Efemérides, un día tal como hoy...

New Year is an opera in three acts by composer Michael Tippett, who wrote his own libretto. It was first performed by Houston Grand Opera on 27 October 1989, in a production by Peter Hall.[

Tippett has noted that the "primary metaphor" of the opera is dance. The choreographer of the original production was the noted American dancer Bill T. Jones.

Performance history
The first UK production was at Glyndebourne, and subsequently Glyndebourne Touring Opera presented an adapted version of Peter Hall's production. As with Tippett's other operas, the text and music encompass a widely eclectic range of cultural references.

Roles
Role Voice type Premiere Cast, 27 October 1989
(Conductor: - John DeMain)
Jo Ann, a trainee children's doctor lyric soprano Helen Field
Donny, her young brother light baritone Krister St. Hill
Nan, their foster mother dramatic mezzo-soprano Jane Shaulis
Merlin, the computer wizard dramatic baritone James Maddalena
Pelegrin, the space pilot lyric tenor Peter Kazaras
Regan, their boss dramatic soprano Richetta Manager
The presenter microphoned male singer John Schiappa

Synopsis
The story of the opera moves between two worlds, of "Somewhere and Today" and "Nowhere and Tomorrow".

Act 1
Jo Ann is a child psychologist who wants to work with young victims of the urban conflict going on in "Terror Town" outside of her domicile. However, she is so afraid of Terror Town that she does not venture out of the apartment. Her Rastafarian foster brother Donny is generally delinquent in his behaviour towards her and their mutual foster mother, Nan. Out of nowhere, a spaceship emerges, carrying Merlin, a "computer wizard", and the pilot Pelegrin, under the leadership of Regan. These are time travelers from the future, and the ship makes a connection with Jo Ann's apartment.

Act 2
It is centered at a New Year's festivity. A shaman, in a trance, induces the crowd of revellers to pummel Donny as part of the celebration. The space ship arrives and Merlin asserts his authority over the activities. Jo Ann and Pelegrin do meet, but they are separated when the spaceship leaves the scene. Jo Ann saves Donny from the beating crowd, and the Act II ends to the sounds of the traditional song Auld Lang Syne.

Act 3
Pelegrin presents Jo Ann with a symbolic rose, as a symbol of their love. She loses the rose, but he recovers it. Jo Ann is finally cured of her fears and can go out again into the world outside of her home. The Presenter summarizes the final message as: "One humanity, one justice".
------------------------------------------------------------------------------

MEIRION BOWEN - Articles & Publications

Michael Tippett´s New Year: A Modern Masque

Amidst the welter of criticism that was showered upon Michael Tippett's first opera, The Midsummer Marriage, when it received its premiere in 1955 at the Royal Opera House, Covent Garden, came a perceptive observation from the doyen of British opera historians, Professor Edward J. Dent.

He said the character of the work was less that of an opera, following one of the genres inherited from the nineteenth century, than that of a Renaissance masque. This would explain the interpenetration of the plot with an elaborate range of symbolism and ritual. It would justify the interaction of the mortals in the piece with a set of mysterious figures called the Ancients (Shakespeare would have called the Immortals); and also the intermingling of chorus, arias, duets, and ensembles, with dance, processionals and spectacle.

Originally, masques were, in essence, celebrations, and The Midsummer Marriage comes across now as a rare example of a radiantly celebratory stage-work standing apart from the strife- torn epoch in which it was created.

In his next opera, King Priam (1962), Tippett returned onto more familiar ground, writing a tragic epic in a Brechtian manner, paring everything (including the music) down to its barest essentials.

Then, in his two succeeding operas, he moved again in the direction of the masque. The Knot Garden (1970) and The Ice Break (1977) both call for choreography in varying degrees, enabling their fantasy element to come fully into play. The image central to The Knot Garden is of a dance that unites all the characters in the opera. It is made overt in a climactic, scene near the end of Act 3, when Mangus-Prospero disowns his magic powers and manipulative control over the other characters, everyone stops feuding and steps forward to the footlights in an act of reconciliation. Here Tippett quotes a Goethe poem, "Das magische Netz" (The Magic Net) which depicts the comings and goings of a group of people dancing with a net:

We sense the magic net
that holds us veined
each to each to all.

The psychological confrontations of the rest of the opera, from its stormy opening prelude onwards, are articulated through fragmentary dance routines that occasionally develop in fully fledged song-and-dance numbers. Again, the Psychedelic Trip scene in Act 3 of The Ice Break, where homage is paid to (and rejected by) an androgynous God-figure, Astron-Astra, and Tippett's general deployment of the chorus that whirls around the stage throughout most the action, sometimes jubilant, sometimes threatening, created an ethos rarely encountered in any opera respecting Verdi-ian or Wagnerian antecedents.

New Year, whose libretto and music were composed between 1985 and 1988, returns to the masque tradition with a vengeance. It is not, of course, an historical reconstruction of a Renaissance entertainment; it simply draws freely upon all the possible modes of stage presentation that Tippett has found germane to his needs. Firstly, it has to be regarded as a masque for a televisual age.

Like The Knot Garden and The Ice Break, it eliminates transitions between scenes, or it demands a high degree of imagination from the director and designer in translating the action back and forth between a generalized Somewhere Today to a utopian Nowhere Tomorrow. Secondly, the Renaissance interplay of Mortals and Immortals, as in The Midsummer Marriage, is at the core of the plot. Thirdly, dance is absolutely integral to the action. Two choruses, one singing, one dancing, are incorporated into the presentation, making the choreographer almost equal in status to the director.

Although from the composer's synopsis, one is led to expect a straightforward storyline ("Once upon a time there was a girl named Jo Ann ..."), it isn't long before it strays over the borderline into fantasy:"Donny cavorts onto the stage and enacts a 'skarade'... the dancers join in his bizarre antics, masquerading as lions to frighten the spectators..." Later on, Pelegrin and Merlin discuss what name to give their computer, "but the machine in a fit of impatience names itself." This doesn't mean that the plot is impossibly convoluted or obscure; rather, Tippett is expecting us to suspend our disbelief and accept his dream-like images just as we would if we were in the cinema or watching television.

New Year is, in fact, explicitly about dreams, about the desires and ambitions of two sets of characters whose destiny is for a brief period interlocked. These dreams enable them to transcend their normal everyday circumstances. The work is thus organized around their 'dream songs', dances and charades. Jo Ann, the female protagonist, dreams that she may summon up the willpower and courage to go out into the world and assist the abandoned children with whose plight she, as an orphan herself, so much sympathizes. Near the end of Act 3, when her love for Pelegrin, the space pilot, has provided her with the courage she needs to do her work, he teaches her a dance which symbolizes her newfound freedom.

Donny, Jo Ann's orphaned foster brother, already mixes freely with young people in the outside world, but mainly as a delinquent. In Act 1, his subversive behavior erupts in a "skarade" (i.e. a raggae-style charade). In Act 2, he challenges Regan, the iron lady from outer space, in a mocking, dub- style recitative. In Act 3, in the video-cassette that he leaves behind when he has finally to submit to the stern supervision of Nan (his and Jo Ann's foster mother), he evokes his Caribbean past in a William Blake-like dream of a primal communion between humans and animals.

The fantasy world of New Year extends naturally to the characters from Nowhere Tomorrow. Merlin, the computer wizard, is the arch-technocrat, pinning his faith entirely in the magical capacity of machines. When we first meet Merlin and Pelegrin, they are toasting their impending voyage into the future, which itself is the all-consuming ambition of their boss, Regan. The nub of the action, in Act 2 of the opera, is that their dream goes wrong. Because of Pelegrin's fascination with the image of Jo Ann, they travel into the past and engage in a confrontation with the characters from Somewhere Today. Ultimately, the inhabitants of the two worlds have to separate: the love between Jo Ann and Pelegrin can only be a dream; she must return to her work as children's doctor; he and his companions must vanish into the future.

There is, however, one slender thread that binds them all together. The universal dream is uttered near the end of the opera by the Presenter, the link-man in the operatic proceedings: "One humanity, one justice." We may be sure that this is something with which Tippett himself, for so many years an outspoken humanitarian and pacifist, completely identified. Significantly, these were words he heard spoken by a rock-musician at the 1988 Nelson Mandela concert in Wembley Stadium, London, which was televised all round the world. And the opera as a whole has its basis in the widely held notion that at particular times, things may change for the better, especially if we act in a manner likely to support such changes; i.e. by making New Year resolutions.

The opera, as far as its collective aspect is concerned, comes to a turning point in Act 2, where the crowd is enacting thc age-old New Year ritual, which involves a Shaman dancing himself into a trance in order to identify the Scapegoat (the Bad Old Year) which is then hunted out so that the (Good) New Year can come in. The temporary suspension of the narrative-sequence in Act 2 so that these rituals can be enacted is one of the most typically masque-like features of the work. Moreover, the arrival of the Space Ship in the midst of these ancient rituals shows up the spaciousness of Tippett's conception.

In his previous major work for the concert hall, The Mask of Time (1982), Tippett bordered on the theatrical. Like Berlioz's The Damnation of Faust, the work is susceptible to some kind of stage realization, preferably using contemporary film and video techniques. The masque-like character of the piece, indicated in its title, survives especially in the fifth movement, "The Dream of the Paradise Garden." Interestingly, the final scene between Jo Ann and Pelegrin, also takes place in a Paradise Garden, and their dance together is adapted from the sarabande-style episode in that movement.

In New Year, this is the only direct reference to any of Tippett's earlier scores. For the rest, he has deliberately set out to create a new sound- world. Gone is the piano almost indispensable to his orchestral writing, since Symphony No. 2 (1956); gone also are the heterogeneous mixtures of instruments that made up the mosaic schemes of his compositions from King Priam onwards. Instead he concentrates on a blending of sonorities, through writing for families of instruments: three saxophones, four horns, etc. For the first time there are also electro-acoustic ingredients, off-stage voices, and so on, all made necessary by the boldly imaginative flights of his opera: the transitions between different realms, the ascent and descent of the spaceship, the voices of the singing fountain, and the lake.

Stylistically, the opera extends further that interaction of vernacular and art-music elements encountered in The Knot Garden and The Ice Break. Prominent in the score are two electric guitars and a lot of percussion, both used extensively in episodes where dance or song-and-dance routines take over. In this respect, the opera comes close to being a musical. While in Tippett's previous operas, lyricism flowered only briefly, in the context of a declamatory type of musical presentation, in New Year, it blossoms throughout, reaching a climax in the Act 3 love-music for Jo Ann and Pelegrin.

Most people who have previously come across a Tippett opera, either in the theatre or on record, will be aware of the immense range and variety of influences and ideas that impinge upon such works. New Year has absorbed much the same diversity of source material and inspiration. Some of its contents derive in part from a story by H. G. Wells, "Man Like Gods" (1921), which Tippett read and admired as a student. Other elements come from some of his more recent reading, travel, and other experiences. But the most powerful impression affecting the opera was a two-part film for BBC Television, called The Flipside of Dominick Hyde. At many points during the writing of New Year, Tippett had to sieve away details that too readily connected it with the film. The texture of his libretto is thus rich in hidden references and nuances of meaning and can, at a first reading, trip up the unwary. What is worth remembering is that Tippett regards his libretto not as 'literature', as something finished and rounded, acceptable in its own right, but as 'gestures for music'. The phonetic components of the text are developed by the music and the two can only be judged as an integrated whole, not as separate features.

Tippett learned this aesthetic of operatic composition from T. S. Eliot, with whom he had many encounters during the late 1930s and 1940s. In one conversation, Eliot elaborated upon the technical implications of such an aesthetic. He told Tippett that when he wrote the choral recitations for Murder in the Cathedral, he knew that only one word per spoken line would probably be audible, thus he constructed his lines so as to ensure the most significant words were heard. IncreasingIy, in his operas, Tippett has noted this practice, taking care to highlight important words musically, through repetition, etc. Another factor that determined his exact choice of words was the sheer singability of certain vowel sounds within specific voice ranges, male or female. By the time he came to write New Year, Tippett had become a master craftsman in the domain of opera; hence his assurance in handling all aspects of the composition.

Although New Year embarks on new territory, its underlying concern is the same as that in all Tippett's major works: the need among all individuals for self-knowledge and understanding. In the penultimate section of his oratorio, "A Child of Our Time," the chorus sings a prayer for renewal and regeneration that encapsulates Tippett's main message:

I would know my shadow and my light
So shall I at least be made whole.

This is developed in various ways in his operas. Mark and Jennifer, in The Midsummer Marriage, must undergo a ritual of initiation takes them through the two gates of mutual understanding, the high and the low, before they eventually return in the glory of a symbolic union. The protagonist in King Priam learns to accept his fate that his death will be caused by his son, Paris. Some of the characters in The Knot Garden, (eg. Dov and Flora) begin a journey from innocence to experience. Others, notably Thea and her husband, Faber, learn to communicate for the first time. The Ice Break tries to effect some sense of mutual understanding between father and son, Lev and Yuri. In New Year, Jo Ann's acceptance of herself and her traumas occurs when, assisted by Pelegrin, she undergoes a ritual (which Tippett derived from Plato) in which she tastes in turn the blissful waters of a fountain that will enable her to forget the abandoned children and all her worries, then the bitter waters of a lake, that will ensure she remembers her past and her duties to the orphans of today. She samples both, but rejects the fountain in favor of the lake, thus displaying the will to face up to her responsibilities.

Tippett's concentration on basic issues of psychology and social interaction gives his operatic ventures a rare degree of depth and veracity. Stereotype figures are generally absent, except insofar as they fulfill a dramatic purpose. In that sense, Nan, in New Year, acts along predictable lines and never disturbs the narrative with dreams or aspirations of a (perhaps) impractical kind. In this latest opera, Tippett's return to grass- roots level, dramatically speaking, has meant also that he can balance the more fantastic ingredients with well-known rituals, such as the celebration of New Year's arrival with great bell-strokes and the singing of "Auld Lang Syne."

If, in The Knot Garden and The Ice Break, Tippett was happy to mix up dramatic styles or ingredients in a manner redolent of late Shakespeare, in New Year he has searched for a more specific dramatic focus. Act 2 is thus an example of what Peter Brook called "rough theatre"; its energies derive from the activities of the crowd, and from the entertainments and rituals in which they are engaged. The trajectory of Act 3, by contrast, is towards "holy theatre" (Brook's terminology, again); after Donny's final departure and his dream song on video-cassette, Pelegrin comes to take Jo Ann away into a sacred place where her efforts at self-understanding can be brought about through the aforementioned ritual.

In this way, New Year demonstrates Tippett's continuing belief in the theatre as the most crucial means by which artistic and humane values can be promulgated to the community at large. By flexibly manipulating the technical emphasis in the course of the opera, in a way that the creators of Renaissance masques would have recognized, he has also here produced a fascinating renewal of a genre so readily ossified by commercial pressures, the cult of star singer and so on. Above all, he has done this through music that is distinctively his own and memorable in its own right.

1. ¿Cómo se inicia la presencia de Roma en España?

Los romanos llegan a España en el año 218 a.C. Su intención no era la conquista del territorio sino la lucha contra sus enemigos, los cartagineses, quienes habían comenzado una expansión por el Mediterráneo desde la ciudad de Cartago, en el norte de África.
Los cartagineses controlaban una gran parte del sur de España. La capital era Nueva Cartago que es hoy la ciudad de Cartagena.

2. ¿Cómo se desarrolló el conflicto entre Roma y Cartago?
Hubo tres guerras que duraron en total cien años. En la primera guerra púnica, los cartagineses ganaron y ampliaron el territorio que controlaban en España teniendo muchos puertos en el mar Mediterráneo, entre ellos estaban los de Carthago Nova (Cartagena), Lucentum (Alicante), Saguntum (Sagunto) y Tarraco (Tarragona).

La segunda guerra púnica se inicia con la intervención de Aníbal que decide atacar Roma por sorpresa cruzando los Alpes con un ejército en el que incorporaba elefantes y deja sin tropas a España, lo que hace que los romanos conquisten una gran parte del territorio español y se inicia la dominación romana de la península ibérica a la que llamaron Hispania.

En la tercera guerra púnica los romanos derrotan a los cartagineses y destruyen totalmente la ciudad de Cartago, en la actual Túnez. Aníbal huye y muere varios años después.

3. ¿Cómo se desarrolló la conquista romana de España?

El proceso de conquista fue lento y duró un total de 200 años.

La primera fase se produce con la derrota de los cartagineses.

En la segunda fase, Roma entra en el interior de la península para invadir la meseta. Se produce la rebelión de varios pueblos como los lusitanos, quienes dirigidos por su líder Viriato hicieron frente a los romanos.

Los pueblos celtíberos también organizaron una feroz defensa. El mejor ejemplo es Numancia que soportó trece meses de asedio.

Después de un largo periodo de hambruna y combates la mayor parte de sus pobladores se quitaron la vida para no ser esclavos de los romanos.

En la tercera fase, bajo la dirección del emperador Augusto, se completa la conquista de toda España.

4. ¿Cómo fue la organización territorial de Roma en España?

La organización territorial tuvo varias fases. Augusto estableció una división provincial que se mantuvo durante tres siglos. El territorio de Hispania quedaba dividido en tres provincias, Tarraconense, Bética y Lusitania, cuyas capitales eran Tarraco, la actual Tarragona, Corduba, la actual Córdoba, y Emerita Augusta, la actual Mérida.

