la guerra esta y otras grabaciones radiofónicas fueron confiscadas por la Unión Soviética, que en 1990 devolvió una copia a la República Federal de Alemania

Luisi. Hoy 28 de Enero de 2016 Fabio Luisi es nombrado Director de la Ópera de Florencia y del Maggio Musicale Fiorentino.

Cesa Zubin Mehta tras 30 años en el puesto al frente del Maggio Musicale Fiorentino. Luisi es director de la Metropolitan Opera de Nueva York puesto en el que sucedió a Levine y de la ópera de Zurich. El nombramiento se anunció el 28 de Enero de 2016. Nació el 17 de Enero de 1959.

Detalles del evento

Cuándo

28/01/2016
de 14:05 a 14:05

Agregar evento al calendario

GENOA-BORN CONDUCTOR FABIO LUISI has been named as the new music director designate of Florence’s Opera di Firenze and its annual spring festival, the Maggio Musicale Fiorentino, in what appears to be something of a shakeup at the Tuscan company.

The position of music director is a new one within Opera di Firenze, and an office that was reportedly created especially for Luisi in an effort to reflect the significant role that he will play in the company's future. Luisi’s appointment was overseen by Florence’s mayor, Dario Nardella, who also serves as the chairman of the Fondazione Teatro del Maggio Musicale Fiorentino.

Zubin Mehta, who has served as the company’s principal conductor for the past three decades, will now assume the title of principal conductor emeritus.

Per the terms of his appointment, Luisi—who holds the position of principal conductor at the Metropolitan Opera and is also general music director at Zurich Opera—will lead at least three full operatic productions and numerous symphonic concerts in Florence each season. Luisi will officially assume the position of music director in April 2018, and his contract initially specifies a term of five years. As part of his new responsibilities, Luisi will also collaborate with Opera di Firenze intendant Francesco Bianchi in efforts to raise the company’s global profile with a new touring initiative. In 2011 the company inaugurated a modern, new home, designed by Paolo Desideri, and three years later Bianchi was appointed as the theater’s intendant.

“Florence has the potential as a city to became a major center for classical music, opera productions, symphonic productions, and this potential has increased exponentially with the creation of the new theater a couple of years ago,” Luisi said in a statement issued today. “With the building of this astonishing complex—a big opera house and a perfectly sized concert hall—this is a very important stage in this development. We all know that Italian musical institutions are in a kind of crisis, but I think this is exactly the moment we should show—especially me as an Italian conductor—a commitment to develop these activities and help these institutions come out of this crisis and show new opportunities and perspectives.

This is why I have accepted the offer of Mayor Dario Nardella and Intendant Francesco Bianchi to become the new Music Director of Opera di Firenze and Maggio Musicale Fiorentino. Additionally, Maggio Musicale has a very important history. It was one of the most important festivals in Europe, with connections to all the major artists.

We now have to deepen and strengthen its connections with the major artists of our time—conductors, soloists, singers—and I will work with the artistic administration of this institution to make Opera Firenze and Maggio Musicale become again what they were in the past: one of the most important musical institutions in Europe and in the world.”

Luisi is currently in New York leading Metropolitan Opera performances of Cavalleria Rusticana and Pagliacci, while also preparing to conduct the Met’s new production of Manon Lescaut, as well as a revival of Le Nozze di Figaro. Currently in his fourth season as general music director of Zurich Opera, Luisi will lead June and July performances of a new production of I Puritani at that house; this season he has already conducted the company’s new production of Wozzeck, and well as revivals of Falstaff, Die Zauberflöte and Tosca. During the current season, Luisi will also tour with the Accademia Teatro alla Scala Orchestra before making return visits to La Scala, Opéra National de Paris, the Filarmonica della Scala, Malaysian Philharmonic, Santa Cecilia Orchestra, Teatro Regio di Torino and the Juilliard and Philadelphia Orchestras.

Luisi was also recently named as the new principal conductor of the Danish National Symphony Orchestra; he will assume the role beginning with the 2017-18 season.

José Marti. Es triste no tener enemigos. Hoy 28 de enero de 1853 nace José Martí.

Nació el 28 de enero de 1853 y murió el 19 de mayo de 1895.

