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El paralelismo entre personajes reales e imaginarios en la ópera "Lulu" de Berg. Hoy 24 de diciembre de 1935 fallece Alban Berg

Artículo de Pedro Beltrán para www.efemeridespedrobeltran.com Alban Berg nació el 9 de febrero de 1885 y murió el 24 de diciembre de 1935. El 2 de junio de 1937 se estrena en la Ópera de Zurich la versión en dos actos de "Lulu" El 24 de febrero de 1979 se estrena en Paris la versión completa.

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La agitada vida sexual de Berg tuvo un claro reflejo en su última y genial opera "Lulu".

1. Lulu es Hanna Fuchs, su amante.

2 . Alwa es Berg. Hasta en el nombre se parecen (Alwa y Alban)

3. El Doctor Schon y Jack (cliente de la prostituta Lulu) es Schoenberg. También se parecen los nombres Schon y Schoenberg. En la vida real Schoenberg hablo con el pintor Richard Gerstl tas acostarse este con esposa y el pintor se suicido.

4. El Pintor y el Negro (cliente de la prostituta Lulu) es Richard Gerstl. El pintor real y el imaginario se suicidan.

5. La Condesa Geschwitz es Smaragda Berg, hermana de Berg.
Tanto el personaje real como el imaginario son lesbianas. El afecto especial de Berg por su hermana se refleja en la elaboración del personaje de la Condesa por Berg. Es la mejor persona de la ópera y la única que ama a "Lulu" de verdad.

6. Schigolch el padre de "Lulu" es el emperador Francisco I, padre de la esposa de Alban Berg. Ambos fueron padres ausentes

7. El médico es toda la sociedad.

La estructura dramática es claramente simétrica ya que los tres esposos a los que destruye o asesina Lulu en su ascenso encuentran reflejo inverso en los tres clientes que tiene como prostituta en su declive.

El médico, su primer esposo, es su primer cliente en la escena final.

El Pintor su segundo esposo es el segundo cliente, el "Negro" que mata a Alwa.

El Doctor Schon es el tercer cliente, Jack el destripador que mata a Lulu.

Lulu ha asesinado al Doctor Schon. El asesinato del Dr. Schön, su verdadero amor, funciona como elemento bisagra de una historia que culmina con el brutal homicidio de la protagonista a manos de Jack el Destripador.

Schonberg rechazó completar la ópera porque reconoció el paralelismo entre personajes imaginarios y reales.

La esposa de Berg prohibió que se completará porque se dio cuenta que reflejaba la relación entre Berg y su amante.

En la imagen Barbara Haninghan es "Lulu" en una producción de la Opera La Monaie de Bruselas disponible en DVD.

Berg. "Lulu" La historial real de la prohibición de la esposa de Berg de completar el tercer acto de"Lulu".Estaba celosa al considerar que la ópera hacia referencia a la amante de Berg. Hoy 24 de diciembre de 1935 fallece Alban Berg

El 2 de junio de 1937 se estrena en la Ópera de Zurich la versión en dos actos de "Lulu" El 24 de febrero de 1979 se estrena en Paris la versión completa. Alban Berg nació el 9 de febrero de 1885 y murió el 24 de diciembre de 1935.

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Artcicle by Dick Strawser

It was some time in the late-60s when I first met Lulu, not to be confused with a cartoon character of the same name: ironically, they both date basically from the same year – 1935.

Berg died that year, leaving his operatic compilation of two of Frank Wedekind's plays incomplete. Other than the fact that, at one point, the old man Schigolch who may or may not be her father refers to her as “meine kleine Lulu,” the opera and the cartoon character who first appeared in the Saturday Evening Post in 1935 have nothing more in common.

I was a college freshman when I found the then newly released Angel recording featuring Anneliese Rothenberger dressed up as Lulu in a dance-hall costume with lots of feathers and black silk stockings revealing a good bit of thigh stretched out on a divan, the object of attentions from a young man holding her one hand and kissing the other (which would be nothing compared to this poster or this one, today...). This 2005 CD-reissue features Lulu-as-Pierrot on the cover, instead.

It was not the prurience of the cover or its implied story that drew me to buy this recording. I already knew Berg's earlier opera, Wozzeck, and was quite familiar with Schoenberg's Moses und Aron, having bought the recording when I was in 8th or 9th grade.

(That purchase had been a toss-up between the unknown quantity of Hans Rosbaud's recording of Moses or the legendary quality of Kirsten Flagstad's Tristan und Isolde. Both were the same price, on sale at $14.95 and I had $15 burning a hole in my pocket for my record budget that trip to Philadelphia. A friend of mine and I rode the train back to his place, looking through the booklet with its diagrams and 'magic squares' of serial row forms and all that, when we decided the first thing to listen to would have to be the Golden Calf Scene – an “orgy” complete with “Four Naked Virgins.” At the conclusion of this scene (which took up a whole side of an LP), my first response after a silent pause was “I paid $14.95 for this?” However, by the time I was a senior in high school and had done a special report in my music class on Schoenberg's opera to twit my music teacher who would've preferred Don Giovanni or Aida, I was probably one of few high school students in the country who could pretty much hum their way through Schoenberg's opera.)

So here was another incomplete opera by a student of Schoenberg's. If Moses was the sacred side of the equation, Wozzeck and Lulu certainly were the profane side. Initially, I had always preferred Berg's more passionately emotional approach to his music over that of his teacher and certainly over the intellectual rigors of his fellow student, Anton Webern. But I didn't know much of their music, then: I just found Berg “easier to absorb on first hearing” than either Schoenberg or Webern.

I have since managed to see two different live productions of Moses und Aron in New York City a total of three times, one time splurging on buying the full score at the late and lamented Patelson Music House, which I called the Best Little Score House in New York. I have seen one production of Lulu twice at the Metropolitan Opera House when it was first staged there in 1977.

That was the year after the composer's widow Helene had died – as most fans of Berg's music would probably add, “finally” – at the age of 91. But there would not have been time to bring out the long-repressed “unfinished” third act of the opera in time for the Met's new production. In fact, it wasn't until 1979 that the opera was finally presented in its entirety.

Considering I was as fond of the opera as I was, I was looking forward to the television broadcast on “Live from the Met,” the broadcast premiere of the complete opera in 1980. As luck would have it, our local PBS affiliate in my hometown opted not to carry the broadcast – the explanation I was given when I wrote to complain: inappropriate for fund-raising. Whenever it was scheduled for radio broadcast – rarely, as it happened – I was always unable to hear it.

Even at the the most recent outing of the opera, I could only manage to catch the very last part of the Third Act which I'd already heard, anyway. This part was usually tacked on to the two-act versions anyway, pieced together from the excerpt Berg had included in his “Lulu Suite” in an attempt to give the story some sense of completion. But this time, there was a technical problem that cut the broadcast off mid-scream (when Countess Géschwitz is stabbed by Jack the Ripper) so we could catch the last fifteen minutes of “All Things Considered” before it was time for Garrison Keillor's “Prairie Home Companion” – a problem with the computer prematurely switching channels, not a manual error – not that that many listeners were upset by this, though even years later I continue to hear about it from some who were.

In the late-90's then, I bought a reissue of the complete three-act version of the opera recorded after its world premiere production in Paris, 1979, with Teresa Stratas in the title role and Pierre Boulez conducting. But yet, more than a decade later, I still hadn't listened to it. Somewhere along the line, my interest in it lost its momentum, for some reason.

Let's face it: the story may not be suitable for children and may be a challenge for an “opera novice.” In the first scene, while Lulu is being chased around the living room by the painter who's doing her portrait as Pierrot, her husband, an older “medical specialist,” walks in on them and immediately has a heart attack and dies (this dramatic moment never fails to elicit a few chuckles from the audience). She then marries the painter who, in the second scene after he discovers from her benefactor (read “sugar daddy”), Dr. Schön, that she has had quite a number of affairs in her past life, commits suicide. She then coerces her benefactor, Dr. Schön, into marrying her. In the first scene of Act II, after he discovers his son Alwa (not to mention an acrobat, a school boy and Countess Géschwitz as well) has just made a pass at her, Dr. Schön hands Lulu a pistol, ordering her to kill herself. She shoots him.

A musical interlude between the two scenes of Act Two accompanies a film sequence, in Berg's original conception. Lulu is taken off to prison where she contracts cholera. Now, with the help of the acrobat, Alwa and the Countess who infects herself with cholera, gradually transforming herself into Lulu, she is then able to escape from the prison hospital disguised as the Countess. As the live action resumes, she returns to Dr. Schön's home. Alwa continues to profess his love for her: what has the potential to become a heated love duet stops dead in its tracks when Alwa leads her over to the sofa where she sings the immortal line, “Is this not the sofa on which your father bled to death?” This ends the second act.

The third act, we were led to believe, was unfinished. But we know that Lulu and Alwa, joined by old Schigolch, the man who may or may not be her father, run off to Paris where a variety of misadventures has them escaping just one step ahead of the police. They go to London. Without money or resources, they rent a beggar's garret while Lulu, once the beautiful cabaret dancer, now works the streets as a common prostitute.

Since Berg figured it would be difficult for the opera to find any performance outlets in Nazi-controlled Germany or in Austria, he constructed a suite from the opera which included a large stretch from the ending of the third act. Over this music, a summary of much of the action had been superimposed in a kind of pantomime: this was the solution for its premiere in 1937 and has usually been followed in every production or recording since then – at least until the Third Act became available.

Countess Géschwitz arrives, bringing with her the portrait from Act One of Lulu as Pierrot. Lulu has three 'clients' who are supposed to be sung by the same characters who were her husbands earlier in the opera: a silent, embarrassed professor (by the old “medical specialist”), an African Prince (by the painter) who kills Alwa, and a down-on-his-luck guy who happens to be named Jack the Ripper (by Dr. Schön) who then kills her and stabs the Countess on his way out. It is the Countess who sings the final line, professing endless love for Lulu as she dies – “I'm near you, I'll always be near you, in eternity.”

In 1910, Arnold Schoenberg painted a portrait of his student, Alban Berg. They were to remain close friends even after Schoenberg left Nazi Germany for the United States. Berg dedicated his as yet unfinished opera Lulu to his former teacher as a 60th Birthday present.

George Perle, an American composer and theorist who became an expert on the music of Alban Berg, published a two-volume work on “The Operas of Alban Berg.”

About six years ago, browsing through the music section of a local used book store, The Midtown Scholar, I found a copy of George Perle's volume on Lulu, published in 1985, nearly 300 pages of in-depth musical, dramatic, structural and historical analysis of the work. In it, he explains the development of the opera's concept, the transformation of Wedekind's two plays, “Earth Spirit” and “Pandora's Box,” into a single libretto, the different ways Berg adapts his teacher's serial concepts to portray his different characters and the interrelationships between the characters, the dramatic action and the music throughout the course of the whole opera.

Finally listening to my CD of the Paris production on DG after reading most of Perle's analysis – which I find fascinating and very important to my appreciating the work as a composer – I'm reminded that most of this is immaterial to a music-lover who just wants to follow the story and enjoy the music. Though it may look (and sound, to the uninitiated ear preferring Verdi or Wagner) like a very complicated work, the score's complexity is a natural part of the dramatic expression of the story – despite its ability to provide hundreds of pages of academic analysis, the music is still first and foremost music: nowhere does Berg create an abstract world for the edification only of those who can comprehend the rigors of technical constraints placed on it by the serial system. In many respects, it is no more dense than Wagner's Tristan or Strauss' Der Rosenkavalier but since most of us are more familiar with those styles, this density may become off-putting.

Listening to it for what it is and not what it isn't will help both to the listener and to the composer.

For this post, my primary interest is the story behind the long wait from the time of Berg's death on Christmas Eve, 1935, to the first performance of the complete opera in 1979. Most of this material is taken from Perle's commentary on the events and correspondence – he was also directly involved in the quest to bring the third act out into the open.

When the vocal score for the first two acts was published and the opera premiered as a “torso” not long after Berg died, it was announced that the composer had in fact finished composing the music: what had to be completed was orchestrating it, transferring it from what is called the “short score” (or reduced score) to the final “full score.” The third act's vocal score was already being prepared and, the publishers announced, would be made available soon at a later date.

But two people were involved in the delay of this realization, directly or indirectly.

The first was Adolf Hitler.

The second was the composer's widow, Helene Berg.

As the Nazis gained control of Germany and then Austria, Berg was one of many composers whose music was “forbidden.” If Wozzeck, the story of a down-trodden nobody (or, depending on your point-of-view, a proletarian Everyman) had been banned after a decade of success – it gave Berg a comfortable enough living – there was little likelihood they would see any redeeming quality in his latest opera.

Though he'd been familiar with Wedekind's two plays since 1905, it wasn't until 1928 that he began sketching a libretto, combining them into a single work. At the end of the summer the following year, the music itself began taking shape.

During the summer of 1932, he had hoped to have the opera finished but in addition to some annoying dental issues, a throat infection and the stress of his wife caring for her schizophrenic brother, Berg was stung by 20 to 30 wasps on his head, neck, arms and legs “that laid me out for a week.” Unable to find the quiet time he needed to compose, there was no way he could finish the opera for its projected October premiere.

Letters from the spring of 1934 indicated that Berg had finally finished the opera except for “some things that are only hastily sketched in, to be worked out later.” It would take him maybe two or three weeks to go through and retouch some things here and there before starting on the orchestration. The plan, now, was for a premiere during the 1934-35 Season.

Then came a letter from Berlin saying that a production in Germany of Lulu was out of the question. So in order to familiarize a potential audience with music from the opera, Berg crafted a five-movement orchestral suite with a soprano soloist which was premiered in Berlin in late November. Despite whatever the government's attitude may have been about his music, the concert was sold-out and the response enthusiastic. Only the government-controlled newspaper was negative.

Meanwhile, Berg continued working on the orchestration of the rest of the opera. But then early the following year, Louis Krasner, an American violinist, commissioned him to write a violin concerto for him. This didn't actually begin to take shape until after April 22nd, 1935, when Manon Gropius died. She was the 18-year-old daughter of Alma Mahler, one of the Bergs' oldest friends (after Mahler's death in 1911, she married the architect Walter Gropius and after they divorced in 1920, she married the author Franz Werfel). The Violin Concerto was dedicated "to the memory of an angel” and was completed fairly quickly that summer: the “short score” in mid-July; the full score on August 11th.

Not long after that, Berg was stung again, this time on the lower end of the backbone, which developed into a painful abscess. This led to a further problem with boils that continued bothering him even into the end of November, forcing him to miss performances of the Lulu Suite as it made its way around non-German Europe – Prague, Geneva, Brussels, London and again in Prague. On December 11th, he managed to attend the first Viennese performance of the Suite but six days later, he went into the hospital where they discovered the possibility of an abscess in the region of the kidneys. He was given a blood transfusion (he joked about it, wondering would it change his compositional style if the source of the blood had been a composer of operettas). On December 22nd, his wife Helene wrote to Alma Mahler that “he is very weak and being given whatever drugs are needed to strengthen his heart. In spite of everything, his mind is clear...” But he died a few days later in the early morning hours of Christmas Eve, eight weeks short of his 51st birthday.

So basically, after he finished the Violin Concerto, he never had a chance to find the concentration needed to complete scoring the opera.

Both works were given posthumous premieres the following years – the Violin Concerto in Barcelona (April, 1936) and Lulu (or at least the first two completed acts) in Zurich (June, 1937).

Given that no German or Austrian opera house would dare produce the opera – despite the enthusiastic response the Suite had received in Berlin in 1934, fifteen minutes of cheering, stamping ovation by a packed house – the publisher stopped production of the third act's vocal score after some seventy pages had already been prepared.

It was becoming unfeasible to move forward with plans to complete the opera: Arnold Schoenberg, having been forced to leave Germany as the Nazis gained more power – and in the process, he reconverted to his Jewish faith – offered Berg's widow his services, gratis, in completing his former student's work, even though he was now in America, barely able to make ends meet on his own and had his own unfinished opera – Moses – to worry about.

Eventually, he decided he would be unable to do this, though not because of any compositional qualms (there was very little composing that needed to be done, only scoring the completed sketch for orchestra). According to the correspondence, there were anti-Semitic directions about one of the characters in the first scene of Act Three, the banker, which bothered Schoenberg and he felt he would be unable to participate in the project.

Perle points out that others felt though the character was Jewish and perhaps stereotypically over-drawn, the commentary from the other characters – who will do business with him, accept his social invitations, eat his food and enjoy his company until things go wrong and, through no fault of his own, their money is endangered – imply the real issue here is anti-Aryan, a sort of fair-weather acceptance until some excuse needs to be found and they can then blame it on his being a Jew. Regardless, Schoenberg declined.

As did Berg's fellow-student, Anton Webern, though this would seem a bit of a stretch considering the hyper-romanticism of Berg's emotional style compared to Webern's more abstract, intellectual style that was far more austere in its instrumental approach. (There is an old joke that the three composers of the Second Viennese School - Schoenberg and his two star pupils, Berg and Webern - were described as the Father, Son & Holy Ghost...)

Other names were suggested and they, for their own reasons, declined.

The war and then its aftermath, rebuilding Europe in its wake, put a lot more than Berg's opera on hold. The opera was not heard again until 1949 first with a concert performance and then a staged production, both in Vienna. The German premiere took place only in 1953, but still nothing had been done about the third act.

Then a very strange thing happened.

Shortly after Lulu's world premiere in Zurich, Helene Berg wrote to her friend Alma Mahler (I suppose I should refer to her as Alma Werfel since at the time she was married to author Franz Werfel),

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When I heard it sounding for the first time it seemed so deeply familiar to me, as though it came from me and was my own speech. There are places in it where one feels that one is no longer on this earth. Alban has grasped the depth of two things and has understood how to give it back again: the mystery of love and of death. The beginning and end of our earthly existence. It is also worth noting that I was always prejudiced against this Wedekind, but since I've heard the music for it, this music, it's different. Lulu is just as dear to me now as Wozzeck. I love it and tremble for it, as for a child. It is a fearful thing and people don't like it, when one illuminates their depths; but when Alwa sings of Lulu, in tender ecstasy, “A soul, rubbing the sleep from its eyes in the next world,” I know now that this dream also had to be written, for it has its own profound meaning. That the opera is stageworthy as a torso doesn't surprise me; I have learned to trust in that which is Higher, it has all happened according to a plan. How could Alban, who had so much to say and to give, have been called away if his last work, which nothing else can touch, had not been left, in some possible way, 'complete.' Even those who today face this work without understanding or with misgivings – for he was so far in advance of them – will gradually grow into it, until a time comes when people will at last know who Alban Berg was.”
(quoted in Perle, Operas of Alban Berg: Lulu, p. 281-282)
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In addition to this response to the opera, she also had written to Berg's publisher shortly after the premiere:

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“Now, however, that these legitimate concerns [of economy and of publishing a work that might not be performable or successful] have been obviated by the great success of the premiere, I revert today to my wish, already known to you for a long time: namely, the publication, as soon as possible of the vocal score of Act III [which had already been put on hold], the complete libretto... and the full score to that very bar where the catastrophe struck Alban Berg himself, Lulu's last victim... We owe this to Alban and to his magnificent creation.”
(quoted in Perle, ibid, p.282)
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At what point and why did her attitude toward the opera change, when she decided to suppress the Third Act of Lulu?

By the time she wrote it into her last will and testament, it had already become the understood policy with Berg's publisher: Helene Berg had the legal rights as her husband's heir to do so.

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No one is to be permitted to examine the manuscript of the third act of Lulu. Nor may anyone examine the photocopy at Universal Edition. The reason that I could never resolve to permit another composer to orchestrate or complete the incomplete sections of Act III is as follows: After Arnold Schoenberg, Anton Webern, and Alexander Zemlinsky explained, on examining the manuscript, that they could not prepare it, the opinion of these three most intimate friends of Alban's was decisive in my resolve not to release the manuscript. Moreover, I have almost serious scruples against violating Albans' principles – all the more where it concerns the conclusion of works, which he always wrote with the most profound sense of responsibility – by making something available which he still wanted to subject to a 'basic overhauling' (as he assured me and his friend Webern) before he could present it to the public with a good conscience.”
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Upon Mrs. Berg's death, then, it fell upon the Alban Berg Foundation she had established to oversee his music to “perpetuate the restrictions.”

Her explanation in the mid-1950s of the advice from Schoenberg, Webern and Zemlinsky was timely: by then, all three were dead. Schoenberg's own correspondence mentions nothing of the material's being able to be completed: just that he felt he was not able to be involved in it . I'm not sure that Webern ever really responded to the request and Zemlinsky, according to Theodore Adorno, “was so pre-Schoenbergian as a composer, that for all his solidarity he must have, with good reason, held himself back as unsuitable.”

Though it was reported shortly before his own death that Webern had expressed interest in finishing Lulu, Adorno writes that, if Webern had said he would have to give up composing his own music just to orchestrate all of Bach's 'Art of Fugue' as he had once been asked, “he would not have felt differently about Lulu” (which was also counter to his own stylistic aesthetic). As it turned out, Webern's death in 1945 (at the hands of an American soldier during the post-war occupation of Austria) would not have given him much time to have accomplished much work on Berg's music, much less his own.

But while each of them said they couldn't do it, for whatever reasons, nowhere did any of them ever say “it can't be done.”

What Berg left behind consisted of some 268 measures on 39 pages of full score plus another 122 measures used in the final movement of the Lulu Suite – out of 1,326 measures in the “short score,” about 30% of the entire act – plus some 70 pages (over 450 measures or about 1/3rd of the act) already prepared for the vocal score by Erwin Stein, another friend and former Schoenberg student, who had previously prepared the first two acts for publication and rehearsal, reduced from Berg's completed full score.

In the “short score,” which included only sporadic indications as to what the orchestration ought to be, there are a few sections, as Berg himself had said, he had not filled in completely, mostly details of realizing the sketches for two ensembles which, I'm gathering from what Perle describes, consisted of “11 measures possibly three times” depending on how he wanted to treat repetitions of the material for Lulu and Géschwitz, and 20 measures in another scene where he indicates a wavy line and the direction “everybody murmuring” (this is referred to as the “Rhabarba ensemble,” or as it would be called in America, “Rhutabaga,” something actors are told to mumble over and over again to give the impression of a constant muttered undertone). In addition, there was a statement of the “barrel-organ tune” in the final scene which was unharmonized but, since it was to be a fairly basic barrel-organ setting, one would assume even a caveman could... I mean, even a freshman theory student could figure it out.

There are sections that refer to previous passages which Berg had already orchestrated in the earlier acts and which were being restated: he frequently “recapped” whole passages in his quest for structural unity either between characters or comparable situations. This would be a matter of going back to the previous statement “and doing likewise” if not just recopying it outright.

Compared to the missing third act of Schoenberg's Moses und Aron, this would seem to be a piece of cake – Schoenberg left no musical sketches at all to be realized so whoever would try to “complete” his opera had only a libretto to go by, no music! Here, in Berg's Lulu, there are only a handful of measures that need worked out!

And yet for over forty years, the world was led to believe the work was incomplete and even “incompletable.” Despite her own calls for its publication originally, something we owed to the composer, no one now would be allowed to hear what Mrs. Berg herself called his “magnificent creation.”

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It's fairly clear there was a disconnect here and the publishers, though they were legally bound by Mrs. Berg's decision to suppress the material, knew something had to be done. It was no doubt not lost on Helene Berg that someday the laws of copyright would expire and she would no longer be around to enforce her ban which meant that anybody then could go in and, presumably, take the material to come up with their own realization.

It is probably in that light that the publishers secretly engaged with composer and “Berg expert” Friedrich Cerha (right) to undertake the project, though of course legally they could not do anything with it publicly as long as Mrs. Berg was alive.

And of course, wouldn't you know, she lived to be 91.

Cerha had approached the publishers in 1962 and was actually shown the material in question. This in itself went against Mrs. Berg's directions: no one was even supposed to be able to look at this material, much less complete it! So why had they given Cerha permission but not George Perle a year later who only got to see Stein's incomplete vocal score for Act III (well, I suppose it's possible that Cerha was Viennese and Perle was not)?