5. ¿Cómo era la economía romana de la península ibérica?

Hispania se especializó en la exportación de productos agrícolas. Se introdujo el regadío y el arado de hierro tirado por bueyes. La agricultura se basaba en la trilogía mediterránea, vino, trigo y olivo.

En las zonas costeras se elaboraba salazón de pescado. También
había minería. Existía una gran relación con Roma a través de los puertos marítimos.

6. ¿Impulsaron los romanos la construcción de ciudades?
Si, los romanos impulsaron mucho las ciudades y la vida pasó a ser más urbana. Fueron transmitiendo su lengua, cultura y modos de organización.

Los municipios eran antiguas ciudades que habían sido fundadas por otros pueblos. Los romanos introdujeron cambios en el urbanismo y en sus estructuras sociales y económicas.

También crearon colonias que eran ciudades nuevas generalmente fundadas por soldados cuya población era de origen romano.

7. ¿Fue el proceso de romanización igual para toda España?
El proceso de romanización varió mucho de unos lugares a otros.

Fue particularmente intensa la romanización en la costa mediterránea en el sur y en el valle del Ebro. Fue menos intensa en la meseta y aun menos en las areas montañosas de los cántabros astures y vascos.

Los romanos impulsaron la construcción de obras de arquitectura que todavía son visibles hoy. Los teatros más famosos son los de Mérida, Sagunto y Cartagena y en lo que se refiere a acueductos los de Segovia y Tarragona.

En la imagen mapa de España en el año 17 a.C.

Ondine is a ballet in three acts created by the choreographer Sir Frederick Ashton and composer Hans Werner Henze. Ashton originally produced Ondine for the Royal Ballet in 1958, with Henze commissioned to produce the original score, published as Undine, which has since been restaged by other choreographers. The ballet was adapted from a novella called Undine by Friedrich de la Motte Fouqué and it tells the tale of a water nymph who is the object of desire of a young prince named Palemon. The première of the ballet took place at the Royal Opera House, London, on 27 October 1958, with the composer as guest conductor. The first major revival of this Ashton/Henze production took place in 1988.

History
]
The three-act ballet of Ondine was commissioned and produced for The Royal Ballet in 1958 by the choreographer Sir Frederick Ashton. The resulting ballet was a collaboration between Ashton and the German composer Hans Werner Henze, who was commissioned to write the score. It is the only full length ballet that Ashton choreographed to original music, and the score is regarded as a rarity by musicians, as it is a "20th century full-length ballet score that has the depth of a masterwork".

The ballet was originally intended as a vehicle for The Royal Ballet's then Prima Ballerina, Margot Fonteyn and the title role of Ondine was choreographed specially for her and led one critic to describe the ballet as 'a concerto for Fonteyn'. From its première in 1958 until the work was removed from the repertoire in 1966, nearly every performance of Ondine saw Fonteyn cast in the lead role, with the only occasional exceptions seeing Nadia Nerina and Svetlana Beriosova dancing the role. Maria Almeida became the first ballerina to dance the role of Ondine in a revival, with Anthony Dowell dancing the role of Palemon. Staged in 1988, the revival was a success and the ballet has been regularly performed ever since.

Music
Ashton initially approached Sir William Walton to compose the score for Ondine. They had worked together before, on a ballet called The Quest for the Sadler's Wells company in 1943, and agreed to collaborate again for the 1955–56 season; they decided on Macbeth as their subject. Fonteyn, however, was firmly opposed to playing Lady Macbeth, and was not enthused by Ashton's next suggestion, Miranda in a ballet of The Tempest. By the time Ashton had lighted on Ondine as an alternative, Walton was immersed in work on a concerto. He suggested that his friend Henze be approached. Accordingly, the music was commissioned from Henze, who titled the score Undine.

Henze and Ashton met at the former's home on the island of Ischia, just across the bay from Naples, to decide their key approaches to this new ballet. They decided to ignore the northern origins of Fouqué's novella Undine and move it to the Mediterranean. Ashton and Henze chose Lila de Nobili to design the set and costumes. She was described by Henze as "an Italian bewitched by English landscape and culture", however her first intention was to make the sets in the style that might have been seen on the stage of La Scala a hundred years earlier.

However, Henze and Ashton had decided not to make their ballet a mix of all the great works of the nineteenth century, but rather that it would be the product of their own contemporary sensibilities with references to other works. Eventually, the three of them decided that Ondine would have a "gothic-revival" setting.

Despite his experience in the ballet world, Henze had never before composed a subject in the romantic style which Ashton requested, however Ashton had been impressed by Henze's treatment of magical material in his opera König Hirsch. Henze attended many ballet performances at Covent Garden, frequently accompanied by Ashton who told him clearly what he liked and what he did not like in music for dance. Eventually the work was completed, but when Ashton heard a recording of the orchestrated score he realised that he would have to revise his ideas; the sustained orchestral sounds were such a contrast to the piano score and made him think very differently.

Henze later arranged the Wedding Music for wind orchestra in 1957 and a further two orchestral suites in 1958.

Critical reception

After its première in 1958 it was greeted with mixed, half-hearted reviews, although the first night reviews of 'Ondine' were unanimous about one thing: Fonteyn's triumph in the title role. A.V.Coton spoke of "the supernormal sensitivity of feeling, interaction and mutual understanding which exists between Ashton and his heroine", and Cyril Beaumont saw the ballet as Ashton's "greatest gift" to his ballerina.

Nothing else about the piece pleased everybody, though most reviewers liked Lila de Nobili's designs and praised the contribution of the supporting cast – Beaumont called Alexander Grant's Tirrenio "of Miltonic stature, magnificently danced and mimed." Edwin Denby dismissed 'Ondine' : after praising Fonteyn he said "But the ballet is foolish, and everyone noticed".[5] Most critics disliked the music and Mary Clarke was in the minority when she called it "rich and romantic and superbly rhythmical". Fernau Hall thought Henze showed "little understanding of the needs of classical dancing", and that 'Ondine' would establish itself firmly in the repertoire "if it were not for Henze's music".

In 1958 the ballet was widely seen as having choreography and décor in harmony with each other but fighting with the music; now it's the choreography and the music which seem to speak the same language, while the sets look not only backward but to the north. Even when it was revived in 1988, it was hailed neither as a disaster nor as a lost masterpiece. Henze's modern music is also perceived as a reason for the few performances of this ballet before its revival in the 1990s.

Synopsis
Ondine bears a kind of resemblance to The Little Mermaid. The story derives from Fouqué's novella Undine, the tale of a water-nymph who marries a mortal. Similar to other 19th century fairy tales, the plot is based on man (Palemon) encountering the supernatural (the water nymph Ondine), but the outcome is rather different from many of the 19th century classics: here, it is the man that dies, and the female character survives.

Ondine makes her first entrance from a fountain, shivering in the cold air as we would in water. She meets the hero, Palemon, and is astonished when she feels his heartbeat as she doesn't possess a heart. Palemon deserts Berta, whom he has been courting, and decides to marry Ondine. During a particularly strong storm while at sea, Ondine is lost overboard. Palemon survives the shipwreck created by the angry Ondines and believing Ondine is lost ends up marrying Berta. Ondine returns and is heartbroken when she discovers Palemon's unfaithfulness. When she kisses him, he dies and she brings his body back into the sea with her forever.

In the published score, as with the title of the ballet, Henze also retained the original spellings of the character names. The London ballet production was given as Ondine, but the score was titled Undine, and names the lead character as Undine. Henze also uses the original name Beatrice rather than Berta.
---------------------------------------------------------------------------------

Crítica de la Revista Gramophone

Composer or Director:
Hans Werner Henze
Label:
DG
Magazine Review Date:
3/1998

Undine
Hans Werner Henze Composer
Oliver Knussen Conductor
Peter Donohoe (pf)
London Sinfonietta
Author:
Michael Oliver

Hans Werner Henze’s Undine (or Ondine, as Frederick Ashton’s ballet for which it was written is called) is easily his most approachable score, filled with melody, magically delicate evocation and humour. Yet the ballet itself has faded without the dancer who was its inspiration, Margot Fonteyn, and despite Henze’s quarrying of several suites and other extracts from it the score has not caught on in the concert-hall.

When the ballet first appeared, in October 1958, the music was dismissed by some critics as an eclectic and derivative mish-mash, and indeed it makes no effort to disguise its indebtedness to, in particular, the neo-classical Stravinsky (the Symphony in Three Movements is briefly but almost literally quoted on more than one occasion).

What we have been missing all these years, this enthusiastically committed performance demonstrates, is a score that pays homages to the whole tradition of classical dance and the music written for it, a score whose richness is out of all proportion to the chamber orchestra it uses. That richness ranges from a quite magnificently sonorous evocation of the sea, via the stately wedding music in Act 2, to the deliciously tongue-in-cheek miniature piano concerto (Igor Stravinsky meets Richard Rodgers) that accompanies the quite irrelevant but entertaining divertissement in Act 3.

The second divertissement, that is: disastrously for the otherwise poetic scenario about a water-nymph’s fatal love for a human, Ashton insisted on two of them.

But the heart of the ballet is the subtle, quietly iridescent music associated with Ondine herself. Ashton’s ballet was described as a ‘concerto’ for Fonteyn, and much of Henze’s score is a sort of portrait of “the radiant centre of the whole ballet ... this wonder floating, almost, above the ground”, as Henze described her at the time. It is his achievement that the concluding passacaglia, even after those interpolations, is so moving as Ondine, knowing that her kiss will kill her beloved, is nevertheless irresistibly drawn to embrace him.

What this wonderfully lucid, skilful and beautiful score needs is what saved Britten’s The Prince of the Pagodas from oblivion: new choreography and a somewhat modified plot. Until then, Knussen’s performance is so good that you can almost imagine a staging for yourself, and it is finely recorded.'

Ondine is a ballet in three acts created by the choreographer Sir Frederick Ashton and composer Hans Werner Henze. Ashton originally produced Ondine for the Royal Ballet in 1958, with Henze commissioned to produce the original score, published as Undine, which has since been restaged by other choreographers. The ballet was adapted from a novella called Undine by Friedrich de la Motte Fouqué and it tells the tale of a water nymph who is the object of desire of a young prince named Palemon. The première of the ballet took place at the Royal Opera House, London, on 27 October 1958, with the composer as guest conductor. The first major revival of this Ashton/Henze production took place in 1988.

History
]
The three-act ballet of Ondine was commissioned and produced for The Royal Ballet in 1958 by the choreographer Sir Frederick Ashton. The resulting ballet was a collaboration between Ashton and the German composer Hans Werner Henze, who was commissioned to write the score. It is the only full length ballet that Ashton choreographed to original music, and the score is regarded as a rarity by musicians, as it is a "20th century full-length ballet score that has the depth of a masterwork".

The ballet was originally intended as a vehicle for The Royal Ballet's then Prima Ballerina, Margot Fonteyn and the title role of Ondine was choreographed specially for her and led one critic to describe the ballet as 'a concerto for Fonteyn'. From its première in 1958 until the work was removed from the repertoire in 1966, nearly every performance of Ondine saw Fonteyn cast in the lead role, with the only occasional exceptions seeing Nadia Nerina and Svetlana Beriosova dancing the role. Maria Almeida became the first ballerina to dance the role of Ondine in a revival, with Anthony Dowell dancing the role of Palemon. Staged in 1988, the revival was a success and the ballet has been regularly performed ever since.

Music
Ashton initially approached Sir William Walton to compose the score for Ondine. They had worked together before, on a ballet called The Quest for the Sadler's Wells company in 1943, and agreed to collaborate again for the 1955–56 season; they decided on Macbeth as their subject. Fonteyn, however, was firmly opposed to playing Lady Macbeth, and was not enthused by Ashton's next suggestion, Miranda in a ballet of The Tempest. By the time Ashton had lighted on Ondine as an alternative, Walton was immersed in work on a concerto. He suggested that his friend Henze be approached. Accordingly, the music was commissioned from Henze, who titled the score Undine.

Henze and Ashton met at the former's home on the island of Ischia, just across the bay from Naples, to decide their key approaches to this new ballet. They decided to ignore the northern origins of Fouqué's novella Undine and move it to the Mediterranean. Ashton and Henze chose Lila de Nobili to design the set and costumes. She was described by Henze as "an Italian bewitched by English landscape and culture", however her first intention was to make the sets in the style that might have been seen on the stage of La Scala a hundred years earlier.

However, Henze and Ashton had decided not to make their ballet a mix of all the great works of the nineteenth century, but rather that it would be the product of their own contemporary sensibilities with references to other works. Eventually, the three of them decided that Ondine would have a "gothic-revival" setting.

Despite his experience in the ballet world, Henze had never before composed a subject in the romantic style which Ashton requested, however Ashton had been impressed by Henze's treatment of magical material in his opera König Hirsch. Henze attended many ballet performances at Covent Garden, frequently accompanied by Ashton who told him clearly what he liked and what he did not like in music for dance. Eventually the work was completed, but when Ashton heard a recording of the orchestrated score he realised that he would have to revise his ideas; the sustained orchestral sounds were such a contrast to the piano score and made him think very differently.

Henze later arranged the Wedding Music for wind orchestra in 1957 and a further two orchestral suites in 1958.

Critical reception

After its première in 1958 it was greeted with mixed, half-hearted reviews, although the first night reviews of 'Ondine' were unanimous about one thing: Fonteyn's triumph in the title role. A.V.Coton spoke of "the supernormal sensitivity of feeling, interaction and mutual understanding which exists between Ashton and his heroine", and Cyril Beaumont saw the ballet as Ashton's "greatest gift" to his ballerina.

Nothing else about the piece pleased everybody, though most reviewers liked Lila de Nobili's designs and praised the contribution of the supporting cast – Beaumont called Alexander Grant's Tirrenio "of Miltonic stature, magnificently danced and mimed." Edwin Denby dismissed 'Ondine' : after praising Fonteyn he said "But the ballet is foolish, and everyone noticed".[5] Most critics disliked the music and Mary Clarke was in the minority when she called it "rich and romantic and superbly rhythmical". Fernau Hall thought Henze showed "little understanding of the needs of classical dancing", and that 'Ondine' would establish itself firmly in the repertoire "if it were not for Henze's music".

In 1958 the ballet was widely seen as having choreography and décor in harmony with each other but fighting with the music; now it's the choreography and the music which seem to speak the same language, while the sets look not only backward but to the north. Even when it was revived in 1988, it was hailed neither as a disaster nor as a lost masterpiece. Henze's modern music is also perceived as a reason for the few performances of this ballet before its revival in the 1990s.

Synopsis
Ondine bears a kind of resemblance to The Little Mermaid. The story derives from Fouqué's novella Undine, the tale of a water-nymph who marries a mortal. Similar to other 19th century fairy tales, the plot is based on man (Palemon) encountering the supernatural (the water nymph Ondine), but the outcome is rather different from many of the 19th century classics: here, it is the man that dies, and the female character survives.

Ondine makes her first entrance from a fountain, shivering in the cold air as we would in water. She meets the hero, Palemon, and is astonished when she feels his heartbeat as she doesn't possess a heart. Palemon deserts Berta, whom he has been courting, and decides to marry Ondine. During a particularly strong storm while at sea, Ondine is lost overboard. Palemon survives the shipwreck created by the angry Ondines and believing Ondine is lost ends up marrying Berta. Ondine returns and is heartbroken when she discovers Palemon's unfaithfulness. When she kisses him, he dies and she brings his body back into the sea with her forever.

In the published score, as with the title of the ballet, Henze also retained the original spellings of the character names. The London ballet production was given as Ondine, but the score was titled Undine, and names the lead character as Undine. Henze also uses the original name Beatrice rather than Berta.
---------------------------------------------------------------------------------

Crítica de la Revista Gramophone

Composer or Director:
Hans Werner Henze
Label:
DG
Magazine Review Date:
3/1998

Undine
Hans Werner Henze Composer
Oliver Knussen Conductor
Peter Donohoe (pf)
London Sinfonietta
Author:
Michael Oliver

Hans Werner Henze’s Undine (or Ondine, as Frederick Ashton’s ballet for which it was written is called) is easily his most approachable score, filled with melody, magically delicate evocation and humour. Yet the ballet itself has faded without the dancer who was its inspiration, Margot Fonteyn, and despite Henze’s quarrying of several suites and other extracts from it the score has not caught on in the concert-hall.

When the ballet first appeared, in October 1958, the music was dismissed by some critics as an eclectic and derivative mish-mash, and indeed it makes no effort to disguise its indebtedness to, in particular, the neo-classical Stravinsky (the Symphony in Three Movements is briefly but almost literally quoted on more than one occasion).

What we have been missing all these years, this enthusiastically committed performance demonstrates, is a score that pays homages to the whole tradition of classical dance and the music written for it, a score whose richness is out of all proportion to the chamber orchestra it uses. That richness ranges from a quite magnificently sonorous evocation of the sea, via the stately wedding music in Act 2, to the deliciously tongue-in-cheek miniature piano concerto (Igor Stravinsky meets Richard Rodgers) that accompanies the quite irrelevant but entertaining divertissement in Act 3.

The second divertissement, that is: disastrously for the otherwise poetic scenario about a water-nymph’s fatal love for a human, Ashton insisted on two of them.