Detalles del evento

Cuándo

28/01/2016
de 13:40 a 13:40

Agregar evento al calendario

José Julián Martí Pérez (La Habana, 28 de enero de 1853 – Dos Ríos, 19 de mayo de 1895) fue un político republicano democrático, pensador, escritor, periodista, filósofo y poeta cubano, creador del Partido Revolucionario Cubano y organizador de la Guerra del 95 o Guerra Necesaria, llamada así a la Guerra de Independencia de Cuba. Perteneció al movimiento literario del modernismo.

Shostakovich. Caos en lugar de música. Hoy 28 de enero de 1936 aparece la crítica en el editorial del diario Pravda

Stalin escribe sobre la genial ópera "Lady Macbeth de Mzensk" de Shostakovich” . La crítica apareció en el editorial del diario Pravda el 28 de enero de 1936. Dimitri Shostakovich nació el 25 de septiembre de 1906 y murió el 9 de agosto de 1975.

Detalles del evento

Cuándo

28/01/2016
de 11:30 a 11:30

Agregar evento al calendario

Shostakovich trabajó en la composición de Lady Macbeth entre 1931 y 1932, pero la ópera no sería estrenada hasta el día 22 de enero de 1934 en Leningrado y, unos días después, en Moscú. El éxito de la ópera fue inmediato y su acogida entusiasta, tanto por parte del público como de la crítica. En los dos años siguientes a su estreno la ópera se representó nada menos que 177 veces en las dos ciudades y pronto músicos extranjeros (como Arthur Rubinstein, Rodzinski o Toscanini) comenzaron a interesarse por ella y la exportaron a Londres, Nueva York, Cleveland, Estocolmo, Buenos Aires y Zürich.

Pero sucedió que el 26 de enero de 1936, Stalin (que días antes había asistido también a la representación de la ópera El Don Apacible de Dzherzinsky, ópera que había aprobado con gran entusiasmo), decidió ir a ver la ópera que daba tanto que hablar: Lady Macbeth. Acudió con dos dignatarios al Teatro Bolshoi, que había estrenado una nueva producción de la ópera en 1935.

Shostakovich estaba en la función y desde su palco podía ver a Stalin. Durante toda la noche estuvo esperando que éste le llamara a su palco, pero no lo hizo tras el primer acto, ni tras el segundo, ni el tercero, ni al finalizar la ópera. A la salida de la ópera, un crítico musical perguntó a Stalin si le había gustado la representación, y su respuesta fue: “Esto es una estupidez, no es música”. Fue el comienzo de la caída de Lady Macbeth y, con ella, de Shostakovich.

Dos días después, la revista oficial del Partido, Pravda, publicaba un artículo titulado “Caos por música: a propósito de la ópera “Lady Macbeth de Mtsensk”. La crítica, anónima pero redactaba por Stalin insultaba de todas las formas posibles la música de Shostakovich. Definía sus melodías como “sonidos intencionadamente disonantes y caóticos” y “jirones de melodía” que desaparecían inmediatemente “entre ruidos, crujidos y gritos”.

Texto completo del artículo aparecido en Pravda el 28 de enero de 1936 con el título de “Caos en vez de música: a propósito de la ópera ‘"Lady Macbeth de Mzensk" de Shostakovich” .

Paralelamente al desarrollo cultural, positivo en términos generales, se ha intensificado en nuestro país la necesidad de buena música. Nunca jamás ni en ninguna parte se han encontrado los compositores con un público tan agradecido. Las masas esperan buenas canciones, pero también música instrumental y óperas de calidad.

Algunos teatros ofrecen como novedad a un público tan interesado por la cultura como el nuestro “Lady Macbeth de Mzensk” de Shostakovich. Una crítica musical complaciente ensalza esta ópera y la pone por las nubes. El joven compositor sólo escucha las alabanzas en lugar de atender a una crítica objetiva y seria que podría serle muy útil en sus futuras obras.

El público se encuentra desde el principio invadido por una ola de sonidos intencionadamente disonantes y caóticos. Aparecen jirones de melodía y apuntes de frases musicales sólo para desaparecer inmediatamente entre ruidos, crujidos y gritos. Seguir esta “música” es difícil, retenerla es imposible.