Cerha made a detailed study of Berg's completed score for the first two acts, comparing passages, imitating his approaches to dynamics, phrasing, articulation and other basic musical details not specified in the sketches or the “short score” in addition to making the kind of editorial selections and changes a composer might have made to correct or improve something that was written down either in haste or without his own checking back to see how something had been handled in a similar passage composed a year or two earlier. These are all things Berg could have done had he managed to finish the score himself as well as live long enough to attend rehearsals and make any changes subsequent to an actual performance, all things composers do as a matter of course. But he didn't, so the only way we'll hear what he might have had in mind is what Cerha has been able to do. Considering what he had to work with, it seems like it might be pretty close...

Perle spends a great deal of time discussing (indeed attacking) willful discrepancies between what Berg composed and what the audience often hears and sees, beginning with the decision to present the pantomime version of the final scene from Act Three with music from the Lulu Suite as an acceptable conclusion to the opera for so many years – true, in June of 1937, there was no time to realize whatever had been left to be prepared in time for the premiere, making it an expedient solution that was better than nothing. But forty years later when the Met unveiled its new production of the opera – still in two acts – how can this still be acceptable?

Berg was also very specific about who sang what roles (for instance, the three husbands coming back in the final scene as Lulu's last three clients) which were not always followed: for instance, where is the dramatic irony to have Jack the Ripper (who murders Lulu) sung not by Dr. Schön (who was murdered by Lulu) but by his butler? And when the three-act version was finally premiered in Paris in 1979, why did Patrice Chéreau's production place the final scene not in a garret as Berg and Wedekind wrote it (the director wanted to avoid this late-19th Century cliché even though that is the time when the opera was set) but rather in the public rest room of an underground subway station?

In a footnote, Perle at least compliments the first two American productions – at Santa Fé in 1979 and at the Met in 1980 – as being “among the notable exceptions” to directors' egos overshadowing the composer's intentions (a question that was a major concern for Schoenberg in the 1930s and is still a hot topic in our own day: witness the furor over Luc Bondy's treatment of Puccini's Tosca in his new Met production earlier this season).

Though technically Berg's publishers went against Mrs. Berg's will after she died by allowing Friedrich Cerha's realization of Lulu's third act to be performed at all, the question still remains why did she impose the ban in the first place?

Considering her response to the first two acts of the opera at the premiere, what did she discover in the third act that would make her go to such lengths to suppress it? And if it bothered her that much, why didn't she just destroy the “short score”?

There were sketches to the opera that might have had “secret messages” or explanations in the margins (Cerha mentions them in his list of materials in his program note for the Boulez Paris recording) – was there anything there that would have destroyed the image she had worked so hard to maintain of the façade of the happily married couple?

In Frank Wedekind's original plays which Berg based his opera on, the character Alwa is a writer. Berg turns him into a composer. In fact, when he introduces Alwa as a composer, Berg quotes the opening of his own opera, Wozzeck, as a kind of inside joke.

Inside joke or an autobiographical clue?

In the third scene of Act One, Alwa gazes on Lulu, thinking she could become the subject of an interesting opera.

Considering how long it took the complete opera to see the light of day – from Berg's death in 1935 to the premiere of the three-act version in 1979 – the saga of the opera itself could make “an interesting opera.”

Perhaps it could be called, with an ironic bow to Franz Lehár, “The Jealous Widow.”

Helene and Alban Berg had what most of their friends would have agreed was “the perfect marriage.”

Berg met her in 1906 – a year after he'd first seen Wedekind's Lulu plays – but they were not married until 1911.

She was a singer, the daughter of a wealthy family though it was rumored she was the illegitimate daughter of the emperor. Perle, in quoting the letters Berg wrote when he was kept apart from her “by the implacable opposition of her adoptive father,” notes how he “facetiously describes himself as a 'writer' whose daily letters to her are 'chapters of a vast novel entitled HELENE AND ALBAN: The Story of a Great Love.” Berg even suggested taking 70 or 80 of these letters and turning them into a “nice book” they could present to her “old man” that “could even convert him!”

In 1907, the year he officially concluded his studies with Schoenberg, Berg composed a setting of a poem by Theodor Storm, “Schliesse mir die Augen beide” which he dedicated to Helene (you can hear it sung here by Hermann Prey). It sounds more like Schumann than what we might expect from the composer who would later write Wozzeck but Berg was 22 then and it would be another seven years before he would begin work on what became his first opera, completed in 1922 when he was 37 and which wasn't premiered until three years later.

When they were (finally) married – on May 3rd, 1911 – Alban and Helene Berg were considered “the perfect couple.” One friend wrote “The Bergs were a most devoted couple. Indeed, their union seems to have been that rare thing – an ideal marriage.”

In a posthumous biography of the composer, their friend Wili Reich wrote of this relationship,

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“Beyond her delightful relationship to the man, Helene not only accompanied her husband on most of his journeys, but – with her finely cultivated heart and spirit – became the critical advisor of the composer in his work. Her presence gave the artist the peace and comfort of a relaxed home life, and the quiet necessary for undisturbed creative work. After Berg's death [in 1935] his widow was the most faithful guardian of his works.”
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Then, in 1925 – the year of Wozzeck's premiere which made him a world renowned composer – Berg wrote a second setting of Storm's poem, “Schliesse mir die Augen beide” which can be considered his first attempt to write a serial composition.

(Wozzeck is 'atonal.' Schoenberg, when he was teaching Berg and Webern, was still writing in a highly chromatic style like Verklärte Nacht or Gurrelieder that was gradually working its way toward his first atonal works around 1908, including his 2nd String Quartet. His concepts of “composing with twelve inwardly related tones” which later came to be known as serialism did not begin to evolve until the 1920s.)

You can hear a recording of the song here – quite different, by comparison to the song dedicated to Helene, but then what a difference 18 years can make.

What happened in those years is anybody's guess, but when he was in Prague for a performance of "Three Excerpts from Wozzeck" in May, 1925, he stayed at the home of the brother-in-law of Franz Werfel, husband of an old friend, Alma Mahler, widow of composer Gustav Mahler. It was there Berg met Werfels' sister, Hanna Fuchs-Robettin. They met again when he stopped in Prague on his way to Berlin for Wozzeck's premiere.

At this point, you could say the “idyllic domestic life” of the Bergs became a pretense.

It is interesting that both composer and wife worked hard to maintain the exterior appearance of a happily-married life. Helene may not have known (or understood) the full details of the affair – or, if she did, she worked very hard to give the impression she did not.

What must she have felt like if she had known that two people who were go-betweens for her husband and his mistress were two of her best friends, Alma Mahler and her husband, Franz Werfel? Did she suspect that Mrs. Fuchs-Robettin was something more than Werfel's sister and a friend of Alban's? Did Berg maintain the affair as a romantic fantasy that could not have succeeded any other way? Did he meet her and think she would make an interesting opera?

When Berg wrote the second setting of “Schliesse mir die Augen beide,” it was ostensibly dedicated to celebrate the 25th Anniversary of Universal Edition, his publisher. There is no small irony in the fact the song is full of musical symbolism representing Hanna Fuchs-Robettin – musical cells based on her initials, phrase lengths based on “her number” (Berg was very much into numerology and astrology: her number was 10, his was 23). And yet it's the same poem he had set to music and dedicated to his wife during their courtship!

The brief poem is ostensibly a funeral poem – closing the eyes of the deceased was the role of the grieving spouse or lover – and concludes with the lines, “As the last blow falls / you fill my whole heart.”

Though there is nothing extant to prove he wrote it for her or with her in mind, what is more significant – at least musically speaking – is that this song, or rather the serial “row” on which it's based, became a preliminary study for a six-movement work for string quartet he composed next, his “Lyric Suite.”

This work was dedicated to his friend Alexander von Zemlinsky, the composer of the “Lyric Symphony” from which Berg took a musical quote and incorporated into his string quartet. Incidentally, the music is associated with the words, “You are my own.” There is also a musical quotation from Wagner's Tristan und Isolde – from the “Love Potion” Music – which, in case anybody's forgotten, aside from being one of the most pivotal works of the mid-19th Century and considered the seed from which atonality and serialism grew, was also a story about a man in love with another man's wife.

Though Berg himself wrote about the technical aspects of the suite for the general public, he gave Hanna her own private copy of the score in which he marked certain things in different colored inks that unfolded an involved secret program:

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It has also, my Hanna, allowed me other freedoms! For example, that of secretly inserting our initials, HF and AB, into the music, and relating every movement and every section of every movement to our numbers, 10 and 23. I have written these, and much that has other meanings, into the score for you. ...May it be a small monument to a great love.
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The score is marked “for whom and only for whom – in spite of the official dedication... every note of this work was written.” Berg combines her initials H.F. (translated into German musical notation as B.F. - the same way Bach's name becomes B-flat – A – C – B-natural) with his A.B. (which becomes A – B-flat) to form a melodic germinal motive of four pitches that generates most of the material on which the piece is based.

He also points out various uses of their “secret numbers,” 10 and 23, which pervade many proportional relationships within the entire piece: the way he changes tempo from one to the next is usually through some multiple of either number or how a section where the tempo is ♩ = 100 lasts for 69 bars (the tempo is her number x 10, the length is his number x 3).

He described the movement entitled Andante amoroso as “the most beautiful music I have ever written” and in a letter before the work was performed, told her,

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“Even an unsuspecting listener will feel, I believe, something of the loveliness that hovered before me, and that still does, when I think of you, dearest.”
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Most surprisingly was the inclusion of a secret song embedded in the string parts. In their private score, Berg highlights the notes of the “implied” vocal line and superimposes the words of Baudelaire's “De profundis clamavi” (Out of the depths I cry), a private message shared only between the composer and the work's secret dedicatee.

Friends of Berg's had unknowingly described the suite as “a latent opera” or as having an “underlying inner programme” suggested by the literal quotations from Zemlinsky and Wagner, that the headings of each movement – like Adagio appasionato or Largo desolato – are “clearly the psychographic curve of a singularly powerful emotional experience.”

Little did they know!

In the summer of 1976, American musicologist Douglass Green – he taught a form and analysis class at Eastman which I took during the course of my doctoral studies there in 1973-74 – discovered a manuscript draft of the finale to the Lyric Suite in the Austrian National Library in Vienna. Over the notes were superimposed a cryptic shorthand text. Actually, another musicologist, Douglas Jarman, had already seen this but could make no sense out of it. Green succeeded in deciphering it, discovering it was Stefan George's translation of Baudelaire's “De profundis clamavi” which proved to be “nothing less than a libretto for the last act of what Theodor Adorno had called 'a latent opera.'”

Not long after that – January 24th, 1977 – George Perle discovered Berg's annotated copy of the score that put all these questions into focus and proved there was indeed a secret programme behind this intensely personal music.

Helene Berg who had played the part of the Grieving Widow since her husband's death in 1935 died at the age of 91 on August 30th, 1976, just before all this “unpleasantness” came to light.

And suddenly there is a different light, then, on the question why she suppressed the third act of Lulu and forbid anyone even to look at it in the years following her husband's death (see the second post in this series).

She knew the original manuscript score of the Lyric Suite was in the possession of Hanna Fuchs-Robettin, though she told one biographer it had been given to its official dedicatee, Alexander von Zemlinsky and was presumably in the hands of his heirs. When confronted with word from Zemlinsky's widow that they had never had the manuscript copy, Helene became greatly upset that it must have become lost. But at the time, it was already in her possession: she had her friend Alma Mahler prevail upon her sister-in-law to return it to her. But apparently Helene was unaware of the existence of the annotated score.

Curiously, it was this fabrication that led Perle to interview Zemlinsky's widow about the score. It's from her he discovered the real relationship of Alban Berg to Hanna Fuchs-Robettin which then led to the discovery of 14 of Berg's letters and the annotated score now in the possession of Hanna's daughter. Had this come out before, who knows what affect it may have had on Helene Berg?

She also indicated that one of Alban's possessions was a gold fountain pen he liked very much and with which he composed all of Lulu as well as his next work, the Violin Concerto. It was, she wrote, “a gift from Franz Werfel.” What she didn't know or wasn't letting on she knew was the gift was actually from Hanna Fuchs-Robettin: Werfel was only the person who presented it to him, acting as his sister's agent.

Berg knew very well where this pen originated from. In one of his letters that Perle quotes, Berg writes to her, describing the difference between his 'play-acting' self, the exterior person, as opposed to his inner person:

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“In the frame of this life everything takes place that a normal life brings with it: vexation and joy, ill-humor and gaiety, interst and indifrerence, business and pleasure, art and nature – But believe me, Hanna (and now I can finally address you properly: one and only eternal love), all this pertains only to this exterior person, the one I have been forced to present myself as to my fellow human beings, one whom you (thank God) have never known, and who (only in ordert o chacractersize him in some way) might for a time be fulfilled with the joys of motoring, but could never be able to compose Lulu. That I am, however, doing this may be proof to you that the other person (and now I can speak again in the first person), that I still exist! When I work and take hold of your pen, at that moment I am here, and am also with you, as I am with myself when I am with you in thought.”
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That was written to Hanna in October, 1931. When he wrote down the final measures of Lulu three years later (though the ending may have been sketched long in advance of that event), the words he set for Countess Géschwitz to sing are

“Ich bin dir nah! Bleibe dir nah, in Ewigkeit!”
(I am near you. I remain near you, in eternity!)

The final chord progression consists of three chords – an A major triad over an F in the bass; an A minor triad over an F in the bass; and then an E-A-B over an F in the bass. These are all based on various “tropes” of the main 12-note 'set' from which most of the opera's musical material is derived. The first chord is derived from a trope associated with Dr. Schön, the second chord from one associated with his son, Alwa, and the third chord from one associated with the Countess.

These are the three characters who have been so tragically affected by their association with Lulu throughout the opera.

The first chord ends Act One, after Lulu has coerced Dr. Schön into renouncing his fiancé and marrying her instead. It is also the chord that opens Act Two, when Dr. Schön is now Lulu's husband.

The second chord ends Act Two, after Lulu has returned from prison and Alwa describes her body in musical terms in what is a markedly one-sided love duet. This is also the chord that opens Act Three, where Alwa has run off to Paris with Lulu to escape the Viennese police.

The third chord ends Act Three, in which the Countess has given up her peaceful existence in Vienna to be near Lulu in what is clearly an unrequited relationship in the midst of the squalor of her life in a London slum, dying not far from where Alwa's body lays, in the room next to where Lulu's body lay, murdered by the man who (according to Berg's stage directions) is to be sung by the same man who sang the role of Dr. Schön.

The final chord of the opera – the resolution of all three of these chords – has a B (or an H) in the upper voice and an F in the bass.

B – F, Berg's musical motive for Hanna Fuchs-Robettin.

While there are lots of B-F relationships in Wozzeck, written before he ever met Hanna Fuchs-Robettin – he thought it was prophetic that he met her in the course of traveling to hear performances of the opera – the specific use of the B-F idea is definitely not a coincidence in the Lyric Suite. And though it has less significance in Lulu, is there perhaps some secret going on beneath the surface of this over-heated tale about love and its tragic consequences?

Given Berg's intense analytical approach to his composing process and his preference for such musical symbolism, it is probably not a coincidence in Lulu. But here, it is less overt: since Berg identifies Alwa as a composer (introduced by the quote from Wozzeck), does he really see Hanna as Lulu? Not likely – it is the power of Lulu as a kind of Eternal Feminine, perhaps, that attracts Berg here more than the opportunity to write something that makes Lulu a “female Rake's Progress.”

There's no suggestion Hanna was ever involved in the death of any husband – in fact, after Berg's death and the later takeover of Prague by the Nazis, Fuchs-Robettin and his wife fled to America where he died in New York City in 1949, presumably of natural causes; Hanna died in 1964.

So far, I haven't seen Perle or anyone else come up with any convincing argument about Hanna and Lulu – at least, not to the extent of her involvement in the Lyric Suite.

Perle even proposes the theory that the Violin Concerto may have a secret program that is not associated with its outward dedication “to the memory of an Angel,” inspired as it was by the death in the spring of 1935 of Manon Gropius, the 18-year-old daughter of Alma Mahler.

He points out there are sketches to the Violin Concerto which include marginal configurations of various combinations of the numbers 10 and 23 – again relating to tempos, structure and phrasing of the music – but which nobody would have understood until the “secret score” of the Lyric Suite came to light in 1976 and realized the significance of those numbers. Was the relationship between Hanna Fuchs-Robettin and the composer really behind the Violin Concerto as well?

Perle mentions his idea – that Berg wrote it as a Requiem for himself – which seems only to be conjecture but one based plausibly on the other “secret programs” Berg incorporated into the music of the last ten years of his life.

But Berg wasn't ill when he wrote the concerto – though his health was never robust, between asthma and allergies, that came almost immediately after he completed the concerto. There is a story that Berg, a notoriously slow and pains-taking composer, was working so hard on this concerto, Helene had begged him to slow down and he responded “I cannot – I don't have time.”

One thing is easy to see – at the risk of seeing Hanna in every statement of the notes B and F – is that the row Berg chose for the concerto ends with four notes of a whole-tone scale which also, fortuitously or not, are the opening notes of the chorale “Es ist genug,” a very unusual melodic pattern for the 18th Century when that interval, B to F, the tritone (“three whole-tones”) was a.k.a. “The Devil in Music.”

Which came first, Hanna or the chorale?

As Berg uses the chorale tune,

"Lulu". Entrevista con Pedro Beltrán sobre la segunda y última ópera de Berg para www.efemeridespedrobeltran.com Hoy 24 de diciembre de 1935 fallece Alban Berg

El 2 de junio de 1937 se estrena en la Ópera de Zurich la versión en dos actos de "Lulu" El 24 de febrero de 1979 se estrena en Paris la versión completa. Alban Berg nació el 9 de febrero de 1885 y murió el 24 de diciembre de 1935.

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de 12:15 a 12:15

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1. ¿Qué es Lulu?

Lulu es la segunda y última ópera de Berg. Es una de las óperas más importantes del S. XX. Berg dejó terminados los dos primeros actos y el tercero estaba muy adelantado con todos los esbozos hechos y faltando muy poco trabajo para completarlo. Murió con 50 años de edad tras una picadura de abeja que se infectó y que no fue bien curada y no pudo terminar la ópera.

Su viuda, Helena, inicialmente ofreció a Schoenberg que la terminara pero este se negó porque reconoció que la historia se parecía a la que él mismo había vivido con su esposa. La esposa de Schoenberg le abandonó por un pintor que luego se suicidó.

En la ópera de Berg también el pintor se suicida. Después Helena se lo ofreció a Webern. Estalló la segunda guerra mundial y el proyecto de terminar la ópera quedó interrumpido. Justo al terminar la guerra mundial, Webern murió por disparos accidentales de un soldado del ejército de Estados Unidos. Helena todavía vivió 30 años más pero se negó a que nadie terminara la ópera.

En ese momento ya había descubierto que su marido tenía una relación de muchos años con una amante y que esa relación aparecía en la ópera de tal forma que uno de los protagonistas masculinos de la ópera era en realidad su marido y la protagonista femenina, Lulu, era la amante de su marido. Hubo que esperar 40 años desde la muerte de Berg a que la ópera se estrenara en 1979 porque Helena murió a los 90 años de edad.

2. ¿De qué trata la ópera?

La ópera está centrada en la protagonista Lulu que es una mujer fatal, destructiva, que seduce y aniquila a todos los hombres que conoce.

Con 12 años, Lulu se ha iniciado en la prostitución. Su protector es el Doctor Schon, un hombre mucho más mayor que ella.

El Doctor Schon es una persona muy conocida de gran prestigio en Viena y no quiere hacer pública su relación con Lulu.

Cuando se inicia la ópera, Lulu está manteniendo relaciones sexuales con un pintor. El Doctor Schon la ha casado con un médico mucho mayor que ella. El médico entra en escena y al ver a su mujer con otro hombre más joven tiene un infarto y muere. Lulu contempla el fallecimiento de su marido con total indiferencia.
Lulu se casa con su amante pintor. El Doctor Schon ha conseguido que el pintor venda cuadros y gane dinero. Pero Lulu sigue acostándose con todos los hombres posibles. Entra el padre de Luu en escena. Es un mendigo pero en realidad representa al emperador de Austria Francisco I, más conocido por ser el marido de Sisi. La madre de la esposa de Berg fue durante muchos años amante del emperador por lo que la esposa de Berg era hija del emperador.

Tras el mendigo entra el Doctor Schon. El ha hecho que Lulú se case con el pintor pero está celoso de la relación y le cuenta al pintor que Lulú tiene muchos amantes. Le ofrece pruebas. El pintor se suicida ante la indiferencia de Lulú. Ha muerto su segundo marido.

El doctor Schon anuncia que se va a casar con una conocida mujer de la aristocracia de Viena. Lulú se ríe, le seduce y le obliga a firmar un documento por el que dice que renuncia al matrimonio. El doctor Schon se casa con Lulú que consigue finalmente su objetivo. Es su tercer matrimonio.

En la siguiente escena aparece el hijo del Doctor Schon. Se llama Alwa y en realidad es el propio Alban Berg que se autoretrata en la ópera. Lulú envenenó años atrás a la madre de Alwa pero él está completamente enamorado de ella. El doctor Schon se pone muy nervioso al ver que Lulú se está besando con su hijo. Le dice a Lulú que está harto de ella y de sufrir. Le entrega una pistola y le pide que se mate. Lulú mata al doctor Schon. Ha matado a su tercer marido. El hijo de su marido muerto, Alwa, contempla la escena y defiende a Lulú cuando llega la policía pero Lulú es detenida.

Lulú es condenada en el juicio e ingresa en prisión. En una de las visitas a la cárcel, la condesa Geschwitz cambia sus ropas por las de Lulú y se queda ella en la cárcel. La condesa es lesbiana y está también enamorada de Lulú. Representa en realidad a la hermana de Berg que era lesbiana.

El tercer y último acto se desarrolla en Londres en un casa en la que Lulú trabaja como prostituta. Vive ahora con Alwa que se ha convertido en su cuarto marido. A Alwa no le importa que Lulú haya matado a su madre y a su padre y que ejerza la prostitución. Él ha perdido toda su fortuna con el crack de la bolsa.

En este acto, Lulú recibe a tres clientes. El primer cliente es una persona idéntica a su primer marido lo que se refleja porque lo canta la misma persona y la música recuerda al personaje. El segundo cliente es una persona que se parece a su segundo marido, el pintor. Lulú discute con el cliente por el pago. Alwa defiende a Lulú y el cliente mata a Alwa.

Entra el tercer cliente. Se llama Jack y su música se asocia con el tercer esposo de Lulú, el doctor Schon. Jack es en realidad el famoso asesino Jack el destripador. Jack empieza a ahogar a Lulú. Aparece la condesa. Jack el destripador apuñala a la condesa y a Lulú. Mueren ambas.

En la imagen representación de Lulu.

Berg. Frase de Alban Berg, Para ser un gran compositor hace falta tener sentimientos pero también sabiduría y preparación. Hoy 24 de diciembre de 1935 fallece Alban Berg

Alban Berg nació el 9 de febrero de 1885 y murió el 24 de diciembre de 1935.

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de 12:10 a 12:10

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Berg."Concierto a la memora de un angel". Entrevista con Pedro Beltrán para www.efemeridespedrobeltran.com Hoy 24 de diciembre de 1935 fallece Alban Berg

Estrenado en Barcelona el 19 de abril de 1936, Alban Berg nació el 9 de febrero de 1885 y murió el 24 de diciembre de 1935.

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de 11:50 a 11:50

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1. ¿Qué es el concierto a la memoria de un ángel?

El concierto a la memoria de un ángel es un concierto para violín de Berg. Es su última obra y su testamento musical. Muchos lo consideran el mejor concierto para violín del S. XX y algunos el mejor concierto para violín de la historia de la música.
Fue estrenado en Barcelona el 19 de abril de 1936, muy poco tiempo antes de que estallara la guerra civil en España. En esa época había un festival de música contemporánea en Barcelona todos los años. Cuando se estrenó Berg ya había muerto. El director del estreno iba a ser su amigo Webern pero no se sintió capaz por el dolor que le ocasionó la muerte de Berg.