But the heart of the ballet is the subtle, quietly iridescent music associated with Ondine herself. Ashton’s ballet was described as a ‘concerto’ for Fonteyn, and much of Henze’s score is a sort of portrait of “the radiant centre of the whole ballet ... this wonder floating, almost, above the ground”, as Henze described her at the time. It is his achievement that the concluding passacaglia, even after those interpolations, is so moving as Ondine, knowing that her kiss will kill her beloved, is nevertheless irresistibly drawn to embrace him.

What this wonderfully lucid, skilful and beautiful score needs is what saved Britten’s The Prince of the Pagodas from oblivion: new choreography and a somewhat modified plot. Until then, Knussen’s performance is so good that you can almost imagine a staging for yourself, and it is finely recorded.'

Boulevard Solitude es una ópera en un acto con siete escenas con música de Hans Werner Henze y libreto en alemán de Grete Weil, basado en el guion dramático escrito por Walter Jockisch, a su vez una adaptación moderna de la conocida novela Manon Lescaut del escritor francés conocido como Abate Prévost. Henze se interesó por la historia después de ver la película Manon (1949) de Henri-Georges Clouzot, ganadora del León de Oro del Festival de Venecia de 1949.

El estreno tuvo lugar el 17 de febrero de 1952 en el Landestheater de la ciudad alemana de Hannover.

Se trata de la primera obra de Henze que tuvo auténtico impacto. La opera destaca por la fuerte influencia del jazz y de la música popular parisina, lo que resultó novedoso habiendo sido asociado Henze hasta entonces con el dodecafonismo. La obra evoca de forma contemporánea, la conocidísima historia de Manon Lescaut, que ya fue adaptada en tres ocasiones distintas por Massenet, por Puccini y por el compositor francés Auber.

Esta ópera rara vez se representa en la actualidad; en las estadísticas de Operabase aparece con sólo dos representaciones en el período 2005-2010.

Personajes

Personaje Tesitura Reparto del estreno, 17 de febrero de 1952

(Director: Johannes Schüler)

Manon Lescaut soprano alto Sigrid Klaus

Armand des Grieux, un estudiante tenor lírico Walter Buckow

Lescaut, hermano de Manón barítono

Francis, amigo de Armand barítono

Lilaque, padre, un rico caballero anciano alto tenor bufo

Lilaque, hijo barítono

Una prostitura bailarina

Criada de Lilaque, hijo mimo

Dos drogadictos bailarines

Un cigarrero bailarín
Vendedores de periódicos, vagabundos, prostitutas, policía, estudiantes, viajeros

Argumento
Escena primera. La sala de espera una estación de tren de una gran ciudad francesa. El estudiante Armand des Grieux se encuentra con una joven llamada Manon Lescaut, que es acompañada por su hermano a Lausana para acabar sus estudios. Armand se enamora al instante de Manon y los dos huyen juntos a París, aprovechando un descuido del hermano.

Escena segunda. Un ático de París. Los dos enamorados viven felices, en la pobreza, en una habitación de un ático de París. Armand ha perdido la asignación económica de su padre, disgustado con su vida disoluta, por lo que debe salir a pedir dinero a su amigo Francis. En ausencia de Armand, reaparece Lescaut, el hermano de Manon y la convence de ir a visitar a Lilaque padre, un admirador de Manon, rico y viejo.

Escena tercera. Un salón elegante en casa de Lilaque. Manon se ha convertido en amante de Lilaque padre, pero sigue enamorada de Armand, a quien escribe una carta, asegurándole ser muy feliz y ser muy bien tratada por su protector. Se lamenta de no poder ver al joven Des Grieux y piensa en escapar en su busca. Aparece Lescaut que interrumpe indignado la escritura de la carta, le encarece que cuide la relación con su protector económico y se deje de romances. Acaba rompiendo la carta y recordándole que ella es la fuente de riqueza para ambos, le pide más dinero a su hermana para sus vicios. Como ella no consiente, Lescaut roba dinero de una caja de oro propiedad de Lilaque padre tiene en su habitación. Lilaque lo descubre y echa a los dos hermanos de su casa.

Escena cuarta. La biblioteca en la universidad. Un tiempo más tarde, Armand, Francis y otros estudiantes están estudiando la obra del poeta romano Cátulo. Armand sigue enamorado de Manon, aunque su amor empieza a flaquear. Francis le informa de que Manon ha robado a Lalique por lo que ha sido expulsada de su casa, lo que Armand no se cree. Francis se va indignado y entra Manon. La pareja lee un poema que reaviva su amor.

Escena quinta. Una taberna de mala muerte. Manon y Armand están juntos otra vez. Armand es adicto a las drogas para olvidar su pasado. Lescaut le trae cocaína y le pregunta por Manon, a quien quiere proponer mantener relaciones por dinero con Lilaque hijo que le acompaña. Cuando aparece Manon, Armand monta en cólera con Lescaut y Lalique hijo. Manon intenta calmar a Armand y se va con los dos hombres. Armand recibe una carta. Mientras la lee, oye que Manon le pide encontrarse con él al día siguiente, en cuanto se libre de Liaque hijo. Armand queda confuso.

Escena sexta. El apartamento de Lalique hijo. Armand y Manon están juntos en el dormitorio de Lalique mientras amanece. Manon está conforme con su nueva situación de protegida de Lalique hijo, pero Armand se siente nostálgico del pasado en que convivían permanentemente. Aparece Lescaut que advierte a Armand de que debe huir antes de que le localicen los criados. Lescaut roba una pintura moderna de la pared. Aparece repentinamente Lilaque padre, por lo que se esconden Armand y Lescaut. El viejo descubre el robo del cuadro y llama a la policía, mientras mantiene un revólver en su mano. Lescaut pelea con el anciano, disparándose el arma, que deja en manos de Manon dándose a la fuga. Manon y Armand son encontrados en la escena del crimen por Lilaque hijo y la policía, que detiene a Manon.

Escena séptima. El exterior de una prisión. Armand llega para intentar visitar a su enamorada antes de que esta ingrese en prisión. Manon es conducida a la misma en compañía de otros presos, por lo que no pueden hablar. La escena se completa con secuencias musicales de la vida de la pareja.
-----------------------------------------------------------------------------------
Crítica en la Revista Gramophone de la producción del Liceo de Barcelona

The sceptical voices were disappointingly persistent when the Royal Opera's reopening season in 2000 staged the UK premiere of Henze's first opera. Could a 90-minute one-acter by a 26-year-old hold attention, and fill seats? That it did so, and eventually did so triumphantly, was a measure not only of the composer's precocious theatrical gifts but of Nikolaus Lehnhoff's production, which held faith with the decision of Henze and his librettist Grete Weil to update Prévost's story to the period of its premiere in 1952. The action centres around a grand central railway station, full of the impersonal grandeur and busy movement of human flotsam and jetsam that are the natural property of such places.

Billy Wilder and Henri-Georges Clouzot make their mark on the continual cutting between scenes; Xavi Bové's direction for video is unusually subtle, taking full advantage of Henze's extended intermezzi to watch clocks and art-deco pillars.

Bernhard Kontarsky's pacing was tighter in London, catching more of the clickety-clack of Henze's percussion writing (I have made do with a tape of the BBC broadcast until now) but Peskó and the Liceu band are up to the mark, letting the sly allusions to jazz and Weill in the intermezzi live on borrowed time. Henze's Manon is knowingly self-condemned from the outset, one feels, with greater self-possession than her literary and operatic ancestors from Prévost to Puccini. Not that that makes for
static loss of drama or fulfilment, when her story gradually cedes to the hopeless infatuation of des Grieux. Laura Aikin is a strong, sluttish Manon, fuller of voice and more voluptuous of figure than the devastating femme fatale of Alexandra van der Weth at Covent Garden. Both steal the show in their own way, as Lulus deserve to.

Pär Lindskog reprises his central role, at least as much Rodolfo as Alwa. Tom Fox as Lescaut could afford to bluster and shout a little less, but the smaller roles always bear the composer's legato lines in mind. Henze takes a bow at the end, and it must have been moving for him to see how his forgotten child has grown up and stood on his own feet. With his first opera joining his last (Upupa) on DVD (Euroarts - 3/05), we can only hope that more of the intervening dozen or so will not be long in joining them.

The Ninth Symphony of the German composer Hans Werner Henze was written in 1997.

It is a choral symphony, subtitled Den Helden und Märtyrern des deutschen Antifaschismus gewidmet (Dedicated to the heroes and martyrs of German anti-fascism). The text, written by the poet Hans-Ulrich Treichel, is based on the 1942 novel Das siebte Kreuz (The Seventh Cross) by Anna Seghers, in which seven prisoners attempt to escape the Westhofen concentration camp, only one of them surviving. According to the composer, the symphony deals with themes that have preoccupied him since he was conscripted to the German Army as a young man during World War II. His earlier Requiem is in many ways a precursor to this work.

Across its seven movements, and in parallel with the novel, it recounts the story of a fugitive from the Nazis, with depictions of the callousness of small-town torture and 'official' police reporting and the felling of plane trees to make crosses with which to crucify recaptured fugitives (movements two and three). The sixth movement is a delirious episode in a cathedral where the fugitive's faithless encounter with Christian imagery is contrasted with the death of an escapee in the previous movement, and the arrival of attack dogs at the end. The final movement depicts the fugitive's eventual escape in a ship (sailing down the Rhine in the novel). However, the ending, like much else in the work, is ambiguous, contrasting the individual's successful escape with the fact that the general threat remains at large.

Movements

Die Flucht (Escape)
Bei den Toten (Among the Dead)
Bericht der Verfolger (The Persecutors' Report)
Der Platane spricht (The Plane Tree Speaks)
Der Sturz (The Fall)
Nachts in Dom (Night in the Cathedral)
Die Rettung (The Rescue)
Premiere[edit]

It was premiered on 11 September 1997 at the Philharmonie, Berlin with the Berlin Radio Choir and the Berliner Philharmoniker conducted by Ingo Metzmacher. The performance was also recorded by EMI.
------------------------------------------------------------------------------
Crítica de la Revista Gramophone

Composer or Director:
Hans Werner Henze

Label:
EMI

Magazine Review Date:
6/1998

Symphony No. 9
Hans Werner Henze Composer
Ingo Metzmacher Conductor
Berlin Radio Chorus
Berlin Philharmonic Orchestra
Author:
Michael Oliver

To Hans Werner Henze the Ninth Symphony represents “the most extreme experience I have ever had, both in terms of the events of the time and as regards the level of artistic endeavour … it is a summa summorum of my musical oeuvre”. It deals, in short, with his experience of Nazi Germany and it is dedicated “to the heroes and martyrs of German anti-Fascism”. All seven of its movements are choral, settings of poems by Hans-Ulrich Treichel, themselves based on the novel by Anna Seghers, The Seventh Cross (memorably filmed by Fred Zinneman, with Spencer Tracy in the leading role).

The novel tells of seven prisoners, condemned to be crucified, who escape from a concentration camp. Six are recaptured; after a series of horrifying experiences the seventh manages to reach freedom by boarding a Dutch ship on the Rhine. The first movement, “The Escape”, is not an exciting action scene but a portrayal of abject, pitiful terror; in its successor, “Among the Dead”, the delirious prisoner finds himself in a no man’s land of shadows. There is a brief, savage portrayal of the persecutors, then the trees from which the crosses will be made sing lyrically of their own beauty before they are ruthlessly hacked down. Now the fate of one of the other prisoners is described; he is an artist, and as he dies, “I … the wounded eagle, spread my wings and fly once more over the only land I have”. At this point what is marked in the score as a gran canto, a grave, plangent string melody, rises with poignant eloquence in the strings.

The penultimate movement, much the longest of the seven, is a hideous nightmare drama set in a cathedral, where the exhausted prisoner has hidden at night. Christ will not reply to his prayers; all he can hear is the voices of the dead (12 soloists, placed at the opposite end of the hall from the orchestra and choir), raptly and horribly praising the voluptuous pleasures of torture and martyrdom. “The Rescue”, finally, provides the huge contrast of rich, calm, multilayered polyphony, but though the prisoner has survived, the horror remains.

The extremest of emotions are explored, in short, and extremes are needed to express them. The lines are often tortuous or angular (or are not lines at all), the textures often dense. This is a live recording of the first performance, and as a photograph of the occasion shows, the chorus is not large (about 70, I would say) and is placed well behind the main body of the orchestra. The recording balance does not always compensate for this, and at times I had difficulty following both the choral counterpoint and the words, even with the text in front of me. Despite this the cumulative impact of what was evidently a very thoroughly rehearsed performance is shockingly powerful. It is a piece that one senses Henze has been steeling himself to write (in the immediately preceding symphonies and the Requiem in particular) for years, and its eloquence catches you by the throat.'

El compositor, que siempre fue muy infantil, quedó fascinado con el parque de atracciones. Al regreso de su viaje sus hijos se hartaron de escucharle lo maravilloso que era el parque. Las autoridades soviéticas no permitieron a los hijos de Shostakovich viajar con el.

En la imagen Walt Disney. y Dmitri Shostakovich fotografiados en el viaje a USA del compositor

La verità in cimento es una ópera en tres actos con música del compositor Antonio Vivaldi y libreto en italiano de Giovanni Palazzi. La ópera, que es la décimotercera de Vivaldi, se estrenó durante la estación del carnaval en el Teatro Sant'Angelo en Venecia el 26 de octubre de 1720. La obra está incluida con el número RV 739 en el catálogo de Vivaldi.

Personajes
Personaje Tesitura Reparto del estrreno, 1720

Rosane soprano Anna Maria Strada
Rustena mezzosoprano Chiara Orlandi
Melindo contralto Antonia Laurenti, "La Coralli".
Damira contralto Antonia Merighi
Zelim soprano (castrato) Girolamo Albertini
Sultan Mamud tenor Antonio Barbieri

Argumento
Mamud tiene dos hijos, uno su favorito Damira, uno de la Sultana Rustena. Hizo que se cambiaran al nacer, de manera que Melindo, que en realidad es el hijo de Damira, se cree que es el legítimo heredero, una posición que por derecho tiene Zelim. Cuando se propone el matrimonio de Melindo con Rosane, la heredera de otro Sultanato, (y de hecho amada por Zelim), Mamud decide revelar cómo están las cosas de verdad. Después de varios giros de la trama, Zelim heredera la parte más grande del imperio, mientras que Melindo se contenta con un reino secundario (el país de Rosane) y se le permite casarse con la princesa Rosane. Con ello todo el mundo queda satisfecho.

Masha Brúskina (1924, Minsk, RSS de Bielorrusia - 26 de octubre de 1941, Minsk, RSS de Bielorrusia) fue una joven judía-partisana soviética de 17 años, que fue capturada y ejecutada por alemanes junto a otros dos partisanos (Volodya Scherbatsévich de 16 años y Kirill Trus, veterano de la Primera Guerra Mundial), en octubre de 1941, durante la ocupación nazi de Bielorrusia.

Nacida en una familia judía, se mudo con su familia al gueto de Minsk, cuando los alemanes invadieron Bielorrusia en 1941.

Miembro del Partido Comunista, se unió a la resistencia, siendo enfermera para soldados heridos del Ejercito Rojo, como también creando documentos falsos. El 14 de octubre fue arrestada, tras ser denunciada por un enfermo. Fue torturada, pero no delato a ningún miembro de la resistencia. Gustav Freiherr von Bechtolsheim (1889-1969), comandante de la división de infantería 707, la condeno a muerte.

Antes de ser ejecutada frente a las puertas de una fabrica de levadura, fue obligada a desfilar por las calles con una plaqueta alrededor de su cuello, en idioma ruso y alemán, con la siguiente inscripción "Somos partisanos y hemos disparado contra tropas alemanas".

Ella y sus dos camaradas fueron ahorcados en público el 26 de octubre de 1941, la secuencia de su muerte fue fotografiada numerosamente por los alemanes. Estas fotografías (en la imagen) fueron exhibidas durante los Juicios de Núremberg.

La segunda esposa de Johann Strauss, Angelika Dittrich (actriz), con quien se casó en 1878, no era una ferviente partidaria de su música y la diferencia de edad y opiniones, y sobre todo su indiscreción, llevó a que Johann le pidiera el divorcio para casarse con Adele,

A Strauss no le concedió la nulidad la Iglesia católica y, por lo tanto, cambió de religión y de nacionalidad. Se convirtió en protestante y ciudadano alemán de Sajonia-Coburgo-Gotha.

Strauss buscó consuelo en su tercera esposa, Adele (con quien se casó el 15 de agosto de 1882) y en sus últimos años fluyo su talento creativo, lo que resultó en en muy buena música, como la que se encuentra en las operetas Der Zigeunerbaron y Waldmeister y los valses Kaiser-Walzer op. 437, Kaiser Jubiläum op. 434, Märchen aus dem Orient op. 444 y Klug Gretelein op. 462.

Adele, al igual que el abuelo de Strauss, era de origen judío, hecho que los nazis ocultaron.

Die Ehe mit Adele Deutsch, verwitwete Adele Strauß, genannt „Cosima im Dreivierteltakt" oder auch „lästige Witwe".

Sie selbst wünschte als „Frau Johann Strauß" angesprochen zu werden.

Adele wurde am 1. Jänner 1856 in Wien geboren und heiratete 1874 den Bankierssohn Anton Strauß, der 1877 verstarb. Sie trug also als Noch-Nicht-Ehefrau Strauß berechtigerweise den Namen Strauß und stellte sich Johann Strauß auch dergestalt vor, daß sie Trägerin eines der berühmtesten Namen der Welt sei. An eine Ehe war vorerst nicht zu denken, da Strauß geschieden war und nach katholischem Recht nicht heiraten konnte.

Das Zusammenleben seit 1883 wurde dahingehend legalisiert, daß Strauß sächsischer Staatsbürger wurde und zum protestantischen Glauben übertrat. Am 15. August 1887 heiratete Strauß die um 31 Jahre jüngere Adele in der Herzoglichen Hofkirche zu Coburg.

Adele nahm das Leben ihres Mannes vollständig in die Hand. Als Managerin überbot sie bei weitem die Initiativen von Jetty. Nach demTode von Strauß 1899 war sie eine penible Nachlaßverwalterin und achtete genau auf die exakte Verrechnung der ihr zustehenden Tantiemen.

Adele Strauß verstarb im Jahre 1930. Die komponierende Nachwelt verdankt ihr heute noch die „Lex Johann Strauß".

En la imagen Brahms con la tercera esposa de Johann Strauss.

1. ¿Quiénes son las compositores de la familia Strauss?

Los Strauss son cuatro compositores del S XIX en Viena que se dedicaron fundamentalmente a escribir valses y son muy conocidos en particular por los conciertos de año nuevo en Viena que están dedicados a su música. Los cuatro compositores son Johann Strauss I, Johann Strauss II, Joseph Strauss y Edward Strauss.

Hay otro Strauss que no tiene nada que ver con los anteriores. Es Richard Strauss, compositor alemán nacido en Munich fallecido en 1949. Es simple coincidencia de apellidos.

2. ¿Quién fue Johann Strauss I?

El fundador de la dinastía es Johann Strauss I. Fue un músico autodidacta que aprendió muy tarde a tocar el violín. Conoció la música de niño en la taberna de su padre escuchando a los músicos. Su padre era judío.

Strauss se casó con una mujer llamada Ana María que le ayudó mucho en su carrera musical por sus dotes organizativas. Tuvieron seis hijos, tres niños y tres niñas.

Además de la relación con su mujer, mantuvo una relación con una amante Emily con la que tuvo cinco hijos más. Vivió con ella los últimos años de su vida. Uno de los hijos de esta relación contrajo la fiebre escarlatina y Strauss se contagió muriendo muy joven a los 45 años.

La composición más conocida de Johann Strauss es la marcha Radetzky que fue escrita en homenaje al mariscal Radetzky, jefe del ejército del imperio austro-húngaro. Esta obra cierra siempre el concierto de año nuevo en Viena.

3. ¿Quién fue Johann Strauss II?

Johann Strauss II es el hijo mayor de Johann Strauss. Es el compositor más genial de toda la familia y el que más presente está con mucha diferencia en los programas de los conciertos.
Johann Strauss también nació en Viena. De niño le gustaba la música pero su padre le prohibió que estudiara música. Su padre había decidido que ninguno de sus hijos fuera compositor. El primero, Johann, debía hacer una carrera mercantil en el mundo de los negocios, el segundo, Joseph, debía ser militar y el tercero, Edward, abogado.

Johann empezó a estudiar en la Universidad Politécnica pero no mostraba ningún interés y terminó siendo expulsado. A escondidas y con el apoyo de su madre, se dedicó intensamente a estudiar música. Cuando estuvo preparado debutó con éxito con su propia orquesta y entró en competición con su padre.

En 1848 participó en la revolución contra el emperador, lo que de nuevo lo enfrentó con su padre que estaba en el bando contrario ya que era el director de música de la Corte imperial.

Esta participación en la revolución le persiguió durante muchos años ya que no le fue ofrecido ningún puesto en la Corte ni pudo suceder a su padre como director de música de la Corte cuando falleció un año después de la revolución

Solo muchos años después consiguió, gracias a su música, recibir el nombramiento de director de la Corte imperial por la buena relación que entabló con el emperador Francisco José I, el marido de Sisi.

Tuvo una vida sentimental muy conflictiva ya que fue siempre muy mujeriego. Tras varias relaciones que no terminaron en matrimonio se casó con una cantante llamada Jetti que tenía diez años más que él. Jetti impulsó mucho su carrera. Tenía grandes dotes organizativas y sabía administrarse muy bien. Jetti le impulsó para dedicarse a la composición y que abandonara la dirección de orquesta. Dejó la orquesta en manos de sus hermanos y empezó a escribir obras más complejas. Gracias a Jetti entró en el mundo del teatro y escribió óperas.

Su segunda mujer era de un estilo completamente diferente ya que era treinta años más joven que él y no tenía el más mínimo interés por la música.

La tercera mujer también era mucho más joven que él, treinta y un años menos, pero tuvieron una relación magnífica y fue el matrimonio más feliz de Strauss. Ella también le impulsó a escribir música y a volver al mundo de la ópera.

A finales del S. XIX, varios periódicos hicieron una estadística sobre quienes eran las personas más famosas del mundo. Johann Strauss aparecía en tercer lugar. Fue el compositor que más fama y éxito tuvo durante su vida.

Las obras más famosas de Strauss son el Danubio azul que es siempre la penúltima obra en los conciertos de año nuevo de Viena y el Vals del emperador. En lo que se refiere a la ópera, las más conocidas son El murciélago y el Barón gitano.

Strauss murió justo al final del S. XIX en el año 1899 con 72 años de edad.

4. ¿Quién fue Joseph Strauss?

Joseph Strauss fue el segundo hijo de Johann Strauss I. Inicialmente no tuvo mucho interés por la música, siguiendo la prohibición que había marcado su padre. Poco a poco fue despertándose en él el interés pero no deseaba ser músico profesional. Su entrada en la dirección de orquesta y composición se debió a que su hermano Johann contrajo una grave depresión y estuvo de baja durante más de seis meses. Joseph Strauss se convirtió en el nuevo director de la orquesta Strauss. No sólo dirigía las obras de su hermano. Empezó a escribir sus propias partituras.

Joseph se tomaba todo muy en serio y tenía un carácter muy diferente al de su hermano. Era un perfeccionista que no soportaba ningún fallo ni en los músicos ni en las composiciones. Apenas dormía por las noches y cada vez escribía más música. Todo esto le llevó a una enorme tensión emocional que provocó su muerte con solo 42 años.

Tras su hermano Johann, Joseph es el segundo mejor compositor de la familia, aunque lejos de la genialidad de su hermano mayor. Sus obras están construidas con mayor rigor técnico, a veces con exceso de formalismo. Algunas de ellas se interpretan en los conciertos de año nuevo.

5. ¿Quién fue Edward Strauss?

Edward Strauss es el tercer hermano de la familia. Tenía ocho años menos que Johann. Su padre también se negó a que estudiara música y quería que fuera abogado. Pero su madre, siempre enfrentada a su padre, le persuadió para que estudiara composición y dirección de orquesta.

Al alejarse su hermano Johann de la composición y morir su hermano Joseph, Edward se convirtió en el director de la orquesta Strauss y lo fue durante casi cincuenta años, hasta su fallecimiento.

Fue mucho menos popular que Johann y siempre sentía envidia de la popularidad y el éxito de su hermano por lo que ambos tuvieron unas pésimas relaciones.

Tras la muerte de Johann, Edward quemó una gran cantidad de obras de sus hermanos de las que no existían más copias ya que él llevaba el archivo familiar con todos los originales, por lo que se perdió una gran parte de la música de Johann y Joseph Strauss.

Murió en 1916.

Su hijo, Johann, también se dedicó a la composición y fue conocido como Johann Strauss III pero no escribió ninguna partitura significativa y está ausente de la programación de los conciertos.

El padre de Johann Strauss I (el autor de la Marcha Radetzky) era judío por lo que el abuelo de Johann Strauss II (el autor del Danubio azul) era judío.

La tercera y última esposa de Johann Strauss II, el gran amor de su vida, era judía. El primer marido de Adele era también judío y tuvieron una hija llamada Alice que lógicamente fue judía por parte de padre y de madre. Alice fue adoptada por J. Strauss. Adele murió en 1930

Por tanto Adele, al igual que el abuelo de J.Strauss, era judía, hecho que los nazis ocultaron.

Hitler ensalzo siempre a J. Strauss como un compositor genial. Cuando le dijeron que J. Strauss tenía ascendencia judía contestó. "Yo decido quien es judío".

La colección de discos de música clásica de Hitler tenía numerosos discos con intérpretes judíos incluido Bronisław Humerman fundador de la Orquesta Filarmónica de Israel en 1936,

En la imagen J. Strauss con su esposa e hija adoptiva judías.

Johann Strauss (padre) nació en Viena en 1804 y murió en la misma ciudad en 1849, como hijo de Franz Borgias Strauss. Es conocido como Strauss padre. Su formación fue autodidacta. Conoció la música amena de su época ya de niño en la taberna de su padre escuchando a los músicos sentado debajo una de las mesas de la taberna. Su carrera musical comenzó en 1823 como miembro del trío de violinistas de Josef Lanner, que tocaba en los bailes de vals en las tabernas de los suburbios de Viena. En 1827 se separó de Lanner y fundó su propio conjunto musical que salió a escena por primera vez, en las fiestas de Pascua, de 1827 en una taberna.

El verano de 1825 se casó con Maria Anna Streim. El joven matrimonio vivió primero en la calle Lerchenfelder Strasse de Viena, donde nació Johann Strauss hijo. Más tarde la familia se afincó en el barrio Leopoldstadt. Johann Strauss padre y su mujer Anna tuvieron seis hijos. A pesar de que el padre cada vez se preocupase menos de sus hijos y finalmente se separase de la familia, sin embargo, tomaría las decisiones referentes a la enseñanza de los varones. En ningún caso, deberían hacerse musicos profesionales, solamente tocar para “las necesidades domésticas”.

Estableció la forma del vals (cinco partes con da capo) y es autor también de marchas, polcas, galopes y contradanzas.

Su “Marcha de Radetzky”, 1849, una composición en honor al anciano mariscal fue un “hit” absoluto. Murió en Viena el 25 de septiembre, con sólo 45 años.

---------------------------------------------------------------------------------
Johann II, Al igual que su padre, nació en Viena en 1825 muriendo igualmente en su ciudad natal en 1899. A partir de 1841 fue estudiante de la universidad politécnica, pero no tenía gran interés en la árida contabilidad siendo expulsado de este centro después de dos años, por “conducta contraria a la disciplina”. Durante un año continuaba con sus estudios de violín y música, luego solicitó el permiso policial para “tocar con una orquesta de entre 12 y 15 personas en establecimientos de hostelería”. El 15 de octubre debutó, con éxito, con su orquesta. Compitió con su padre y fue director de música de la ciudad de Viena y director de baile de la corte.

Cuando Strauss padre murió en septiembre de 1849, el hijo se encargó de la orquesta de su progenitor.

Está considerado como el «rey del vals», de los que escribió más de doscientos (El Danubio azul, 1867; Vida de artista, 1867; Sangre vienesa, 1873; El vals del emperador, 1889). Es autor también de mazurcas, polcas, contradanzas y operetas (El murciélago, 1874; El barón gitano, 1885).

El año 1888 Strauss creó el famoso “Vals del emperador”. El compositor internacionalmente famoso no llegaría a ver el siglo XX, muriendo en Viena el 2 de junio de 1899.

-------------------------------------------------------------------------------
Josef Strauss nace en 1827 y muere el 22 de julio de 1870.

Josef-strauss comenzó sus estudios en la politécnica de Viena. Antes de conseguir su diploma de ingeniero trabajó en varios sitios. Durante la revolución de 1848 estuvo en la Legión Académica durante un período breve de tiempo; pero dejó el grupo de insurgentes, colgó el uniforme y se retiró en el monasterio de los hospitalarios, en el cual su familia había vivido durante las luchas.

Mientras duraron sus estudios técnicos, a él ya le comenzó a interesar la música; pero rehuso ser músico profesional. Pero después de la estresante estación invernal, cuando a su hermano Johann le diagnosticaron un serio problema debido al cansancio y le ordenaron reposo durante seis meses, el inexperto Josef se encargó de la dirección de la Orquesta de la familia Strauss; por poco tiempo- dijo él. Pero la colaboración musical fue desde ese momento de por vida. Tres años después dejaría de ejercer su profesión definitivamente en favor del negocio familiar: “la música”.

Sus dotes de director fueron aumentando con en el transcurso del tiempo. En 1856, dejó definitivamente su carrera; cuando sustituyó a Johann al mando de la orquesta; ya que éste se encontraba en un viaje en Rusia. En 1862 Johann volvió a marchar a Rusia al festival de verano de Pavlovsk y fue sustituido por su hermano.
---------------------------------------------------------------------------------

Eduard Strauss nace en Viena como el resto de su familia en 1835 y muere en la misma ciudad en 1916. Se graduó en la Academia vienesa de gimnasia y aspiraba a convertirse en diplomático; pero su madre rápidamente se opuso a ese plan. Ella le persuadió para que estudiara música. Tomó clases de teaoría, piano y violín y de su instrumento favorito, el arpa.

En el carnaval de 1861, debutó como director; en el “Monstre ball” en la Sala Sofíade Viena. Con el tiempo Eduard fue quien sustituyó a sus hermanos en las representaciones en público, y cuando ellos tenían fracaso de público, él aumentaba su popularidad. Eduard acabó dirigiendo los carnavales solo. También le tomó el puesto a su hermano Johann en los veranos de Pavlovsk en Rusia. Llegó a tener mucha fama como director; pero varias discrepancias con los promotores acabaron haciendo que ningún otro Strauss fuera invitado a Pavlovsk.

Después de la muerte de Josef, acabó siendo el único director de la banda de los Strauss. Sus conciertos populares en el Musikverein ayudaron a promocionar la música de los Strauss.

Eduard tuvo dos hijos Johann (1866-1939) y Josef (1868-1940). Johann acabaría sucediéndolo en su puesto como director-compositor y años más tarde se le conocería como Johann III. Las relaciones con sus hermanos nunca fueron buenas.

Después de la muerte de ambos hermanos, en 1907, Eduard quemó la mayor parte de material original de Johann y Josef, perdiéndose gran parte del patrimonio de los Strauss.

Finalmente murió sólo y apartado en su casa de Reichsratstrasse en Viena el 28 de diciembre de 1916.

De izquierda a derecha, los tres hermanos: Eduard, Johann (en el centro) y Joseph

1. ¿Cómo fue la infancia de Johann Strauss I?

Johann Strauss I nació en una familia judía que era dueña de una pequeña taberna en las afueras de Viena. Tenían un nivel económico bajo y vivían en la propia taberna. Allí tocaban muchos músicos para ganar algo de dinero y Johann les escuchaba escondido debajo de las mesas. En la guerra entre las tropas napoleónicas y Austria, la taberna fue atacada.

Murió su madre cuando Johann tenía 7 años de edad y su padre cuando tenía 12. El niño se quedó un violín de uno de los músicos de la taberna y aprendió a tocarlo solo. Tuvo una infancia solitaria y triste.

2. ¿ Cómo fue la infancia de Johann Strauss II?

Johann Strauss II fue hijo de Johann Strauss I y de Ana María que era hija del propietario de un bar en Viena. Cuando nació sus padres eran muy pobres y apenas tenían ingresos pero su padre empezó a destacar pronto como músico y el niño tuvo una educación normal. De pequeño mantuvo excelentes relaciones con su padre e incluso tocaba el tambor en la orquesta pero el carácter de su padre cambió y prohibió que el niño tocara música.
Johann estuvo siempre mucho más cercano a su madre y vivió totalmente influido por ella. La madre era la que tomaba todas las decisiones sobre todo a partir del momento en el que el padre les abandonó para irse a vivir con otra mujer y los hijos de la nueva pareja.

3. ¿Cómo era Johann Strauss en el colegio?

No fue buen alumno y no tenía buenas notas. Cuando empezó sus estudios en la escuela mercantil los profesores siempre se quejaban porque llegaba tarde, se quedaba dormido en las clases, no prestaba atención y no hacía los deberes que le mandaban para su casa. Acabaron expulsándole de la escuela por sus malas notas tras repetir curso con gran enfado de su padre.

4. ¿ Cómo fue la infancia de Joseph Strauss?

Joseph era un niño diferente. Era mucho más estudioso, serio y responsable. Le encantaban las matemáticas y todo lo relacionado con la ciencia. Sacaba muy buenas notas en el colegio. También tuvo mucha mejor relación con su madre que con su padre.

5. ¿ Cómo fue la infancia de Edward Strauss?

Edward también fue buen estudiante y era mucho más serio que su hermano Johann. Su padre estaba empeñado en que fuera abogado pero él como sus demás hermanos se inclinó por la música. Siempre estuvo muy celoso de su hermano Johann y se sentía el hermano pequeño mal tratado por su hermano mayor.

Tuvo una excelente relación con su madre pero también muy buenas relaciones con su padre al que visitaba con frecuencia en su casa y fue el único que mantuvo relaciones con sus medio hermanos, hijos de la amante de su padre.

En la imagen portada de la serie "The Strauss Dinasty".

¡¡¡¡¡¡Absoluta recomendación de la serie¡¡¡¡

La banda sonora de la película 2001: Una odisea del espacio, del director Stanley Kubrick, empieza con unas notas largas de trompeta alternadas a secos golpes de timbales. Es el comienzo del poema sinfónico Así habló Zarathustra, del compositor alemán Richard Strauss, inspirada en la obra homónima de Friedrich Nietsche. En esta primera sección, cuyo titulo es Amanecer, describe musicalmente el nacimiento del superhombre y el comienzo de una nueva era.

En la banda sonora de la misma película encontramos otro Strauss, que no tiene ningún parentesco alguno con Richard. Se trata de Johann Strauss hijo, miembro de una importantísima familia de músicos de la Viena decimonónica: su padre, Johann Strauss I, cuya obra más famosa es la Marcha Radetzky, y dos de sus hermanos, Joseph y Eduard. Sin embargo, Johann II fue el más importante, sobre todo por sus valses, una danza de origen popular que, de su mano, llegó a la corte imperial, además de a todas las fiestas de la aristocracia austríaca. Y justamente el más famoso de sus vals, El Danubio Azul, es la obra que Kubrick eligió para comentar musicalmente una escena de su película en la que se alternan imágenes de cuerpos celestes y astronaves flotando en el espacio con imágenes de objetos flotando en el interior de la nave por la falta de gravedad. Esa sensación de extrema ligereza de una escena que es casi una coreografía, está en perfecta sintonía con tan refinada música de danza.

La banda sonora no fue ni escrita ni ejecutada pensando en la película: Kubrick eligió varias obras musicales ya grabadas y las insertó en el largometraje. Las dos principales tan diferentes desde el punto de vista musical, tienen en común, además del apellido del compositor, otro detalle muy importante: ambas son dirigidas por Herbert von Karajan, uno de los más importantes directores de orquesta del siglo XX. En Así habló Zarathustra estaba al frente de la Orquesta Filarmónica de Viena, mientras que en el caso del vals, de la Orquesta Filarmónica de Berlín, de la que fue director estable durante más de 35 años.

György Ligeti que acompañan las imágenes del espacio. Alex North compuso una obra musical para la película, pero Stanley Kubrick no la incluyó, aunque salió a la luz de la mano de Jerry Goldsmith 25 años después. La dirección y diseño de los efectos visuales fueron obra de Kubrick, siendo supervisados por Wally Veevers.

Obras de György Ligeti acompañan las imágenes del espacio.
Stanley Kubrick utilizó la música de Ligeti sin solicitar permiso ni abonar derechos de autor, por lo que el compositor debió presentar una demanda a pesar de la admiración que mostró por la película. Kubrick incluyó en la banda sonora hasta cuatro obras de Ligeti: Réquiem, Lux Aeterna, Atmosphères y Aventures. Es el Réquiem el que acompaña las apariciones del monolito y también es la micropolifonía de Ligeti la que suena durante el abstracto viaje final de David Bowman: con ello Kubrick hace realmente un recorrido por la música del siglo XX que comienza con Zaratustra y culmina con Ligeti, para volver a iniciar el ciclo con los acordes finales de la obra de Strauss.

En la imagen fotograma de la película.

¡¡¡¡¡¡¡Absoluta recomendación de la película¡¡¡¡¡¡

1. ¿Quiénes fueron las mujeres de Johann Strauss I?

Johann Strauss tocaba en una taberna junto a su amigo y compañero de violín Joseph Lanner.

Lanner inició relaciones sentimentales con la hija del propietario llamada Ana Mª pero Strauss le quitó la novia a su amigo, la dejó embarazada y se vio obligado a casarse con ella.

El matrimonio fue solamente feliz durante los dos o tres primeros años. Después estuvo siempre presidido por las peleas y las disputas. Tuvieron seis hijos, los tres compositores, Johann, Joseph y Edward, y tres niñas, que no se dedicaron a la música.

En uno de sus conciertos, Strauss eligió a la persona que sabía bailar mejor, "la reina del vals". Se llama Emily y esa misma noche iniciaron una relación sentimental que se prolongó hasta el final de la vida de Strauss.

Strauss compatibilizó las dos relaciones. Tenía dos casas y en ambas tenía hijos ya que con Emily tuvo cinco hijos. Pero las tensiones con su esposa eran cada vez mayores y acabó abandonándola. Les pasaba una cantidad de dinero mensual pero lo hizo con la condición de que ninguno de sus hijos se dedicara a la música. No lo consiguió y los tres fueron compositores.

Uno de los hijos de Emily contrajo fiebre escarlatina. Strauss se quedó cuidándole, se contagió y falleció.

Strauss fue también muy mujeriego y a pesar de las dos relaciones tenía también otras ocasionales. Fue siempre muy independiente. Entre sus amantes estuvo la soprano Jetti. Fruto de esa relación tuvieron un hijo. Lo más increíble de la historia es que Jetti se casaría años después con el hijo matrimonial de Johann Strauss por lo que fue amante del padre de Johann Strauss II y a la vez madre de un medio hermano de Johann Strauss II.

2. ¿Quiénes fueron las relaciones sentimentales más importantes de Johann Strauss II?

Johann Strauss fue muy mujeriego desde su juventud. Mantuvo una relación sentimental con la hija de Joseph Lanner que había sido compañero de orquesta de su padre y después gran enemigo suyo. Pero no llegaron a casarse.
Su segundo gran amor fue una aristócrata rusa. No pudieron casarse debido a la diferencia social ya que Strauss no era de religión ortodoxa. El fracaso de esa relación le sumió en una gran depresión.

3. ¿Quién fue la primera esposa de Johann Strauss?
Strauss conoció entonces a Jetti. No sabía que había sido amante de su padre y por supuesto tampoco sabía que había tenido un hijo con su padre. Aunque Jetti era soprano había llevado una vida sentimental muy ajetreada y tenía siete hijos bastardos de diferentes relaciones. Jetti y Johann formaron una pareja más profesional y de negocio que sentimental. Ella era diez años mayor que él. Johann era una persona muy desorganizada.

Jetti le ayudó en todo y debemos a ella muchas de las mejores obras de Strauss incluyendo la ópera el Murciélago que escribió por la insistencia de Jetti en que se dedicara al teatro.
Johann descubrió que un hijo de Jetti la visitaba constantemente para pedirle dinero. Pero lo que le dejó consternado es saber que ese hijo era de su padre. A esto se unió que en el estreno de "El Murciélago" entabló una relación con una de las sopranos de la compañía, treinta años más joven que él y cuarenta años más joven que Jetti. Fue demasiada presión para Jetti que según algunas fuentes se suicidó y según otras tuvo un infarto.

4. ¿Quién fue la segunda mujer?

La segunda mujer se llamaba Lily. No tenía nada que ver con Jetti. Era también cantante pero de un nivel muy bajo. Tenía treinta años menos que Johann. Se casaron a las tres semanas de conocerse para gran sorpresa de todos sus amigos y familiares. A Lily lo único que le interesaba de Johann era el dinero. Era una mujer extraordinariamente gastadora en ropa y joyas. También le encantaba el deporte y viajar y Johann detestaba ambas cosas. Ella empezó a salir sin parar regresando a casa a altas horas de la madrugada. Las broncas eran constantes. Un día por sorpresa llevó a su marido a una exposición de arte donde había varios retratos suyos desnuda. Johann estalló en cólera.

Johann pidió el divorcio a Lily pero esta se lo negó. En esa época en Austria estaba prohibido el divorcio si no había mutuo consenso.

5. ¿Quién fue la tercera esposa?
Johann encargó el proceso de divorcio a un abogado judío. En el despacho de este abogado trabajaba una joven abogada de 24 años que había estado casada con el hijo del abogado titular, pero este había muerto repentinamente. Ella se llamaba Adele. Johann tenía 31 años más que ella.

Entre Johann y Adele se entabló pronto una relación aunque más serena que otras anteriores. Adele se convirtió en amante y abogada de Johann.

Siendo ciudadano austriaco y católico era evidente que Johann no podría obtener el divorcio y no podría casarse con Adele. A los muchos inconvenientes se añadía que Adele era judía tanto por parte de padre como de madre.

Como siempre, Johann tuvo una solución mágica y arriesgada. Se cambió de nacionalidad al hacerse alemán y cambió también de religión pasando de católico a protestante. Se casó con Adele en Alemania.

Adele tenía una hija del matrimonio anterior también judía por parte de padre y de madre. Johann la adoptó.

Estuvieron juntos hasta el final de la vida de Strauss durante 17
años y fue el gran amor de su vida. Adele sobrevivió a su marido
40 años.

6. ¿Tuvo hijos Johann Strauss?

No tuvo hijos de ninguno de sus matrimonios. Su única hija fue Alice adoptada que era hija del primer matrimonio de su tercera esposa.

En la imagen Emily Richard protagonista del rol de Adele esposa de Johann Strauss I en la serie "The Strauss Dinasty". En la imagen junto a Johann Strauss.

¡¡¡¡¡¡Absoluta recomendación de la serie¡¡¡¡

¿Quién fue Johann Strauss II?

Johann Strauss II es el hijo mayor de Johann Strauss. Es el compositor más genial de toda la familia y el que más presente está con mucha diferencia en los programas de los conciertos.
Johann Strauss también nació en Viena. De niño le gustaba la música pero su padre le prohibió que estudiara música. Su padre había decidido que ninguno de sus hijos fuera compositor. El primero, Johann, debía hacer una carrera mercantil en el mundo de los negocios, el segundo, Joseph, debía ser militar y el tercero, Edward, abogado.

Johann empezó a estudiar en la Universidad Politécnica pero no mostraba ningún interés y terminó siendo expulsado. A escondidas y con el apoyo de su madre, se dedicó intensamente a estudiar música. Cuando estuvo preparado debutó con éxito con su propia orquesta y entró en competición con su padre.

En 1848 participó en la revolución contra el emperador, lo que de nuevo lo enfrentó con su padre que estaba en el bando contrario ya que era el director de música de la Corte imperial.
Esta participación en la revolución le persiguió durante muchos años ya que no le fue ofrecido ningún puesto en la Corte ni pudo suceder a su padre como director de música de la Corte cuando falleció un año después de la revolución

Solo muchos años después consiguió, gracias a su música, recibir el nombramiento de director de la Corte imperial por la buena relación que entabló con el emperador Francisco José I, el marido de Sisi.

Tuvo una vida sentimental muy conflictiva ya que fue siempre muy mujeriego. Tras varias relaciones que no terminaron en matrimonio se casó con una cantante llamada Jetti que tenía diez años más que él. Jetti impulsó mucho su carrera. Tenía grandes dotes organizativas y sabía administrarse muy bien. Jetti le impulsó para dedicarse a la composición y que abandonara la dirección de orquesta. Dejó la orquesta en manos de sus hermanos y empezó a escribir obras más complejas. Gracias a Jetti entró en el mundo del teatro y escribió óperas.

Su segunda mujer era de un estilo completamente diferente ya que era treinta años más joven que él y no tenía el más mínimo interés por la música.

La tercera mujer también era mucho más joven que él, treinta y un años menos, pero tuvieron una relación magnífica y fue el matrimonio más feliz de Strauss. Ella también le impulsó a escribir música y a volver al mundo de la ópera.

A finales del S. XIX, varios periódicos hicieron una estadística sobre quienes eran las personas más famosas del mundo. Johann Strauss aparecía en tercer lugar. Fue el compositor que más fama y éxito tuvo durante su vida.

Las obras más famosas de Strauss son el Danubio azul que es siempre la penúltima obra en los conciertos de año nuevo de Viena y el Vals del emperador. En lo que se refiere a la ópera, las más conocidas son El murciélago y el Barón gitano.
Strauss murió justo al final del S. XIX en el año 1899 con 72 años de edad.

El malagueño, uno de los artistas más prolíficos de todos los tiempos, firmó más de 13.500 pinturas –algunos elevan el número incluso a 20.000–, unos 14.000. dibujos y bocetos, 2.500 grabados, 100 cerámicas y 700 esculturas.

En la imagen el último cuadro pintado por Picasso.

El Danubio azul, o El bello Danubio azul (título original en alemán: An der schönen blauen Donau op. 314, Al bello Danubio azul), es un vals compuesto por Johann Strauss (hijo) en 1867.

Historia

En febrero del año 1867, Johann von Herbeck, director del Wiener Männergesangverein, pidió a Strauss que le escribiera un vals para su coro. Herbeck llevaba mucho tiempo disgustado con el repertorio del coro masculino, que en su opinión era mediocre y gris, por lo que deseaba un vals coral "vivo y alegre" para los carnavales de aquel año. La letra la escribiría el poeta fijo de la sociedad coral.

Strauss se puso al trabajo, y pronto terminó el encargo, que sería el más famoso y popular de sus cuatrocientos valses.

En aquella época, reinaba en Viena una atmósfera derrotista como consecuencia de la derrota de Austria a manos de Prusia en la Guerra de las Siete Semanas en 1866.

El comisario de Policía, Josef Weyl, a quien se encargó la letra del vals, aprovechó la oportunidad para manifestar sus sentimientos políticos. A los componentes del coro no les gustó la letra, y la protestaron ruidosamente cuando tuvieron que ensayar la canción. Su indignación se refería también a la música. Pero Herbeck y el patrón de las artes, Nikolas Dumba, a quien estaba dedicado el vals, consiguieron apaciguarlos y que no ofendieran a Strauss.

El día 13 de febrero de 1867, el vals se estrenó en la Sala Diana, bajo la batuta de Rudolf Weinburm. La orquesta creada por los hermanos Josef y Eduard Strauss, acompañó al coro.

Strauss comentó con su hermano Josef:

"Que el diablo se lleve el dichoso vals. Sólo lo siento por la coda, que pensé habría de gustar más".
Pero cuando el propio Strauss en persona dirigió el vals, aunque sin coro, en la Exposición Universal de París, en el verano del mismo año, el éxito fue enorme, y rápidamente alcanzó una tremenda popularidad.

Invitado por el Príncipe de Gales, Strauss lo dirigió en Inglaterra, donde fue ejecutado en seis conciertos en el Covent Garden.

Unas semanas después salía para todos los rincones del mundo un millón de ejemplares de la partitura impresa. Las planchas de cobre que se utilizaban en aquel tiempo para la impresión musical, sólo podían utilizarse para 10.000 ejemplares, número excesivo incluso para las melodías más populares. Sin embargo, fue necesario grabar cien planchas para la edición de El bello Danubio azul.

Franz von Gernerth escribió una nueva letra que dice:

"¡Danubio azul! A través de valles y praderas corren tus ondas muellemente. Nuestra Viena te saluda. Tu cinta plateada enlaza playas y playas, y los corazones felices cantan a lo largo de tus hermosas orillas".
Se hicieron varias traducciones inglesas, una de ellas por Charles Dunn. Francia también tiene su versión. El compositor Wekerlin lo adaptó para una sola voz con letra de Jules Barbier.

Hoy, El Danubio Azul es considerada una de las piezas más populares de la música clásica. Las connotaciones sentimentales vienesas lo han convertido en el segundo himno nacional austriaco y es uno de los "bises" indiscutibles del Concierto de Año Nuevo de Viena. Es muy tradicional en Latinoamérica bailar un vals en las fiestas de boda y de XV Años, siendo El Danubio Azul la pieza más utilizada.

Letra
A continuación se presenta el texto original de la canción (alemán)y su traducción (español):

An der schönen blauen Donau

Donau so blau, so schön und blau,
durch Tal und Au wogst ruhig du hin,
dich grüßt unser Wien, dein silbernes Band
knüpft Land an Land und fröhliche Herzen
schlagen an deinem schönen Strand.

Weit vom Schwarzwald her eilst
du hin zum Meer,
spendest Segen allerwegen,
Ostwärts geht dein Lauf,
nimmst viel Bruder auf:
Bild der Einigkeit für alle Zeit!
Alte Burgen Seh'n nieder von den Höh'n,
grüssen gerne dich von ferne
und der Berge Kranz,
hell vom Morgen glanz,
spiegelt sich in deiner Wellen Tanz.

Die Nixen auf dem Grund,
die geben's flüsternd kund,
was alles du erschaut,
seit dem über dir der Himmel blaut.
Drum schon in alter Zeit
ward dir manch Lied geweiht;
und mit dem hellsten Klang preist
immer auf's Neu dich unser Sang.

Halt an deine Fluten bei Wien,
es liebt dich ja so sehr!
Du findest, wohin du magst zieh'n,
ein zweites Wien nicht mehr!
Hier quillt aus voller Brust
der Zauber heit'rer Lust,
und treuer, deutscher Sinn streut
aus seine Saat von hier weithin.

El bello Danubio Azul

Danubio tan azul, tan bello y azul,
a través del valle y el campo se desplaza hacia abajo aún,
Nuestra Viena te saluda, su cinta de plata,
une todas las tierras y la alegría del corazón
golpea la hermosa ribera.

Lejos de la Selva Negra
te apresuras hacia el mar
dando bendición a todo.
Fluyes hacia el este
acogiendo a muchos hermanos
¡Imagen de unidad de todos los tiempos!
Antiguos castillos te ven desde lo alto,
y saludan desde lejos
y la montañas escarpadas
que resplandecen en la mañana,
se reflejan en la danza de tus olas.

Las sirenas en el fondo,
susurran
lo que escuchas,
bajo el cielo azul.
El ruido de tu paso
es una canción de hace mucho tiempo
y los sonidos más brillantes
no siempre se los llevan.

¡Mantén tus olas en Viena,
que te ama tanto!
A donde quiera que vayas
¡No encontrarás otro lugar como Viena!
Aquí vierte de sus pulmones
la magia de deseos felices
y fiel, extiende el sentimiento germánico
sembrándolo a lo largo de sus aguas.

La segunda esposa de Johann Strauss, Angelika Dittrich (actriz), con quien se casó en 1878, no era una ferviente partidaria de su música y la diferencia de edad y opiniones, y sobre todo su indiscreción, llevó a que Johann le pidiera el divorcio para casarse con Adele,

A Strauss no le concedió la nulidad la Iglesia católica y, por lo tanto, cambió de religión y de nacionalidad. Se convirtió en protestante y ciudadano alemán de Sajonia-Coburgo-Gotha.

Strauss buscó consuelo en su tercera esposa, Adele (con quien se casó el 15 de agosto de 1882) y en sus últimos años fluyo su talento creativo, lo que resultó en en muy buena música, como la que se encuentra en las operetas Der Zigeunerbaron y Waldmeister y los valses Kaiser-Walzer op. 437, Kaiser Jubiläum op. 434, Märchen aus dem Orient op. 444 y Klug Gretelein op. 462.

Adele, al igual que el abuelo de Strauss, era de origen judío, hecho que los nazis ocultaron.

Die Ehe mit Adele Deutsch, verwitwete Adele Strauß, genannt „Cosima im Dreivierteltakt" oder auch „lästige Witwe".

Sie selbst wünschte als „Frau Johann Strauß" angesprochen zu werden.

Adele wurde am 1. Jänner 1856 in Wien geboren und heiratete 1874 den Bankierssohn Anton Strauß, der 1877 verstarb. Sie trug also als Noch-Nicht-Ehefrau Strauß berechtigerweise den Namen Strauß und stellte sich Johann Strauß auch dergestalt vor, daß sie Trägerin eines der berühmtesten Namen der Welt sei. An eine Ehe war vorerst nicht zu denken, da Strauß geschieden war und nach katholischem Recht nicht heiraten konnte.

Das Zusammenleben seit 1883 wurde dahingehend legalisiert, daß Strauß sächsischer Staatsbürger wurde und zum protestantischen Glauben übertrat. Am 15. August 1887 heiratete Strauß die um 31 Jahre jüngere Adele in der Herzoglichen Hofkirche zu Coburg.

Adele nahm das Leben ihres Mannes vollständig in die Hand. Als Managerin überbot sie bei weitem die Initiativen von Jetty. Nach demTode von Strauß 1899 war sie eine penible Nachlaßverwalterin und achtete genau auf die exakte Verrechnung der ihr zustehenden Tantiemen.

Adele Strauß verstarb im Jahre 1930. Die komponierende Nachwelt verdankt ihr heute noch die „Lex Johann Strauß".

En la imagen Brahms con la tercera esposa de Johann Strauss.

Estamos en Mayo de 1956. Se desarrolla el Festival de Cine de Cannes. Brigitte Bardot (BB) visita a Picasso que vive cerca de Cannes. Tiene la ilusión de ser retratada por Picasso y quizás de algo más. Pero Picasso vive con Jacqueline y ha encontrado la paz y la tranquilidad. Jacqueline, la mujer más pintada de la historia con 400 retratos, fue el gran amor de la vida de Picasso.

Picasso no acepta pintar a BB. Su modelo es Jacqueline y se mantiene fiel a ella incluso en lo que se refiere a pintar a otra mujer.

Cuando tuvo lugar la visita BB tenía 21 años y Picasso 74. BB ya era una actriz muy conocida y había participado en 17 películas.

Al final BB se fue triste sin su añorado retrato.

1-Su verdadero nombre
El nombre completo del pintor constaba de 23 palabras: Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Clito Ruiz y Picasso. Sin embargo, se hizo conocido mundialmente como Pablo Picasso.

#2-Creyeron que había nacido muerto
Luego de que su madre lo dio a luz, la partera creyó que estaba muerto debido a que no reaccionó al momento de nacer. Entonces, lo dejó recostado en una mesa para poder atender a su madre. Su tío, presente en el lugar, vio la situación y le tiró una bocanada de humo de cigarrillo encima, lo cual hizo reaccionar al recién nacido.

#3-Piz
La primera palabra que dijo el célebre pintor fue "piz", un apócope de lápiz en el castellano de España.

#4-Le picador
Su primer cuadro lo completó a la tierna edad de 9 años y le llamó "Le Picador". Esta pintura es el retrato de un hombre junto a su caballo. A Picasso le encantaba contar anécdotas de su niñez. Entre sus recuerdos más entrañables están los primeros pasos que dio empujando una sillita o una caja de lata de galletas “Olibet”.

#5-Primera Comunión
A la edad de 15 años realizó su primer obra académica. La llamó "Primera Comunión" y en ella aparece su padre, llamado José Ruiz Blasco; su madre, llamada María Picasso López; y su hermana Lola arrodillados en un altar. Se dice que pintó una serie de pinturas religiosas que nunca se atrevió a vender.

#6-Estudiante rebelde
A pesar de ser un gran estudiante, Picasso era enviado de manera frecuente a la sala de detención. De todas formas, él afirmó que pasaba muy buenos momentos en ese lugar porque sus maestras le permitían dibujar. Como no le gustaba asistir al colegio, usualmente inventaba alguna dolencia o se llevaba algún objeto de su padre para que lo fuera a buscar.

#7-El primer empleo
El primero en contratar a Picasso fue un comerciante de arte llamado Pere Menach. Menach era de París y acordó en pagarle 150 francos mensuales a cambio de su trabajo. Esa suma equivale a U$S 750 de hoy

#8-Cubismo
El cubismo es un movimiento creado en el año 1909 por Picasso y el artista francés Georges Braque. Sin embargo, el primero en otorgarle el nombre con el cual se haría mundialmente conocido fue Louis Vauxcelles. Este francés y critico de arte lo llamó "cubiques extraño", debido a que las pinturas estaban repletas de cubos.

#9-Comunismo
En el año 1947, Picasso decidió afiliarse al Partido Comunista Francés como resultado de la gran indignación que sentía respecto al fascismo que se encontraba en Europa en aquella época. La Unión Soviética le otorgó dos premios: en 1950, ganó el Premio Stalin de la Paz y, en 1962, le fue concedido el Premio Lenin Internacional de la Paz. Él permaneció en el partido hasta el día de su muerte.

#10-El Guernica
El cuadro llamado "Guernica" fue pintado entre los meses de mayo y junio de 1937. Josep Renau, Director General de Bellas Artes, pidió a Picasso este cuadro para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París. El objetivo era atraer la atención internacional a la causa republicana en plena Guerra Civil Española.

#11-En contra del fascismo
Luego de ser exhibido en una gran cantidad de galerías de Oslo, Estocolmo y Londres, entre otras ciudades, el "Guernica" fue comprado por un español en una subasta. Sin embargo, Picasso prohibió que el cuadro volviera a España hasta que el dictador Franco dejara el poder. En 1981 el Museo de Arte de Nueva York devolvió el cuadro a España.

#12-Un sinfín de obras
El libro de récords Guinness nombró a Picasso como el artista más prolífico del mundo: su colección cuenta con aproximadamente 13.500 pinturas, 100.000 impresiones, 34.000 ilustraciones y 300 esculturas.

#13-La realeza del arte
Picasso tenía, obviamente, una obsesión por sus pinturas. Su familia cuenta que, cuando ya era un artista consagrado, compraba castillos y completaba sus habitaciones con sus obras. Una vez que las paredes de un castillo estaban llenas, compraba otro palacete y comenzaba a completar esta galería privada nuevamente.

#14-El misterio de la Mona Lisa
En el año 1911, la Mona Lisa, el famoso cuadro de Leonardo Da Vinci, fue robado del museo parisino Louvre. La policía tenía como principales sospechosos a Pablo Picasso y su poeta amigo Guillaume Apollinaire. Por esa razón, fueron detenidos e interrogados. De todas maneras, ninguno de los dos fue declarado culpable, por lo cual fueron dejados en libertad.

#15-Un galán
Picasso, además de un genio de la pintura, era un seductor, característica que lo llevó a tener muchísimas mujeres, siempre mucho más jóvenes que él. Entre ellas se destacaron Fernande Olivier, Marcelle Humbert, Gaby Lespinasse, Olga Khokhlova, Marie-Thérèse Walter, Dora Maar, Françoise Gilot, Geneviève Laporte y Jacqueline Roque.

#16- Sus hijos
El artista tuvo cuatro hijos: Paulo, hijo de Olga; Maya, hija de Marie-Thérèse y los gemelos Claude y Paloma, junto a Françoise Gilot.

#17-Diversos períodos
En una primera instancia, entre 1901 y 1904, Picasso usaba colores primarios entre los que predominaba el azul. Usualmente las escenas retratadas por el pintor eran muy tristes: solía pintar mendigos. Luego, en 1905 comenzó su período rosa, mucho más alegre y festivo, durante el cual pintaba payasos. Uno de sus períodos más curiosos fue el de las máscaras africanas, el cual comenzó en el año 1908. Un año después, comienza su período más característico: el cubista.

#18-Un artista robado
Picasso fue el artista más robado de la historia: 350 de sus obras fueron objeto de robos.

#19-El Sueño
"La Rêve" (El Sueño) se transformó en el año 2013 en una de las pinturas más caras del mundo al ser vendida en 155 millones de dólares. Este cuadro es un retrato de Marie-Therese Walter, una de las mujeres de Picasso.

#20- La venta que no fue
En el año 2006, Steve Wynn, un millonario propietario de casinos en Las Vegas, había vendido Le Rêve , una obra de Picasso, en 139 millones de dólares. Mientras hacía alarde de su logro junto a sus compañeros, realizó un movimiento con el brazo y terminó agujereando el lienzo de la pintura con el codo. Recién logró vender el cuadro en el año 2013.

1. Fernande Olivier. Amante

Esta fue la primera relación duradera de Picasso y la musa que inspiró su "época rosa" y el comienzo del cubismo.

A pesar de estar casada, comenzó una relación con Picasso, que duró 7 años. Se separan en 1912, cuando él estaba interesado en otra mujer. Fernande escribió el libro "Amar a Picasso", que se publicó sólo en 1988, porque había un pacto entre los dos que impidió la publicación mientras ambos vivían. Murió en 1966 y fue la única amante conocida de Picasso antes de llegar a la fama.

2. Eva Gouel. Amante

Fue la pasión de Picasso en el período cubista. Picasso quedó devastado porque Eva enfermo y murió joven. Eva falleció en 1915, no está claro si por la tuberculosis o el cáncer. El cuadro "Amo a Eva" fue una de las pruebas de amor que Picasso le regaló y la pintura "L'Enfer" (El infierno) refleja el sufrimiento sentido y vivido.

3. Olga Khokhlova. Primera esposa. Madre de su hijo Paulo

Fue la primera esposa de Picasso y de quien tuvo un hijo, Paulo. Olga era una bailarina. Vivieron un matrimonio feliz en un período corto hasta que aparecieron muchos conflictos, principalmente porque pertenecían a diferentes clases sociales. Durante este período, Picasso pintó cuadros que representan madres y niños. Al tener conocimiento de su amante Marie-Therese, que estaba embarazada, Olga se fue a vivir lejos de Picasso, pero no se divorciaron por cuestiones monetarias. En 1955 murió de cáncer.

4. Marie-Therese Walter. Amante y madre de su hija Maya.

Tenía sólo 17 años cuando se convirtió en la amante de Picasso (con 47 años) y la relación fue descubierta por su esposa Olga, nada más Marie-Therese quedar embarazada.
Un año después de nacer su hija, Pablo encontró una nueva amante y la relación se deterioró. Marie-Therese fue la inspiración para los famosos 100 grabados de Picasso tituladas "Vollard Suite". Ella se suicidó tres años después de la muerte de su amado. El nieto de ambos, escribió un libro titulado: "Picasso:. La historia de la familia Real"

5. Dora Maar Amante

Dora era fotógrafa, poeta y pintora. Fue la que documentó uno de los cuadros más famosos de la obra de Picasso, el "Guernica". Fue la responsable de la separación de Picasso y Marie Therese-. Su relación duró alrededor de 8 años. Después del "Guernica" y el comienzo de su relación con Dora Maar, Picasso pintó una serie de cuadros como "The Weeping Woman" (la mujer que llora), que representan imágenes tristes.
Dora nunca superó la separación de Picasso y sufrió tiempos difíciles emocionalmente hasta su muerte con 89 años (1995).

6. Françoise Gilot. Amante y madre de sus hijos Claude y Paloma.

Con 62 años y todavía en una relación con Dora Maar, Picasso comenzó una relación (de 10 años) con Françoise, que era sólo un joven estudiante de 21. Françoise es también un artista (pintora, escritora) y son muchos los que piensan que su carrera no progresó más debido a su amor por Picasso. Tuvieron dos hijos.

7. Genevieve Laporte. Amante

Entrevistó a Picasso para el periódico de la escuela con 17 años de edad y tuvieron una relación ocasional pero no fue hasta que tenía 24 que comenzó un romance con el artista mientras vivía con Francoise.

Su amor era secreto. Durante este período, Picasso tenía lo que se llama un "período de ternura”, ya que Genevieve fue la única mujer que retrató sonriendo. En 2005, con 79 años, subastó 20 obras de Picasso (muchas sobre sí misma) y con el dinero que consiguió, creó una fundación para la defensa de la naturaleza y los animales. Todavía está viva.

8. Jacqueline Roque. Segunda esposa.

En 1953, Picasso con 71 años conoce a Jacqueline de 26. Años más tarde, Jacqueline se convirtió en su segunda esposa. Ella fue la musa que inspiró más obras. Estuvieron juntos 20 años, hasta que Picasso murió en 1973. En 1986, Jacqueline se suicidó.

"El amor es el mejor tónico de la vida" Pablo Picasso.

En la imagen retrato de Jacqueline por su marido, Picasso.

Su segunda esposa, Angelika Dittrich (actriz),llamada Lily, con quien se casó en 1878, no era una ferviente partidaria de su música y la diferencia de edad y opiniones, y sobre todo su indiscreción, llevó a que Johann le pidiera el divorcio.

Die Ehe mit Ernestine Henriette Angelica Dittrich, genannt „Lily"

Angelica Dittrich wurde am 30. März 1850 in Breslau geboren, war Schülerin des Hofkapellmeisters Heinrich Proch, jenes Dirigenten, der die Eröffnungsvorstellung von Mozarts „Don Giovanni" in der neuerbauten k.k. Hofoper am 25. Mai 1869 leitete. Über Strauß suchte sie ein Engagement im Theater a.d. Wien. Es kam nicht zum Engagement, sondern zur Heirat. Strauß, 25 Jahre älter als Lily, kannte sie schon aus früherer Zeit - ohne daß seine erste Frau von diesem Verhältnis wußte - und heiratete sie am 28. Mai 1878 in der Wiener Karlskirche 50 Tage nach dem Ableben von Henriette Strauß. Bald nach der Hochzeit zog das Paar in das nach Ideen von Straußens erster Ehefrau erbaute neue Palais in der Igelgasse 4, heute Wien IV., Johann-Strauß-Gasse

Die Ehe war nicht glücklich. Es gab Streitereien, das gegenseitige Verständnis war gering. Anna Strauß, eine ledig gebliebene Schwester von Johann, berichtete von einem Verhältnis Lilys mit Franz Steiner, dem Direktor des Theaters a. d. Wien. Als Lily dann auch noch Assistentin im Theater a. d. Wien wurde, ergab es sich, daß die Strauß-Operette „Eine Nacht in Venedig" als einzige Strauß-Operette am 3. Oktober 1883 nicht in Wien sondern in Berlin uraufgeführt wurde.

Am 9. Dezember 1882 wurde die Ehe einvernehmlich geschieden. Lily starb in großer Armut im Jahre 1919 in Bad Tatzmannsdorf an einem Krebsleiden. In ihren letzten Lebensjahren sah man sie bisweilen um die von Strauß erworbene Villa in Schönau bei Leobersdorf in der Nähe von Baden bei Wien spazieren gehen. Die Straußvilla ist abgetragen worden.

En la imagen la segunda esposa de Johann Strauss.

Henrietta Treffz, nacida como Henrietta Chalupetzky (Viena, 1 de julio de 1818 - Viena, 8 de abril de 1878) fue una mezzo-soprano austriaca, mejor conocida por ser la primera esposa de Johann Strauss (hijo).

Vida y comienzo artístico
Henrietta era la única hija de Joseph Chalupetzky (un orfebre en Viena proveniente de una familia de origen bohemio que por generaciones habían trabajado en el procesamiento de oro y plata) y Henriette Treffz (1794-1871). La joven Henrietta empezó a estudiar música y canto en Viena, y adoptó el apellido de soltera de su madre, Treffz, con fines profesionales. Su carrera comenzó con actuaciones en Austria en 1837 la joven cantante debutó en el Theater am Kärntnertor), Alemania (donde entre los años 1839 a 1841 actuó en el teatro de la corte de Dresde y Leipzig) y Francia.

Entre 1844-1848 actúo en el Theater am Kärntnertor, en el Theater in der Josefstadt, y, posteriormente, en el Theater an der Wien con Jenny Lind. Sin embargo, fue en el Reino Unido, cuando apareció en una serie de conciertos junto a Johann Strauss padre, que comenzó a darle el primer reconocimiento real. El "Mundo Musical", publicó en Londres el 5 de mayo de 1849, acerca de su talento: "Su hermosa voz de la calidad de mezzo-soprano se destaca por su frescura y la igualdad de tono."

Entre 1841 y 1852, Henrietta dio a luz a siete hijos ilegítimos y, hacia 1843, se convirtió en la amante de un rico banquero Moritz Todesco, con quien permanecería atada durante los próximos dieciocho años. Todesco, entusiasta de la música, organizó muchas veladas musicales en el salón de su casa en Viena, donde conoció a varias figuras importantes e influyentes en el mundo del arte, la música y la literatura. Lo más probable es Henrietta fuera presentada a Johann Strauss II durante el invierno de 1861 y 1862 en una de esas veladas, aunque es posible que los dos ya se habían conocido dieciséis años atrás durante un baile en el teatro "“Sträussel-Säle” en el distrito de Josefstadt.

Matrimonio con Johann Strauss II
El 27 de agosto de 1862, Henrietta (cariñosamente apodada "Hetty"), se casó con Johann Strauss en la catedral de San Esteban en Viena, un matrimonio que resultó ser una ventaja para el compositor de todos los puntos de vista, gracias al fuerte apoyo dirigido a la actividad musical de su marido y el agudo sentido para los negocios, Hetty influenció la obra de Johann elevándola a niveles significativamente más altos. No es casualidad que el período del matrimonio coincidió, para Strauss, con el de su mayor y mejor producción , en gran parte por su esposa que, dedicándose en cuerpo y alma a las actividades de su marido, se convirtió en secretaria y administradora real.

Su matrimonio, sin embargo, siempre estuvo acompañada por un gran escepticismo. Los habitantes de Viena se sorprendieron con el anuncio de su matrimonio, tanto porque la novia tenía cuarenta y cuatro años en el momento del matrimonio (unos siete años más que Strauss) y porque había muchos rumores de que la novia había sido, años antes, amante de Johann Strauss padre. Incluso se comentaba que Hetty tuvo un hijo con Johann Strauss padre tesis que hace suya la esplendida serie de televisión "The Strauss Dinasty".

La crítica también llegó a la misma familia del hermano del esposo, Josef Strauss, quien inicialmente no pudo ocultar su profunda preocupación por el inminente matrimonio. Sin embargo, a lo largo de los años, el mismo Josef notó cómo sus preocupaciones eran infundadas: " Es imprescindible su presencia en la casa. Pone su firma en los documentos, revisa las partituras, se ofrece para todo, incluso en el trabajo de la cocina con tal eficiencia y bondad que es admirable." dijo Josef Strauss (hermano de Johann) en una carta fechada el 02 de mayo 1869, dirigida a su esposa Caroline.

La contribución más importante que Hetty fue capaz de dar a la producción artística de Strauss fue capaz de convencer a su marido para probar suerte en el mundo del teatro y la ópera. Fue durante este período que se gestó la que luego sería la opereta más popular de Johann Strauss "Die Fledermaus" (El murciélago, 1874). Además, gracias a su estímulo insistente, Hetty, finalmente logró para su marido un codiciado lugar de "KK Hofballmusik-direktor" (Director del Baile de la Corte) en 1863 luego de que en años anteriores se le había negado dos veces debido a su fuerte compromiso a favor de los movimientos revolucionarios durante los levantamientos de 1848.

Henrietta Treffz vivió para ver a su marido obtener pequeños pero alentadores logros en el campo de la opereta, sin embargo, el 8 de abril de 1878, después de un ataque al corazón Hetty murió a las 23:30, la causa y el momento de la muerte se registraron a partir uno de sus hijos ilegítimos. Fue enterrada en el cementerio de Hietzing, pero Strauss no asistió al funeral y se encargó de todo su hermano Eduard Strauss. Johann Strauss se casó Siete semanas después con la joven actriz Henriette Ernestine Angelika Dittrich, 28 de mayo de 1878.

En la imagen Johann Strauss y Hetty en la serie de televisión de 10 horas "Strauss Dynasty".

¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡Absoluta recomendación de la serie¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡

Ludovico Manin (Venecia, 14 de mayo de 1725 – Venecia, 24 de octubre de 1802) fue un magnate veneciano que llegó al cargo de Dux de Venecia, siendo la última persona en desempeñar esa función pues en 1797 la República de Venecia fue abolida por las tropas francesas de Napoleón Bonaparte, quien lo forzó a abdicar.

Primeros años de vida.

Manin nació en una familia que era una de las más ricas de la aristocracia veneciana, y estudió leyes en la Universidad de Bolonia. De vuelta en Venecia, Manin destacó por su honestidad entre los aristócratas así como por su gran riqueza, una de las mayores de la República. A lo largo de su vida desempeñó puestos en la burocracia estatal veneciana, primero como gobernador de Vicenza y luego de Verona y de Brescia. En 1764 fue designado procurador y cinco años después consiguió quedar exento de nuevos cargos administrativos alegando mala salud. En 1787 fue elegido para escoltar en territorio veneciano a un ilustre visitante, el papa Pío VII, que lo recompensó por ello.

Vida pública

La riqueza de Manin destacaba entre la de sus compatriotas, más aún en una época cuando la decadencia política y económica de Venecia había causado el acelerado empobrecimiento del Estado a lo largo del siglo XVIII, así como la extinción del antiguo poderío veneciano en el Mediterráneo.

Cuando murió el dux Paolo Renier, la nueva elección de dogo llamó la atención de Manin como aspirante. Aun cuando parte de la aristocracia más antigua acusaba a Manin de ser un "noble reciente", su fortuna personal hacía que él fuera el candidato ideal en tanto una de las obligaciones del dux era financiar con sus propio dinero las diversiones y fiestas populares, misión que muy pocos aristócratas estaban en condición de afrontar en esos momentos.

Pocos meses después de asumir Manin el cargo de dux, estalló la Revolución Francesa, ante la cual Manin mantuvo una actitud de oposición reaccionaria, pero sin involucrar a la ya débil República de Venecia en las campañas militares de los estados más poderosos contra Francia. Cuando tropas francesas invadieron Italia en 1795, varios pequeños estados italianos formaron una coalición bajo patrocinio francés, pero sólo las repúblicas de Génova y Venecia rehusaron adherirse a ella. Para entonces la flota mercante veneciana era de apenas 309 embarcaciones, de todo tamaño y condición, casi la décima parte de la existente cinco siglos antes.

Conforme a la Paz de Leoben del 17 de abril de 1797, Francia y Austria habían acordado cesar hostilidades, pero también habían pactado secretamente repartirse el norte de Italia en zonas de influencia; en virtud de dicho pacto la República de Venecia, junto con Dalmacia e Istria, quedarían bajo dominio austriaco. El día 25 de abril, barcos de guerra franceses entraban en el Lido de Venecia y un buque invasor era hundido por la artillería costera veneciana, pero las naves francesas lograron destruir el poder naval veneciano, formado por apenas 11 naves de guerra.

A fines de abril empezó la invasión francesa de territorio veneciano, la cual casi no encontró resistencia, mientras el gobierno de la República de Venecia recibía un ultimátum para rendirse, el cual fue rechazado. A inicios de mayo las tropas francesas dirigidas por el general Junot ya controlaban casi todo el territorio veneciano en la Península Itálica, restando conquistar sólo la capital. Casi sin fuerzas para resistir seriamente a un enemigo mucho más numeroso y mejor armado, el dux Manin decidió capitular el 12 de mayo, de acuerdo con el Consejo de los Diez y el Maggior Consiglio, para evitar una matanza inútil.

Dos días después, en la mañana del 14 de mayo, Manin abandonaba el Palacio Ducal de Venecia mientras las tropas francesas penetraban en la ciudad sin hallar oposición. En la mañana del 16 de mayo las tropas francesas celebraron de manera oficial la rendición veneciana por escrito, disolviendo la Serenísima República.

Renuncia y muerte

Depuesto del cargo de dux, los franceses ofrecieron a Manin la jefatura del gobierno municipal interino, pero el antiguo dux rechazó esta opción y se retiró de la sociedad, negándose inclusive a recibir visitantes en su casa, y entregando a las nuevas autoridades las insignias de su mando, como el corno ducale y el Libro de Oro. Las pocas veces que salió a las calles de Venecia tras la rendición ante los franceses, Manin debió soportar insultos y quejas de sus conciudadanos, que condenaban su decisión de capitular en 1797.

Manin murió en su casa el 24 de octubre de 1802, dejando 100,000 ducados de oro en su testamento para obras de beneficencia en Venecia.

En la imagen el Palacio Ducal de Venecia

Personajes
Un hombre: (barítono)
Dos personajes mimos: una mujer y un hombre
Coro: seis mujeres y seis hombres en Sprechstimme

Libretista el compositor

La mano bendecida (título original en alemán, Die glückliche Hand, Op. 18) es un Drama mit Musik ("drama con música") en cuatro escenas con música y libreto en alemán de Arnold Schönberg. Se estrenó en Viena, el 24 de octubre de 1924.

Historia.

Fue compuesto entre 1910 y 1913. Como Erwartung, compuesta un año antes, estuvo muy influida por el libro de Otto Weininger

Sexo y carácter. A diferencia de Erwartung, Schönberg escribió el libreto para La mano bendecida él mismo. El mensaje subyacente de la pieza es que el hombre sigue cometiendo una y otra vez los mismos errores.

La trama está desarrollada a partir de acontecimientos de la vida personal de Schönberg. La música de Schönberg no era ya tan bien recibida como en años anteriores. También, dos años antes de la composición de la obra, Mathilde, la esposa de Schönberg, tuvo una relación con el pintor Richard Gerstl y aunque ella volvió con Schönberg, esto tuvo un efecto perdurable en su relación.

Esta ópera rara vez se representa en la actualidad; en las estadísticas de Operabase aparece con sólo dos representaciones en el período 2005-2010.

Argumento.

El drama se desarrolla en un acto en el que hay cuatro escenas. Dura alrededor de veinte minutos.

La puesta en escena de La mano bendecida es compleja, debido a la amplitud de efectos escénicos que se han de combinar con el uso de iluminación coloreada.

El drama representa un ciclo inexorable de la difícil situación del hombre y empieza y termina con el personaje masculino luchando con el monstruo a su espalda. El personaje masculino canta sobre su amor por una joven mujer (mimo) pero, a pesar de este amor, ella lo deja por un caballero bien vestido (mimo). Él siente que ella lo ha dejado temporalmente y al final, cuando ella vuelve, él la perdona y vuelve su felicidad. De nuevo la mujer se retira. Se ve más tarde a la mujer con el caballero, y el solista masculino implora a la mujer que se quede con él, pero ella escapa y da un puntapié a una roca dirigida a él. Esta roca se transforma en el monstruo que se vio al principio a la espalda del hombre. De esta manera, el drama acaba donde empezó.

En la imagen representación de "Die glückliche Hand" en la Opera de Stuttgart

Tito Flavio Domiciano era el segundo hijo varón del emperador Vespasiano, y sucedió en el trono a su hermano Tito en el año 81.

Domiciano había nacido en el año 51.Su infancia la paso al cuidado de familiares, ya que su hermano y su padre se encontraban a menudo en campaña, Vespasiano lideraba el ejercito de Germania y Tito el ejercito en Judea.

En el año de los cuatro emperadores, durante la guerra de su padre Vespasiano contra Vitelio fue utilizado por este como rehén, y estuvo a punto de ser asesinado por los seguidores de Vitelio, aunque logro escapar disfrazándose de sacerdote de Isis.

Cuando Vitelio fue derrotado, Domiciano salió de su escondite y fue nombrado pretor con autoridad consular por las tropas de Vespasiano.Aunque su aparente poder político lo era solo de nombre. Necesitado de gloria militar, intento que se le adjudicase el mando de una legión para ir a combatir una insurrección de los auxiliares bátavos de las legiones de Germania.

Pero se le denegó repetidamente tal petición, el senado no confiaba en sus dotes de mando y preferían tenerlo cerca, en Roma.

La llegada a Roma de su padre Vespasiano le aparto totalmente de la política. Paso los siguientes años dedicándose a la poesía y la literatura. Y tras la muerte de Vespasiano y el nombramiento de Tito como emperador, las cosas no cambiaron mucho en ese aspecto .Fue nombrado cónsul por su hermano Tito, pero no le concedió ningún cargo de importancia real.

El reinado de Tito fue breve, dos años solo, pero fue muy intenso. Tuvo que lidiar con la destrucción de las ciudades de Pompeya y Herculano a causa de la erupción de Vesubio, en el año 79, y con un grave incendio en la misma Roma, que daño gran parte de los edificios públicos de la capital.

En septiembre del 81, Tito falleció a causa de unas fiebres. Las fuentes clásicas implican a Domiciano en esta muerte, ya sea por acción u omisión de ayuda médica a su hermano.

El 14 de septiembre de 81, Domiciano era nombrado emperador, además de pontífice máximo y páter patriae (padre de la patria).

Los primeros años de su reinado fueron bastante positivos. Restauro gran número de edificios que habían resultado destruidos en el incendio del año 79.Pero siempre inscribía su nombre, sin hacer mención al antiguo constructor. Construyó un nuevo templo dedicado a Júpiter Custodio, y otro dedicado a la familia Flavia.Construyo un nuevo estadio, un teatro lirico y una naumaquia en el Tiber.

Introdujo muchos cambios en las costumbres populares, restableció la costumbre de ofrecer comidas populares. Igualo las posibilidades de los hijos de los libertos y los hijos de los caballeros para acceder a cargos importantes. Viendo que había abundancia de vino y escasez de trigo, prohibió plantar nuevas viñas en Italia y subvenciono el cultivo de trigo.

En la admistracion de justicia desplego gran interés y diligencia, y a menudo el mismo ejercía de juez en el foro. Combatió fuertemente la corrupción judicial, tachando de infames a los jueces y magistrados corruptos. Se castigo a los jurados que habían aceptado sobornos y a los autores de escritos difamatorios, sobre todo cuando eran dirigidos contra el mismo.

Al principio de su mandato mantuvo la economía bastante equiibrada, revalorizo el valor de la moneda añadiendo un 12% más de plata al denario.Grandes cantidades de dinero se dedicaron a celebrar fastuosos juegos en el anfiteatro y el Coliseo. Todo esto le permitía poner a la plebe de su parte.

En el aspecto militar, su incompetencia le hizo blanco de las críticas de sus subalternos. Cuando ascendió al tronó trato de ganarse una reputación como militar, en lo que había fracasado anteriormente. Se lanzo a una campaña contra los catos, una tribu germana de la zona de Maguncia. Se produjo una pequeña escaramuza, con una rápida victoria romana, que le dio oportunidad a Domiciano para declarar un triunfo y añadirse a su nombre el epíteto de Germanico.Lo único a destacar de esta campaña contra los catos fue que permito la construcción de la Limes Germanicus, una red de caminos, fortines y torres de vigilancia construidas a lo largo de la ribera del Rhin, para prevenir de posibles invasiones germánicas.

En el año 85, tribus sármatas y dacias se internaron en la provincia romana de Moesia y asesinaron al gobernador romano de la provincia. Domiciano organizo inmediatamente una expedición de castigo, aunque delego el mando en el prefecto pretoriano Cornelio Fusco.Las primeras escaramuzas con los dacios fueron favorables a los romanos,ocasion que aprovecho el emperador Domiciano para volver a Roma y celebrar un nuevo triunfo.

Pero los dacios no estuvieron de acuerdo con este triunfo, y un año mas tarde, en la batalla de Tapae,exterminaron por completo a la legión V Alaudae , mataron al prefecto Fusco y el águila de la legion fue capturada.

Domiciano regreso a Moesia en agosto del 86,con tres nuevas legiones. Liderados por Tetio Luciano, consiguieron derrotar a los dacios ,otra vez en Tapae.Pero fue una victoria pírrica, los dacios consiguieron retirar a tiempo la mayor parte de sus tropas. Pero cuando las tropas romanas iban a dirigirse a asediar la capital dacia, llegó la noticia de la rebelión del gobernador de Germania superior, Lucio Antonio Saturnino.

Domiciano no tenía suficientes tropas en Germania para enfrentarse a Antonio Saturnino, que disponía de dos legiones y el apoyo de la tribu de los catos. Así que el emperador se vio obligado a firmar la paz con los dacios, para trasladar a Germania las tropas utilizadas en la campaña dacia.

Por este tratado de paz, Domiciano debía pagar ocho millones de sestercios anuales a los dacios, además de entregarles decenas de ingenieros romanos, para mejorar las infraestructuras de los dacios y las defensas de su capital.

Este tratado fue considerado una humillación por el senado y los jefes militares romanos, y a la larga significo una fuerte oposicion al emperador.

Domiciano y sus tropas ,cuatro legiones más varias cohortes pretorianas y auxiliares, se dirigieron a Mogantiacum rápidamente,antes de que los catos lograran reunirse con las legiones de Antonio Saturnino.

A las tropas de Domiciano debía unirse la legión de Marco Ulpio Trajano, legado de la legión VI Gemina en Hispania que empezaba a destacar como un brillante general.

Los guerreros catos no pudieron cruzar el Rhin debido al repentino deshielo de sus aguas,lo que obligo a las tropas de Antonio Saturnino a refugiarse en el interior de Mogantiacum.Domiciano,con una gran superioridad numerica,asedio la ciudad y la tomo al cabo de 3 semanas. Los líderes de la rebelión, incluyendo Antonio Saturnino, fueron ejecutados y sus cabezas fueron llevadas a Roma para ser mostradas en el foro.

Esta rebelión cambio completamente el carácter de Domiciano. Se volvió un gobernante cruel y despiadado. Además ,había arruinado el tesoro del imperio por los enormes gastos de construcción que realizaba,los costosos espectáculos que ofrecía al pueblo y por el aumento de los sobornos a los pretorianos, que salvaguardaban su reinado. Comenzó a confiscar los bienes de vivos y muertos, daba igual quien fuera el delator y cual fuera la acusación. El impuesto que más se perseguía era aquel del que se componía el Tesoro Judaico : por todas partes se denunciaba al fisco a todos aquellos que practicaban la religión judía o que, ocultando su origen no pagaban el impuesto que debía pagar todo judío. Y como los romanos seguían considerando a los cristianos como una secta judía, también ellos debían pagar dicho impuesto.

Empezó a ver conspiraciones por todas partes, ordenaba matar a cualquiera del que se tuviese la más mínima sospecha. Veinte de sus principales opositores políticos fueron asesinados, entre ellos varios miembros de la familia imperial.

Durante muchos años a Domiciano le habían asaltado presentimientos acerca del año y el día en el que iba a morir, y hasta sobre la hora y la clase de muerte que iba a tener.

Un astrólogo llamado Ascletarion, predijo que Domiciano moriría al mediodía, a la quinta hora.

Domiciano llamo a su presencia a Ascletarion,que se reafirmo en su predicción sobre el emperador. Domiciano le pregunto cómo sería la muerte del propio astrólogo, a lo que este le contesto que muy pronto lo devorarían los perros.

Para demostrar cuanto se equivocaba el astrólogo en sus predicciones, Domiciano mando degollar en el acto al astrólogo y quemarlo. Pero cuando el cadáver estaba a medio quemar sobrevino una fuerte tempestad que apago el fuego, y entonces aparecieron unos perros que destrozaron el cadáver.

Domiciano estaba aterrado,parecía que esa profecía si podía cumplirse.

A partir de entonces, el emperador no abandonaba la presencia de su escolta de pretorianos hasta que pasaba la hora quinta. Tenía un esclavo con la única función de avisarle cuando pasase esa hora.

El día 18 de septiembre del año 96,el emperador pregunto al esclavo por la hora. El esclavo, que formaba parte de la conspiración, le indico que ya era la hora sexta.

Domiciano mostro gran alegría, pensaba que había pasado el peligro, así que despidió a su escolta y se dirigió a sus habitaciones.

El chambelán de la corte,Partenio,muy molesto con el emperador desde que este había ordenado matar a su amigo Epafrodito,índico al emperador que Esteban, mayordomo de la sobrina del emperador, quería verle, que tenia cosas importantes que decirle.

Esteban clavo un puñal en el vientre del emperador,que se defendió sacándole los ojos a esteban, mientras llamaba en su auxilio a su escolta.

Pero la aparición de varios conspiradores, incluidos unos cuantos gladiadores termino con la resistencia de Domiciano, que murió tras recibir siete puñaladas.

Su cadáver se arrastro sin ninguna consideración hasta donde se quemaban los cadáveres de los pobres, se quemo, y sus cenizas fueron depositadas en el templo Flavio.

Ese mismo dia,el Senado nombraba emperador a Nerva.Y la dinastía Flavia se había terminado.

Marie-Thérèse, el amor «matissiano» de Picasso

BORJA BERGARECHE ABC 05/02/2013 -

«Tienes una cara interesante, me gustaría hacerte un retrato, creo que vamos a hacer grandes cosas juntos, soy Picasso». Era el 8 de enero de 1927, y la chica rubia que salía de las galerías Lafayette cautivó al español. Marie-Thérèse Walter, una joven sueca de 17 años afincada en París, no había oído hablar de un artista que ya era una de las personalidades culturales del momento. Algunas versiones dicen que Picasso, que tenía entonces 49 años, le llevó a una librería cercana a enseñarle libros sobre su obra. El pintor estaba entonces casado con la bailarina rusa Olga Khokhlova –madre de su hijo Paulo-, pero sus infidelidades y los correspondientes ataques de celos hacían la relación inviable.

Marie-Thérèse aceptó la invitación de Picasso, y unos días más tarde se presentó en su estudio en la rue de la Boétie. El artista le pidió que volviera al día siguiente. Y al siguiente... De aquellos encuentros surgió uno de los romances más intensos y celebrados de la Historia del Arte. Y una presencia constante en la obra del artista hasta 1955.

La relación discurrió al principio en secreto, y su nueva musa se manifiesta solo de forma críptica en numerosas esculturas y dibujos de fuertes alusiones eróticas –en forma de guitarra esperando a ser tocada, por ejemplo-o con la presencia de sus iniciales en una serie de bodegones de finales de los años 20.

Picasso compró en 1930 el Castillo de Boisgeloup, un retiro apartado a unos 60 kilómetros de París. «Es para ti», le dijo a Marie-Thérèse. Lo mismo dijo a su mujer. Allí, el volumen atlético y sensual de su amante disfrutaba, para excitación del alma de artista y el cuerpo de hombre del pintor, del deporte con la natación o el kayak y de la lectura. «Su pasión por el deporte, su personalidad alegre, su físico y su frescura de juventud ayudan a explicar la “fisicalidad” de los retratos que hizo Picasso en aquella época», escribe Diana Widmaier Picasso, historiadora del Arte y nieta del pintor y Marie-Thérèse.

Para 1931, según explican en Sotheby’s, el «cuerpo fecundo y dúctil y sus mechones rubios aparecen ya en imágenes armoniosas y voluptuosas como el cuadro “Mujer con pelo rubio”», propiedad del Guggenheim de Nueva York. Pero sería 1932, un año clave en la obra de Picasso, cuando el intenso amor furtivo estalló a los ojos del público. «1932 es un año brillante y productivo en la vida de Picasso, varias de sus obras maestras datan de este año, en el que prácticamente encerraba a Marie-Thérèse en Boisgeloup y trabajaba con ella para retratarla leyendo, durmiendo, sentada o bebiendo”, explica a ABC Simon Stock, uno de los directores de la sede londinense de la casa de subastas Sotheby’s.

Aquel año, la galería parisina Georges Petit organizó una amplia retrospectiva del artista que consagró su consideración entre los genios de la pintura. Su mujer Olga lo vio de otra manera. Allí sus ojos descubrieron la presencia en numerosos retratos, todos ellos desnudos, de una mujer desconocida hasta entonces. Uno de los múltiples retratos de Marie-Thérèse realizados aquel fructífero año saldrá a subasta este martes por la noche en Londres.

«Mujer sentada cerca de una ventana» (1,46 por 1,14 metros) es, de hecho, la pieza estrella –y la más cara- de la temporada de subastas de invierno de arte impresionista y contemporáneo. Formó parte de la colección personal del artista a su muerte, y es la segunda vez que sale al mercado. Saldrá a la venta con un rango de estimado entre 29 y 40 millones de euros, y ha reactivado el interés por el «amour fou» de Picasso con la musa por antonomasia del arte del siglo XX.

Cuatro retratos de su musa figuran entre los diez picassos más caros
«El interés se centra siempre en esta maravillosa historia de amor, los sentimientos de Picasso era tan obsesivos que le retrató de diversas formas en todos los medios -cuadros, esculturas y dibujos», explica Stock. «Estaba tan enamorado que son siempre piezas edificantes en las que ella está serena y Picasso feliz, e incluyen siempre algún elemento que apunta a la intensa naturaleza sexual de la relación», añade. De hecho, cuatro retratos de la joven sueca figuran entre las diez piezas más caras de Picasso vendidas en subasta.

El récord mundial en términos de precio para un picasso es un retrato de Marie-Thérèse de 1932, «Desnudo, hojas verdes y busto», que Sotheby’s vendió en 2010 por 106 millones de dólares. La obra puede verse actualmente en la Tate Modern de Londres, una ciudad que el año pasado dedicó una amplia exposición en la galería Gagosian a la relación personal y pictórica entre el artista y su joven musa. En febrero de 2011, «La Lectura», dobló las expectativas de precio y fue vendida por casi 30 millones de euros.

«”La Lectura” es un cuadro precioso, pero “La mujer sentada...” tiene un tamaño mucho mayor y, en cierta manera, es más simple y bello con una elección de colores casi “matissiana” y un retrato de figura completa, sentada además en una silla, una composición formalmente clásica que remite a los retratos de Bacon o de Velázquez», nos explica Stock delante del cuadro, unas horas antes de salir a subasta. En este vídeo elaborado por la casa de subastas, y también contemplando la obra, su nieta Diana Widmaier Picasso describe cómo su abuelo llegaba a «diluirse» en su musa, y llama la atención sobre el rojo intenso con el que pinta el vientre y torso de su mada, reflejo de las «fantasías sexuales» que Marie-Thérèse desataba.

Un divorcio imposible
Picasso y Marie-Thérèse tuvieron una hija en 1935, Maya, llamada en realidad María de la Concepción en recuerdo a la hermana fallecida del pintor. Pero el prometido divorcio de Olga, de quien el artista ya se había separado en 1934, nunca llegó. La legislación republicana española le habría permitido divorciarse, pero le habría obligado a dividir sus bienes al 50% con su mujer. Con la llegada de la Guerra Civil española, el pintor había iniciado una nueva relación con la fotógrafa franco-yugoslava Dora Maar. El poeta Paul Élouard les presentó apenas unos meses después del nacimiento de Maya. Fue Dora quien fotografió el proceso de creación del «Guernica», una obra en la que tanto Olga como Marie-Thérèse pueden identificarse entre los personajes.

Esta última sería el modelo para la niña que corre de derecha a izquierda en el primer plano y para la madre que llora al hijo muerto en la parte derecha del cuadro.

Picasso intentaba evitar que sus amantes se encontraran. No siempre con éxito. Según la autobiografía de Françoise Gilot –la amante que sustituiría a Dora-, Marie-Thérèse y Dora se encontraron en su estudio, junto al «Guernica». El pintor siguió pintando, hasta que la madre de su hija dijo: «Elige, ¿cuál de las dos?». Según Gilot, el artista les dijo que tendrían que decidirlo en una pelea, y las dos mujeres la emprendieron a golpes allí mismo. Las dos negarían posteriormente que la escena tuviera lugar.

Picasso tuvo dos hijos con Gilot, pero Maya siempre fue un punto de unión con Marie-Thérèse. En una entrevista en 1974, un año después de la muerte del pintor, le preguntaron qué le venía a la mente al oír el nombre de Pablo Picasso. «El secreto», contestó: «Vivíamos en secreto y éramos felices». En 1977, Marie-Thérèse se quitó la vida. Nunca soportó la ausencia del hombre que había conocido hacía 50 años.

Marie-Thérèse Walter. Biografía.

teto tomado de http://ellassinpicasso.blogspot.com.es/

“Debemos estar juntos, juntos haremos grandes cosas”.

Era el 8 de enero de 1927, Picasso había parado a Marie-Thérèse Walter que salía de las galerías Lafayette en París asombrado por su belleza. Ella tan solo contaba con 17 años, mientras que el pintor rondaba casi los 50.

Sueca de nacimiento, afincada en París, perteneciente a una familia de clase media y gran aficionada al deporte trabajaba como monitora en un campamento juvenil .A los pocos meses de su encuentro, Picasso le compró un apartamento en la rue La Boetie, cerca de la casa donde él vivía. Allí comenzó a pintarla y allí comenzó también su historia de amor. Aunque habían pasado un par de años, todavía ocultaban su relación a Olga Khokhlova por lo que para verse precisaban de las artimañas y trucos más ingeniosos.

En 1930 Picasso adquirió para ella el Castillo de Boisgeloup a 60 kilómetros de París. A este periodo pertenecen la mayoría de los retratos de Marie-Thèrése.

En 1935, Marie daba a luz a Maya, llamada en realidad María de la Concepción, en recuerdo de la hermana fallecida del pintor.

A los meses de nacer Maya, Picasso que no soportaba su nueva vida con Marie y la recién nacida, conoció a su próxima amante Dora Maar. Marie y Maya permanecerían junto a Picasso en Juan-les-Pins, al sur de francia hasta 1936, año en el que se mudan a Le Tremblay-sur-Mauldre , donde Picasso las visitaba los fines de semana, pues para entonces Picasso ya había sustituido a Marie.

En 1940, Marie y Maya volverían a Paris, su casa en Le Tremblay-sur-Mauldre había sido ocupada durante la II Guerra Mundial.

El 20 de octubre de 1977, cuatro años después de la muerte de Picasso, Marie-Thérèse se ahorcó en el garaje de su casa. Tenía sesenta y ocho años de edad y desde que conociera a Picasso había vivido enjaulada por el amor y la sombra del malagueño y como su hija Maya escribiera después le siguió hasta la tumba, convencida de que tenía que cuidar de él incluso una vez muerto.

«Soy Marie-Thérèse Walter. Cuando Picasso me atrapó, yo tenía solo 17 años. Estuve siete con él y le di una hija, Maya. Dicen que fui la más sensual, cariñosa y dulce».

En las imágenes foto de Marie Therese Walter y tres retratos de Marie Therese. El segundo "desnudo, hojas verdes y busto" fue vendido recientemente por 130 millones de Euros. El tercero representa a Marie Therese masturbandose.

Elia Eudocia, nombre completo en latín, Aelia Eudocia Augusta (Atenas, 401-Jerusalén, 460) fue una emperatriz romana consorte, esposa del emperador romano de Oriente, Teodosio II.

Era la hija del sofista Leoncio, de quien recibió una gran formación literaria y retórica. La historia tradicional, tal como la narran Juan Malalas y otros, es que había sido privada de su pequeño patrimonio por la rapacidad de sus hermanos, y buscó reparación en la corte de Constantinopla. Sus dotes llamaron la atención de la hermana de Teodosio, Pulqueria, quien hizo de ella una dama de compañía y la preparó para ser esposa del emperador.

Después de recibir el bautismo y descartando su anterior nombre, Atenaida o Atenais (Athenais), asumiendo el de Aelia Licinia Eudocia, se casó con Teodosio el 7 de junio del año 421; dos años más tarde, después del nacimiento de su hija Licinia Eudoxia, recibió el título de Augusta. La nueva emperatriz recompensó a sus hermanos haciendo de Valerio cónsul y luego gobernador de Tracia y al otro, Gesio, prefecto del Ilírico.

Otros, historiadores más contemporáneos como Sócrates Escolástico y Juan de Panon, confirman muchos de estos detalles, pero omiten toda referencia a la intervención de Pulqueria en el matrimonio de Eudocia con su hermano. Esto hace que otros detalles de las actividades de Eudocia sean más comprensibles, como por ejemplo, el uso de su gran influencia en la corte para proteger a paganos y judíos. Favoreció desde su posición privilegiada la cultura, rodeándose de gramáticos y filósofos.

En los años 438-439 hizo una peregrinación a Jerusalén y se llevó consigo varias reliquias preciosas. Durante su estancia en Antioquía se dirigió al senado de esa ciudad en estilo helénico y distribuyó fondos para la reparación de sus edificios. A su regreso su posición se vio amenazada por los celos de Pulqueria y la sospecha infundada de una intriga con su protegido Paulino, el señor de los oficios.

Tras la ejecución de este último (440) ella se retiró a Jerusalén, donde fue acusada de asesinar a un oficial enviado a matar a dos de sus seguidores, acto por el cual ella sufrió la pérdida de parte de su personal imperial. No obstante, conservó gran influencia; aunque se vio involucrada en la rebelión de los monofisitas sirios (453), al final se reconcilió con Pulqueria y fue admitida de nuevo en el seno de la iglesia ortodoxa. Murió en Jerusalén el 20 de octubre de 460, habiendo dedicado sus últimos años a la literatura.

Entre sus obras están una paráfrasis del Octateuco en hexámetros, una paráfrasis de los libros de Daniel y Zacarías, un poema sobre la Vida de san Cipriano y sobre las victorias persas de su esposo. Una Historia de la Pasión compilada en versos homéricos (un centón) que completaba la redacción del obispo Patricio y de la que se hace eco Juan Zonaras.

Descendencia

Eudocia y Teodosio II tuvieron tres hijos:

Licinia Eudoxia (422 - 462). Casada primero con Valentiniano III y luego con Petronio Máximo.

Arcadio. Su único hijo masculino, falleció antes que sus padres.

Flacila. Murió en 439.

Atenaide, también llamada Gli affetti generosi (título original en italiano; en español, Atenaida o Los afectos generosos, RV 702) es una ópera en tres actos del compositor Antonio Vivaldi y libretto en italiano de Apostolo Zeno. La historia se basa muy libremente en la historia de la emperatriz bizantina Atenaida, convertida al cristianismo con el nombre de Elia Eudocia, esposa de Teodosio II. Se estrenó el 29 de diciembre de 1728 en el Teatro della Pergola de Florencia.