Así sucede casi todo el tiempo. El grito sustituye al canto. Y cuando por fin el compositor logra encontrar una melodía sencilla y expresiva, entonces, como asustado por tal delito, se precipita de nuevo en la espesura del caos musical que en ocasiones alcanza la cacofonía. La claridad que el oyente espera se sustituye por el delirio rítmico. Este ruido musical debe expresar la pasión.

Todo esto no se debe ni a la falta de talento del compositor ni a su incapacidad de expresar sentimientos fuertes y sencillos a través de la música. Esta música se ha compuesto intencionadamente alterada para que nada en ella pueda recordar la ópera clásica o la sonoridad sinfónica que, por su simplicidad, es accesible a todo el mundo. Esta música está compuesta para negar la ópera, para oponerse –como todo el arte “de izquierda”- a la sencillez, al realismo, a la comprensibilidad de la imagen y al peso de la palabra en el teatro. Se trata de incorporar al mundo de la ópera y de la música, y desde luego de un modo excesivo, las características más negativas del “meyerholdismo”.

Se trata de un caos de izquierda que sustituye a una música auténtica y humana. La fuerza de la música, que puede llegar a arrebatar al oyente, se pierde, utilizando los recursos más triviales, en intentos formalistas de carácter pequeñoburgués y siempre estériles o en pretenciosos ensayos de originalidad. Pero este juego puede terminar muy mal. El peligro que representa esta dirección para la música es evidente. La disonancia “de izquierdas” de la ópera dimana de la misma fuente que la disonancia “de izquierdas” de la pintura, de la poesía, de la pedagogía y de la ciencia. El “afán desmedido de novedades” tiene un carácter pequeñoburgués y conduce a una desviación del arte, la ciencia y la literatura genuinos y auténticos.

El compositor ha utilizado la música nerviosa, espasmódica e histérica del jazz para reflejar las “pasiones” de su héroe. En una época en que nuestros críticos propugnan el realismo socialista, la obra de Shostakovich presenta un naturalismo vulgar. En ella tanto los comerciantes como el pueblo aparecen representados de un modo uniforme y atroz. La comerciante rapaz, que se apropia de la riqueza y del poder a través del asesinato, es presentada como una “víctima” de la sociedad burguesa. La historia moral de Leskov oculta un sentido que el autor no ha tenido para nada en cuenta. Todo es burdo, primitivo y trivial. La música grazna, gime y jadea para describir plásticamente escenas amorosas en la primera ocasión que se presente; y este “amor” se extiende por toda la ópera en forma explícitamente vulgar. La cama doble del comerciante ocupa el centro del escenario; en ella se rwesuelven todos los “problemas”. En el mismo estilo groseramente naturalista se desarrollan las escenas del envenenamiento y de la paliza.

Aparentemente el compositor se ha propuesto no ofrecer a sus oyentes lo que los aficionados soviéticos a la música esperan de una ópera y buscan en ella. Ha cifrado su música con acordes que únicamente pueden interesar a formalistas y estetas cuyo gusto hace tiempo que se ha deteriorado. No ha tenido en cuenta las exigencias de la cultura soviética: desterrar la grosería del arte y todas las formas de barbarie de los últimos rincones de nuestra vida. Para algunos críticos esta exaltación de la lubricidad de la comerciante es una sátira. Evidentemente no se puede hablar de sátira. El compositor recurre a todos los procedimientos musicales y dramáticos para lograr que el p`´ublico simpatice con los actos primitivos y vulgares de Katerina Ismailova.

Lady Macbeth ha triunfado entre el público burgués del extranjero. ¿No la aplaudirá el público burgués precisamente porque su música es caótica y absolutamente apolítica? ¿O tal vez porque esta música degenerada, estridente y neurasténica halaga el gusto degradado de la audiencia burguesa?

Nuestros teatros han hecho grandes esfuerzos para preparar esmeradamente la ópera de Shostakovich. Los cantantes han dado muestras de su gran talento al luchar contra el caos, el ruido y la cacofonía de la orquesta. Han tratado de compensar con su interpretación dramática la pobreza melódica de la ópera. Desgraciadamente todo ello sirve para desvelar aún más el carácter groseramente naturalista de la obra. Los logros interpretativos merecen el reconocimiento, pero los esfuerzos inútiles sólo merecen compasión.