2. ¿A quien rinde homenaje el concierto?

La obra es un homenaje a Manon, hija de Alma Mahler. Tras morir su marido, Gustav Mahler, Alma se casó con un famoso arquitecto del S. XX llamado Gropius. Tuvieron una hija a la que pusieron por nombre Manon.

Berg, que tenía gran debilidad por las mujeres, estaba completamente fascinado con Manon que era una chica muy atractiva y culta. La relación fue solamente platónica dada la gran diferencia de edad. Berg tenía 50 años y Manon 18. Además Berg estaba casado y a la vez tenía una amante.

Berg tenía una gran amistad con Alma Mahler y por eso veía con mucha frecuencia a Manon.

Manon se puso muy enferma al poco tiempo de cumplir los 18 años. Los médicos no pudieron hacer nada para curarla y falleció.

Berg sintió una enorme tristeza por el fallecimiento de Manon. Su madre Alma Mahler también estaba desolada. Mientras estuvo casada con Gustav Mahler falleció otra hija, con solo cinco años de edad. Era la segunda hija que perdía.

El concierto está escrito en homenaje a Manon aunque se convirtió en el propio réquiem de Berg ya que fue su última partitura. Le pico una abeja, la herida se infecto, no le cuidaron bien y falleció.

En la imagen Manon Gropius Mahler en 1928.

El Concierto de Camara de Berg una creación genial de 1925. Hoy 24 de diciembre de 1935 fallece Alban Berg

Estrenado el 19 de marzo de 1927. Alban Berg nació el 9 de febrero de 1885 y murió el 24 de diciembre de 1935

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de 11:45 a 11:45

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La página fue compuesta entre 1923 y 1925, no conociendo su estreno hasta el 19 de marzo de 1927, en Berlín, a cargo del pianista Eduard Steuermann, el violinista Rudolf Kolisch y el director Hermann Scherchen. Es inmediatamente posterior a Wozzeck, pues, y cuatro años anterior al arranque de su trabajo en la inconclusa Lulu. Armónicamente se mueve entre el atonalismo y el dodecafonismo recién inventado por Schoenberg, sin ceñirse estrictamente a ninguno de los dos sistemas. Se estructura en tres movimientos articulados sin solución de continuidad, organizados en su número de compases siguiendo estrictas fórmulas matemáticas.

Tras una introducción de apenas treinta segundos en que se presentan el violín y el piano se desarrolla el primero de ellos, “Thema scherzoso con variazioni”. Este viene a durar unos 9 minutos y tiene como protagonista al piano. En el “Adagio” que le sigue, que suele durar entre 13 y 15 minutos, la voz cantante la lleva por el contrario el violín. Lo más interesante de este movimiento es que es un palíndromo, como lo será también, por ejemplo, la “música cinematográfica” de Lulu: todo él se articula en torno a un eje de simetría, de tal modo que la segunda parte es una repetición invertida de la primera. El eje no es difícil de reconocer para el oyente: el piano, agazapado hasta entonces, se asoma brevemente con doce misteriosas notas graves.

El tercer movimiento es un “Rondo ritmico con introduzione”. Su duración no la puedo especificar, porque depende de si los intérpretes respetan una larga repetición propuesta por el compositor; así las cosas, puede extenderse desde los 10 minutos de un Boulez hasta los 18 de Nicolaievsky. Aquí por fin violín y piano se habla en igualdad de condiciones con el conjunto de vientos, mezclando además el material temático que había aparecido en los dos movimientos precedentes.

Lo más complicado de la partitura, es determinar las intenciones expresivas detrás de los pentagramas. Por lo pronto, la dedicatoria se realiza a Arnold Schoenberg por su cincuenta cumpleaños (septiembre de 1924), en una situación delicada: el fallecimiento de su esposa Mathilde le había sumido en una fuerte depresión. Agazapados en el tema del primer movimiento, se encuentran –usando la notación germánica- los nombres de los tres amigos de la Segunda Escuela de Viena: Arnold Schoenberg, Anton Webern y el propio Berg. En el segundo, más escondido aún, está el nombre de Mathilde. Los especialistas han sido capaces de encontrar referencias adicionales a otros miembros de este círculo artístico, además de al Pelleas und Melisande con la supuesta intención de referirse al trágico affaire amoroso de Mathilde con el pintor Richard Gerstl, e incluso se ha especulado con la posibilidad de que el eje de simetría del Adagio represente el fallecimiento de esta para entrar entonces en un proceso de transformación espiritual.

Si tenemos en cuenta –sobre esto no parece haber duda– que la obra entronca con el más puro expresionismo germánico, resulta claro que el sentido trágico de la existencia planea sobre las notas retorciéndolas en curvas de angustia y desesperación. Y sin embargo, es posible –incluso necesario– ver la obra desde una óptica muy distinta para comprender la enorme riqueza expresiva que encierra.

En este sentido, quiero traducirles lo que dice Corinna Hesse en las notas de la grabación de Sinopoli:
“El Concierto de cámara realiza un retrato de las alegrías de la amistad terrenal (Thema scherzoso) y el amor (Adagio), después del cual el fallecimiento de Mathilde Schoenberg es visto como un suceso natural. La introducción al movimiento final, con su cadenza para los dos instrumentos solistas, está encabezada como ‘Tormenta’ en los borradores de Schoenberg, y la expresión marcando ‘tempestuosamente’ se usa aquí de modo constante.

Pero Berg contrasta el sentido de conmoción frente a la muerte con un animado rondó final, que él describe como un ‘retrato caleidoscópico del mundo y de la vida’. Aquí es la vida la que triunfa sobre la muerte, y el movimiento termina con una especie de marcha festiva a la manera de fanfarria en celebración del cumpleaños de Schoenberg”. (Fin de la cita).


Los "Altenberg Lieder" un genial ciclo de canciones de Alban Berg para mezzo y gran orquesta. Hoy 24 de diciembre de 1935 fallece Alban Berg

Fueron estrenadas en Viena bajo la dirección de Schoenberg el 31 de marzo de 1913. Alban Berg nació el 9 de febrero de 1885 y murió el 24 de diciembre de 1935.

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de 11:45 a 11:45

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Altenberg Lieder, op. 4 es el nombre por el que se conoce a las Cinco canciones orquestales compuestas por Alban Berg entre 1911 y 1912. El título original es Cinco canciones orquestales sobre poemas para postales de Peter Altenberg (en alemán, Fünf Orchesterlieder, nach Ansichtkarten-Texten von Peter Altenberg).

Son piezas que están basadas en poemas de Peter Altenberg, por esa razón el ciclo se denomina Altenberg Lieder. Dos de las canciones fueron estrenadas bajo la batuta del maestro de Berg, Arnold Schoenberg en el Musikverein de Viena el 31 de marzo de 1913.


Berg compuso estas canciones después de haberse formado con Arnold Schoenberg y tras haber abandonado las reglas de la tonalidad tradicional. Las piezas están basada en la producción poética de Peter Altenberg, un célebre escritor vienés, contemporáneo de Berg.

Dos de las canciones fueron estrenadas bajo la batuta del maestro de Berg, Arnold Schoenberg en el Musikverein de Viena el 31 de marzo de 1913. En el programa se incluyeron también Kindertotenlieder de Gustav Mahler y las Seis piezas para orquesta de Anton Webern.

Las piezas están escritas para voz media, mezzosoprano, y los siguientes instrumentos:

3 flautas (el tercero doblando al piccolo), 3 oboes (el tercero doblando al corno inglés), 3 clarinetes en Si bemol (el tercero doblando al clarinete en Mi bemol), clarinete bajo en Si bemol, 3 fagotes (el tercero doblando al contrafagot);
4 trompas en Fa, 3 trompetas en Fa, 4 trombones (primero duplicando el trombón alto), tuba (duplicando la tuba bajo);
Timbales, percusión (3 intérpretes), xilófono, glockenspiel, arpa, celesta, piano, armonio;
cuerdas: violines I y II, violas, violonchelos, contrabajos.


Las cinco canciones que conforman la pieza musical son las siguientes:

Seele, wie bist du schöner (Alma, cuánto más bella eres)
Sahst du nach dem Gewitterregen den wald (Has visto el bosque tras la tormenta)
Über die Grenzen des All (Más allá de los confines del universo)
Nichts ist gekommen (Nada ha venido)
Hier ist Friede (Aquí está la Paz)

En este ciclo de canciones se aprecia la influencia de La canción de la tierra compuesta por Gustav Mahler, que fue estrenada en 1911 causando una gran impresión en Berg. Los textos provienen de «Textos para Postales» del poeta Peter Altenberg y tratan de la condición tormentosa pero hermosa del alma, así como de las sensaciones palpables de amor y nostalgia. La orquestación gigantesca de Alban Berg, quien al mismo tiempo orquestaba junto a Schoenberg las piezas conocidas como Gurrelieder, contribuyen a la temperamental naturaleza de los poemas sobre amor y deseo.

La música está llena de ostinati desplazados y de la conflictiva pasión lírica que se encuentra en gran parte de las obras de Berg.

Albine Berg fue la única hija de Alban Berg. La tuvo con una empleada doméstica de casa de su madre. Hoy 24 de diciembre de 1935 fallece Alban Berg

Alban Berg nació el 9 de febrero de 1885 y murió el 24 de diciembre de 1935

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de 11:40 a 11:40

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Marie Scheuchl trabajaba en casa de la madre de Alban Berg. Mantuvo relaciones sexuales con Alban Berg. Ella tenía 16 años y el 17. El 4 de Diciembre de 1902 nació Albine producto de la relación.

Berg mantuvo oculta y en secreto a su hija. Berg caso con la hija de la amante del emperador Francisco I (el marido de Sisi). No tuvieron hijos.

Fue la única descendencia de un gran genio de la música.

En la imagen Albine Berg.

La Reina Zenobia de Palmira en la actual Siria. Hoy 23 de diciembre de 245 nace Zenobia.

Nació el 23 de Diciembre de 245 y murió el 4 de Marzo de 274.

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de 15:15 a 15:15

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Septimia Bathzabbai Zainib, más conocida como Zenobia (245-274), fue la segunda mujer del príncipe Odenato de Palmira y reina del Imperio de Palmira entre 267 y 272. Odenato (castellanización del nombre Odenat) era un príncipe cliente del Imperio romano, pero fue asesinado en el 267 y entonces Zenobia tomó las riendas del poder a nombre de su joven hijo heredero.

Aprovechando las disputas en el interior del imperio por la corona del mismo, el reino de Palmira se sublevó e intentó crear su propio imperio con la intención de dominar a los dos que le flanqueaban, el romano y el sasánida. También tenían el incentivo de aprovechar el vacío de poder que el Imperio sasánida aún no había alcanzado a llenar. Las campañas militares de Zenobia le permitieron crear un imperio que abarcaba toda el Asia Menor e incluso logró tomar Egipto con sus tropas en el año 269, ya que allí se había levantado un posible candidato al trono romano. Zenobia logró deponer al pretendiente y reclamó la corona del imperio para su hijo.

Gobernó Egipto hasta el año 272, cuando fue derrotada y enviada como rehén a Roma por el emperador Aureliano. A partir de este momento, el destino de Zenobia parece confuso.

Existen múltiples teorías desde que una enfermedad acabó con la vida de Zenobia, hasta que fue una huelga de hambre o una ejecución por decapitación la causa de su muerte. La versión más optimista y aceptada cuenta que Aureliano quedó tan impresionado por Zenobia que la liberó, otorgándole una villa en Tibur (actual Tívoli, Italia) donde se convirtió en una filósofa destacada de la alta sociedad, viviendo como una matrona romana más.

Reina de Palmira
Zenobia se casó en 258 con el rey de Palmira Septimio Odenato como su segunda esposa. Ella tenía un hijastro llamado Hairan, hijo del primer matrimonio de Odenato.
Alrededor de 266 Odenato y Zenobia tuvieron un hijo, Lucius Iulius Aurelio Septimio Vaballathus Atenodoro, más conocido como Vabalato.

En 267 el marido de Zenobia y su hijastro fueron asesinados. Vabalato tenía solo un año de edad, por lo que su madre sucedió a su esposo y gobernó Palmira como regente del menor. A Zenobia y su hijo le fueron otorgados los títulos honoríficos de Augusta y Augusto.

Zenobia fortificó y embelleció la ciudad de Palmira con una avenida custodiada por grandes columnas corintias de más de 15 metros de altura. Estatuas de héroes y de benefactores se encontraban por toda la ciudad, pidiendo a todos los nobles de la ciudad que mandaran esculpir sus estatuas y con ellas levantaran una columna en la que exhibirlas. Todos los notables de la ciudad, posaron ante los artistas para satisfacción de los ediles. En Palmira podían encontrarse cerca de doscientas estatuas en sus columnas y en las paredes del ágora.

También mandó erigir en el año 271 d. C. un par de estatuas de ella y de su difunto esposo. La ciudad contaba entonces con una población que superaba los 150 000 habitantes y estaba llena de hermosos templos, monumentos, jardines y edificios públicos, entre ellos destacaba el Templo del Sol. Las murallas que rodeaban la ciudad, según se decía, tenían 21 kilómetros de circunferencia.

Tras la muerte de Galieno en el año 268 d. C. y viendo que su sucesor, Claudio el Gótico, tenía que dedicar todos sus esfuerzos a contrarrestar una invasión goda, Zenobia sublevó al reino de Palmira e intentó crear su propio imperio, con la intención de dominar a los dos imperios que le flanqueaban, el Imperio sasánida y el Imperio romano.

Roma, envuelta en un nuevo periodo de caos debido a las distintas sucesiones, dejaba a la reina de Palmira, que estaba bien asentada en su reino, intentar aspirar a crear un tercer imperio que dominara a ambos.

Zenobia fue conquistando nuevos territorios, aumentando el territorio del Imperio de Palmira en memoria de su esposo y como un legado a su hijo. Su objetivo declarado era proteger el Imperio romano de Oriente del Imperio sasánida, por la paz de Roma, sin embargo, sus esfuerzos aumentaron significativamente el poder de su trono.

Las invasiones de Egipto y Anatolia

En 269, Zenobia, su ejército, y el general Zabdas conquistaron violentamente Egipto con la ayuda de su aliado egipcio, Timágenes, y su ejército. El prefecto romano de Egipto, Probus Tenagino y sus fuerzas, trataron de expulsarles de Egipto, pero el ejército de Zenobia capturó y decapitó a Probus. Zenobia se proclamó reina de Egipto y acuñó monedas con su nombre. En ese momento su reino se extendía desde el Nilo hasta el Éufrates.

Después de estas incursiones iniciales, Zenobia llegó a ser conocida como "la reina guerrera" al dirigir personalmente a su ejército, demostrando ser buena jinete, capaz de caminar tres o cuatro millas con sus soldados a pie.

Zenobia hizo expediciones con su gran ejército y conquistó Anatolia hasta Ancira y Calcedonia, y más tarde Siria, Palestina y el Líbano. En su imperio de corta duración, Zenobia tomó rutas de comercio vitales para los romanos. El emperador Aureliano, subido al trono en el año 270, tras estabilizar la frontera del Danubio, decidió finalmente emprender una campaña militar contra ella. Mandó algunas de sus fuerzas hacia Egipto y el grueso de su ejército hacia el este a través de Asia Menor. Zenobia contaba con un gran ejército, formado por sus arqueros y catafractos comandado por dos generales, Zabdas y Zabbai.

Pero Aureliano conquistó Egipto y lanzó sus fuerzas hacia Siria.
Zenobia fue derrotada en Emesa (actual Homs), y se retiró a Palmira, donde fue sitiada por Aureliano. Palmira había hecho acopio de víveres y confiaba en la fuerza de sus excelentes arqueros, esperando resistir durante meses, pero gracias a los jefes árabes del desierto, que Zenobia había desdeñado, Aureliano venció la resistencia de la ciudad. Zenobia y su hijo se escaparon de allí en camello con la ayuda de los sasánidas, pero fueron capturados en el río Éufrates por los jinetes de Aureliano.

El corto reinado de Zenobia sobre Egipto y el Imperio de Palmira habían terminado. Los palmiranos restantes que se negaron a rendirse fueron capturados y ejecutados por orden de Aureliano.

Zenobia es protagonista de la ópera de Rossini "Aureliano en Palmira".

En la imagen "La reina Zenobia ante el emperador Aureliano" cuadro de Tiepolo en el Museo del Prado de Madrid,

La Reina Zenobia de Palmira en la actual Siria en la película "Bajo el Signo de Roma". Hoy 23 de diciembre de 245 nace Zenobia

El 4 de Marzo de 274 fallece Zenobia.

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de 09:00 a 09:00

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Guido Brignone

Gino Cervi, Anita Ekberg, Georges Marchal, Folco Lulli, Chelo Alonso, Jacques Sernas.

Aventuras. Drama. Romance. Bélico | Antigua Roma

Roma, 272 d.C. El emperador Aureliano quiere acabar con la resistencia del reino de Palmira, gobernado por la hermosa e inteligente Zenobia, y envía como embajador al cónsul Marco Valerio, quien, tras sortear todo tipo de intrigas, conseguirá que Palmira pase a ser provincia del Imperio,y Zenobia rinda pleitesía al emperador, pero no como prisionera sino como su esposa.

Con las características del "cine de romanos", Bajo el Signo de Roma, destaca por la presencia de uno de los grandes mitos eróticos del cine: Anita Ekberg. Aquí empieza y acaba esta historia de traiciones y amores entre romanos y habitantes de Palmira (situada en la actual Siria). Sí, porque más allá de un centímetro de su cuerpo la película pierde todo interés.

Los decorados y el vestuario son logrados y vistosos. Imprescidible para que luzca bien la voluptuosa Ekberg. Las interpretaciones son algo limitadas, al igual que la historia y el guión.

Aunque el arranque de la película es bastante correcto va decayendo con el paso de los minutos y finalmente todo se resuelve por arte de birlibirloque. Lo más negativo la batalla final, llena de despropósitos de cámara, montaje, dirección y especialistas.

El mayor entretenimiento de la cinta es ver como luce Zenobia (Anita Ekberg) en cada una de las escenas con un vestido llamativo distinto. No hay que olvidar que en el reparto se encuentra otra bellísima mujer, la exótica bailarina iberoamericana Chelo Alonso, que hace honor a su arte en el film.

Su director, Guido Brignone, un desconocido en España, pero con una filmografía extensísima que inició en 1915, realizó numerosas películas de diferentes géneros para el mero entretenimiento, acabó con esta su carrera ya que fallecería poco más tarde.

Recomendación: para amantes del péplum y/o admiradores de Anita Ekberg.

La película tiene nulo rigor histórico pero nos permite ver a uno de los grandes emperadores romanos "Aureliano".

En la imagen Anita Ekberg como Zenobia.

Rossini pone en música la relación entre el emperador Romano Aureliano y la Reina Siria Zenobia. Hoy 23 de Diciembre de 245 nace Zenobia.

El 4 de Marzo de 274 fallece Zenobia. Nació el 23 de Diciembre de 245.

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de 08:55 a 08:55

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Aureliano in Palmira (título original en italiano; en español, Aureliano en Palmira) es un dramma serio operístico en dos actos con música de Gioachino Rossini y libreto en italiano cuyo autor aparece sólo con las iniciales "G. F. R." Se estrenó en La Scala de Milán el 26 de diciembre de 1813.

El libreto se ha atribuido usualmente a Giuseppe Felice Romani, pero a veces a otra persona, por lo demás desconocida, Gian Francesco Romanelli. Se ha sugerido que el último nombre puede haber sido una confusión de Romani con Luigi Romanelli, el poeta del teatro de La Scala antes del nombramiento de Romani para el cargo.

La historia se basaba en el libreto de Gaetano Sertor para la ópera de Pasquale Anfossi de 1789 Zenobia in Palmira y se centra alrededor de la rivalidad entre el emperador romano Aureliano y el príncipe Arsace de Persia sobre la bella Zenobia, reina de Palmira.
Personaje Tesitura Reparto del estreno, 26 de diciembre de 1813
(Director: Alessandro Rolla)

Aureliano, emperador de Roma tenor Luigi Mari

Zenobia, reina de Palmira, amante de Arsace soprano Lorenza Correa

Arsace, príncipe de Persia castrato / contralto Giambattista Velluti

Publia, hija de Valeriano,
enamorada en secreto de Arsace mezzosoprano Luigia Sorrentini

Oraspe, general del ejército palmireno tenor Gaetano Pozzi

Licinio, un tribuno bajo Pietro Vasoli

El Gran Sacerdote bajo Vincenzo Botticelli

Sacerdotes, doncellas palmirenas, palmirenos, persas, pastores y pastoras; soldados persas, palmirenos y romanos
Aureliano in Palmira is an operatic dramma serio in two acts written by Gioachino Rossini to an Italian libretto in which the librettist was credited only by the initials "G. F. R." The libretto has generally been attributed to Giuseppe Felice Romani, but sometimes to the otherwise unknown Gian Francesco Romanelli. It has been suggested that the latter name may have resulted from a confusion of Romani with Luigi Romanelli, La Scala's house poet prior to Romani's appointment to the post.

The story was based on the libretto by Gaetano Sertor for Pasquale Anfossi's 1789 opera Zenobia in Palmira and it centers on the rivalry between the Roman Emperor Aurelian and Prince Arsace of Persia over the beautiful Zenobia, Queen of Palmyra.

The Act 1 duet between Zenobia and Arsace, Se tu m'ami, o mia regina ("If you love me, oh my queen"), was greatly admired by Stendhal. Although he had never seen a complete performance of Aureliano in Palmira, he heard the duet in a concert in Paris and described its music as "sublime" and one of the best duets that Rossini had written.

Other music from this opera, particularly the overture, was later reused by Rossini in Elisabetta, regina d'Inghilterra and in The Barber of Seville.

It premiered at La Scala in Milan on 26 December 1813.

Performance history
19th century
Aureliano in Palmira was Rossini's second commission from La Scala. It opened the theatre's Carnival season with the famed castrato, Giovanni Battista Velluti as Arsace. It was the only role that Rossini wrote for the castrato voice. Rossini had originally written the role of Aureliano for Giovanni David, one of the most renowned tenors of the day. However, throat problems during rehearsals led David to withdraw from the production, and Luigi Mari took his place. The popular soprano, Lorenza Correa, sang the role of Queen Zenobia. The orchestra at the premiere was conducted by Alessandro Rolla, with the staging directed by Alessandro Sanquirico.

The opera's opening night proved disappointing to the Milanese critics who praised the production but considered the music inferior to that of Rossini's Tancredi which had premiered in Venice earlier that year. There was also criticism of the three principal singers.
Nevertheless, it had a run of 14 performances at La Scala that season and was performed sporadically in various Italian theatres (including the Teatro di San Carlo in Naples) between 1814 and 1831. It was also performed in London in 1826, again with Velluti as Arsace. The opera then fell more or less into obscurity.
20th century and beyond

Its first modern performance was in September 1980 at the Teatro Politeama in Genoa conducted by Giacomo Zani, with Paolo Barbacini as Aureliano, Helga Müller-Molinari as Arsace, and Luciana Serra as Zenobia. There was another major revival in 1996 at the "Rossini in Wildbad" Festival conducted by Francesco Corti, with Donald George as Aureliano, Angelo Manzotti as Arsace, and Tatiana Korovina as Zenobia. It was performed again in 2011 in Martina Franca and was given a new production at the Rossini Opera Festival in Pesaro in August 2014. The Pesaro production, directed by Mario Martone, was the first performance of the critical edition of the opera.

Place: in and around the city of Palmyra
Time: 271-272 A.D.

Act 1
Queen Zenobia, her lover Arsace, and the priests offer sacrifices in the Temple of Isis and pray for their deliverance from the approaching Roman army. General Oraspe enters to the strains of martial music and announces that Aureliano's Roman army is at the gates of Palmyra. Arsace pledges his Persian troops to defend the city. After a dramatic battle scene on the plains outside the city, the Persians are defeated. The Roman soldiers celebrate their victory. Aureliano arrives and addresses Arsace, now a prisoner.