(Tomado de Kristof Meyer: “Shostakovich. Su vida, su obra, su época”, Alianza Editorial, Madrid 1997, pags. 174-5).

Shostakovich respondió a esta crítica retirando su avanzada "Sinfonía nº 4", que no se estreno hasta 1961, y escribiendo la más conservadora "Sinfonía nº 5" que subtitulo "Contestación de un artista soviético a unas criticas justas".

Tras este articulo de la noche a la mañana la reputación de Shostakovich se hundió completamente. Lady Macbeth tuvo, por fuerza, que retirarse de los escenarios, y no volvería a representarse hasta después de la época estalinista (1963).

Durante meses, tras la publicación del artículo de Pravda, Shostakovich se dedicó a coleccionar todo lo que se publicaba en la prensa sobre su ópera de forma meticulosa. Se le había colgado la etiqueta de “enemigo del pueblo”. Su música era tildada de “formalista”, vacía de contenido, no hacía ningún bien a la patria, ni al Partido, ni a su líder. Y eso en los años del terror, equivalía a traición.

En los meses siguientes se convocaron una serie de reuniones de expertos para evaluar la música de Shostakovich. En una ocasión, se reunieron en Moscú alrededor de cuatrocientos músicos, compositores, intérpretes, musicólogos y críticos. La mayoría de ellos se retractaron de las alabanzas y críticas positivas que habían dedicado a Lady Macbeth en los dos primeros años después de su estreno. Shostakovich vio como sus amigos le daban la espalda y aquéllos a los que había apoyado en sus carreras hablaban ahora en su contra. Hubo algunas excepciones, como Prokofiev, que siguió defendiendo a su colega.

Ante el miedo a una posible detención, Shostakovich pidió ayuda a su amigo el Mariscal Tujachevski, un alto mando del ejército rojo que, desgraciadamente, sería asesinado poco después, víctima de las purgas (1937). Pronto el gobierno promulgó la orden de interrogar e investigar a todos aquellos que habían mantenido contacto con Tujachevski, entre los que estaba, por supuesto, Shostakovich.

Por ésta u otras razones, Shostakovich fue un día llamado a interrogatorio por el NKVD (Comisariado del Pueblo para Asuntos Internos). Fue interrogado por un oficial de nombre Sakrevski que acusó a Shostakovich de pertenecer a un grupo terrorista y de conspirar contra Stalin. Ante la falta de respuestas, el compositor fue citado para un segundo interrogatorio a la semana siguiente, pero quiso el destino que el oficial Sakrevski fuera aniquilado, de nuevo víctima del terror, unos días después. La segunda cita no se llegó a celebrar.

El compositor vivió una época crítica en los meses siguientes. El miedo al arresto no le dejaba dormir, se acostaba todos los días con la ropa puesta y la maleta preparada por si era detenido, se refugió en el alcohol e incluso llegó a plantearse el suicidio. Pero finalmente, Shostakovich no fue detenido. Se desconoce el motivo por el que Stalin decidió dejarle en libertad, aunque sí se sabe que la decisión fue suya.

A pesar de todo, no paró de componer. El mismo año de 1936 se dedicó a la composición de su Cuarta Sinfonía, cuyo estreno estaba programado para finales de año. Shostakovich plasmó en su sinfonía todo el dolor y la angustia que estaba viviendo. Una obra colosal, de inspiración malheriana, en cuyos tres movimientos transmite una sensación de tristeza y desesperación inmensa. Una obra, también, musicalmente muy compleja y alejada de los cánones del realismo socialista.

Los rumores de esta nueva obra llegaron a oídos de la Unión de Compositores, cuyo director, V.Y. Iojelson, acudió personalmente junto con un representante del gobierno a presenciar uno de los ensayos. Tras esta visita, la sinfonía desparecía del programa y caía en el olvido; no sería recuperada hasta años después.

Después de este fracaso y con la angustia de lo vivido meses atrás, Shostakovich decidió que era hora de replantearse su camino artístico. En su Quinta Sinfonía, reelaboró su lenguaje hacia un mayor lirismo, hacia una música más melódica y accesible a un gran número de personas, sin perder su personalidad. La nueva obra fue sometida a juicio y aprobada por el Partido, por lo que pudo ser estrenada el 21 de noviembre de 1937, con un éxito extraordinario. ¡Shostakovich por fin había entrado en razón! La Quinta Sinfonía supuso la vuelta del compositor a la cumbre de la música soviética, convirtiéndose en su obra sinfónica más conocida hasta la actualidad. Supone una ruptura en su carrera artística y un gran cambio respecto a sus obras inmediatamente anteriores. Pero lo más extraordinario es que, a pesar del cambio de dirección, Shostakovich supo en todo momento mantener su personalidad musical, su capacidad de invención y su originalidad.

Comenzaba una nueva etapa para Shostakovich, el terror había pasado, aunque el sufrimiento que vivió en estos años marcaría profundamente su carácter para siempre. En cuanto a su obra, aún habrían de pasar muchos años para que Lady Macbeth y la Cuarta Sinfonía fueran recuperadas y reinsertadas en el repertorio musical soviético.

En la imagen el famoso artículo.

Michael Tippett. Hoy 27 de enero de 1955 se estrena la ópera "The Midsummer Marriage", una de las mejores del siglo XX.

La obra esta llena de referencias psicológicas a Jung y puede considerarse la ópera más jungiana de la historia de la música. El compositor reconoció que su fuente de inspiración era el animus y el anima de Jung. Estrenada el 27 de Enero de 1955. Tippett nació el 2 de enero de 1905 y murió el 8 de enero de 1998.

Detalles del evento

Cuándo

27/01/2016
de 16:20 a 16:20

Agregar evento al calendario

The Midsummer Marriage is an opera in three acts, with music and libretto by Michael Tippett. The work's first performance was at Covent Garden, 27 January 1955, conducted by John Pritchard. The reception of the opera was controversial, over perceived confusion as to the libretto and Tippett's use of symbols and psychological references. Nonetheless the opera has received at least ten more productions, including two further productions at the Royal Opera, in England, Wales, Scotland, Germany, Sweden and the United States.

The premiere performance was recorded, and has been issued on compact disc. Covent Garden first revived the work in 1968 conducted by Colin Davis with the Ritual Dances choreographed by Gillian Lynne and in 1970, where the production formed the basis of the first commercial recording. Tippett extracted the Four Ritual Dances from the opera as a separate concert work.

Story background.

The story of The Midsummer Marriage was consciously modeled after Mozart's The Magic Flute. Both trace the path to marriage of one "royal" and one "common" couple: Jenifer and Mark correspond to Pamina and Tamino, the earthy Jack and Bella to Papageno and Papagena. King Fisher stands in for the Queen of the Night, the Ancients for Sarastro and his priests, and so on.

But the composer's first inspiration for the work was visual: Tippett recalled imagining "a wooded hill-top with a temple, where a warm and soft young man was being rebuffed by a cold and hard young woman to such a degree that the collective, magical archetypes take charge – Jung's anima and animus."

The character Sosostris is named after "Madame Sosostris, the famous clairvoyante," in T. S. Eliot's poem "The Waste Land", and King Fisher's name is inspired by the Fisher King character mentioned in the same poem. Tippett was first given the idea of attempting a verse drama by reading Eliot's plays, and he corresponded with the poet with an eye to collaborating on the libretto for his opera, tackling the job himself when Eliot declined.

Performance history
The Royal Opera House has mounted three productions of The Midsummer Marriage, in 1955, 1968 and 1996. The 1996 production was revived in 2005, to mark the centenary of Tippett's birth. The lavish original (1955) production had costumes and stage designs by Barbara Hepworth and choreography by John Cranko.

In 1976 Welsh National Opera staged a production designed by Annena Stubbs, that they toured in cities such as Leeds. The cast that included Felicity Lott as Jenifer and Helen Watts, who had played the role in London in 1968, and recorded it in 1970, as Sosostris. David Cairns wrote that it was this production that showed the opera "responds very readily to simple, imaginative staging, and that there were never any serious problems [with it] except in our attitude".

Other British productions have been put on by English National Opera and Opera North, both in 1985, and Scottish Opera in 1988.