He responds to the Emperor with dignity and affirms his love for Zenobia, saying that he is prepared to die for her.
Inside Palmyra's walls, Zenobia has hidden the kingdom's treasures in the vaults beneath the palace. She decides to make a last stand with her troops to save the city. She asks Aureliano for a truce so that she can speak with him and obtain the liberty of the prisoners, including Arsace. On Aureliano's refusal to free the prisoners, she asks to at least see Arsace for a last time. Zenobia and Arsace weep over their fate. Aureliano enters and promises to free Arsace on condition that he abandons Zenobia. Arsace refuses and is sentenced to death. The Roman and Palmyran armies prepare for a last battle.

Act 2
Palmyra has now been conquered by the Romans. Aureliano enters Zenobia's palace and offers his love to her, which she refuses. Meanwhile Oraspe frees Arsace who then flees to the hills by the Euphrates river where he is sheltered by a group of shepherds. Arsace's soldiers join him and tell him that Zenobia has been taken prisoner.

Arsace sets off to free her and launch a new attack against the Romans with the Palmyran troops.
In the palace, Aureliano proposes to Zenobia that they reign together over Palmyra. Once again Zenobia refuses. Later that night, Arsace and Zenobia meet again in the moonlight and embrace. When they are discovered by the Roman troops, they ask to die. Although he secretly admires their courage and devotion to each other, Aureliano decrees that they will end their days in separate cells. Publia, the daughter of Roman general and secretly in love with Arsace, begs Aureliano to take pity on him.

The final scene takes place in a large chamber of Zenobia's palace. The leaders and priests of the defeated Palmyrans are gathered in supplication before Aureliano. Oraspe, Arsace and Zenobia are led into the chamber in chains. Aureliano, has a change of heart and frees Zenobia and Arsace to reign together over Palmyra provided they both swear lealty to the Roman Empire. This they do, and praise Aureliano for his generous heart. The chorus sings joyfully, "Torni sereno a splendere all'Asia afflitta il dì." ("May the day dawn serene and shining for suffering Asia.")

Anna Nahowski, la suegra de Alban Berg, amante del emperador Francisco José I, esposo de Sisi. Fue la madre de Helene Berg esposa del genial compositor. Hoy 22 de Diciembre de 1931 fallece Anna Nahowski

Francisco I tenía 30 años más que ella y compatibilizaba la relación con Anna, otra amante más y Sisi. Nació el 15 de Marzo de 1560 y murió el 22 de Diciembre de 1931.

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de 16:30 a 16:30

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Anna Nahowski (1860, Viena-1931), era la amante del emperador Francisco José I (casado con la Emperatriz Sissi) entre 1875-1888.

A la edad de 14 años, Anna se casó el industrial Johann Heuduck y luego con Franz Nahowski, funcionario de la compañía de ferrocarriles. En 1875 conoció al emperador en los jardines del Palacio de Schönbrunn. Anna Nahowski vivía con su esposo en Viena Hetzendorf en la Schönbrunn Allee número 12 (con una entrada secreta para su amante) y desde 1884 en Viena Hietzing 13, Maxingstraße junto a los jardines del palacio de Schönbrunn.

En 1889 Anna descubrió que Franz Joseph mantenía al mismo tiempo una relación con Katharina Schratt, "amante oficial" y que supuestamente quería comprar la casa recién adquirida por Franz Nahowski en la Maxingstraße.

Después de la tragedia del crimen de Mayerling (su hijo el Archiduque Rodolfo, se suicidó por un desengaño pasional con Maria Vetsera, quien apareció muerta en circunstancias nunca esclarecidas), el emperador terminó la relación, siendo Anna indemnizada con un "regalo" de 200.000 florines.

De los hijos de Francisco José con Anna, destaca Helene, que se casó con Alban Berg,

Anna Nahowskis está enterrada en el cementerio de Hietzing (grupo 22 fosa No. 17) cerca de su edificio de apartamentos en la Maxingstraße. Katharina Schratt fue enterrada en el mismo cementerio.

Su diario fue liberado para su publicación después de la muerte de su hija Helene Berg en 1976.

Vitelio, emperador de Roma en año 69. Hoy 22 de diciembre de 69 fallece Vitelio

Nació el 24 de septiembre de 15 y murió el 22 de diciembre de 69. "La Clemenza di Tito" de Mozart tiene como protagonista femenina a su hija Vitelia que se enamoró del Emperador Tito, hijo de Vespasiano el emperador que destronó y asesino a su padre.

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de 09:35 a 09:35

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Aulo Vitelio Germánico, nacido como Aulo Vitelio y más comúnmente conocido como Vitelio (24 de septiembre de 15 - 22 de diciembre de 69), fue emperador del Imperio romano desde el 17 de abril de 69 hasta el 22 de diciembre de ese mismo año.

Accedió al trono tras las muertes de sus dos predecesores, Galba y Otón, ambas víctimas del año de los cuatro emperadores.n. A su ascenso al trono se convirtió en el primer emperador que añadió el cognomen honorífico de Germánico a su nombre, en vez del de César. Este primero había caído en desuso a consecuencia de los actos del último que lo portó, el emperador Nerón.

Sus pretensiones al trono se vieron mermadas cuando las legiones estacionadas en las provincias orientales declararon emperador a su comandante, Vespasiano. El inevitable conflicto armado que estalló entre ambos emperadores finalizó con la aplastante derrota que sufrieron las fuerzas de Vitelio en la Segunda Batalla de Bedriacum. Cuando se vio sin posibilidades de vencer, trató de abdicar en favor de su rival al trono; no obstante, las tropas de Vespasiano le asesinaron el 22 de diciembre de ese año en la capital.

Familia y juventud

Era hijo de Lucio Vitelio y de su esposa Sextilia, así como hermano de Lucio Vitelio. Suetonio redactó dos relatos distintos acerca de los orígenes de los Vitelii, en uno afirma que descendían de los antiguos dirigentes del Lacio y en el otro que sus orígenes eran mucho más humildes.

Suetonio escribió que el horóscopo del día de su nacimiento dejó a sus padres tan horrorizados que intentaron impedir que se convirtiera en cónsul.n. Pasó su infancia en Capri, entre los favoritos del emperador Tiberio, donde era conocido por el apodo de spintria. Gozó del favor del emperador Calígula, cuyos carros conducía, y de los de Claudio y Nerón, con quienes jugaba a los dados.

Carrera política y militar

Gracias al afecto que despertó en los tres emperadores fue nombrado sacerdote. Nombrado cónsul en 48, obtuvo el gobierno proconsular de la provincia de África (60/1) en el cual dio pruebas de un enorme desinterés. Luego sirvió como legatus a las órdenes de su hermano, quien le sucedió en su puesto. Luego de expirar su tiempo en el cargo fue designado para desempeñar diversos cargos administrativos, labrándose una buena reputación en Roma.

Contrajo matrimonio con una mujer llamada Petronia, con la que tuvo un hijo tuerto llamado Petroniano; Vitelio emanciparía al joven, al que su madre había hecho heredero, para después asesinarle acusándole de parricidio. Tras ello se casó con Galeria Fundana, con la que tuvo dos hijos.

Cuando estaba terriblemente acosado por las deudas, el emperador Galba le cedió el mando de la provincia de Germania Inferior (68), quizá a consecuencia de la influencia de uno de sus compañeros, el senador Tito Vinio. Allí se ganó pronto el afecto de sus soldados gracias a su flexible disciplina y a su carácter cercano.

Ascenso al poder
Por iniciativa de los comandantes de las legiones del Rin, Cecina y Valente, los soldados le sacaron de su campamento de Colonia Agrippinensis (Colonia) la noche del 1 de enero de 69, le cedieron la espada de Julio César y le llevaron al centro del campamento, donde lo aclamaron como emperador.

Poco después añadió a su nombre el título de Germánico; aunque rehusó tomar el de Augusto o el de César.6 A esta rebelión se unieron los ejércitos de Galia, Britania y Recia.

Cuando recibió noticias acerca de la muerte de Galba, ordenó la provincia centroeuropea y dividió su ejército en dos divisiones, una de las cuales marchó contra Otón a la cabeza de sus comandantes, y la otra cuyo mando apartó para asumirlo el mismo. Suetonio afirma que cuando Vitelio emprendió su marcha, esta se vio rodeada de considerables vaticinios adversos.

Tras ser informado de la muerte de su rival en Bedriacum realizó sus primeras acciones como emperador de facto; ordenó el asesinato de las 120 personas que, con afán de obtener el favor de Otón, se habían declarado culpables del asesinato de Galba y disolvió las cohors praetoriae, que volvieron a completarse con hombres de su confianza. De camino a la capital se ganó el odio del pueblo a consecuencia de los excesos a los que permitía entregarse a su corte. Cuando alcanzó el lugar donde se había producido la batalla en la que había fallecido su enemigo exclamó ante los soldados que se apartaban del hedor de los cadáveres:

El cadáver de un enemigo siempre huele bien, y mejor aún si es un conciudadano.

Suetonio, Vida de Vitelio

Luego de pronunciar esta máxima se dirigió a la tumba de Otón; allí se burló de él en presencia de sus fuerzas.

Cuando llegó a Roma hizo gala de la opulencia que le había hecho ganarse los desafectos del pueblo al entrar en la capital ataviado con lujosas vestimentas y a la cabeza de hombres vestidos con sus mejores ropajes, asumió el pontificado, estableció las magistraturas por un periodo de diez años y se declaró cónsul vitalicio. El 19 de abril de ese mismo año fue proclamado emperador por el Senado.


Al igual que le sucediera a Galba, Vitelio estaba totalmente dominado por su corte y en especial por su liberto Asiático al que llegó a manumitir para concederle el gobierno de una provincia. Las fuentes clásicas afirman que se valió de su posición para entregarse a los más suntuosos placeres culinarios; en la capital eran conocidos sus banquetes.

Suetonio afirma en su De Vita Caesarum que el emperador era un ser cruel al que le gustaba ordenar asesinatos y contemplarlos. Asesinó a todos aquellos que le habían exigido el dinero de sus deudas, a sus dos hijos, a los que se habían expresado públicamente contra la facción del circo de los azules. Se llegó a afirmar incluso que había dejado morir a su madre.

A pesar de ello, los historiadores Tácito y Dión Casio rechazan ciertas aseveraciones de Suetonio acerca de la administración de Vitelio, a la que consideran aceptable. El primero de ellos describe las que considera sus dos contribuciones más importantes al gobierno del Imperio:

Finalizó con la práctica de los centuriones de vender exenciones fiscales y militares a sus hombres, cambio que el historiador describe como una política adoptada por« todos los buenos emperadores».

Amplió los cargos de la administración imperial más allá del grupo de los libertos imperiales, permitiendo así que los equites ocupasen puestos en el gobierno.

El 1 de octubre de 69 elaboró una ley por la que se expulsaba de Roma e Italia a todos los astrólogos. Algunos de ellos declararon tras la firma del decreto:

Salud a todos. Por orden de los caldeos, se prohíbe a Vitelio Germánico estar en ninguna parte del mundo para las calendas del mismo mes.
Suetonio, Las vidas de los doce césares

En respuesta, el emperador asesinó a todo astrólogo que cayera en sus manos.


Cuando Vitelio tuvo conocimiento de que los ejércitos de Mesia, Panonia, Siria y Judea habían declarado emperador a su comandante, Vespasiano, puso en marcha una serie de medidas desesperadas que supusieron una considerable carga para el tesoro. No obstante, cuando se enteró de que las huestes de Dalmacia e Iliria se habían unido a su adversario trató de dimitir de su cargo. Muchos de sus allegados desertaron de su bando.

Al parecer, Vitelio esperó a Vespasiano al mando de sus tropas en Mevania. Cuando las fuerzas de su rival alcanzaron el lugar, el emperador convino su dimisión con Marco Antonio Primo, comandante de la Legio VI y uno de los principales partidarios de su adversario. A pesar de ello, los pretorianos le obligaron a violar el acuerdo y le hicieron volver a palacio. Suetonio y Tácito afirman que, cuando las tropas de Vespasiano entraron en la capital, Vitelio se escondió en el hogar de un portero.

Cuando sus enemigos lo encontraron y, a pesar de sus súplicas, lo trasladaron al Foro, donde los soldados de Vespasiano le asesinaron. Tras la masacre se arrojó su cuerpo al Tíber y su cabeza fue paseada por las calles de la capital. Su hijo y su hermano también fueron asesinados.

Se nombró Césares a Domiciano y a Tito, los hijos de Vespasiano. El emperador llegaría a Roma a finales de 70.

En la imagen Vitelia en "La Clemenza di Tito" de Mozart que tiene como protagonista femenina a la hija de Vitelio que se enamoró del Emperador Tito hijo de Vespasiano el emperador que destronó y asesino a su padre.

Hitler. La madre de Hitler. Hoy 21 de diciembre de 1907 fallece Klara Hitler

Klara Hitler nació el 12 de agosto de 1860 y murió el 21 de diciembre de 1907.

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de 14:45 a 14:45

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Klara Hitler (Spital, Austria; 12 de agosto de 1860 – Linz, 21 de diciembre de 1907), de nacimiento Klara Pölzl, fue la madre de Adolf Hitler.

Infancia y juventud (1860-1885)

Klara Pölzl nació en 1860 en Spital, una pequeña localidad al norte de Austria. Sus padres eran Johann Baptist Pölzl, un pequeño granjero, y Johanna Hiedler, matrimonio que tuvo once hijos de los cuales solo sobrevivieron tres a la infancia: Klara, la mayor, Johanna y Theresia. El abuelo materno de Klara era Johann Nepomuk Hiedler (o Hüttler, el apellido significa «pequeño propietario rural» y se encuentre en la documentación de la época en diferentes grafías) cuyo hermano, Johann Georg Hiedler, se había casado con Maria Anna Schicklgruber, la madre de Alois Hitler y, por tanto, abuela del propio Adolf Hitler.

Dado que en el registro bautismal de Alois aparece en blanco el nombre del padre, no está claro que este fuera el propio Georg sino Nepomuk, quien al poco de morir Maria Anna se llevó a Alois a vivir a su granja. En cualquier caso Klara y Alois estaban estrechamente emparentados y esta inseguridad sobre la identidad de uno de sus abuelos dio pie a especulaciones sin fundamento sobre la posible ascendencia judía de Adolf Hitler.

Klara se trasladó a Braunau am Inn en 1876, con dieciséis años de edad, para servir como criada en la casa de su primo Alois y su primera esposa, Anna Glassl. Alois, que tenía entonces treinta y nueve años y trabajaba como funcionario de aduanas, comenzó poco después una relación con Franciska Matzelberger, una joven sirvienta con la que empezó a convivir nada más separarse de Anna en 1880. Franciska exigió que Klara abandonara la casa, se casó con Alois en 1883 y tuvieron dos hijos, pero cuando en 1884 murió de tuberculosis, Alois hizo volver a Klara a Braunau.

Matrimonio con Alois Hitler (1885-1903)
Klara se casó con Alois Hitler el 17 de enero de 1885 y en mayo nació su primer hijo, Gustav. Al año siguiente tuvieron a su segunda hija, Ida, y en 1887 a Otto, que murió a los pocos días de nacer. Gustav e Ida también fallecieron de difteria unos meses después que Otto.

El cuarto hijo de Klara y Alois y el primero que sobrevivió a la infancia, Adolf Hitler, nació a las seis y media de la tarde del 20 de abril de 1889. En 1892, debido a que Alois había sido ascendido, la familia se traslado a Passau, ciudad de Baviera fronteriza con Austria, donde Klara dio a luz en 1894 a Edmund, su quinto hijo. En Passau la familia disfrutaba de una posición acomodada, y Klara contaba con la ayuda de una doncella y de la compañía de su hermana pequeña Johanna.

En 1894 Alois fue trasladado de nuevo, esta vez a Linz, pero la familia permaneció en Passau hasta que en febrero de 1895 adquirió una propiedad en la aldea de Hafeld, Fischlham, a cuarenta y cinco kilómetros de Linz. Un par de meses después Klara se reunió con su marido y allí nació en 1896 su última hija, Paula. Finalmente en noviembre de 1898, después de instalarse unos meses en Lambach, Alois compró su última casa en Leonding, una localidad muy próxima a Linz.

El 2 de febrero de 1898 murió de sarampión el hermano pequeño, Edmund, dejando a Adolf como el único descendiente masculino de Alois y Clara. Alois insistía en que Adolf se preparara para convertirse en funcionario y lo matriculó en la Realschule de Linz, aunque su rendimiento fue bastante malo. Según el mismo Hitler ya entonces había expresado su intención de dedicarse al arte, lo que provocó una época de tensiones entre padre e hijo que terminó cuando, el 3 de enero de 1903, Alois sufrió un colapso y falleció.

Años finales (1903-1907)

Aunque inicialmente Klara intentó que Adolf cumpliera los deseos de Alois, estaba mucho más dispuesta a ceder ante los caprichos del único hijo varón que le quedaba. Ante sus malas notas tuvo que trasladar a Adolf a la Realschule de Steyr, donde tuvo que alojarse debido a que estaba demasiado lejos de casa, a unos ochenta kilómetros. Finalmente, con la excusa de una enfermedad, Adolf convenció a su madre de que no podía seguir estudiando. Para ese momento Klara había adquirido un cómodo piso en la Humboldtstrasse de Linz donde se mudó en junio de 1905 con sú hermana Johanna y con Adolf y Paula.

En la primavera de 1906 Klara le pagó un viaje a Viena a Adolf, que insistía en estudiar arte. Para el año siguiente y pese a la oposición de parte de su familia contaba además con la subvención de su tía Johanna en su intento de ingresar en la Academia de Bellas Artes de Viena.

Ese mismo año Klara cayó gravemente enferma y debió ser operada de cáncer de pecho en enero de 1907. Se hizo cargo de su tratamiento el médico judío de la familia, el doctor Eduard Bloch, que comunicó a sus hijos que Klara tenía escasas probabilidades de sobrevivir. Adolf quedó muy afectado y se hizo cargo de los gastos y de las decisiones sobre el tratamiento, pero aun así marchó a Viena en septiembre para presentarse al examen de ingreso en la Academia. A finales de octubre Bloch lo hizo llamar para avisarle de que la situación de su madre era desesperada y, finalmente Klara falleció en Linz el 21 de diciembre de 1907.

Klara fue enterrada en Leonding junto a su marido Alois. En marzo de 2012 la tumba, que era lugar de culto para algunos grupos neonazis, fue desmantelada y su lápida retirada, al parecer por decisión de un descendiente del primer matrimonio de Alois Hitler.

Importancia en la vida de Adolf Hitler

A pesar de que Hitler insinuó más tarde que la muerte de su madre lo dejó prácticamente en la pobreza, la realidad es que la buena administración de Klara, la ayuda de su tía Johanna, la pensión de orfandad y, posteriormente, la herencia paterna, aunque no le proporcionaron seguridad económica sí lo dejaron en una situación momentáneamente desahogada.

Existen muchos testimonios que documentan el profundo afecto que Adolf Hitler sintió por su madre, quizá la única relación humana de este tipo en su vida. Llevó consigo sus fotografías y retratos hasta el final en el búnker de la Cancillería y, por ejemplo, el doctor Bloch dijo de él que «el amor que sentía por su madre parecía ser su rasgo más destacado». Al morir Klara añadió que, en esas circunstancias, «nunca había visto a nadie tan postrado por el dolor como Adolf Hitler», opinión confirmada tanto por los propios recuerdos de Hitler en Mein Kampf, como por su hermana Paula. Klara, una mujer bondadosa y devota según Bloch, era una madre protectora, lo que contrastaba con el temperamento autoritario de Alois. Hitler recordaba más tarde sus palizas y es muy probable que Alois extendiera el maltrato a su mujer. Siendo Alois también bebedor, puede que el rechazo de Hitler al alcohol se deba a esa experiencia.

Se ha especulado a veces, con escaso fundamento, que la muerte de Klara a los cuidados de un médico judío podría haber sido una de las causas del antisemitismo de Hitler. Es improbable en vista de las muestras de agradecimiento que, como postales y cuadros pintados por él mismo, Bloch asegura haber recibido de Hitler. Años más tarde, después del Anschluss, recurrió a Hitler para obtener un trato favorable, gracias al cual consiguió emigrar a Estados Unidos. El doctor Bloch falleció en 1945 en Nueva York.


Con Alois Hitler tuvo seis hijos:

Gustav Hitler (17 de mayo de 1885 - 8 de diciembre de 1887).
Ida Hitler (23 de septiembre de 1886 - 2 de enero de 1888).
Otto Hitler (1887 - 1887). Fallecido a los pocos días de nacer.
Adolf Hitler (20 de abril de 1889 - 30 de abril de 1945).
Edmund Hitler (24 de marzo de 1894 - 2 de febrero de 1900).
Paula Hitler (21 de enero de 1896 - 1 de junio de 1960).

De los seis hijos de Klara únicamente Adolf Hitler y su hermana Paula llegaron a la edad adulta.

Feuchtwanger. La novela "La Judía de Toledo" de Lion Feuchtwanger. Hoy 21 de diciembre de 1958 fallece Lion Feuchtwanger

La trágica historia de amor entre el Rey Alfonso VIII y una judía de Toledo. Lion Feuchtwanger nació el 7 de julio de 1884 y murió el 21 de diciembre de 1958.

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de 13:45 a 13:45

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Los amores entre Alfonso VIII, campeón de las Navas de Tolosa, y la judía de Toledo, han ido dejando un bellísimo rastro literario hasta nuestros días. El argumento es bien sencillo. Alfonso, que estuvo casado con Leonor de Plantagenet, hija de Enrique II de Inglaterra y de Leonor de Aquitania y, por lo tanto, cuñado de Ricardo Corazón de León y de Juan sin Tierra, se enamora perdidamente de una bellísima judía, a la que Lope bautiza para siempre como Raquel. El rey se encierra con ella siete años en su palacete toledano de La Galiana, también conocido como La Huerta del Rey, olvidándose de su esposa y desatendiendo el gobierno de Castilla, pronta a romper la tregua con los moros. Una conjura de nobles, instigada por Leonor y por la Iglesia tras la derrota de Alarcos, pone trágico fin a esos amores, desencadenando la furia del rey, que aún tardará años en hacer las paces con la reina, paz que sella construyendo el Monasterio de las Huelgas donde están enterrados.

El único rastro histórico de esta apasionada historia de amor se debe a Alfonso X el Sabio, quien reinó un siglo después de haber ocurrido los hechos, si es que no son puramente legendarios, y quien cuenta que Alfonso “pagóse mucho de una judía que auie nombre Fermosa, e olvidó la muger, e ençerróse con ella gran tiempo en guisa que non se podié partir d’lla por ninguna manera, nin se pagaua tanto de cosa ninguna: e estouo ençerrado con ella poco menos de siete años… Entonçe ouieron su acuerdo los omes buenos d’l reino cómo pusiesen algún recado en aquel fecho tan malo e tan desaguisado… e con este acuerdo fuéronse para allá: e entraron al rey diziendo que queríen fabrar con él: e mientras los unos fabraron con el rey, entraron los otros donde estaua aquella judía en muy nobres estrados, e d’golláronla”.

Historia o leyenda, el tema ha sido abordado desde la óptica antisemita del Siglo de Oro, la xenófoba del XVIII contra los ilustrados borbones, y también por la medievalista del posromanticismo alemán, con poemas, obras teatrales y novelas como “Las Paces de los Reyes y Judía de Toledo”, de Lope de Vega (1617). Entre otras obras, le siguen “La desgraciada Raquel”, de Antonio Mira de Amescua (1625); “La Judía de Toledo”, de Juan Bautista Diamante (1667); “Raquel”, de Vicente García de la Huerta (1778) y “Die Jüdin von Toledo”, de Franz Grillprazer (1851).

Mediado el siglo XX, Lion Feuchtwanger, gran amigo de Bertolt Brecht, quizá eleva el tema a obra maestra con su documentadísima “Spanische ballade” o “Die Jüdin von Toledo”, La Judía de Toledo (1955, novela adaptada al teatro por Kristo Sagor en 2012) pues, además, escribe el relato desde el punto de vista judío.

Eisenstein. Hoy 21 de Diciembre de 1925 se estrena en Moscu una de las mejores películas de la historia "El Acorazado Potemkin" de Eisenstein,.

En la versión restaurada la música es de Shostakovich.

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de 12:15 a 12:15

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El acorazado Potemkin es una película muda de 1925 dirigida por el cineasta soviético Serguéi M. Eisenstein. La película reproduce el motín ocurrido en el acorazado Potemkin en 1905, cuando la tripulación se rebeló contra los oficiales de la armada zarista.

El acorazado Potemkin está considerada como una de las películas propagandísticas más influyentes de todos los tiempos y fue nombrada mejor película de la historia en la Exposición General de Bruselas de 1958. El filme es de dominio público en algunas partes del mundo y se la considera como una de las mejores películas de la historia del cine.


En 1925 se le encargó al director Eisenstein el llevar a cabo esta obra para conmemorar el vigésimo aniversario de la revolución social de 1905 por la Revolución bolchevique.

El acorazado Potemkin significa un nuevo aporte a la narración cinematográfica en términos de lenguaje visual. Tras la genialidad de Griffith en el trabajo de escala de planos, Eisenstein observa otra función que puede realizar la cámara al inclinarla, lo que da como resultado un énfasis o una sensación distinta en lo que se relata.

Por otro lado, se trata de una película que refleja el espíritu de la época en que es realizada, y en la que todo elemento es utilizado como propaganda para la legitimación ideológica del régimen comunista, exaltando al hombre común, sobre todo al oprimido que decide romper sus cadenas.

Una de las escenas más famosas en la historia del cine pertenece a esta película. Se trata de la escena de la escalera de Odesa, cuando los soldados disparan contra el pueblo inocente y los cosacos cargan a sablazos para acabar con el apoyo a los rebeldes. En ese momento, una madre es alcanzada por una bala mientras corre con un coche de bebé, que rodará escaleras abajo al morir la madre. Otra mujer lleva en brazos a su hijo muerto por los disparos y se enfrenta a los soldados. Esta escena ha sido homenajeada por directores famosos, como Francis Ford Coppola en El Padrino, Brian De Palma en Los intocables, Woody Allen en Bananas, Terry Gilliam en Brazil, Peter Segal en The Naked Gun 33⅓: The Final Insult, e incluso en Los Simpson en dos situaciones, una con Homer rescatando al bebé y otra, con una estética igual a la de la película, con Lisa lanzando a Maggie.

El acorazado Potemkin es una película basada en hechos reales, acaecidos en el puerto de Odesa (Imperio ruso) durante la semana del 26 de junio de 1905. Los marineros del acorazado Potemkin, hartos de malos tratos y de verse obligados a comer alimentos en mal estado, deciden sublevarse. Con muchas imágenes expresivas en forma de álbum fotográfico, El acorazado Potemkin representa la magnificación de la figura de las masas y las causas colectivas.

Estrenada en 1925, la primera década después de la Revolución rusa, constituye un rescate de la importancia del Potemkin en el proceso de la revolución fallida de 1905, antecedente de la rebelión de octubre de 1917.

Este film está compuesto de cinco episodios:

Hombres y gusanos
Drama en el Golfo Tendra
El muerto clama
La escalera de Odesa
Encuentro con la escuadra
El propio Eisenstein lo explica en el texto sobre la «Unidad orgánica y patetismo (pathos) en El acorazado Potemkin», incluido en el libro de Georges Sadoul sobre este film: La película está trabajada como un todo orgánico en el que cada uno de sus elementos funciona en pos de una composición que mantiene en su núcleo lo particular en función del todo. Cada una de las partes en que se puede dividir la cinta, es funcional en un nivel superior de lectura, es decir, en la generalidad. Por otra parte el patetismo (pathos), mientras que la sucesión y cambio constante en las cualidades de la acción generan en el espectador una emoción que lo lleva a realizar mediante un proceso psicológico, una reflexión intelectual de acuerdo al tema propuesto.

Divulgación, censura y restauración.

Después de su estreno en la Unión Soviética, la película fue exhibida en los Estados Unidos. Se exhibió en Alemania una versión con ediciones en las escenas extremadamente violentas. Una introducción de León Trotsky fue omitida en las versiones soviéticas, por el enfrentamiento de éste con Iósif Stalin. La película fue prohibida en Alemania (durante el régimen nazi), Gran Bretaña, España (aunque se levantó la prohibición durante la Segunda República), Francia y otros países por su contenido revolucionario. También fue prohibida en territorio soviético durante un corto período, cuando el Comintern (por razones diplomáticas) dejó de apoyar deserciones en los barcos de países capitalistas.

En 2004 se terminó la restauración de la película, que está ya disponible en DVD. Muchas escenas violentas excluidas y la introducción de Trotsky fueron restauradas, y las traducciones desde el ruso no tienen la retórica revolucionaria del idioma original.

La música fue escrita originalmente por Edmund Meisel en un período de 12 días debido a una tardía aprobación por causa de la censura impuesta, lo que se reflejó en largas repeticiones de diversas partes de la composición a fin de completar la obra para una orquesta de salón compuesta por flauta, trompeta, trombón, percusiones y cuerdas. Mark-Andreas Schlingensiepen depuró la obra para el piano en la versión actual del filme.

En la versión en formato de DVD, la trama es acompañada con obras de Dmitri Shostakóvich.

¡¡¡¡¡¡Absoluta recomendación de la película¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡

Lodbrok. Curiosidades de la brillante serie de televisión "Vikingos". Hoy 21 de Diciembre de 865 fallece Ragnar Lodbrok

El protagonista principal Ragnar Lodbrok nació el 2 de agosto de 785 (fecha aproximada) y murió el 21 de Diciembre de 865 (fecha aproximada).

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Texto. de J.J. GONZÁLEZ HARO - @jojugharo - 29/12/2015

«Vikingos», la serie del canal Historia, lleva ya cuatro años entre nosotros y aunque aún está por ver que nos deparará en su cuarta temporada, actualmente se encuentra entre las series más apreciadas de cuantas se emiten por televisión.

Protagonizada por Travis Fimmel (a quien veremos en breve en la película «Warcraft»), «Vikings» o «Vikingos» nos narra de forma más o menos histórica las incursiones de los nórdicos en tierras inglesas o francesas. Y sí, he dicho nórdicos. Curiosamente, y a pesar del título de la serie, la palabra vikingo no se utiliza hasta la mitad de la tercera temporada. Así pues, cuando se refieren a los protagonistas, los pueblos invadidos los llaman salvajes o barbaros, un término que ya usaban los romanos para denominar a todos aquellos que consideraban incivilizados

Fimmel da vida a Ragnar Lodbrok, un agricultor movido por la curiosidad que acaba convirtiéndose en el líder del pueblo vikingo en innumerables incursiones. Pese a que el personaje aparece en bastantes registros, los historiadores no lo consideran cien por cien real y aunque muchos coinciden en que hay datos contrastados, la mayoría piensa que el mito de este rey semilegendario puede estar compuesto por los actos de varios personajes históricos que dieron pie al mito.

Incluso con esto, todo apunta a que el tal Lodbrok fue un líder nato y pese a las diferentes fuentes que nutren su historia, casi todos los relatos lo sitúan casado con las dos famosas guerreras que aparecen en la serie: Lathgertha y Aslaug.

Lejos de ser un líder solitario, Ragnar se presenta como un tipo rodeado de amigos y familiares, destacando entre estos su hermano Rollo. Como he dicho, la figura de Ragnar no está lo bien documentada que nos gustaría, pero parece que este supuesto hermano no es mencionado por ningún lado.

El personaje, es en realidad una adaptación de un vikingo famoso llamado Hrolf. A Hrolf se le atribuye haber conquistado las tierras francesas se conocen como Normandía (Tierra de los Nórdicos) y parece que durante la cuarta temporada de «Vikingos» podríamos ver más rasgos de este personaje histórico.

Al margen de sus tramas belicosas, «Vikingos» es un show especialmente educativo, y aunque se toma sus libertades, es una buena forma de aprender ciertas costumbres de estos pueblos norteños considerados bárbaros.

Además de ofrecernos retazos de sus religiones y tradiciones, «Vikingos» nos ha mostrado algunos ejemplos de los castigos que supuestamente usaban estos guerreros, siendo el Águila de Sangre uno de los más destacados.

A día de hoy, todavía hay discusiones sobre la veracidad del uso de este castigo y son muchos los que piensan que forma parte de algún tipo de iconografía pensada para infligir miedo, pero en la serie, podemos ver como Ragnar y ejecutan a uno de sus rivales de esta salvaje forma que expone los pulmones y las costillas intentando imitar la silueta de un águila tal y como vimos también en la serie «Hannibal».

Muchos sabréis que el creador de «Vikingos» no es otro que Michael Hirst, un guionista y productor al que todos asociamos con la serie «Los Tudor». Pues bien, estas no son las únicas series ‘históricas’ en las que ha trabajado este autor, sino que consultando su ficha en IMDB, descubrimos que también ha estado involucrado en las adaptaciones de personajes como Isabel I de Inglaterra, los también semilegendarios personajes de «Camelot» o los ya mas documentada familia de «Los Borgia».

Dicha relación de trabajos no hace más que exponer la afición de Hirst por la historia, y es que aunque su trabajo actual está ligado al mundo del cine y la televisión, estuvo a punto de convertirse en académico, pero afortunadamente, alguien le hizo cambiar de idea.

Mucho se ha hablado del amiguismo y el enchufismo español, pero lo cierto es que es una tendencia bastante usual, al menos en el cine. Junto a ejemplos como el de la hija de Carrie Fisher (la princesa Leia) , que aparece en «Star Wars: El Despertar de la Fuerza» , o el del favoritismo de directores como Len Weisman o Paul W. Anderson que colocan a sus esposas (Kate Beckinsale y Milla Jovovich respectivamente) en sagas como «Underworld» o «Resident Evil», habría que mencionar también al creador «Vikingos».

Dispuesto a darle trabajo a sus hijas, o al menos tenerlas cerca mientras él trabaja, incorporo a sus ya no tan pequeñas Georgia y Maude para dar vida a las esposas de dos de los guerreros protagonistas. Mientras que Georgia Hirst da vida a Torvi, la mujer del hijo del rey Horik, su hermana Maude es Helga, la partenaire de Floki, el constructor de barcos y amigo de Ragnar.

Como a cualquier producto que intenta mantener un mínimo de nivel histórico, el público y la crítica intentan buscarle todo tipo de fallos, y aunque «Vikings» los tiene, estos ‘detallistas’ metieron la pata al criticar el abuso de delineador en los personajes.

Según explican algunos historiadores, el uso de este tipo de cosmético era bastante habitual en la antigüedad y además de para realzar el atractivo de sus portadores, servía para rebajar los efectos del sol en la vista de sus usuarios. ¿Curioso verdad? Pues para que sigáis sorprendiéndoos, os diré que este tipo de delineador se llamaba kohl, y estaba hecho con antimonio triturado, almendras quemadas, plomo, cobre oxidado, ocre, ceniza, malaquita y crisocola, elementos que ahora mismo dispararían las alarmas sanitarias.

Evidentemente, hay muchos fallos a niveles históricos en la serie, pero uno de los más llamativos es el que atañe al vestuario. Aunque estamos acostumbrados a imaginarnos a los vikingos portando armaduras pesadas y grandes cascos adornados con cuernos, en la serie los personajes van bastantes más ligeros. Esto resulta sorprendente también debido a que no los vemos lucir tantos abrigos como sería de esperar en tierras tan norteñas, pero parece que por motivos estéticos y de funcionalidad a la hora del rodaje, se eligió esta opción a expensas de las críticas que iban a recibir, aunque yo me decanto más por el hecho de que con armaduras y rodando cerca del agua, los accidentes de rodaje podrían ser peligrosos, así que se optó por minimizar riesgos.

En la imagen dibujo de Jorge Lewis de la serie.

¡¡¡¡¡¡¡ Absoluta recomendación de la serie¡¡¡¡¡¡¡¡.

Lodbrok. La verdadera historia de Ragnar Lodbrok. Hoy 21 de Diciembre de 865 fallece Ragnar Lodbrok

El protagonista principal de la serie "Vikingos" Ragnar Lodbrok nació el 2 de agosto de 785 (fecha aproximada) y murió el 21 de Diciembre de 865 (fecha aproximada).

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Texto tomado de www.taringa.net

Realidad y leyenda. Estos son los elementos que se mezclan para crear la historia de Ragnar Lodbrok, un conocido rey nórdico que, desde hace varios meses, se ha hecho famoso gracias a que la serie de televisión «Vikingos» ha llevado sus legendarias aventuras a la pequeña pantalla. Valiente y osado, este personaje es recordado en la tradición escandinava por ser sanguinario, rebelde y haber causado estragos a base de hacha y drakkar en Inglaterra y Francia.

Ragnar, héroe para unos y villanos para los que más, habría cometido sus actos de pillería durante la época de esplendor de los vikingos (a partir del año 800 D.C.) según los datos más fiables. Sin embargo, no es posible remitirse únicamente a la historiografía para elaborar una fiel reproducción de su vida, pues su leyenda también se ha transmitido a través de las denominadas «Sagas islandesas», un compendio de textos elaborados doscientos años después de que los vikingos saquearan Europa y que, principalmente, tienen un origen literario. Con todo, a día de hoy existen muchas preguntas sin respuesta en torno a este personaje.

Leyendas. El ataque que nunca se produjo

Tras aprender el arte de la guerra, Ragnar se vio obligado a volver a su tierra natal cuando su padre murió, lo que provocó que tuviera que tomar posesión definitivamente del trono. A partir de ese momento comenzó su etapa dorada como vikingo, pues se hizo a los helados mares del norte con el objetivo de saquear de forma sanguinaria cualquier población rica en oro y joyas que se interpusiera en su camino. El pequeño quinceañero se convirtió así en todo un nórdico mediante el ataque a varias ciudades costeras.

Sin embargo, lo que es imposible, según Álvarez, es que Ragnar y sus hombres llevaran a cabo el asalto al claustro de Lindisfarne en tierras inglesas, algo que sí afirma la popular serie «Vikingos». «Lindisfarne es el primer ataque documentado de los vikingos. Se produjo en junio del año 793 sobre un monasterio de una isla pegada al noroeste de Gran Bretaña, sin llegar a Escocia, y que estaba relativamente cerca de Noruega. Ragnar operó plenamente hacia el año 840, por lo que es muy aventurado, y casi imposible, pensar que tan joven pudiera participar en este asalto en concreto, De todas formas no me parece mal que se hagan estas cosas en el cine para resumir la actividad vikinga. Son concesiones lógicas» señala el experto español.

Latgerta, su primera mujer

En la adultez, Ragnar se convirtió en el perfecto ejemplo de vikingo por sus constantes incursiones. Fue precisamente en uno de estos ataques contra poblaciones costeras donde conoció a su primera mujer, Latgerta cuyo personaje es interpretado en la serie de televisión por la actriz canadiense Katheryn Winnick-.

Concretamente, y en palabras de la historia danesa, el primer amor del rey era «una mujer experta en la guerra que, llevando en la virginidad un coraje viril, luchaba la primera entre los más prestos, sueltos los cabellos sobre los hombros».

Inmediatamente, Ragnar se quedó prendado de ella y pidió a sus hombres que enviaran a la joven una petición para encontrarse con él durante la noche. En este momento la historia toma un cariz de leyenda ya que, según se explica en el texto de Saxo Gramático, Latgerta ordenó atar en la entrada de su casa un oso y un perro para proteger su virginidad del nuevo pretendiente.

Los dos animales no detuvieron al vikingo, quien tras un duro combate- venció a las bestias. «Obtuvo como premio al peligro superado a la virgen. Engendrados de su matrimonio (posterior) un hijo y dos hijas», explica el texto escandinavo traducido y adaptado por Ibáñez.

Pero Ragnar nunca fue un vikingo de una sola mujer y, a los pocos meses, abandonó a Latgerta para dedicarse al pillaje y comportarse como un verdadero hombre del norte. A partir de ese momento la historia le pierde la pista y son las sagas las que a través de varias leyendas orales- explican lo que sucedió en su vida. Entre ellas, existe una especialmente famosa que narra el por qué este monarca escandinavo fue conocido con el sobrenombre de «Lodbrok».

Al parecer, tras abandonar a su primera mujer, Ragnar tuvo noticias de que un noble de Gotlandia (región ubicada al sur de Suecia) llamado Herraud ofrecía la mano de su hija y una gran cantidad de oro a aquel que pudiese acabar con una serpiente de varios metros que asolaba su reino. La joven llamada Thóra- es definida en los textos como la mujer más bella sobre la faz de la tierra.

Nuestro protagonista, ávido de conquista y riqueza, se encaminó hacia el lugar, aunque decidió prepararse antes fabricándose un original atuendo que le protegiera del animal. «(Ragnar) se hace confeccionar un atuendo de extraño género. Eran unos calzones velludos y una capa con copos de algodón entretejidos. Y cuando están terminados, los hace hervir en pez», destaca Ibáñez en su obra. Cuando Herraund vio llegar a Ragnar, su ropa le pareció tan ridícula que le apodó «Lothbrog» («calzas peludas»). Con todo, los ropajes le fueron útiles, pues logró vencer a la serpiente y hacerse con la mano de Thóra quien, tras alumbrar dos hijos, murió por una enfermedad.

A pesar de que esta parte de la vida de Ragnar tiene unos tintes claramente heroicos y fantásticos, para Ibáñez el presunto combate contra la serpiente podría tener ápices de realidad al relacionarse con algún rito de iniciación vikingo realizado una vez alcanzada la mayoría de edad. ¿Realidad, ficción o una mezcla de ambas? Con Ragnar Lodbrok, es algo imposible de saber

Ni desnuda, ni vestida

Tras la muerte de Thóra, la leyenda de Ragnar continuó en Noruega, lugar al que viajó con varios hombres en un verano posterior. Allí, durante una incursión, los hombres del monarca hallaron por casualidad a una joven llamada Kráka. Tan bella les pareció, que volvieron al campamento y le hablaron de ella a su señor, quien insistió en conocerla. No obstante, para probar su inteligencia, Lodbrok ordenó a sus hombres que le propusieran una adivinanza a la mujer.

«Si esta joven os parece tan bella como se nos ha dicho, ordenadle que venga a mi encuentro, porque quiero conocerla. Quiero que sea mía. No quiero que vaya vestida ni desnuda, ni saciada ni hambrienta, y que no venga sola, aunque no debe acompañarla ninguna otra persona», recogen las sagas islandesas. Kráka, en respuesta, se presentó ante Ragnar vestida con una red de pescar, comió únicamente una cebolla y fue escoltada por un perro. Esta curiosa leyenda ha sido representada en la serie «Vikingos».

Kráka se convirtió en la nueva esposa de Ragnar quien, con el tiempo, descubrió que su mujer era de naturaleza noble a pesar de haberse criado en un poblado campesino y tenía como verdadero nombre Áslaug. Con el tiempo, ambos tuvieron varios hijos: Ívar, Björn, Hvítserk y Rögnvald.

Años después, sus hijos se convirtieron en grandes guerreros que viajaron por media Europa, algo que, según las sagas, provocó que nuestro protagonista sintiera la necesidad de hacerse a la mar para demostrar que aún era mejor guerrero que sus vástagos.
El primer ataque documentado

Es en siguiente capítulo de la vida de Ragnar cuando leyenda e historia se unen. Y es que, ya fuera por la envidia hacia sus hijos o por la sed de sangre y riquezas, este monarca dirigió sus barcos hacia el sur en una serie de ataques que han quedado documentados de forma oficial en la historia. «Ragnar viajó primero por la costa de Frisia en los actuales Países Bajos- y luego por toda la costa occidental del continente europeo. Ahí fue donde se comportó como un auténtico vikingo», destaca Álvarez a ABC.

Uno de sus primeros ataques se produjo en el año 845. Por entonces, Ragnar organizó un ejército de entre 5.000 y 6.000 vikingos y, a bordo de 120 naves, se dirigió hacia la desembocadura del río Sena, en el norte de Francia. Desde allí, entró en territorio franco saqueando y robando a todas las poblaciones costeras que encontró. A su vez, salteó con sus hombres multitud de monasterios y abadías como la de Saint-Ouen de Rouen (a 135 kilómetros de la capital). Aquellos fueron años duros para los europeos, pues no habían conocido tanta barbarie como la que traían los vikingos de manos de Lodbrok.

«El segundo tercio del SIX, que coincide con el de Ragnar, es la época en que los vikingos causaron más estragos, donde más daño hicieron y el tiempo en que sembraron mayor terror por toda Europa, en concreto el imperio Franco e Inglaterra», destaca el autor de «Los Vikingos. Crónica de una aventura». Sin embargo, estos fieros normandos no se detuvieron en los primeros kilómetros del Sena, sino que continuaron navegando hasta el interior de Francia y llegaron a asediar y tomar París en el año 845 ante la sorpresa de su rey, quien fue derrotado en batalla por estos sanguinarios hombres del norte.

«Ragnar participó en el asedio de Paris, donde, tras su conquista, se convirtió probablemente en el primer vikingo que recibió un rescate para devolver la ciudad al nieto de Carlo Magno. Ese fue el principio de una práctica que, a la postre, sería muy utilizada por los vikingos: pedir cantidades astronómicas de dinero a cambio de que les devolvieran su hogar. El problema es que, lo que solían hacer después, es volver a su hogar con todo ese dinero y organizar nuevas expediciones con mejores barcos. Eso pasó en París, la cual volvió a ser atacada varias veces», añade Álvarez. Desde ese día, Europa conoció a base de muertes y masacres lo sanguinarios que podían ser los escandinavos.

Quien fue realmente Ragnar Lodbrok?
Ragnar y su posible origen danés

Con todo, la toma de ciudades a base de hacha y escudo para luego pedir un cuantioso rescate no era una práctica llevada a cabo de forma usual por la mayoría los hombres del norte, como bien explica el experto español a ABC: «Lo normal era que atacaran y se retiraran, pero en aquella época había, por así decirlo, varios tipos de vikingos. Estaban por ejemplo los noruegos, que iban cada uno por su lado atacando los asentamientos de las costas».

Sin embargo, de todos los territorios escandinavos, había uno que destacó debido a que sus nobles optaban por organizar grandes ejércitos sedientos de conquista. «Las de los daneses eran expediciones más ambiciosas que llegaron incluso hasta el corazón del imperio franco, donde atacaron y tomaron ciudades por las que luego pidieron un rescate. Ellos tenían en la cabeza más un ideal de conquista que de tener botín directo y de forma rápida», completa el escritor. Esto provoca que, a día de hoy, expertos como Álvarez señalen que este monarca nórdico podría haber nacido en Dinamarca: «Yo a Ragnar Lodbrok lo enmarco dentro de los vikingos daneses, no quiere decir que lo fuera, porque no hay constancia de ello, pero por la forma de actuar a lo largo de su vida le acerca más a este pueblo».

El ataque a Northumbria

Tras su cruel paseo por Francia, Ragnar se embarcó en el que sería su último viaje. Este se sucedió en torno al 865, año en que decidió partir desde su hogar con dos barcos y todos los vikingos que pudo reunir rumbo a Northumbria, uno de los múltiples reinos en los que se dividía Gran Bretaña y que se encontraba al noreste de la propia isla bajo el dominio del rey Ella. El vikingo, curiosamente, decidió llevar a cabo la travesía con barcos más anchos que los característicos «drakar» escandinavos, algo que le criticó su mujer.

Lodbrok fue uno de los primeros vikingos en pedir rescates. Pero nada iba a detener a Ragnar en su ansia por conquistar y saquear. Así pues, y ya sabedor de la ruta que debía seguir, ese mismo año llegó a Northumbria bajo un fuerte temporal tan violento que provocó que sus barcos se estrellaron contra la costa y quedaron inservibles. El vikingo sólo vio una posible solución a este contratiempo: avanzar y aniquilar a sus enemigos. Así pues, con su pequeño ejército, realizó varias incursiones en pueblos y ciudades cercanas haciendo honor a su pésima reputación.

Los centenares de muertos fueron demasiados para el rey del lugar Ella, quien todavía con el miedo en el cuerpo por la llegada de aquellos desconocidos guerreros- visitó cada aldea de su reino dando una espada a todo aquel que se encontrara en edad de combatir. Semanas después, los dos ejércitos se encontraron frente a frente en el campo de batalla. «Ragnar tenía mucha menos tropa, la pelea no duró mucho antes de que cayó mucha gente de Ragnar. Pero allí donde se dirigía él no hallaba resistencia, y se lanzó aquel día contra las formaciones y allí donde golpeaba o ensartaba escudos, cotas o yelmos, eran tan grandes sus golpes que nada los resistía, pero nunca le alcanzaban a él los golpes ni los dardos y ni siquiera una sola arma le causó daño», destaca, en este caso, Ibáñez. Pero ni todo el valor de Ragnar le valió para vencer pues, cuando sus hombres cayeron sobre las llanuras de Gran Bretaña, él fue rodeado y apresado.

Rey Aelle de Northumbria.
La muerte de un héroe

Una vez cautivo, el rey Ella no tuvo piedad con Ragnar y acabó con su vida lanzándole a un pozo de serpientes. Según las sagas islandesas, antes de morir entre insufribles dolores el vikingo dijo a gritos que sus hijos le vengarían con la siguiente estrofa: «Los cochinillos (sus hijos) gruñirán si supieran la desgracia del jabalí, me sobreviene un terrible mal, las serpientes me perforan con sus fauces y muerden con crueldad, me han succionado la sangre, ahora moriré junto a las bestias, pronto seré un cadáver».

Realmente no andaba muy desencaminado el monarca, pues, al conocer la trágica muerte de su padre, sus hijos tomaron varios barcos y asolaron Northumbria hasta vencer y apresar a Ella. «Dos años después de fallecer, sus hijos sometieron a este monarca a una tortura vikinga llamada el Águila de sangre. Cuando tenían a la víctima inmovilizada, le pegaban un hachazo en el costado. Después, con la carne abierta ?como si fueran dos alas-, le daban otro golpe para levantarle las costillas y, en ese momento, los pulmones se desprendían del cuerpo en vida y salían despedidos hacia el exterior para, finalmente, caían al suelo produciendo un sonido similar al de un aleteo»


Texto tomado de Wikipedia

Ragnar Lodbrok (nórdico antiguo: Ragnarr Loðbrók Sigurdsson, antes de 755 - ca. 865) fue un rey semilegendario de Suecia y Dinamarca que reinó en el siglo IX (c. 840). Según el cronista danés Saxo Grammaticus, Ragnar pertenecía a la línea real de la casa de los Ynglings. Ahí, junto a las sagas islandesas, se le considera hijo de Sigurd Ring, rey de Suecia y conquistador de Dinamarca, y su consorte Alfhild Gandolfsdatter (n. 710), hija de Gandalf Alfgeirsson. No hay acuerdo sobre cuál era la capital de sus dominios, ni en qué país residía normalmente.

A pesar de aparecer como un héroe local, no hay muchas biografías suyas, apenas se pueden hallar algunas menciones en las sagas. La datación de su reinado es incierta: algunas fuentes lo sitúan entre 750 y 794, otras de 860 a 865 y otras más probables entre 835 y su muerte en 865. Tampoco se sabe si fue reconocido como rey durante todo ese tiempo.


Ilustración de Las Crónicas de Núremberg.
Ragnar era pagano devoto y, de acuerdo a las leyendas nórdicas, pretendía ser descendiente del dios Odín. Por ello no tenía reparos en atacar a las ciudades cristianas en fiestas sagradas (de hecho lo prefería, pues la sorpresa era mayor y los soldados solían estar en el templo). Se le ha vinculado en matrimonio con dos famosas guerreras skjaldmö, Lathgertha en Gesta Danorum, y la reina Aslaug (Aslög), la hija de Sigurd y Brynhildr, según la saga Völsunga.

La historicidad de la vida de Ragnar, en tanto figura legendaria cuya vida transcurrió tan solo parcialmente en lugares y tiempos cubiertos por las páginas de la historia, no es muy clara. En su comentario a la Gesta Danorum de Saxo Grammaticus, Hilda Ellis Davidson señala los notorios esfuerzos de Saxo en el libro IX de la Gesta por consolidar, bajo el reinado de Ragnar, diversos eventos e historias confusas, y en ocasiones contradictorias, de las que tenía conocimiento. Es por ello que muchos actos atribuidos a Ragnar en la Gesta pueden asociarse, por medio de diversas fuentes, con varias figuras diversas, algunas de las cuales presentan hoy más sentido en términos históricos. Entre estos candidatos a configurar el Ragnar histórico se incluye a:

el Rey Horik I (muerto en 854 d.C.)
el Rey Reginfrid (muerto en 814 d.C.)
un rey que dominó parte de Dinamarca y entró en conflicto con Harald Klak
un líder llamado Reginherus, quien orquestó el Sitio de París (845)
Ragnall ua Ímair, de los Anales irlandeses, y
el padre del vikingo que invadió Inglaterra con el gran ejército pagano en 865 d.C.

Por el momento, todos los intentos de vincular al Ragnar legendario con uno o varios de esos hombres han sido vanos dada la dificultad de reconciliar las distintas hazañas y su cronología. Sin embargo, la tradición central en torno a un héroe Vikingo llamado Ragnar (o sus derivados) que llevó el espanto a la Europa de mediados del siglo nueve, y que engendró varios hijos de renombre, es sorprendentemente persistente, y algunos aspectos de la misma se encuentran relatados en fuentes relativamente confiables, tales como la Crónica anglosajona.

De acuerdo a Davidson, «en los últimos años algunos académicos han aceptado al menos la última parte de la historia de Ragnar como basada en hechos históricos». Katherine Holman, por otro lado, ha concluido que «aunque sus hijos son figuras históricas, no hay evidencia alguna de que Ragnar haya existido; parece tratarse de una amalgama de distintas figuras hitóricas y una viva invención literaria».

Pasó buena parte de su vida en expediciones vikingas arrasando ciudades de la Europa cristiana y solía aceptar el pago de un rescate o tributo (danegeld) para dejar en paz a los pueblos atacados y abandonar sus tierras.

Saxo Grammaticus en su Gesta Danorum cita dos importantes incursiones a principios de la década de 840 de Ragnar en el mar Báltico, el primero contra los dominios de los semigalianos que Saxo denomina «hellespontianos», y el segundo contra curonios y sambianos.6 Tras vencer a los semigalianos, de regreso a Dinamarca, atacó las costas de Sambia y el reino de los curonios forzando a sus habitantes a reconocerle como conquistador para evitar la devastación.

Aproximadamente en 845, era ya uno de los mayores caudillos vikingos, preocupado por la falta de ocupación de sus hijos. Temía que los hombres de armas de su reino, sin enemigos, cometieran alguna estupidez que fuera contraproducente para su reinado. Por ello lanzó una ofensiva con 120 barcos y 5.000 hombres contra el reino de Francia. Probablemente desembarcó en el estuario del Sena y asoló la parte occidental del Imperio franco.

Un histórico Ragnar Lodbrok aparece como jarl de la corte de Horik I (814-854) de Dinamarca, participó en el asedio de París el 28 de marzo de 845. Carlos III el Gordo, bisnieto de Carlomagno, tuvo que pagar por la ciudad un danegeld (tributo) de 7.000 libras de oro y plata para evitar el pillaje.

Este acuerdo no le impidió atacar otras partes de Francia, siendo ardua la tarea de expulsarle.

Tras Francia, las Islas Británicas atrajeron su atención. En 865, desembarcó en Northumbria, en la costa noreste de Inglaterra, donde fue derrotado por Ælla de Northumbria. Fue atrapado por el rey de los anglos, y ejecutado de manera horrible, arrojado a un pozo de serpientes venenosas. Sus últimas palabras fueron que sus cachorros lo vengarían. Estos eran sus hijos Björn, Ivar, Halfdan y Ubbe.

De su relación con diversas mujeres se le imputa la paternidad de varios hijos según las sagas nórdicas:

Con Aslaug:
Björn Ragnarsson apodado Brazo de Hierro
Sigurd Ragnarsson apodado Serpiente en el Ojo
Guthrod (n. 772) que gobernó en Uppsala, Örebro, Suecia.
Rognvald Ragnarsson
Ivar el Deshuesado

Con Þóra Borgarhjörtr:
(Sigurd también pudo haber sido fruto de esta relación)
Erik Ragnarsson (n. 768)
Agnar Ragnarsson (n. 770)
Olof Ragnarsdatter (n. 786), que se casó con el jarl Hunda-Steinar del Danelaw. Su nieto Auðunn skökull Bjarnarson fue uno de los grandes colonos de Islandia.

Con otras relaciones:
Ingvar Ragnarsson (n. 790)
Ubbe Ragnarsson
Halfdan Ragnarsson

En la ficción[editar]
Aparece como protagonista principal de una serie basada sobre su figura legendaria: Vikingos, interpretado por el actor Travis Fimmel (en la foto).

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Kristal. Un judío sobreviviente del Holocausto es el hombre más longevo del mundo. Tiene 112 años. Hoy 20 de diciembre de 1903 nace Israel Kristal.

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de 13:40 a 13:40

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El polaco Israel Krystal, de 112 años, adquirió ese título luego de la muerte del japonés Yasutaro Koyde. Fue enviado a Auschwitz en 1944 y seis años después emigró a Israel, donde rehizo su vida

Israel Kristal es un hombre polaco de 112 años que fue enviado al campo de concentración de Auschwitz en 1944

Tras la muerte del japonés Yasutaro Koyde a principios de esta semana, Israel Krystal, residente de la ciudad israelí de Haifa, se convirtió en el hombre más longevo del mundo, según el Grupo de Investigación Gerontológico. El hombre de 112 años, asimismo, es un sobreviviente del Holocausto.

Este miércoles, Krystal recibió una carta de la organización en la que le notificaban su nueva condición y, al mismo tiempo, se le pedía un documento oficial para certificarlo como tal en las oficinas de los Récords Mundiales de Guinness.

El Grupo de Investigación Gerontológico se dedica al seguimiento de ancianos mayores de 110 años. Según informó en las últimas horas, no existen datos en este momento de ningún hombre que supere al israelí en edad.

Yasutaro Koide era el hombre mas longevo del mundo hasta el día de su muerte, el pasado 19 de enero

Pero para ser acreditado oficialmente como el hombre más longevo del mundo, debe probar su fecha de nacimiento con un documento de sus primeros 20 años de vida.

El diario local Haaretz consigna que Krystal cuenta con un certificado polaco de matrimonio de cuando tenía 25 años. Ante ese panorama, resta esperar si la organización flexibiliza sus reglas y lo acepta como válido.

El título oficial estaba en manos de Yasutaro Koyde, ciudadano japonés que falleció esta semana a tan sólo dos meses de cumplir 113 años.

En la imagen Israel Kristal y su familia

Luis Fernando de Borbón, el padre de los tres últimos Reyes Borbones de Francia. No llego a reinar. Hoy 20 de diciembre de 1765 fallece Luis Fernando de Borbón

Nació el 4 de septiembre de 1729 y murió el 20 de diciembre de 1765.

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Luis Fernando de Borbón, Delfín de Francia (en francés Louis, Dauphin de France; Palacio de Versalles, 4 de septiembre de 1729 - Fontainebleau, 20 de diciembre de 1765), fue un príncipe francés, el mayor de los hijos de Luis XV de Francia y de Navarra, y de su esposa María Leszczynska.

Primeros años.

El nacimiento de un heredero al trono había sido largamente esperado, desde la trágica mortalidad de la familia real francesa, a principios de 1710 (ver Luis XV de Francia). Cuando el tercer embarazo de María Leszczynska dio por resultado un hijo en 1729, hubo un gran regocijo y celebraciones complementadas con fuegos artificiales, (conmemorados en láminas) en todas las grandes ciudades de Francia, y realmente en la mayor parte de la cortes europeas. Por primera vez en 15 años, el futuro de la dinastía parecía asegurado. Su nacimiento privó a su tío-abuelo Felipe V de España de su posición como presunto heredero al trono de Francia.

Primer matrimonio
Luis se casó el 23 de febrero de 1745 en el Palacio de Versalles con su tía en segundo grado, la infanta María Teresa Rafaela de España (1726-1746) (octava hija de Felipe V) que le dio una hija, (muerta a los 21 meses), María Teresa murió tres días después del parto.

Segundo matrimonio
Volvió a casarse el 9 de febrero de 1747 en Versalles con la princesa Maria Josefa de Sajonia que le dio ocho hijos, de los cuales sólo cinco sobrevivieron a la edad adulta.

Relación con su padre
A pesar de ser el único hijo varón, su padre nunca tuvo unas buenas relaciones con él. Luis XV llevaba una vida que no complacía al delfín y que les mantuvo alejados durante mucho tiempo. No obstante, el delfín acompañó a su padre en la Batalla de Fontenoy (1745) en la que dio muestras de su valentía. A partir de 1757 (atentado de Damiens contra su padre) Luis fue invitado a participar en las sesiones del Consejo Real, en las que llamó la atención por sus posiciones conservadoras. Luis era un hombre fuerte, piadoso, unido al partido devoto que condenaba la política y la vida privada del Rey. Desaprobó la expulsión de los Jesuitas en 1764. Luis murió ocho años antes que su padre y tres antes que su madre.

Su padre lo alejó del gobierno y Luis se convirtió en el centro de un grupo de devotos (Dévots), caballeros austeros y religiosos que esperaban ganar el poder cuando él sucediera a su padre en el trono.

Luis murió de consunción (tuberculosis) en Fontainebleau en 1765 a la edad de 36 años, mientras su padre aún vivía de manera que nunca se convirtió en rey de Francia. Su madre, la reina María Leszczyńska, y su abuelo materno, el anterior rey de Polonia, Estanislao I Leszczynski, duque de Lorena, también le sobrevivieron. Su hijo mayor, Luis-Augusto, duque de Berry, se convirtió en el nuevo Delfín, ascendiendo al trono como Luis XVI a la muerte de su abuelo Luis XV, en mayo de 1774.

El delfín Luis fue enterrado en la Catedral de San Esteban en Sens; su corazón fue llevado a la Basílica de Saint-Denis. Su cuerpo fue profanado en marzo de 1794 por los revolucionarios que lo enterraron en una fosa común de la ciudad. Gracias a unos testimonios se pudo encontrar su cuerpo que fue llevado de nuevo a la Catedral el 8 de diciembre de 1814.

Entre sus hijos se encuentran los tres últimos reyes borbónes de Francia:

Luis XVI (1754- 1793), Rey de Francia y Navarra (1774-1791), Rey de los franceses (1791-1792)
Luis XVIII (1755- 1824), Rey de Francia y Navarra (1814-1815 y 1815-1824)
Carlos X (1757- 1836), Rey de Francia y Navarra (1824-1830)

En la imagen la mini serie "Madame de Pompadour" en la que Luis Fernando de Borbón es uno de los protagonistas.

¡¡¡¡¡¡¡¡¡Absoluta recomendación de la mini serie¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡

Stalin el cruel dictador que derrotó a Hitler. Hoy 18 de diciembre de 1878 nace Stalin

Stalin nació el 18 de diciembre de 1878 y murió el 5 de marzo de 1953.

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de 15:50 a 15:50

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(Iosif o Jossif Vissariónovich Dzhugashvili, también llamado Josef o Joseph Stalin; Gori, Georgia, 1879 - Moscú, 1953) Dirigente soviético que gobernó férreamente la URSS desde 1929 (año en que se erigió como sucesor de Lenin tras el exilio de Trotsky) hasta su fallecimiento en 1953. Al precio de una represión sanguinaria y de inmensos sacrificios impuestos a la población, Stalin logró convertir la Rusia semifeudal en una potencia económica y militar capaz de contribuir decisivamente a la victoria aliada en la Segunda Guerra Mundial (1939-1945).

En el nuevo orden de la posguerra, los Estados Unidos y la URSS se repartieron áreas de influencia; Stalin extendió su poder instaurando regímenes comunistas en la Europa del Este y alentándolos en otros países. El choque de intereses e ideologías dio lugar a la «guerra fría» entre ambas superpotencias, que continuó tras la muerte de Stalin; de hecho, el clima de tensión entre los bloques capitalista y comunista definiría el escenario internacional hasta la disolución de la URSS en 1991.

Iosif Dzhugashvili era hijo de un zapatero pobre y alcohólico de la región caucásica de Georgia, sometida a la Rusia de los zares. Quedó huérfano muy temprano y estudió en un seminario eclesiástico, de donde fue expulsado por sus ideas revolucionarias (1899). Se unió entonces a la lucha clandestina de los socialistas rusos contra el régimen zarista; cuando en 1903 se escindió el Partido Socialdemócrata, siguió a la facción bolchevique que encabezaba Lenin.

Fue un militante activo y perseguido hasta el triunfo de la Revolución bolchevique de 1917, época de la que procede su sobrenombre de Stalin («hombre de acero»). La lealtad a Lenin y la falta de ideas propias le permitieron ascender en la burocracia del partido (rebautizado como Partido Comunista), hasta llegar a secretario general en 1922.

Stalin emprendió entonces una pugna con Trotsky por la sucesión de Lenin, que, ya muy enfermo, moriría en 1924. Aunque el líder de la Revolución había indicado su preferencia por Trotsky (pues consideraba a Stalin «demasiado cruel»), Stalin maniobró aprovechando su control sobre la información y sobre el aparato del Partido, aliándose con Zinoviev y Kámenev hasta imponerse a Trotsky. La lucha por el poder se disfrazó de argumentos ideológicos, defendiendo cada bando una estrategia para consolidar el régimen comunista: la construcción del socialismo en un solo país (Stalin) contra la revolución permanente a escala mundial (Trotsky).

Pero el verdadero móvil de Stalin era la ambición de poder: una vez apartado Trotsky (al que mandó al exilio en 1929 y luego hizo asesinar en 1940), se desembarazó también del ala «izquierda» del partido (Zinoviev y Kámenev, ejecutados en 1936) y del ala «derecha» (Bujarin y Rikov, ejecutados en 1938) e instauró una sangrienta dictadura personal, apropiándose de las ideas políticas que habían sostenido sus rivales.

La URSS bajo Stalin

Stalin gobernó la Unión Soviética de forma tiránica desde los años treinta hasta su muerte, implantando el régimen más totalitario que haya existido jamás; pero también hay que atribuirle a él la realización del proyecto socioeconómico comunista en Rusia, la extensión de su modelo a otros países vecinos y la conversión de la URSS en una gran potencia.

Radicalizando las tendencias autoritarias presentes entre los bolcheviques desde la Revolución, acabó de eliminar del proyecto marxista-leninista todo rastro de ideas democráticas o emancipadoras: anuló todas las libertades, negó el más mínimo pluralismo y aterrorizó a la población instaurando un régimen policial. Dispuesto a eliminar no sólo a los discrepantes o sospechosos, sino a todo aquel que pudiera poseer algún prestigio o influencia propia, lanzó contra sus compañeros comunistas sucesivas purgas que diezmaron el partido, eliminando a la plana mayor de la Revolución.

Con la misma violencia impuso la colectivización forzosa de la agricultura, hizo exterminar o trasladar a pueblos enteros como castigo o para solucionar problemas de minorías nacionales, y sometió todo el sistema productivo a la estricta disciplina de una planificación central obligatoria. Con inmensas pérdidas humanas consiguió, sin embargo, un crecimiento económico espectacular, mediante los planes quinquenales: en ellos se daba prioridad a una industrialización acelerada, basada en el desarrollo de los sectores energéticos y la industria pesada, a costa de sacrificar el bienestar de la población, sometida a durísimas condiciones de trabajo y a grandes privaciones en materia de consumo.

La represión impedía que se expresara el malestar de la masa trabajadora, apenas compensada con la mejora de los servicios estatales de transporte, sanidad y educación. A este precio conseguiría Stalin convertir a la Unión Soviética en una gran potencia, capaz de ganar la Segunda Guerra Mundial (1939-1945) y de compartir la hegemonía con los Estados Unidos en el orden bipolar posterior.

De la Segunda Guerra Mundial a la «guerra fría»

Stalin fue un político ambicioso y realista, movido por consideraciones de poder y no por ideales revolucionarios. Este maquiavelismo fue más palpable en su política exterior, donde la causa del socialismo quedó sistemáticamente postergada a los intereses nacionales de Rusia (convirtiendo a los partidos comunistas extranjeros en meros instrumentos de la política exterior soviética). No tuvo reparos en firmar un pacto de no agresión con la Alemania nazi para asegurarse la tranquilidad en sus fronteras, el reparto de Polonia y la anexión de Estonia, Letonia y Lituania (Pacto Germano-Soviético de 1939).

A pesar de todo, Adolf Hitler invadió la URSS, arrastrando a Stalin a la guerra en 1941. Stalin movilizó eficazmente las energías del país apelando a sus sentimientos nacionalistas (proclamó la Gran Guerra Patriótica): organizó la evacuación de la industria de las regiones occidentales hacia los Urales, adoptando una estrategia de «tierra quemada». Con ayuda del clima, de las grandes distancias y de la lucha guerrillera de los partisanos, debilitó a los alemanes hasta recuperarse y pasar a la contraofensiva a partir de la batalla de Stalingrado (1942-1943). Después el avance ruso sería arrollador hasta llegar más allá de Berlín.

En la Conferencia de Teherán (1943), pactó con el primer ministro británico Winston Churchill y con el presidente norteamericano Franklin D. Roosevelt la estrategia de la guerra. Reforzado por la victoria, Stalin negoció con Estados Unidos y Gran Bretaña el orden internacional de la posguerra (Conferencias de Yalta y Postdam, 1945), obteniendo el reconocimiento de la URSS como gran potencia (con derecho de veto en la ONU, por ejemplo). Los aliados tuvieron que aceptar la influencia soviética en la Europa oriental, donde Stalin estableció un cordón de «Repúblicas populares» con regímenes comunistas satélites de la URSS.

Stalin mantuvo la inercia de la guerra, retrasando la desmovilización de su ejército hasta el momento en que pudo disponer de armas atómicas (1951) y fomentando la extensión del comunismo a países en los que existieran movimientos revolucionarios autóctonos (como Grecia, Turquía, China y Corea). La resistencia norteamericana a sus planes dio lugar a la «guerra fría», clima de tensión bipolar a escala mundial entre un bloque comunista y un bloque occidental capitalista.

Formalmente, la fase más aguda de la guerra fría terminó con la muerte de Stalin; su sucesor, Nikita Jruschov (1953-1964), impulsó la doctrina de la «coexistencia pacífica» de las dos grandes potencias, que resultó ser una ficción retórica: los conflictos abiertos o subterráneos a través de terceros países continuaron, y la guerra fría perduraría hasta la caída del muro de Berlín (1989) y la disolución de la URSS (1991). En el XX Congreso del PCUS (1956), Jruschov denunció las desviaciones ideológicas y los crímenes del periodo anterior, dando inicio, con la expulsión de los estalinistas del partido, al proceso de desestalinización del Estado.

En la imagen película sobre Stalin. ¡¡¡Absoluta recomendación¡¡¡¡

Stalin. Entrevista con Pedro Beltrán. Hoy 18 de diciembre de 1878 nace Stalin

Artículo para www.efemeridespedrobeltran.com Stalin nació el 18 de diciembre de 1878 y murió el 5 de marzo de 1953.

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de 15:40 a 15:40

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1. ¿Dónde nació Stalin?

Stalin nació en 1879 en Georgia. Georgia es hoy un país independiente. En esa época pertenecía al Imperio ruso y cuando se creó la Unión Soviética en 1917 se integró como parte de la misma. Cuando se rompió la Unión Soviética en 1991, creándose quince países, Georgia volvió a ser independiente.

2. ¿El nombre de Stalin era real?

Stalin no se llamaba Stalin. El apellido familiar era otro. Se cambió el apellido porque Stalin significa hombre de acero.

3. ¿Quiénes eran los padres de Stalin?

El padre de Stalin era zapatero. Era alcohólico y por la noche regresaba a menudo borracho y golpeaba hasta hacerles daño a su esposa y a su hijo. En varias ocasiones Stalin sangraba tras ser agredido y en una ocasión incluso orinó sangre. Otra vez, cuando su padre estaba pegando a su madre, cogió un cuchillo atacando a su padre con él. El propio Stalin reconoció de mayor que había "llorado mucho durante su terrible infancia".

Resulta muy curioso que el padre de Hitler también era un maltratador y pegaba a su hijo. Los dos grandes dictadores del s. XX fueron maltratados por sus padres pero tuvieron madres afectuosas y cariñosas.

La madre de Stalin era una devota cristiana ortodoxa. Estaba obsesionada con la religión ortodoxa. Se casó con su marido a los 17 años. Sus dos primeros hijos murieron poco tiempo después de nacer. El tercero fue Stalin, a quien ella llama Soso.

La madre se dedicaba a tareas de limpieza en casas de ricos comerciantes judíos. Es poco sabido que Stalin era también anti judío, como Hitler, y algunos historiadores señalan que esta manía de Stalin por los judíos procede de que consideraba que su madre había sido explotada limpiando casas judías. Stalin, al igual que Hitler, defendía que había una conspiración judía mundial.

Harta de las palizas de su marido su madre dejó la casa familiar y se fue a vivir sola con su hijo empezando a trabajar como costurera.

El deseo de su madre era que Stalin fuera obispo de la iglesia ortodoxa. Consiguió una beca para que Stalin estudiara en el seminario teológico de Tifflis, actual capital de Georgia.

4. ¿Cómo fue la estancia de Stalin en el seminario?

Stalin era un alumno ambivalente. Por una parte era muy brillante y estudioso sacando las mejores notas y siendo un magnífico recitador de salmos de memoria. Incluso escribió poesias dentro del seminario que fueron recogidas en libros de poesía mucho antes de que Stalin fuera el dueño de la Unión Soviética. Pero por otra parte era muy agresivo con sus compañeros. Pegaba a los compañeros de clase e incluso a chicos mayores que él.
En el propio seminario otros compañeros le pasaron libros revolucionarios marxistas. Stalin se convirtió en un revolucionario y cada vez era más desafiante y rebelde. Acabo siendo expulsado del colegio religioso.

5. ¿Cuál fue la relación de Stalin con Trotsky?

En 1917 Stalin participó con Lenin en la revolución rusa que derrocó a los zares.

En 1922 fue elegido secretario general del partido comunista.

Empezó entonces una lucha con Trotsky por la sucesión de Lenin. Lenin prefería a Trotsky porque consideraba a Stalin
demasiado cruel.

Trotsky defendía que no se podía construir el socialismo solo en Rusia y que la única solución era una revolución permanente a escala mundial llevando el comunismo a toda Europa y a Estados Unidos. Stalin defendía el comunismo en un solo país, la Unión Soviética.

Trotsky era mucho más inteligente que Stalin y también más brillante. Está considerado junto a Hitler el mejor orador del S. XX con el mayor magnetismo personal sobre las masas.
Stalin maniobró bien y apartó a Trotsky. Lo mandó a exilio y luego lo asesinó pagando a un comunista catalán que lo mató en México.

Lliberado de Trotsky, Stalin era la máxima autoridad de la Unión Soviética.

6. ¿Cómo se produjo la entrada de la Unión Soviética en la segunda guerra mundial?

En 1939 Stalin firmó un famoso pacto con Hitler. En este pacto se comprometían a la no agresión, se declaraban aliados y se repartían Polonia por la mitad a cada uno, la mitad para Alemania y la mitad para la Unión Soviética. En el pacto también se contemplaba la anexión de Estonia, Lituania y Letonia a la Unión Soviética.

En septiembre de 1939, Alemania invadió Polonia siguiendo el pacto y se anexionó la mitad de Polonia. Como Inglaterra y Francia tenían un pacto con Polonia por el cual se obligaban a declarar la guerra a cualquier país que invadiera Polonia, inmediatamente declararon la guerra a Alemania.

A continuación la Unión Soviética invadió la otra mitad de Polonia. Inglaterra y Francia no declararon la guerra a la Unión Soviética.
Para gran sorpresa de Stalin, Hitler no respetó el pacto y en 1941 invadió la Unión Soviética. Parecía que iba a ser una guerra fácil para los alemanes. Los rusos se defendieron muy bien, desplazaron la industria a miles de kilómetros de Moscú y adoptaron una estrategia de tierra quemada. Fueron muy agresivos y consiguieron ganar la batalla de Stalingrado, la más sangrienta de la historia con un millón de muertos. A partir de ahí, los rusos iniciaron el contraataque y conquistaron Alemania, siendo las tropas soviéticas las que entraron en Berlín y provocaron el suicidio de Hitler.

Stalin fue el gran triunfador de la guerra mundial. De los cincuenta millones de víctimas, veinte millones fueron rusos, alrededor del 25% de la población. Pero Rusia había triunfado y Stalin se convertía en el líder más importante del mundo junto al presidente de Estados Unidos.

7. ¿Qué territorios consiguió Stalin para la Unión Soviética tras la segunda guerra mundial?

Stalin exigió y consiguió países satélites en Europa que en la práctica se convertían en provincias de la Unión Soviética. Dentro de la Unión Soviética integró una buena parte de Polonia, una parte de Rumania, lo que hoy es Moldavia. También se integraron países completos como Estonia, Lituania y Letonia. Y en calidad de provincias en forma de estados teóricamente independientes pero bajo el control real de la Unión Soviética estaban una cuarta parte de Alemania, llamada Alemania democrática, Hungría, Rumanía, Bulgaria, Polonia, Checoslovaquia (que en la actualidad es Chequia y Eslovaquia) y Yugoslavia, (que en la actualidad son Serbia, Croacia, Eslovenia, Bosnia, Montenegro y Macedonia). También se crearon similares provincias en Asia con la mitad de Corea, lo que dio lugar a la guerra de Corea de 1953 y la mitad de Vietnam, que dio lugar a la guerra de Vietnam de 1968.

Dentro de su país, Stalin creó el régimen más totalitario que haya existido jamás en la historia. A su lado Hitler era un dictador blando. El régimen de Stalin lo controlaba todo. Negó el pluralismo políitco y aterrorizó a la población con un régimen policial. Exterminó y trasladó pueblos enteros. En total se calcula que murieron treinta millones de personas, muchas de ellas en campos de concentración en Siberia.

Simultáneamente consiguió que la economía creciera de forma increíble y que la Unión Soviética se convirtiera en una potencia industrial.

Bruckner. Hoy 18 de Diciembre de 1892 se estrena la "Octava Sinfonía " dedicada al emperador de Austria Francisco Jose.

Bruckner fue contemporáneo de Francisco Jose y de la emperatriz Sisi. Bruckner nace en 1824, Francisco Jose en 1830. Bruckner muere en 1896, Sisi en 1898. Bruckner nació el 4 de septiembre de 1824 y murió el 11 de octubre de 1896. El 18 de Diciembre de 1892 se estrena en Viena la "Octava Sinfonía" por la Filarmónica de Viena dirigida por Hans Richter.

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de 12:25 a 12:25

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La Octava Sinfonía conoció un gran éxito en su estreno en Viena el 18 de diciembre de 1892 por la Wiener Philharmoniker bajo la batuta de Hans Richter. Las críticas la calificaron incluso de sinfonía de las sinfonías o cumbre de la sinfonía romántica.

El año 1886 el Emperador Francisco José lo distinguió con la orden que llevaba su propio nombre. Bruckner decidió entonces dedicarle la Octava , concluida el 10 de agosto de 1887.

Bruckner pidió ayuda al Emperador contra Hanslinck y sus críticas. Hanslinck era el crítico más famoso de Viena y detestaba la música de Bruckner. Fue el crítico más feroz de Bruckner. Se dijo de él que una vez dijo: «Aquél a quien yo quiero destruir será destruido», y al parecer Bruckner fue un objetivo de primer orden. Tras asistir a la interpretación de los movimientos internos de la Sexta Sinfonía, escribió:

"Me ha costado mucho esfuerzo llegar a tener una adecuada relación con estas composiciones tan peculiares en las cuales los momentos brillantes, originales e incluso inspirados alternan, con frecuencia sin una conexión reconocible, con apenas comprensibles lugares comunes y torpes parches, todo ello embutido en una exagerada longitud capaz de poner en fuga y dejar sin aliento tanto a ejecutantes como a oyentes".

Hanslick se refiere aquí a la queja más frecuente respecto de la escritura sinfónica de Bruckner: el aparentemente inacabable viaje hacia una conclusión de sus ideas musicales.

Las duras críticas que recibió su obra pueden ser atribuidas también a la consideración de Bruckner como persona por parte de los críticos. Fue un devoto católico, cuyo fervor religioso a veces provocaba un cierto rechazo en aquellos que se acercaban a él. Franz Schalk comentó que «en una era como aquella de liberalismo moral y espiritual, Bruckner era como una especie de intruso, dado su concepto monacal y medieval de la humanidad y de la vida».

No sabemos lo que contestó el Emperador al ingenuo Bruckner en su petición de que Hanslinck no le tratara tan mal pero si esta claro que el Emperador ayudo a Bruckner en otras cuestiones.

Viendo el promedio que cada sinfonía le llevaba al compositor, entre tres o cuatro años, es de suponer que muriendo en 1896, Bruckner tenía que haber escrito por lo menos dos o tres más, máxime cuando el éxito le proporcionó el tan ansiado tiempo libre que necesitaba para la creación.

Sin embargo, un imprevisto se interpuso en su camino y los amantes de la música deben señalar a un culpable de que no haya más sinfonías brucknerianas: el director Hermann Levi.

Este alumno de Bruckner, al que el viejo maestro adoraba y consideraba su “padre artístico”, se permitió presentar una larga serie de objeciones al manuscrito que le había sido enviado. Levi, que a fin de cuentas no era más que un director correcto, opinaba que algunos pasajes de la obra eran confusos, que otros podían ser suprimidos e incluso aducía errores en la orquestación.

Si alguien se hubiese atrevido a hacer correcciones de ese tipo a un autor como Wagner es más que probable que hubiera experimentado su cólera (a propósito de este asunto, Eduardo Storni señala en su biografía sobre Bruckner que Beethoven arrojó un tintero a la cabeza a Ferdinand Ries cuando se atrevió a señalar lo que a él le parecían errores en la Eroica ), pero el caso es que Bruckner era un buenazo y este rechazo le desalentó tan profundamente que hasta parece que debió considerar en algún momento la opción del suicidio.

Decidido a ganarse la aprobación de Levi (lo que demuestra una debilidad de carácter en contraposición a la fuerza de sus obras), el músico emprendió una furibunda revisión de la Octava , a la que practicó numerosas mutilaciones, reescribiendo algunos pasajes completos. Y es aquí donde comienza el desbarajuste bruckneriano, pues en la actualidad existen tres versiones, todas ellas grabadas en disco, de esta obra: la segunda versión, que el compositor consideró la oficial; la rechazada por Levi;y una tercera publicada por el editor Robert Haas, que añadió a la versión oficial algunos de los pasajes suprimidos de la original, dando como resultado una obra aún más extensa.

Pero no terminaría ahí la cosa, ya que en pleno ataque de furia revisionista, Bruckner comenzó a ver fallos por todas partes en obras anteriores, y tomó la decisión retocar también las sinfonías Primera, Tercera y Cuarta . Levi, horrorizado, le pidió que no retocase la Primera , escrita hacía ya más de 20 años, y que le parecía una obra perfecta, pero el compositor hizo caso omiso.

Estas revisiones generaron un desconcierto que aún dura hoy día, sobre la versión que en realidad debe interpretarse en las salas de concierto. Todo este enorme esfuerzo no sirvió en realidad para aportar nada nuevo a lo ya dicho y, por si fuera poco, demoró enormemente a Bruckner en su composición de la Sinfonía Nº 9 , que había iniciado nada más terminar la Octava , en 1887 y que no retomó hasta 1891. En estos cuatro años sucedieron numerosos acontecimientos.

En 1890, año en que pide excedencia al conservatorio por sentirse agotado, el emperador Francisco José le recibió en audiencia para agradecerle la dedicatoria de la Sinfonía Nº 8 . Poco después, el reconocimiento de Viena se haría efectivo en la concesión de una pensión, que aliviaría sus últimos años, y en su nombramiento como Doctor Honoris Causa por la Universidad de Viena.

Así como Brahms compuso la Obertura académica para agradecer su nombramiento como doctor en música por la Universidad de Breslau, Bruckner quiso corresponder de igual manera a la de Viena, aunque de una manera un poco más pintoresca, ofreciéndole la nueva versión de su vieja Primera Sinfonía.
Tampoco se puede pasar por alto un episodio que no tuvo mayores consecuencias, pero que a punto estuvo de suponer un cambio importante en su existencia. Célibe durante toda la vida, Bruckner siempre había causado la espantada de las mujeres a las que pretendía en matrimonio, pues era descuidado en el vestir y tosco de maneras, además de tener una mentalidad excesivamente tradicionalista sobre las relaciones hombre y mujer, que no concebía sino tras pronunciados los votos nupciales. El año en que reanudó la Sinfonía Nº 9 asistió a una triunfal interpretación de su Te deum en Berlín.

Allí conocería a una joven llamada Ida Buhz, que trabajaba en el hotel Kaiserhof donde ella se hospedaba. Como era su costumbre, Bruckner realizó su propuesta a los dos días de haber conocido a la muchacha y, para su sorpresa, tanto su reacción como la de sus padres fue positiva. Debido a la distancia, su relación fue meramente epistolar y duró cerca de cuatro años. Sin embargo, cuando todo estaba listo para que la boda se celebrase, el anciano, que ya rondaba los setenta y un años, recordó un pequeño detalle que se le había pasado por alto comentar a la familia Buhz: la joven era protestante y él católico, por lo que ponía como condición sine qua non que ella se convierta a su religión.

Ante la negativa de la familia, Bruckner rompió el compromiso quizás porque después de tanto tiempo la soledad no era algo que le disgustase y, al menos, había cumplido por fin con el rito, desconocido hasta entonces para él, de estar prometido a una mujer.Además, al presentir su muerte, por el repentino debilitamiento de su salud dos años antes, ya se había mentalizado de que la boda nunca llegaría a celebrarse.

Un adagio para despedir la vida

Ese año de 1893 en que todo apunta a que no verá la luz de 1894, un Bruckner aquejado de pleuresía redacta su testamento, a la vez que emplea los ratos de mejoría por acabar el primer movimiento de una novena que se le hace interminable.

Conseguirá concluirlo por navidades, coincidiendo con una mejoría de su salud. Animado, dará forma en tan sólo dos meses al segundo movimiento, que será el más popular de esta obra inacabada, pero el adagio contendrá las últimas notas sinfónicas que salgan de su pluma.Tras nueve meses batallando con él, Bruckner lo da por finalizado, no sin anotar un subtítulo para él tan elocuente como Despedida de la vida . Pocos días después sufre una recaída, y para las navidades de ese 1894 los médicos le recomiendan la extremaunción. Eso no le impidió tocar el órgano por última vez en su vida, no en su famosa Iglesia de San Florian, sino en el pueblo de Klosterneuburg, adonde había acudido a pasar las fiestas. Pero su estado era tal, que no fue capaz de manejar los pedales en condiciones. Aún así, no quiso privarse de sus largos paseos con el joven músico Hugo Wolf, que se había convertido en el confidente fiel de estos últimos años.

El desdén demostrado por muchos hacia Bruckner es tal que en dibujos, como los que tiene con Wagner, se le muestra como un hombrecillo, cuando medía 15 cm. más que él.Entre la mejoría y el deterioro constantes, llegó un momento en que Bruckner no era apenas capaz de subir los cuatro pisos de escaleras que llevaban a su vivienda y nuevamente el emperador acudió en su ayuda, a requerimiento de la princesa María Valeria, permitiéndole instalarse en unas habitaciones del Palacio de Belvedere, en julio de 1895.

Durante el año y tres meses que le quedarán de vida, el viejo maestro tratará, sin conseguirlo, de dar forma a ese último cuarto movimiento de su Sinfonía Nº 9 , pero todo será inútil. El peso de los años, el cansancio de aquella última década de éxito, tan ajetreada, y la dificultad para concentrarse, teniendo tan presente que la muerte le rondaba, no le permitieron ir más allá de una serie de esbozos en los que plasmó cuatrocientos ochenta de los seiscientos compases que hubiesen puesto punto final a la obra. Sabedor de que sucumbiría sin llegar a una décima sinfonía, cumpliendo así la maldición beethoveniana de la que fue víctima Schubert y posteriormente lo serían Mahler, Dvorak y Glazunov (aunque Bruckner sí compuso diez, pues tiene una Sinfonía Nº 0 de la que renegó), propuso que cuando se interpretasen los tres movimientos completados se añadiera su Te deum a modo de conclusión.

A las tres de la tarde del 11 de octubre de 1896 Anton Bruckner sintió un repentino enfriamiento que sería el último, y que ni el té solicitado a su ama de llaves, Frau Kathi lograría templar ya.Tal y como era su deseo, fue enterrado bajo el órgano de su querida Iglesia de San Florián, tras cuyo teclado había pasado algunos de los momentos de mayor recogimiento y satisfacción de una vida enteramente dedicada a la música.

En la imagen Francisco Jose y Sisi en la película Sisi. El actor es Karlheinz Böhm, hijo del famoso director de orquesta Karl Bohm.

Stalin. Infancia y juventud. El libro 'Llamadme Stalin'. Hoy 18 de diciembre de 1878 nace Stalin

Stalin nació el 18 de diciembre de 1878 y murió el 5 de marzo de 1953.

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Artículo de diario vasco.com del 23/03/08

Un libro escarba en la infancia de Stalin para explicar su carácter

El historiador británico Simon Sebag reúne datos inéditos en 'Llamadme Stalin'

Arrastró el trauma de la violencia doméstica

El historiador británico Simon Sebag Montefiore investiga en su último libro la infancia y la juventud de Stalin en busca del por qué del carácter despiadado que mostró en los casi treinta años que estuvo al frente de la URSS.

Las 573 páginas de Llamadme Stalin (Memoria Crítica) están repletas de testimonios y datos inéditos sobre los primeros pasos del dictador soviético, extraídos en buena parte de memorias de personas que vieron de cerca su forja revolucionaria en el Cáucaso.

Nacido en 1878 en una pequeña localidad georgiana llamada Gori, Iosiv Visarionovich Djugashvili, más tarde conocido como Stalin, muy pronto aprendió a convivir con la violencia, según
cuenta el autor del ensayo.

Su padre, Visarion Djugashvili, era un zapatero adicto al reputado vino georgiano, que por la noche solía regresar a casa borracho y a menudo la emprendía a golpes con su esposa y su hijo.

Harta de palizas, la madre de Stalin, Keke, decidió abandonar a su marido y se mudó con su hijo, a quien consiguió colocar en una escuela eclesiástica de Gori.

Según Sebag Montefiore, el joven Stalin, apodado Soso por sus íntimos, arrastró toda su juventud no sólo el trauma de la violencia doméstica sino también un complejo de inferioridad causado por las marcas en la cara que le dejó la viruela, su andar defectuoso debido a un accidente y los rumores que aseguraban que era hijo bastardo. Por si fuera poco, Soso creció en un entorno social especialmente violento: en Gori las peleas callejeras entre niños, jóvenes o adultos eran diarias y formaban parte de la tradición.

El propio Stalin reconocía de mayor que había «llorado mucho» durante su «terrible infancia». El ensayo de Sebag Montefiore revela la personalidad ambivalente de Stalin, capaz de batirse a puñetazos contra chicos mayores que él y a la vez brillante alumno de la escuela religiosa y portentoso recitador de salmos.

Tras ingresar en el seminario cristiano ortodoxo de Tiflis, la capital georgiana, Soso se convirtió incluso en un exquisito poeta, cuyos versos fueron recogidos en antologías mucho antes de llegar a ser el amo y señor de la Unión Soviética.

Pero fue en sus años de adolescencia en el seminario cuando Soso entró en contacto con los primeros libros revolucionarios, que leía a hurtadillas y que le llevaron a abrazar el credo marxista.

El joven Iosiv, cada vez más desafiante y rebelde, acabó siendo expulsado del seminario, del que salió convertido en un auténtico ateo, pero su posterior aplicación del comunismo en la URSS estuvo impregnada de una liturgia y devoción deudoras en buena medida del cristianismo.

Francisco Serrano, Presidente del Gobierno de España entre 1871 y 1874. Hoy 17 de diciembre de 1810 nace Francisco de Serrano.

Nació el 17 de diciembre de 1810 y murió el 25 de noviembre de 1885.

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de 13:40 a 13:40

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(Francisco Serrano y Domínguez, Duque de la Torre) Militar y político español (Isla de León, San Fernando, Cádiz, 1810 - Madrid, 1885). Hijo de un militar liberal, nació durante el asedio francés a la plaza de Cádiz, en donde se reunían las primeras Cortes españolas. Ingresó en el ejército en 1822 y ascendió por méritos propios durante la Primera Guerra Carlista (1833-40).

En 1839, siendo ya brigadier, dio el salto a la política, alineándose con la opción progresista que representaba Espartero. Como diputado, apoyó la Regencia de Espartero (1841), quien le nombró mariscal y ministro de la Guerra; pero luego se volvió contra el excesivo poder del regente, cooperando con Juan Prim para derrocarle (1843).

Hacia 1846-48 fue amante de la reina Isabel II, sobre la cual ejerció una gran influencia política; el general bonito despertaba recelos entre los políticos moderados de la época, que le alejaron de la corte nombrándole capitán general de Granada (1848). Se apartó entonces de la política, dimitió del cargo que tenía, se casó y se dedicó a viajar.

Al estallar una nueva revolución progresista en 1854, volvió para apoyar otra vez a Espartero. Durante el Bienio Progresista que entonces comenzó fue director general de Artillería, alineándose con el partido centrista que quería formar O'Donnell entre progresistas y moderados (la Unión Liberal). Luego fue embajador en París (1856), capitán general de Cuba (1859-62) y ministro de Estado (1863). Fue entonces cuando la reina le nombró duque de la Torre, añadiendo más tarde la concesión del Toisón de Oro por su labor en la represión de la sublevación del Cuartel de San Gil (1866).

Muerto O'Donnell al año siguiente, Serrano le sucedió como jefe de la Unión Liberal y sumó al partido a las conspiraciones antidinásticas de progresistas y demócratas. Participó de manera decisiva en la Revolución de 1868 que destronó a Isabel II, venciendo a las tropas gubernamentales en la batalla de Alcolea. Enseguida fue nombrado presidente del gobierno provisional (1868-69) y, vacante la jefatura del Estado, recayó sobre él como presidente del Poder Ejecutivo con tratamiento de alteza (1869-70).

Una vez instaurada la monarquía democrática con la coronación de Amadeo de Saboya, Serrano fue llamado a presidir el gobierno en dos ocasiones (1871 y 1872). Al estallar entonces una Tercera Guerra Carlista, Serrano derrotó al pretendiente don Carlos (VII) en Oroquieta y firmó el Acuerdo de Amorebieta, con la esperanza de liquidar el conflicto (1872). El rechazo de las Cortes a este convenio provocó la caída de Serrano del gobierno. Luego admitió la proclamación de la Primera República, aunque tuvo que exiliarse por su implicación en una conspiración (1873).

Cuando el golpe de Estado del general Pavía disolvió las Cortes republicanas en 1874, Serrano fue nombrado presidente del gobierno y del Poder Ejecutivo, instaurando una especie de dictadura republicana de talante conservador; su ambición era perpetuarse como dictador, pero la destrucción de las fuerzas republicanas había abierto el camino para la restauración de los Borbones, precipitada en aquel mismo año por el pronunciamiento de Martínez Campos en Sagunto.

Aceptó al nuevo rey, Alfonso XII, y pretendió desempeñar un papel importante en el nuevo régimen como jefe del Partido Constitucional. Quedó desairado por Cánovas y por el rey cuando éstos prefirieron a Sagasta como líder liberal, razón por la que se escindió con el grupo de la Izquierda Dinástica (1881).

Su labor de gobierno, a lo largo de tantos avatares, resulta insignificante, dado que fue un político sin ideales ni proyectos, al que la ambición de poder hizo cambiar frecuentemente de orientación y de lealtades (le apodaron el Judas de Arjonilla, por su tendencia a la traición y por el lugar en donde tenía su finca). No debe confundirse con Francisco Serrano Bedoya (1813-82), también general y político progresista, que también combatió en las guerras carlistas, apoyó a Espartero, se integró en la Unión Liberal, participó en la Revolución de 1868, fue ministro de la Guerra y acabó reconociendo a Alfonso XII.

Beethoven. Rossini de 30 años visita a Beethoven de 51 en Viena en 1822. Hoy 17 de diciembre de 1770 nace Beethoven.

Beethoven nació el 17 de Diciembre de 1770 y murió el 26 de Marzo de 1827.

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de 12:00 a 12:00

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At the end of his career Ludwig van Beethoven, one of the greatest composers to have ever lived, was completely deaf. Around this same time, Gioachino Rossini had also become quite popular with his comic operas including the huge hit, The Barber of Seville. With the public’s mixed reception of Beethoven’s vast Ninth Symphony, Rossini perhaps outshone Beethoven as Europe’s most popular composer at the time.

Since hearing Beethoven’s Third Symphony, Eroica, Rossini had been moved to meet Beethoven and had tried several times through a few people to meet the composer. It seems most likely that Antonio Salieri was the culprit (so to speak😉 of setting up the meeting, since he had played violin at the 1813 premiere of Beethoven’s Seventh Symphony, and was a friend and former teacher of Beethoven.

There are various accounts of this supposed meeting.

“The most popular composer in Beethoven’s final years, even in Vienna where he lived, was not Beethoven himself but the Italian Gioachino Rossini, whose light-as-a-feather smash-hit comic operas, such as The Barber of Seville (1816) – all laughs, saucy farce and hummable tunes – were arguably closer to the general public’s idea of an ‘Ode to Joy’. The two composers did meet once, an encounter brokered by the kindly Antonio Salieri, and we have it word for word since Beethoven, being deaf, had to have the conversation written down. The rules of engagement between the two types of composer were even evident in their short back-and-forth in 1822, with Beethoven congratulating Rossini on his success but warning him not to write anything other than comic opera as ‘his character wouldn’t suit it’. It is a conversation that continues to be played out between self-styled ‘serious’ composers and ‘crossover’ composers to this day.” – Howard Goodall, The Story of Music

Other sources tell different, but similar accounts.

“30-year-old Rossini succeeded in meeting Ludwig van Beethoven, who was then aged 51, deaf, cantankerous and in failing health. Communicating in writing, Beethoven noted: “Ah, Rossini. So you’re the composer of The Barber of Seville. I congratulate you. It will be played as long as Italian opera exists. Never try to write anything else but opera buffa; any other style would do violence to your nature.” – Wikipedia on Rossini

Why This Matters

To be honest, there are so many different takes on how this meeting really took place, or if it is just an anecdotal tale (although I like the thought that it had to be written down due to Beethoven’s deafness and therefore could be somewhat preserved.)

But the point is that we may have many meetings with those who either feel our commercial music is not as “important” as their art music, and vice versa. Rossini just wanted to meet his idol, but Beethoven saw the real truth: it was probably easier for Rossini to gain a larger following, because his Barber of Seville and other light comic operas were easily digestible, easy on the ears kinds of works. The public could “get” them in one setting, hum them on the way home, and then easily forget them as they went upon their daily lives – much like pop music.

Beethoven’s work, like his Ninth Symphony, was so large, so groundbreaking in some ways, it was hard for crowds looking for pure “entertainment” to always get it. While he was certainly revered as a genius, there were mixed reviews.

“Beethoven’s musical revolution received mixed reactions. A critic who attended the (Ninth Symphony) premiere effused praise: “the effect was indescribably great and magnificent, jubilant applause from full hearts was enthusiastically given the master.” A London critic who heard the work in 1825 called the hour-plus length “a fearful period indeed, which puts the muscles and lungs of the band and the patience of the audience to a severe trial.” – Oxford University Press

Sevilla, capital de España en 1808. Hoy 17 diciembre de 1808 Sevilla es proclamada capital de España.

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de 11:20 a 11:20

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Manuel Moreno Alonso. Historiador de la guerra de la independencia. Martes, 16-12-08 ABC

Da la impresión que en el bicentenario de la Guerra de la Independencia todo queda reducido, erróneamente, al Dos de Mayo y a la celebración, próxima, de las Cortes de Cádiz. Sucede algo así como si se pasara directamente de una cosa a la otra, sin que entre ellas no hubiera otras cosas, también muy importantes, que conmemorar.

En el caso de Sevilla, buena parte de su participación en la guerra napoleónica, tan decisiva en los orígenes de la España contemporáneas, se reduce poco más que a la participación de Daoiz en los sucesos madrileños del dos de mayo. Mientras se ignora, sin embargo, que Sevilla fue capital de la España libre desde la llegada de la Junta Central, el 17 diciembre 1808 hasta su salida para Cádiz, a finales de enero de 1810.

Antes de la instalación de la Junta Central en Sevilla, el protagonismo de la ciudad fue extraordinario. La constitución de su Junta Suprema bajo la presidencia del ministro Saavedra, el 27 mayo 1808, desempeñó un papel decisivo en el levantamiento, guerra y revolución de España. Declaró la guerra a Napoleón, al tiempo que restableció relaciones con Inglaterra. Gracias a lo cual obtuvo la victoria sobre la flota francesa del almirante Rossilly, surta en la bahía de Cádiz desde Trafalgar. Sevilla armó y entrenó también el ejército de Castaños que obtuvo la victoria de Bailén. Tras lo cual Sevilla liberó Madrid de las tropas napoleónicas. La entrada del ejército andaluz de Castaños en Madrid en agosto de 1808 fue tan solo comparable a la entrada en la ciudad del Guadalquivir de los «vencedores de los vencedores de Austerlitz», un mes antes.

Estos fueron los días más grandes de Sevilla desde la conquista de San Fernando. Pero aún estaba por llegar el período, verdaderamente fundamental, en que Sevilla fue capital de la nación en guerra en la fecha señalada, al instalarse en el Alcázar la Junta Central. En Sevilla murió, a los quince días de su entrada, su presidente, el viejo conde de Floridablanca, que se encuentra enterrado en la catedral. Fallecimiento que facilitó un hecho insólito: la transición política del Absolutismo al Liberalismo. Un fenómeno extraordinariamente parecido a la transición entre la dictadura y la democracia a la muerte de Franco.

Desde Sevilla, convertida en capital de la España libre, se dirigió asimismo la guerra a toda la Nación, y se enviaron embajadores a otros países, desde Inglaterra a Rusia, Suecia o Constantinopla. A Sevilla llegaron los embajadores británicos: Frere, y los hermanos Henry y Richard Wellesley. Y a Sevilla vino para coordinar la guerra contra Napoleón el hermano de los anteriores, Sir Arthur, más tarde duque de Wellington y Generalísimo de los ejércitos españoles. Desde Sevilla se hizo, igualmente, la consulta a la Nación para la reforma política, así como la convocatoria a Cortes.

Por todo ello el período de 1808 a 1810 es, sin lugar a dudas, el período más trascendental de la historia de Sevilla desde un punto de vista político. En el siglo XVI, Sevilla, como puerto y puerta de América, ocupó un lugar fundamental en la historia, pero solo desde un punto de vista económico. Pues Sevilla nunca tuvo responsabilidades políticas, ni, tampoco, durante esta época tuvo papel decisorio de política económica.

Volviendo al período de 1808-1810, a ninguna ciudad española le ha correspondido una responsabilidad tan grande en el nacimiento de la nueva nación. A pesar de lo cual nada de esto ha trascendido. La fama se la llevó Cádiz, a la que Galdós consideró como «cuna de la civilización española».

La razón de esta desmemoria es clara. El nacimiento se produjo ciertamente entre 1808 y 1810. Pero Sevilla, después, se entregó al enemigo sin disparar un solo tiro en 1810. Y la fama de lo hecho en Sevilla se la llevó Cádiz. La claudicación de Sevilla -que se convirtió, además, en la ciudad más afrancesada de España- constituyó una desilusión total a nivel nacional que los patriotas, y después los liberales, y los historiadores liberales no le perdonaron. Hasta producirse una desmemoria total del protagonismo de Sevilla desde el punto de vista del imaginario colectivo.

Se comprende que, con el fracaso posterior del liberalismo gaditano y el triunfo del absolutismo fernandino, a Sevilla, que siempre supo ponerse de parte del vencedor, no le interesara resaltar su papel. Por ello toda la contribución realizada por Sevilla se redujo, prácticamente, al heroísmo de Daoiz que es el que ha llegado a nuestros días. Hasta se ha olvidado que la mitificación del dos de mayo, con la del propio Daoiz, fue realizada desde Sevilla por la propia Junta Central, que convirtió la efemérides en fiesta nacional.

El, 17 de diciembre de 2008, se cumplen los 200 años de la instalación en Sevilla de la Junta Central, presidida por el anciano conde de Floridablanca. «Es imponderable -escribió la Gazeta- el gozo que manifestó Sevilla al ver que el Gobierno Supremo de la Nación fiaba de su lealtad y la escogía por su asilo». El pueblo quitó las mulas del coche que conducía al presidente Floridablanca, y lo llevó hasta el Alcázar. En la madrugada del día siguiente, la Giralda lanzó los tres repiques de bienvenida, «que llaman de la alborada», costumbre que de tiempo inmemorial observaba la ciudad en el recibimiento de sus monarcas, diría la Gazeta Ministerial de 20 diciembre. Instalada en el Alcázar, sede hasta entonces de la Junta Suprema, Sevilla versus Madrid quedó convertida en capital de la nación. Un día después, el día 18 diciembre se estableció oficialmente el nuevo gobierno de la nación.

En la imagen el Conde de Floridablanca Presidente del Gobierno cuando Sevilla fue proclamada capital de España. El retrato es de Goya.

Beethoven lleva a la música el mito de Prometeo en homenaje a la Emperatriz María Teresa de Austria. Hoy 16 de diciembre de 1770 nace Beethoven.

El ballet fue estrenado el 28 de marzo de 1801 Beethoven nació el 16 de diciembre de 1770 y murió el 26 de marzo de 1827.

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de 15:45 a 15:45

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Las criaturas de Prometeo (Die Geschöpfe des Prometheus, en alemán), op. 43, es un ballet con argumento del bailarín Salvatore Viganò y música de Ludwig van Beethoven, escrito en 1801 y estrenado en el Burgtheater de Viena el 28 de marzo de 1801. La obertura forma parte del repertorio de concierto.

El texto no se conserva pero sí toda la partitura de Beethoven. El tema principal de la obertura fue utilizado correctamente también en la primera sinfonía y el del último número fue utilizado en la Sinfonía Heroica y en las 15 variaciones con fuga para piano en mi bemol mayor: Eroica-Variationen, op. 35.

En 1800, dos años antes del Testamento de Heligenstadt, Ludwing Van Beethoven concibió la música de ballet "Las Criaturas de Prometeo", para honrar a la Emperatriz María Teresa, segunda esposa de Francisco de Austria.

La base argumental de este ballet alegórico es la leyenda de Prometeo, a quien los griegos presentaban como un espíritu sublime, que refinó el género humano, a traves de las ciencias y las artes. La trama gira en torno a dos estatuas que cobran vida al influjo de la armonía, y con el nacimiento experimentan las pasiones terrenales. Prometeo las conduce al Parnaso para que Apolo, dios de las Artes, las ilumine con su sabiduría.

La partitura pertenece al primer período compositivo de Beethoven, y registra una profunda semejanza mozartiana. Consta de una Obertura, introducción y 16 cuadros. Sin embargo, sólo la Obertura tiene vida propia y es lo que generalmente se escucha en los conciertos.

El Mito de Prometeo

En la mitología griega, Prometeo (en griego antiguo Προμηθεύς, ‘previsión’, ‘prospección’) es el Titán amigo de los mortales, honrado principalmente por robar el fuego de los dioses en el tallo de una cañaheja, darlo a los hombres para su uso y posteriormente ser castigado por Zeus por este motivo.

Como introductor del fuego e inventor del sacrificio, Prometeo es considerado el Titán protector de la civilización humana.

En Atenas, se había dedicado un altar a Prometeo en la Academia de Platón. Desde allí partía una carrera de antorchas celebrada en su honor por la ciudad, en la que ganaba el primero que alcanzaba la meta con la antorcha encendida.

Prometeo era hijo de Jápeto y la oceánide Asia o de la también oceánide Clímene. Era hermano de Atlas, Epimeteo y Menecio, a los que superaba en astucia y engaños. No tenía miedo alguno a los dioses, y ridiculizó a Zeus y a su poca perspicacia. Sin embargo, Esquilo afirmaba en su Prometeo encadenado que era hijo de Gea o Temis. Según una versión minoritaria, el gigante Eurimedonte violó a Hera cuando esta era una niña y engendró a Prometeo, lo que causó la furia de Zeus.

Prometeo fue un gran benefactor de la humanidad. Urdió un primer engaño contra Zeus al realizar el sacrificio de un gran buey que dividió a continuación en dos partes: en una de ellas puso la piel, la carne y las vísceras, que ocultó en el vientre del buey y en la otra puso los huesos pero los cubrió de apetitosa grasa. Dejó entonces elegir a Zeus la parte que comerían los dioses. Zeus eligió la capa de grasa y se llenó de cólera cuando vio que en realidad había escogido los huesos. Desde entonces los hombres queman en los sacrificios los huesos para ofrecerlos a los dioses,y comen la carne.

Indignado por este engaño, Zeus privó a los hombres del fuego. Prometeo decidió robarlo, así que subió al monte Olimpo y lo cogió del carro de Helios o de la forja de Hefesto, y lo consiguió devolver a los hombres en el tallo de una cañaheja, que arde lentamente y resulta muy apropiado para este fin. De esta forma la humanidad pudo calentarse.

En otras versiones (notablemente, el Protágoras de Platón), Prometeo robaba las artes de Hefesto y Atenea, se llevaba también el fuego porque sin él no servían para nada, y proporcionaba de esta forma al hombre los medios con los que ganarse la vida.

Para vengarse por esta segunda ofensa, Zeus ordenó a Hefesto que hiciese una mujer de arcilla llamada Pandora. Zeus le infundió vida y la envió por medio de Hermes al hermano de Prometeo: Epimeteo, en cuya casa se encontraba la jarra que contenía todas las desgracias (plagas, dolor, pobreza, crimen, etcétera) con las que Zeus quería castigar a la humanidad. Epimeteo se casó con ella para aplacar la ira de Zeus por haberla rechazado una primera vez a causa de las advertencias de su hermano para que no aceptase ningún regalo de los dioses y quien en castigo sería encadenado. Pandora terminaría abriendo el ánfora, tal y como Zeus había previsto.

Tras vengarse así de la humanidad, Zeus se vengó también de Prometeo e hizo que lo llevaran al Cáucaso, donde fue encadenado por Hefesto con la ayuda de Bía y Cratos. Zeus envió un águila (hija de los monstruos Tifón y Equidna) para que se comiera el hígado de Prometeo. Siendo éste inmortal, su hígado volvía a regenerarse cada noche, y el águila volvía a comérselo cada día. Este castigo había de durar para siempre, pero, Heracles pasó por el lugar de cautiverio de Prometeo de camino al jardín de las Hespérides y lo liberó disparando una flecha al águila. Esta vez no le importó a Zeus que Prometeo evitase de nuevo su castigo, ya que este acto de liberación y misericordia ayudaba a la glorificación del mito de Heracles, quien era hijo de Zeus. Prometeo fue así liberado, aunque debía llevar con él un anillo unido a un trozo de la roca a la que fue encadenado.

Agradecido, Prometeo reveló a Heracles el modo de obtener las manzanas doradas de las Hespérides.

Sin embargo, en otra versión Prometeo fue liberado por Hefesto tras revelar a Zeus el destino de que si tenía un hijo con la nereida Tetis, este hijo llegaría a ser más poderoso que su padre, quien quiera que éste fuera. Por ello Zeus evitó tener a Tetis como consorte y el hijo que tuvo ésta con Peleo fue Aquiles quien, tal y como decía la profecía, llegó a ser más poderoso que su padre.

La Biblioteca mitológica recoge una versión según la cual Prometeo fue el creador de los hombres, modelándolos con barro. Prometeo se ofreció ante Zeus para cambiar su mortalidad por la inmortalidad de Quirón cuando éste fue herido accidentalmente por Heracles, lo que le produjo una herida incurable.

Relación con otras mitologías
En la mitografía, se ha relacionado a Prometeo con Loki, de la mitología nórdica, quien análogamente es un gigante más que un dios, está asociado con el fuego y es castigado a ser encadenado a una roca y atormentado por un águila.

El mito prometeico en la musica

La historia de Prometeo ha inspirado a muchos autores a lo largo de la historia para referirse a la osadía de los hombres de hacer o poseer las cosas divinas, y los románticos vieron en él un prototipo del demon o genio natural. Algunas de las obras musicales son:

Prometeo: El poema del fuego, poema orquestal de Alexander Scriabin (1910).

Prometeo, ópera de Carl Orff.

Die Geschöpfe des Prometheus, op. 43 de Ludwig van Beethoven.

Prometeo, poema sinfónico n.º 5 de Franz Liszt.

Prometeo, de Luigi Nono (1985).

Beethoven. Frase "Tocar sin pasión es imperdonable". Hoy 16 de diciembre de 1770 nace Beethoven

Beethoven nació el 16 de diciembre de 1770 y murió el 26 de marzo de 1827.

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de 12:35 a 12:35

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Cervantes. Catalina de Salazar, la estupenda mujer de Cervantes. Hoy 15 de diciembre de 1584 Cervantes se casa con Catalina de Salazar.

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Pese a ser de origen campesino, sabía latín, leer y escribir, algo bastante extraño en una mujer de esa época

Era un 15 de diciembre de 1584. El lugar de La Mancha escogido para la boda, Esquivias, un pueblo toledano de la comarca de La Sagra, muy cercano a Madrid. Ella, Catalina de Salazar de Palacios, de diecinueve años de edad; él, Don Miguel de Cervantes, de 37; el párroco oficiante, Juan de Palacios, hijo de la madre de Catalina y, por tanto, su tío.

Una boda un tanto extraña para los vecinos de Esquivias, incluso también para la familia de Catalina, que no veía muy razonable aquella relación entre un hombre con tanto mundo (y batallas, como la de Lepanto) a sus espaldas, y una muchacha que apenas había salido de su pueblo, y que ni siquiera era una experta en las tareas domésticas. Pero el amor es así.

Cervantes había llegado a Esquivias para apañar un recado de su viejo amigo el poeta Pedro Laínez, que le había encomendado la tarea de que se encomendara de sus versos si una vez moría antes de Cervantes. Así fue, y el Ilustre Manco, se personó en el pueblo para entablar relación con Juana Gaitán, propietaria de los libros de Laínez. Cervantes se puso a la tarea y pronto conoció a Catalina, pues era vecina de Juana. Parece que el enamoramiento fue mutuo y rápido. Con sus más y con sus menos duraría más de treinta años, hasta la muerte de don Miguel. Es más, ambos están enterrados en el mismo lugar, el Convento de las Trinitarias en Madrid.

De niña a señora
Pero conviene recirdar la figura de esta muchacha llamada Catalina que llegó a convertirse en una gran señora en Los Madriles, Doña Catalina de Salazar de Palacios.

Pese a su edad y el lugar sencillo de su nacimiento, Catalina tenía una buena educación, pues su tío el párroco se había ocupàdo de ello. Así como no era ducha para las tareas de la costura, el bordado y el remiendo sí que lo había sido para aprender a leer y escribir, algo realmente infrecuente en una mujer de su condición. Ello, sin duda, influiría notablemente, en su forma de ser y en su carácter, el de una mujer de fuerte personalidad, amiga de tomar sus propias decisiones.

Para seguir su rastro, lo mejor es atender las sabias descripciones realizadas por Segismundo Luengo en su fantástica biografía: «Catalina de Esquivias: memorias de la mujer de Cervantes».

Cuenta Luengo que «Catalina sobresalía en las enseñanzas que le procuraba su tío, tanto en el aprendizaje del latín como en lo que tocaba a la moral. Mas el carácter de Catalina, nada sumiso y siempre alejado de cualquier afectación melindrosa, la convirtió en toda una mujer. Las campesinas de los siglos XVI y XVII, en una aplastante mayoría analfabetas, precisamente por esa oscuridad que sepultaba su inteligencia, estaban condenadas a un sometimiento atroz».

Como se ha dicho, Catalina no era así, como subraya su biógrafo: «Su interpretación de la moral era sumamente liberal, increíble para aquella época. Alguien le dirá: “Y a la verdad [refiriéndose a los estudios que le diera el clérigo], le salió alumna aventajada por el desenfado con que se expresa. Ya se ve que no es usted mujer que se encoja, y menos en lo que corresponde a las intimidades carnales con su marido. Si no entendiera que fue pura al matrimonio y que todo lo hacía por quedarse encinta y pedir hijos para Dios, creería que estaban ante una hembra fácil al pecado de la lujuria».

Aquel posible interlocutor sin duda exageraba pues el que sí se alejaba a menudo del hogar era el propio Cervantes: que si ahora Sevilla, que si ahora Valladolid, que si ahora Sevilla...

Durante el noviazgo, Catalina había quedado embelesada con aquel viejo soldado y, sobre todo, con su conversación cuando contaba el relato de su vida en Nápoles, sus momentos más difíciles en Lepanto, los sucesos más tristes de su cautiverio en Argel, y vio sabiduría en todo cuanto hablaba. De ahí nació su deseo vehemente de conocer tantas cosas como ignoraba. «Ella discurría acerca de su niñez -explica Luengo-, y en la atención que ponía Miguel a lo que ella consideraba banalidades para un espíritu tan cultivado como el de su amado, prendía ahora una llama de amor muy sutil, pero ya imposible de borrar».

En otra cosa muy importante el matrimonio también estaba de acuerdo: su odio y aversión hacia Lope de Vega, que llegó a cortejarla y que, con su labia habitual había llamado cornudo en soneto a Don Miguel

La esposa legítima de Cervantes, ya instalada en la Corte, vivió de forma bastante diferente a cómo lo hacía en Esquivias: «Ha de enfrentarse a sucesos atroces, tan dramáticos como la declaración de la peste en Madrid, tiempo en que trabajó ayudando a los apestados; oye, aterrada, la narración de un niño al que obligaron a colgar, descuartizados, los cadáveres de los ajusticiados en la cárcel, en los dinteles de las puertas de la ciudad como muestra de una justicia ejemplar». También se entera de que Don Miguel tenía una hija ilegítima con Ana Franca, una tabernera. De sus andanzas por Europa, el hijo del que hablaban los que habían estado con él en las guerras de Italia, el escritor dejó bien claro a Catalina que «todo fueron habladurías y no hubo nada y que no eran más que apuntes en sus cuadernos, obra de su imaginación para componer sus novelas. Y que de nada de esto le había hablado, no por ocultárselo, sino porque ninguna cosa era verdad».

Entre tanto, Cervantes fue uno de los hombres encargados de proveer a la Armada Invencible y marchó a Andalucía. Luego contaría la propia Catalina: «No sabría decir si los siete años que estuvimos separados no fueron de un amor más intenso que el de aquellos 28 meses juntos, porque ni un solo día pude olvidarme de la pasión que nos abrazaba, hoy un doloroso deleite metido en el alma».

Cuando murió Cervantes, el 23 de abril de 1616, Catalina de Salazar decidió profesar en la Venerable Orden Tercera, la de los Trinitarios, y pidió que una vez muerta, fuera enterrada en el mismo lugar que su marido, en el céntrico convento que la Orden tenía en Madrid. Corría el año de 1626.

En la imagen Miguel de Cervantes, retratado por Víctor Manzano, en los últimos días de su vida. Falleció el 22 de abril de 1616. Diez años después murió su esposa Catalina

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