Abroad, the opera has received at least five productions. The German premiere was on 29 September 1973, at the Badisches Staatstheater Karlsruhe with Lieselotte Rebmann as Jennifer. Another German production was at the Bayerische Staatsoper in 1998. Other productions have been at Stockholm in 1982, San Francisco in 1983, New York City Opera in 1993[21] and the Lyric Opera of Chicago in 2005.

Concert performances have been given at the 1977 London Proms, which was given by the forces gathered for WNO's 1976 production, and in Boston in 2012.

Synopsis
The opera is set in a forest clearing, with a group of buildings to one side. The buildings resemble a sanctuary, with a Greek temple in the middle. A set of spiral stairs leads off to the right and breaks off in midair. To the left, they lead down into the hillside. The costumes are contemporary, aside from the dancers and the Ancients.

Act 1 (Morning)
A young group of people enters the clearing, surprised by the strange buildings. They hide as Strephon leads the dancers and the Ancients out of the temple. Mark emerges and asks for a new dance in honor of his wedding day. The Ancients warn him of the dangers of thwarting tradition. To demonstrate the point, the He-Ancient trips Mark as he dances. His bride Jenifer arrives, but she is distant, having run away from her father, King Fisher. She ascends the stone staircase and disappears.

King Fisher arrives, and Mark enters the cavern. King Fisher thinks Jenifer is with Mark, and he summons Jack to break down the gates after the Ancients refuse to let him inside. During the argument, a radiant Jenifer reappears. Mark returns as well, glowing blood red. Representing "starry heaven" and "fruitful earth", the two confront each other. Jenifer says her soul is free of earthly suffering, while Mark claims to have gained new appreciation for the miracle of mortality. Jenifer tries to show Mark his error in a mirror, but Mark causes the mirror to fall and shatter. The couple reverse their paths, and Jenifer descends into the hillside while Mark ascends the stairs and disappears.

Act 2 (Afternoon)
In the clearing, Jack and Bella meet and decide to marry. They walk into the woods, and Strephon emerges with his dancers to perform three rituals. In the first, a hound chases a hare, but the hare escapes. In the second, an otter chases a fish, who hurts himself on the root of a tree. In the third, a bird with a broken wing is captured by a hawk. Bella is terrified by the rituals. Jack comforts her as she recomposes herself. Reassured, they resume their playful interlude and run off into the woods.

Act 3 (Evening and Night)
King Fisher orders the group of young people to fetch Madame Sosostris, his clairvoyant. He is determined to thwart the Ancients, convinced that they are responsible for Jenifer's disappearance. The group returns with Sosostris, and King Fisher orders her to reveal Jenifer's location. She warns him against such inquiries into the dream world, but she reveals Jenifer to be lying in a meadow consorting with a winged lion who has the arms and face of a man. Enraged, King Fisher insists Sosostris is lying to him, and he attempts to unveil her.

As he peels away her veils, they begin to glow. When he has stripped all the veils away, he finds an incandescent bud, which blossoms to reveal Mark and Jenifer. King Fisher aims his pistol at Mark, but the couple break from their meditative state to confront King Fisher, causing his heart to fail. The crowd carries his body into the temple. Strephon emerges from the temple with his dancers to perform a fourth ritual, which celebrates carnal love by transforming it into the fire of divine love. The ritual concludes as the bud closes around Mark and Jenifer and burst into flame.

When the fire subsides, Mark, Jenifer and the Ancients are gone. As the moonlight fades, Mark and Jenifer enter the clearing from opposite sides, dressed for their wedding. They head off down the hill with the crowd as the sun rises. The dawn reveals that the buildings were never more than ruins.

Auschwitz. Hoy 27 de enero de 1945 Liberación de Auschwitz

Se calcula que más de un millón personas fueron asesinadas en el campo de concentración y exterminio a los largo de sus casi cinco años de funcionamiento

Detalles del evento

Cuándo

27/01/2016
de 15:35 a 15:35

Agregar evento al calendario

El 27 de enero de 1945 las tropas soviéticas entraron el Auschwitz. Se trataba del mayor complejo de campos de concentración creado por el régimen nazi y administrado por las SS. Situado cerca de Oswiecim, Auschwitz tenía como finalidad la reclusión de los considerados como enemigos del régimen nazi, el suministro de mano de obra forzada y la eliminación física de los recluidos. Fue en el principal de los tres campos mayores que formaban Auschwitz, en el que se empleó por primera vez el mortífero gas Zyklon B como medio de exterminio. Más de 900.000 judíos fueron asesinados en Auschwitz, así como unos 74.000 polacos, 21.000 gitanos rumanos, 15.000 prisioneros de guerra soviéticos y cerca de 15.000 ciudadanos de otras nacionalidades. En enero de 1945, ante el avance de las tropas soviéticas y el inminente derrumbe del nazismo las SS comenzaron a realizar ejecuciones masivas de presos y a evacuar el complejo. Pese a ello, las tropas soviéticas encontrarían a su llegada cerca de 7.000 prisioneros que fueron liberados.

Marciano, el soldado que se casó con la emperatriz Pulcheria y se convirtió en emperador de Bizancio. Hoy 27 de enero de 457 fallece Marciano.

Nació el 20 de septiembre de 390 y murió el 27 de enero de 457.

Detalles del evento

Cuándo

27/01/2016
de 13:40 a 13:40

Agregar evento al calendario

Flavius Marcianus Augustus, conocido casi como Marciano o Marcian ( 390-Constantinopla, 27 de enero de 457), fue emperador del Imperio romano de Oriente, desde el año 450 hasta su muerte. El imperio de Marciano marcó la recuperación del Imperio de Oriente, que el emperador protegió de amenazas exteriores y reformó económicamente y financieramente. Por otro lado, la política aislacionista de Marciano dejó al Imperio romano de Occidente sin ayuda contra los ataques bárbaros, que se materializaron en las campañas italianas de Atila y en el saqueo vándalo de Roma (455).

Subida al poder
Marciano nació en Tracia o Iliria. Sus primeros años sirvió como soldado. Posteriormente estuvo bajo el mando de Ardaburio y Aspar durante 19 años, y tomó parte en las guerras contra los persas y vándalos. En 431, Marciano fue tomado prisionero por los vándalos en una batalla cerca de Hippo Regius; llevado ante el rey vándalo Genserico (428–477), fue liberado bajo el juramento de nunca alzar armas contra los vándalos.

A través de la influencia de estos generales fue nombrado capitán de la guardia, y posteriormente tribuno y senador. A la muerte de Teodosio II (408–450), la corona imperial recayó en su hermana Pulqueria, y Marciano fue escogido para sucederle por estos dos generales y por la propia Pulqueria como consorte. Al casarse con Pulqueria se comprometió a respetar el voto de virginidad que ella había hecho. De este modo, Marciano recibió la corona imperial legítimamente, y fue llamado a gobernar un imperio grandemente humillado y empobrecido por los estragos de los hunos.

Su imperio
Siendo emperador, Marciano repudió el embarazoso pago de tributo a Atila (434–453), que éste acostumbraba recibir de Teodosio II para abstenerse de ataques al Imperio de Oriente. Atila manda pedir tributo a Marciano quien responde: "El imperio tiene oro para sus amigos, hierro para sus enemigos". Consciente de que nunca podría tomar la capital del Imperio de Oriente, Constantinopla, Atila se dirigió al oeste y emprendió sus famosas campañas en la Galia (451) e Italia (452) abandonando los dominios de Marciano.

Marciano reformó las finanzas, detuvo el despilfarro, y repobló las regiones devastadas. Rechazó ataques en Siria y Egipto (452), y sofocó disturbios en la frontera armenia (456). Otro evento notable de su imperio es el Concilio de Calcedonia (451), en el que Marciano intentó mediar entre las escuelas rivales de teología, en conflicto por la naturaleza de Cristo (disputas cristológicas).

Marciano generalmente ignoró los asuntos del Imperio romano de Occidente, dejando esa tambaleante parte del imperio a su suerte. No hizo nada para ayudar al Imperio de Occidente durante las campañas de Atila, y, cumpliendo con su promesa, ignoró las depredaciones de Genserico incluso cuando los vándalos saquearon Roma en 455. Recientemente se sostiene, sin embargo, que Marciano estuvo más activamente comprometido en ayudar al Imperio de Occidente de lo que los historiadores creían y que las huellas de Marciano pueden ser percibidas en los eventos que llevaron a la muerte de Atila.

Poco antes de la muerte de Atila en 453, el conflicto entre él y Marciano había comenzado de nuevo. Sin embargo, el poderoso rey de los hunos murió antes de que la guerra estallara. En un sueño, Marciano dijo ver el arco de Atila rompiéndose delante de él, y unos días después se corrió la voz de que su gran enemigo había muerto.

Marciano murió en 457 de enfermedad, posiblemente una gangrena contraída durante un largo viaje religioso. A pesar de su breve imperio y de su abandono del Occidente Marciano es considerado uno de los mejores primeros emperadores bizantinos. La Iglesia ortodoxa reconoce a él y a su esposa Pulqueria como santos, siendo el 17 de febrero el día de su fiesta.

Matrimonios
Marcia Eufemia fue la única hija conocida de Marciano, Emperador bizantino. La identidad de su madre es desconocida.

Pulqueria fue su segunda esposa. Pulqueria hizo voto religioso de castidad. Este segundo matrimonio fue una mera alianza política, estableciendo a Marciano como miembro de la dinastía teodosiana por matrimonio. El matrimonio de Marciano y Pulqueria nunca fue consumado, por lo tanto Marcia Eufemia nunca tuvo hermanastros.

Marciano es uno de los protagonistas de la ópera de Vivaldi "Atenaide".

Descripción en la ficción
Marciano fue representado por el actor de Hollywood Jeff Chandler en la película Sign of the Pagan (en la imagen)

María José, la última reina de Italia. Su reinado duró sólo 33 días. Hoy 27 de enero de 2001 fallece María José

Nació el 4 de agosto de 1906 y murió el 27 de enero de 2001.

Detalles del evento

Cuándo

27/01/2016
de 13:35 a 13:35

Agregar evento al calendario

María José Carlota Sofía Amelia Enriqueta Gabriela de Bélgica, nombre completo de María José de Bélgica (Ostende, 4 de agosto de 1906 – Ginebra, 27 de enero de 2001) fue Reina consorte de Italia, nacida Princesa de Bélgica, hija del Rey Alberto I de Bélgica y la Duquesa Isabel Gabriela de Baviera y hermana del también Rey Leopoldo III.

En 1930 contrae su matrimonio con el Príncipe heredero de Italia, Humberto (luego Rey de Italia con el nombre de Humberto II) en Roma, tuvo cuatro hijos. Fue una enérgica opositora del fascismo italiano liderado por Benito Mussolini. Por la abdicación de su suegro, el Rey Víctor Manuel III ocurrida en 1946, se convierte en la reina de los italianos junto a su marido Humberto II. Sin embargo su reinado fue efímero puesto que duró sólo 33 días debido al plebiscito en que el pueblo italiano optó por la república[cita requerida] que reemplazó a la monarquía por culpa de Víctor Manuel III por su debilidad e ineptitud frente al líder fascista Mussolini, quien abusó de su confianza. Abandonó Italia con la familia real para ir de exilio a Portugal, luego a Suiza. María José fue conocida como la Reina de Mayo, debido a la brevedad de su reinado como consorte.

Poco tiempo antes de su muerte, el parlamento italiano aprobó el decreto en que permite a la última reina regresar definitivamente a Italia, pero ella no aceptó esa invitación formulada por el Primer Ministro de Italia alegando que no ingresaría a ese país si no se cambiaba la ley de la Constitución Política que prohibía el retorno de los varones descendientes del último rey al territorio italiano.

Ella aseguraba que sólo podría volver permitiendo también a su único hijo varón Víctor Manuel de Saboya, Príncipe de Nápoles, deseo que no se cumplió ya que María José falleció el 27 de enero de 2001 en Ginebra, Suiza. Fue sepultada en la Abadía de Sainte-Marie-d'Hautecombe, en la Saboya francesa junto a su esposo, Humberto II.

En la imagen la película italiana de 2002 Maria Jose l´ultima regina.

¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡Absoluta recomendación de la película¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡

Si lo desea, elija otra fecha: