Efemérides, un día tal como hoy...

Paris. Hoy 8 de Noviembre de 1793 - en París se abre al público el Museo del Louvre, el Museo de Arte más famoso del mundo

Detalles del evento

Cuándo

08/11/2015
de 01:00 a 22:55

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En la imagen la escultura "Dama de Auxerre" que forma parte de la colección permanente del museo


Paris. Hoy 8 de Noviembre de 1793 - en París se abre al público el Museo del Louvre, el Museo de Arte más famoso del mundo

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Cuándo

08/11/2015
de 01:00 a 22:55

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En la imagen la escultura "Gladiador borghese" que forma parte de la colección permanente del museo


Zurbaran. Hoy 7 de Noviembre de 1598 nace Francisco de Zurbarán genial pintor barroco español

Murió el 27 de agosto de 1664.

Detalles del evento

Cuándo

07/11/2015
de 17:05 a 17:05

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Zurbarán fue un genial pintor de la época barroca española. Vivió durante el siglo XVII, es decir, en el primer Barroco. Fue coetáneo de los grandes pintores del Siglo de Oro, como Velázquez, Murillo, Ribalta y Ribera. Su estilo se mantuvo prácticamente invariable, mientras que el de los anteriores iba evolucionando.

Esta inmovilidad fue durante varias décadas el secreto de su éxito, pero terminó por condenar su carrera artística. Hijo de un comerciante o tendero, nació en Fuente de Cantos (Badajoz) en 1598. De sus primeros años nada se sabe, aunque podría suponerse que el padre deseara transmitirle el negocio y, por tanto, lo educara en el mismo.

Sin embargo, en 1614 Pedro Díaz de Villanueva, pintor de Sevilla, lo toma como aprendiz con 16 años, durante tres años. Desconocemos los motivos que llevaron a su padre a inscribirle en este taller, pues lo normal era que existiera una vinculación familiar con el gremio en el que se desarrollaba la formación profesional de los jóvenes. Tal vez unas excepcionales dotes para el dibujo inclinaron a sus progenitores por esta profesión. Cuando Zurbarán comienza de aprendiz, el panorama artístico de esos años era muy fértil. Sevilla era una ciudad próspera y la producción de pintura y escultura marchaba a un ritmo espectacular, apoyado por los encargos de la clientela religiosa y las ventas de pintura a América (todos los barcos rumbo al nuevo continente partían de esta populosa urbe).

Las principales personalidades artísticas del momento eran Francisco Pacheco, Juan de Roelas y Francisco de Herrera, el Viejo. De estos tres, el más importante sin duda era el taller de Pacheco, quien quería dotarlo de rasgos de Academia, a la manera italiana. Siendo el taller de mayor éxito, encontramos en sus jóvenes aprendices a personalidades de la talla de Velázquez, quien figura en el taller de Pacheco en el año 1610, con 11 años; esto nos indica que cuando Zurbarán se inicia como aprendiz con 16 años, Velázquez, de 15 años, ya lleva estudiando cuatro años.

Otro insigne alumno era Alonso Cano, que consta en el taller Pacheco en 1616, con 15 años. De la nueva generación a la que corresponde Zurbarán tan sólo nos queda citar en Sevilla a Francisco de Herrera el Mozo, hijo de Herrera el Viejo. Es algo más joven que los pintores mencionados, pero su estilo se desenvolvería por caminos similares, siguiendo las enseñanzas de su padre. Al terminar el aprendizaje, Zurbarán no regresa a su pueblo, sino al vecino: Llerena. Se establece con 18 años como pintor y al año siguiente contrae matrimonio por primera vez: ella es una mujer viuda, diez años mayor, María Páez. Este rasgo se mantuvo en las tres esposas de Zurbarán, que solían ser mayores que él y de familias acomodadas de comerciantes. Se casan en 1618 y ella muere en 1623.

En 1625 se casará con Beatriz de Morales, también viuda y mayor que él. La rapidez en el nuevo matrimonio puede explicarse por la presencia de hijos pequeños de la primera esposa, que había que criar y educar adecuadamente. Zurbarán mantiene a su ya abundante familia con los clientes que consigue en su tierra. Sus primeros encargos para Llerena consisten en pequeñas obras secundarias y en algunos diseños urbanísticos: una fuente, por ejemplo, para la plaza. Sin embargo su talento comienza a ser conocido: en 1626 recibe un encargo para el convento de San Pablo el Real de Sevilla, de nada menos que 21 lienzos.

El gran número de lienzos indica que Zurbarán ya había formado un taller para satisfacer todos los encargos, y que bajo su dirección trabajaban varios oficiales y aprendices. De otro modo, al pintor le hubiera resultado imposible terminar el trabajo a tiempo. Si pensamos que Zurbarán era un pintor todavía joven y relativamente poco conocido, puede sorprender la importancia del encargo. Una explicación podría encontrarse en el competitivo mercado sevillano: la producción de pintura se encontraba monopolizada en los talleres de los grandes maestros reconocidos (Pacheco, Roelas, Varela, Legot, Herrera...) y por tanto sus precios eran muy altos.

El joven extremeño poseía la habilidad y los recursos humanos para llevar a cabo la obra por mucho menos dinero. El precio de los 21 lienzos sumaba un total de 380 ducados. Como comparación mencionaremos que tan sólo tres años más tarde, afincado ya en Sevilla con su taller, Zurbarán cobró por 22 lienzos la cifra de 1.500 ducados. ¿Por qué Zurbarán aceptó un precio tan bajo? Toda la comarca del sur de Extremadura estaba bajo influencia sevillana; todos los encargos se encomiendan a artistas sevillanos. El encargo de los 21 lienzos provenía de los dominicos, que eran una de las Órdenes más poderosas de Sevilla. Zurbarán no cobraba el trabajo sino la posibilidad de penetrar en el hermético mercado sevillano.

En este primer encargo de importancia encontramos los rasgos tempranos de su estilo: torpeza en las perspectivas, falta de coherencia espacial, prodigiosa capacidad para reproducir los materiales, intensidad expresiva en los rostros, delicadeza cromática, rico colorido, gran variedad de blancos... Se ha dicho que Zurbarán era increíblemente desmañado a la hora de construir los espacios, y esto se mantendrá constantemente en su pintura. La abundancia de personajes le bloquea y se muestra incapaz de ordenarlos coherentemente en un espacio realista.

Las leyes de la perspectiva y la proyección geométrica descubiertas en el Renacimiento se le resisten, por lo que sus espacios carecen de profundidad u orden. Estas carencias las compensa con las otras características: su minuciosidad consigue plasmar telas, cacharros, cabellos, pieles, como si pudieran palparse, tan reales como la vida. Los rostros son penetrantes, animados, diferentes por completo a las expresiones acartonadas de otros pintores de su taller o de la propia Sevilla.

Por último, poseía una particular concepción del color, que le llevaba a colocar juntos colores que tradicionalmente se consideraban contrarios, pero que bajo su mano parecían armónicos. Recurrió a gamas brillantes y alegres, poco frecuentes, como los púrpuras, morados, verdes esmeralda o amarillos limón. De los 21 lienzos de este importante encargo se conservan varios: la Curación milagrosa de Reginaldo de Orléans, Santo Domingo en Soriano, y tres Padres de la Iglesia, San Gregorio, San Ambrosio y San Jerónimo.

El año siguiente a este trabajo, 1627, pinta el maravilloso Crucificado del Art Institute de Chicago. En él se enfrenta y apropia del decálogo del Naturalismo tenebrista. En efecto, este estilo del Barroco italiano caló profundamente en la sensibilidad pictórica de Zurbarán, quien lo adoptó como estilo propio a lo largo de su carrera. La obra de mayor referencia para Zurbarán fue la de Caravaggio por un lado; por otro, la llegada a Osuna de un cargamento de lienzos que había encargado el duque de Osuna le hizo conocer la obra de Giusepe Ribera, el Españoleto, protegido del duque, con quien encontramos las mayores consonancias estilísticas.

En 1628, Zurbarán aún aparece como vecino de Llerena, pero residente en Sevilla. Ya tiene claro que su objetivo es la capital: este mismo año firma el contrato para 22 lienzos en el convento de la Merced Calzada, comprometiéndose a pintar todo aquello que el padre comendador le ordene: le suministraron textos e ilustraciones, para que se ajustara a la ortodoxia, interpretándola. Es decir, las posibilidades creativas de Zurbarán prácticamente no estaban contempladas en aquel momento.

No se pedía a los pintores que fueran originales sino que trabajaran para sus clientes, siendo éstos los que verdaderamente concebían el cuadro en su imaginación para que el pintor lo llevara a cabo. En 1629 parece evidente que Zurbarán se va a establecer en Sevilla, contrariamente a todas las leyes municipales. Para apoyarle, se extiende una petición del cabildo municipal que diera pie al establecimiento de Zurbarán en Sevilla.

La petición se firma en el mes de junio y, en septiembre, el maestro aparece ya como pintor de la ciudad. Al año siguiente, 1630, los alcaldes del gremio de pintores exigen que Zurbarán se someta a los exámenes y controles establecidos para ejercer la pintura. El control gremial era poderosísimo, de ahí la importancia de que Zurbarán fuera apoyado previamente para saltarse las normas. Ante la instancia del gremio, Zurbarán pidió apoyo al cabildo.

Alonso Cano, de fogoso temperamento, exigía por escrito que se cumplieran las ordenanzas. El cabildo, sin embargo, protegió a Zurbarán y el examen no se llevó a cabo. De esta manera, Zurbarán se convertía en vecino de pleno derecho de Sevilla. El prestigio adquirido tras esta trifulca llevó al pintor a rechazar encargos menores que le llegaban de la periferia, ciudades pequeñas con menor poder adquisitivo. Las obras que le pedían las encargaba a sus oficiales, por lo que el taller de Zurbarán dejó su huella en toda la comarca andaluza. El taller de cada maestro tenía su forma particular de pintar, que podía o no estar de moda, pese a seguir un estilo común. Los modelos que se practicaban en el taller de Zurbarán dependían normalmente de estampas y dibujos ajenos, brindados por los comitentes del lienzo, que normalmente resultaban ser teólogos.

Uno de los temas de mayor éxito era el de Cristo en la cruz. Casi todos los Crucificados son de cuatro clavos en este momento, por influencia del prestigioso taller de Pacheco (podemos ver como ejemplo el Cristo de Velázquez). Otro tema predilecto de Zurbarán era el de los corderos trabados: funcionaban como símbolos del sacrificio pascual. El blanco de su lana encarna la pureza y la victoria de la vida sobre la muerte. Pero al mismo tiempo eran bocetos y estudios preparatorios para lienzos de mayor tamaño que incluían corderillos como motivos secundarios.

Estos modelos contribuían cada vez más a incrementar la fama de Zurbarán, hasta el punto de que en 1634 Velázquez sugiera a la Corte madrileña (de la que se había convertido en pintor del rey) que le llame para colaborar en la decoración del Palacio del Buen Retiro, mandado levantar por Felipe IV.

Se encargó de los Trabajos de Hércules (10 en lugar de 12, porque sólo se disponía espacio en las sobrepuertas del Salón de Reinos para 10) y 2 lienzos sobre el Socorro de Cádiz (1 perdido).

Estos dos lienzos se inscribían en una serie de batallas famosas, entre las que se cuentan por ejemplo Las Lanzas de Velázquez, junto a obras de Carducho, Cajés, Maíno y otros. Como ya se ha mencionado, de los dos lienzos de Zurbarán tan sólo se conserva la Defensa de Cádiz. Tras este trabajo, en 1634 regresa a Sevilla y en la documentación de algún encargo posterior figura como "pintor del rey".

Tantos éxitos favorecieron su introducción en el mercado trasatlántico. Su comienzo en la exportación a América tuvo principalmente razones económicas, puesto que los lienzos conseguían unos precios altos, lo cual compensaba el enorme riesgo de la transacción: por un lado que el barco llegara a puerto sin contratiempos para la mercancía; por otro, que los lejanos clientes cumplieran con los pagos estipulados. Ejemplo de estos riesgos comerciales lo constituye la primera remesa de cuadros que Zurbarán envió a América, completamente perdida.

El capitán del navío, Mirafuentes, los desembaló y adornó con ellos el barco durante una fiesta en plena travesía. Era una serie de vírgenes santas: aspecto hermoso y juvenil, engalanadas con lujosos trajes, muy apropiado para la fiesta. El desembalaje y la fiesta posterior provocaron daños irreparables en los lienzos, que jamás fueron cobrados por el pintor. Sin embargo, en otros casos tuvo más éxito. Zurbarán recibía abundantes encargos en esta época, incluso se le encomendó la decoración de un barco en 1638, para una fiesta que iba a celebrarse en el Buen Retiro de Madrid.

Este mismo año de 1638 firmó uno de los contratos más cruciales para nuestro conocimiento de Zurbarán y el arte del momento: la serie conventual del monasterio de Guadalupe. Lo que la hace única es que se ha conservado intacta in situ, siguiendo la colocación original del siglo XVII. El ciclo estaba dedicado a la Orden jerónima y a su vinculación tradicional con la Corona española. Los lienzos tenían un carácter histórico-legendario. Su estilo se parece más que nunca al de Ribera. En esta plenitud, en 1639 muere su esposa Beatriz.

La obra de los años siguientes refleja lo visto y aprendido en Madrid, especialmente composiciones de Bartolomé y Vicente Carducho, así como el color y el paisaje atmosférico de Velázquez. La década de 1640-1650 se inicia con un declinar de los encargos de importancia: se produce una crisis económica general en toda España, a lo cual se añade una sublevación en Andalucía, capitaneada en vano por el duque de Medina Sidonia en 1641.

Esta crisis fuerza a los pintores a volcarse en mercados alternativos. Aumentan las series para América, lo que provoca una industrialización de los modelos con mayor intervención del taller; se fabricaban santos estereotipados casi en serie, con modelos de baja originalidad e incluso mediocre calidad. Proporcionaban más beneficios, pero eran más arriesgados. Los conventos americanos sentían verdadero fervor por lo llegado de España.

Los principales destinos donde encontraremos obra de Zurbarán serán Nueva España, Perú (especialmente su capital, Lima), Antigua (Guatemala), Buenos Aires (Argentina). Las series no son sólo religiosas, sino con frecuencia tienen motivos profanos. Esto se debe a que los clientes no eran sólo conventos sino también altos funcionarios de colonias, mineros enriquecidos, comerciantes indianos... Estos clientes piden series de apostolados, césares, patriarcas, santos fundadores, los infantes de Lara, vírgenes santas, ángeles, reyes, hombres célebres. No todas las series repiten los mismos modelos ni constan del mismo número de lienzos, pero poseen características comunes.

Las santas vírgenes resultaban muy atractivas. Son figuras femeninas representadas en actitud de marcha, colocadas a lo largo de los muros de la nave del templo como si fueran una procesión celestial hacia el altar. A veces giran sus bellos rostros hacia el fiel, con familiaridad o coquetería. Pueden incluir retratos a lo divino: damas nobles que desean ser representadas bajo el aspecto de su santa favorita o de aquélla que les da nombre. Los infantes de Lara, otra serie muy solicitada, son de temática singular y poco frecuente: trata de la sangrienta leyenda castellana del asesinato de los siete hijos de don Gonzalo Bustos de Lara, vengados por su hermano bastardo Mudarra.

En 1644 se produce el tercer y último matrimonio de Zurbarán, con Leonor de Tordera, joven ideal para cuidar su casa y su patrimonio (ella tenía 28 años, él 46). Al tiempo, su hijo Juan de Zurbarán se establece como pintor, siguiendo los modelos de su padre y colaborando con él. Pero un hecho terrible viene a acentuar la crisis sevillana y la de Zurbarán particularmente: en 1649 se produce una epidemia de peste que redujo la población de Sevilla a la mitad. En ella murieron casi todos los hijos del pintor, incluido Juan.

Las circunstancias adversas se agravaron por un cambio de estilo abanderado por Murillo, que había comenzado a acaparar los encargos más interesantes. Tal vez fuera ésta la razón por la que Zurbarán comienza a plantearse cambiar su lugar de residencia. De este modo, parece que entre 1650 y 1652 realiza un viaje a Madrid, no documentado. Lo que sí es patente es que se produce un cambio de estilo durante este bienio: gusto por el sfumato, el modelado más blando, la delicadeza...

Tal vez influye el nuevo estilo de jóvenes artistas que triunfan en Sevilla: Murillo y Herrera el Joven, que representan el Barroco triunfal, exitoso no sólo en Sevilla sino también en Madrid.

Definitivamente el pintor se traslada a Madrid en 1658 y busca la protección de Velázquez, a cuyo favor "adorna" la realidad cuando da testimonio sobre el pintor en su proceso para acceder a la Orden de Santiago. De esta manera, esperaba y probablemente conseguía que Velázquez le recomendara para posibles trabajos. Son los últimos años del pintor, llenos de interés.

Su estilo se hace delicado e íntimo, con pincelada blanda y aterciopelada, colorido luminoso y transparente, centrado en la clientela particular: temas de devoción privada y cuadros de dimensiones menores. Los grandes lienzos que se pagan en Madrid son de mano de Carreño y Rizzi. De 1658 a 1664, los últimos años de su vida, se muestra la obra más pura de Zurbarán, sin la intervención de sus oficiales, puesto que no traslada su taller de Sevilla a Madrid.

El 27 de agosto de 1664 muere. En su testamento se aprecia un nivel medio-alto de vida, posibilitado por su dedicación al comercio en sedas y adornos para textiles de los últimos años. Se liquidaron los lienzos que permanecían en su poder, las casas, etc. Se encontraron 50 estampas en su taller, pero ni un sólo libro. Sus herederas fueron dos hijas supervivientes. Se le enterró en el convento de Agustinos Recoletos de Madrid, sito en los terrenos de la actual Biblioteca Nacional.

Los temas que trató a lo largo de su vida Zurbarán fueron lienzos religiosos oficiales, lienzos de devoción o profanos para particulares y retratos. Entre las iconografías destacan sus Inmaculadas Concepciones, una devoción muy defendida en la España del XVII. También las Vírgenes niñas o dormidas, las Sagradas Familias de la Virgen, poéticas, casi sentimentales, con visiones de la cotidianeidad de la España del momento.

Otro tema de éxito fueron las imágenes de Jesús, niño o adolescente, los Crucificados de cuatro clavos y dos tipos: muerto con la cabeza ladeada, vivo con la cabeza alzada. Zurbarán sentía a título personal una gran predilección por los San Franciscos, meditando, rezando, con calaveras o muerto. Este gusto lo comparte con El Greco y tal vez da una idea del sentimiento vital y espiritual de este pintor que abarcó gran parte del siglo XVII, mostrando a un tiempo las dependencias del Barroco respecto a otros estilos anteriores y las novedades que marcaron su decadencia pasado 1640.

En la imagen "Aparición de San Pedro a San Pedro Nolasco", 1629 (179 x 223 cm.), Museo del Prado, Madrid

Nueva York. Hoy 7 de Noviembre de 1929 abre el MoMA, el Museo de Arte Moderno más importante del mundo.

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Cuándo

07/11/2015
de 14:45 a 14:45

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Con sede en Manhattan, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) fue inaugurado el 7 de noviembre de 1929. Primer museo de arte moderno del mundo, fue creado por las esposas de tres multimillonarios, Abby Aldrich Rockefeller, Lillie P. Bliss y Mary Quinn Sullivan, con obras de artistas que no eran admitidos en otros museos de Nueva York, para “ayudar a la gente a entender, utilizar y disfrutar de las artes visuales de nuestro tiempo”. Pronto empezó a recibir donaciones que incrementaron notablemente la colección y su popularidad.

Durante diez años las obras de arte fueron expuestas en unas instalaciones provisionales, hasta que fue construido el actual edificio diseñado por los arquitectos Philip Goodwin y Edward Durrell Stone. A lo largo de su historia, el edificio ha sido ampliado en varias ocasiones, incorporando teatros, oficinas, restaurantes y un jardín.

En 20 de noviembre de 2004, se reinauguró el MoMA tras completarse el proyecto de expansión más ambicioso de su historia, diseñado por el arquitecto Yoshio Taniguchi, por el que llegó a duplicar casi su capacidad con más de 58 000 metros cuadrados. En sus seis plantas de galerías se exponen 135 000 obras de arte, tanto permanentes – entre las que se encuentra una gran colección donada por la familia Rockefeller – como temporales. Cine, fotografía, pintura, escultura y artes decorativas son algunas de las expresiones artísticas presentes en este museo.

El MoMA se fundó como entidad privada, y se ha ido beneficiando de numerosas donaciones de sus miembros y de empresas; constituye un ejemplo para otros museos de sus características, al ampliar las fronteras del arte a disciplinas no admitidas en otras instituciones expositivas.

Se le considera uno de los santuarios del arte moderno y contemporáneo del mundo, pues cuenta – a juicio de muchos – con una de las mejores colecciones de obras maestras de todos los tiempos. El MoMA posee, además, importantes colecciones de diseño gráfico, diseño industrial, fotografía, arquitectura, cine y grabados.

Cuando el Museo de Arte Moderno comenzó a exponer sus obras, gran parte del público de aquella época aún despreciaba el cubismo y el arte abstracto, pues colisionaban con las líneas directrices que hasta ese momento marcaban la pauta del “verdadero arte”.

De las primeras vanguardias del siglo XX, el MoMA conserva obras claves de los artistas más influyentes en el arte contemporáneo: Pablo Picasso, Marc Chagall, Kandinski, Mondrian, Henri Matisse, etcétera. En su Jardín de Esculturas se encuentran obras de Auguste Rodin, Alexander Calder, Louise Nevelson, Pablo Serrano y Aristide Maillol. Cuenta además con una sala de cine.

Alberga algunas de las obras más relevantes del arte del siglo XX, como La noche estrellada, de Van Gogh, Broadway Boogie-Woogie, de Piet Mondrian y Las señoritas de Avignon, de Pablo Picasso (en la imagen).

Curie. Hoy 7 de noviembre de 1867 nace Marie Curie Premio Nobel de física y química y descubridora del polonio y el radio

Murió el 4 de julio de 1934

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Cuándo

07/11/2015
de 14:15 a 14:15

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Marja Sklodowska nació en Varsovia. Con 24 años se trasladó a París, donde cambió su nombre por Marie y se matriculó en el curso de Ciencias de la Universidad de la Sorbona. Dos años después se licenció en Física y un año más tarde en Matemáticas. Diez años después se doctoró en Ciencias en esa misma universidad.

En 1894 conoció al físico Pierre Curie, con quien se casó en 1895. Nacido en 1959, Pierre había descubierto, junto su hermano Pail-Jacques, la piezoeclectricidad y realizado investigaciones sobre la simetría cristalina. El matrimonio tuvo dos hijas, Irene y Éve. Irene siguió los pasos de sus padres y consiguió sintetizar los nuevos elementos radiactivos, por lo que consiguió el Premio Nobel de Química (1935). Ève escribió una completa biografía sobre su madre.

Discípula de Becquerel, Marie Curie profundizó en sus investigaciones sobre las radiaciones. Bautizó con el nombre de radiactividad la propiedad que presentan los núcleos de ciertos elementos químicos cuando se desintegran. Después de averiguar las radiaciones que tenían tanto el uranio como el torio.

Descubrió que en la pechblenda –un mineral que contiene uranio- los residuos eran más radiactivos que el propio uranio. Con esto dedujo que ese mineral debía contener algún otro elemento hasta entonces desconocido.

Tras una extensa investigación junto a su esposo, descubrieron en 1898 dos nuevos elementos: el polonio y el radio, y en 1902 consiguieron aislar con éxito el cloruro de radio, sustancia altamente radiactiva utilizada en medicina para elaborar el radón, que se emplea en el tratamiento de cáncer.

En 1903, Marie y Pierre compartieron, junto con Becquerel, el Premio Nobel de Física por el descubrimiento de los elementos radiactivos. Marie Curie fue la primera mujer en recibir este galardón.

En 1904 Pierre Curie fue nombrado profesor de Física en la Universidad de París, y en 1905 miembro de la Academia Francesa, reconocimiento que a ella se le negó. Pero cuando Pierre murió en 1906, Marie se hizo cargo de sus clases –siendo la primera mujer en enseñar en esta prestigiosa universidad-, además de continuar sus propias investigaciones.

En 1911 obtuvo un segundo Nobel, el de Química, por sus investigaciones sobre el radio y sus compuestos. Es la única persona que ha recibido dos galardones de estas características.

En 1914 la Sorbona y el Instituto Pasteur de París crearon conjuntamente el Instituto de Radio, y Marie Curie fue nombrada directora de la institución, donde investigó la aplicaciones médicas de la radiactividad y los rayos X. Murió el 4 de julio de 1934, debido a una leucemia contraída por la acumulación de radiaciones en su médula ósea. Su obra más importante es Traité de radiactivité (1910).

Marie Curie se distinguió por una obstinada confianza y perseverancia, que la llevarían a alcanzar logros como su doctorado en Ciencias, dos Premios Nobel y dar clases en la Universidad de la Sorbona. Tales logros adquieren especial relevancia si se considera que desarrolló su carrera en una época en que la figura de la mujer se encontraba totalmente relegada respecto al hombre.

La película Madame Curie.
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Título original
Madame Curie

Año
1943

Duración
124 min.

País
Estados Unidos

Director
Mervyn LeRoy

Reparto
Greer Garson, Walter Pidgeon, Henry Travers, Albert Bassernan, Robert Walker, C. Aubrey Smith, Reginal Owen, May Whitty, Margaret O'Brien, Van Johnson, Victor Francen

Sinopsis
Cuando la científica polaca Maria Sklodowska se casó con Pierre Curie, ambos trabajaron juntos en experimentos que les permitieron aislar dos nuevos elementos químicos: el polonio y el radio. Los dos fueron galardonados con el Premio Nobel de Física en 1903. Después de la muerte de Pierre, Marie Curie prosiguió sola sus investigaciones y, además, fue la primera mujer que ocupó una cátedra en la Universidad de París. En 1911 recibió el Premio Nobel de Química.

Premios
1943: 7 nominaciones al Oscar, incluyendo Película, actor (Pidgeon) y actriz (Garson).

Edward Kennedy. Hoy 7 de noviembre de 1932 nace Edward Kennedy

La misteriosa muerte del ligue de Edward "Ted" Kennedy en una fiesta. El 18 de Julio de 1969 fallece Mary Jo Kopechne tras caer al mar el coche que conducía Edward Kennedy. Edward Kennedy nació el 7 de noviembre de 1932 y murió el 25 de agosto de 2009.

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Cuándo

07/11/2015
de 12:35 a 12:35

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Edward Kennedy "Ted", hermano del Presidente JFK, era la última esperanza del poderoso clan Kennedy. Convertido en senador, se preparaba en la sombra para acceder a la Casa Blanca. Pero Mary Jo Kopechne, antigua secretaria de su hermano Bob, se cruzó en su camino. Una noche en la que viajan juntos, su automóvil cae al mar. El político abandona a la joven a su suerte y ésta fallece. Su flagrante culpabilidad le condena.

La chica de 28 años se había dejado el bolso y las llaves en la casa de la fiesta y no aviso que salia.

Ted, benjamín del clan Kennedy, el más brillante y único superviviente de los ‘tres de la fama’, como se les conocía a él y a sus hermanos Bobby y JFK, era la última gran esperanza del poderoso clan irlandés.

Edward había forjado una prometedora carretera política. Graduado en Harvard en 1956, como buen Kennedy había hecho de la familia su estandarte. Así en 1958 mientras estaba en la escuela de Derecho dirigió la campaña de reelección al Senado de su hermano John. En 1962 se decidió a dar sus primeros pasos en política obteniendo su primer cargo, senador por el estado de Massachusetts. Al año siguiente su hermano John, el 35º presidente de los Estados Unidos, era asesinado en Dallas.

El 19 de julio del siguiente año, embarca para dirigirse a una convención demócrata que se celebra en Massachusetts. El senador acaba de votar a favor de la Ley de Derechos Civiles. El avión se estrella y el político sufre una lesión de espalda que le dejará importantes secuelas vitales.

En 1968, su otro hermano, Bobby, era asesinado en Los Angeles. Ted, como cabeza de familia, presidió los funerales en la Catedral de San Patricio de Nueva York.

Pero la maldición todavía no había concluido. Un año después, el 18 de julio de 1969, Ted, el último titán del clan Kennedy, se convertía en protagonista de una tragedia que le pasaría una inconmensurable factura.

A las 19:30 de ese día, en la isla de Chappaquiddick, en Massachussets, el senador asiste como invitado a la fiesta organizada por las Boiler Room Girls, grupo de voluntarias que habían trabajado en la campaña presidencial de su hermano Bob.

Al volante de su Oldsmobile negro, a las 23:15 Ted abandona la reunión en compañía de Mary Jo Kopechne, antigua secretaria personal de Bob. Tras recorrer unos kilómetros el automóvil cae desde un puente al lago Poucha. Edward nada hasta la orilla para salvarse, abandonando a su suerte a la joven Mary Jo. A las 8:45 del día siguiente un buzo recupera el cuerpo de ésta sin vida.

Han pasado más de nueve horas del incidente cuando, a las 10 exactamente, el senador se dirige a la comisaría de policía de Edgarton. Allí declara que no recuerda nada a partir del momento en el que el vehículo se salió del puente, afirma que éste se volcó sobre la parte inferior y que él tras alcanzar la superficie, se zambulló en repetidas ocasiones para intentar rescatar a Mary Jo. Pero tras fracasar en el intento entró en estado de shock, cejando en su empeño. Recuerda así mismo haber caminado hasta recalar en su habitación del hotel y haber contactado de inmediato con la policía tras cerciorarse de lo acontecido.

El buzo que recupera el cadáver de Mary Jo, John Farrar, testifica en la investigación oficial que la joven de tan sólo 28 años podría haber sobrevivido si su acompañante, el senador Kennedy, hubiese notificado a las autoridades el suceso con la debida celeridad, esto es, de cinco a diez minutos después del accidente, ya que la burbuja de aire creada tras la inmersión la habría mantenido viva sin problemas durante ese tiempo.

Una semana después del incidente, Ted Kennedy se declaró culpable de abandonar la escena del crimen y recibió una sentencia de dos años de cárcel, suspendida por falta de antecedentes. En una aparición en la televisión nacional defendió que no conducía borracho y que no ocurrió nada inmoral entre él y la secretaria. Aun así, admitía que resultaba “indefendible” no haber informado a la policía de forma inmediata tras el accidente y concluyó rogando al público que le recordara en sus ‘oraciones’. La tragedia confirmaba la vigencia de la ‘maldición Kennedy’ y la magnitud del escándalo obligaría al senador a renunciar a sus aspiraciones presidenciales.

En el 2009, cuarenta años después del suceso, fallecía Ted Kennedy. En sus memorias, el senador admitía que su comportamiento había sido ‘inexcusable’ y sugería que el incidente había acelerado la enfermedad de su padre, Joseph, patriarca del clan, que moriría tan solo diez días después que Mary Jo.

Sea como fuere, una joven inocente había perdido la vida y el senador Kennedy pudo haberlo evitado.

La familia Kennedy protagonizaba de nuevo una de las páginas de la historia contemporánea de América y, desafortunadamente, no sería la última.

Tailleferre. Hoy 7 de noviembre de 1983 fallece Germaine Tailleferre compositora francesa.

Nació el 19 de abril de 1892 y murió el 7 de noviembre de 1983.

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Cuándo

07/11/2015
de 08:15 a 08:15

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Germaine Tailleferre (Saint-Maur-des-Fossés, Val-de-Marne, 19 de abril de 1892 - París, 7 de noviembre de 1983) fue una compositora francesa.

«Una Marie Laurencin para el oído», como Jean Cocteau hablaba de Germaine Tailleferre, la única mujer del célebre Groupe des Six (junto con Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger, Darius Milhaud et Francis Poulenc). Esta expresión que buscaba establecer una correspondencia entre las acuarelas decorativas de Laurencin y la música de Tailleferre, por simpática que fuera, no fue muy apropiada. Ingenuidad, frescura, femeneidad, son cualidades que se asocian con Tailleferre desde su llegada al Groupe des Six; pero siguiendo con el juego de las comparaciones, con quien debería asociarse la música de Tailleferre seria mejor con la fauve Sonia Delaunay que con la dulce Laurencin ya que se encuentra en una parte de su obra un autentico vigor a veces teñido, a pesar de unas armonías de gran sensualidad, de una inesperada austeridad.

Durante mucho tiempo se consideró que la obra de Tailleferre se reducía a una serie de encantadoras obras para el piano, compuestas en el periodo de entreguerras, y que su carrera de compositora se acababa en la Segunda Guerra Mundial. Era ignorar u olvidar que además de esas piececitas, compusó mucho más; obras de cámara, dos conciertos para piano, tres estudios para piano y orquesta, un concierto para violín, su destacado Concerto grosso pour deux pianos, huit voix solistes, quatuor de saxophones et orchestre, cuatro ballets, cuatro operas, dos operetas, muchas «mélodies», y eso sin contar las numerosas obras para pequeños ensembles o grandes orquestas como el esplendido Concerto pour deux guitares et orchestre, recientemente recobrado y grabado en 2004 en Alemania por Chris Bilobram y Christina Altmann.

La mayoría de sus obras mayores fueron escritas entre 1945 y su muerte en 1983. Hasta hace muy poco gran parte de su obra permanecía inédita y sólo recientemente se ha podido conocer ampliamente y comenzar a situarla en el lugar que se merece.

Biografía.

Germaine Tailleferre nació el 19 de abril de 1892 en Saint-Maur-des-Fossés, suburbio parisino, bajo el nombre de Marcelle Taillefesse. Su madre, Marie-Désirée Taillefesse, fue obligada por su padre a romper su compromiso para casarse con el joven Arthur Taillefesse, que la había escogido por la simple razón de que tenían el mismo apellido. Este matrimonio de conveniencia fue muy desdichado y la única alegría de Marie-Désirée fueron sus hijos.

La joven Germaine se inicia al piano con su madre y comienza desde muy joven a componer pequeñas obras. A pesar de la oposición de su padre, en 1904 entra en el Conservatorio de París, bajo la dirección de Eva Sautereau-Meyer, en las clase de piano y de solfeo. Como pianista prodigio, con una memoria asombrosa, comienza ganando un primer premio de solfeo. Este éxito disminuye la oposición de su padre que le autoriza a continuar sus estudios, eso si, sin garantizarle su financiación. Una cierta toma de conciencia de sí misma así como un pequeño deseo de venganza, le hacen cambiar el doblemente arriesgado apellido de Taillefesse a Tailleferre.

En 1913, Tailleferre conoce a Darius Milhaud, Georges Auric y Arthur Honegger en el Conservatorio, en la clase de contrapunto de Georges Caussade. Comienza a frecuentar el medio artístico de Montmartre y también el de Montparnasse. Conoce a Guillaume Apollinaire, Marie Laurencin, Paul Fort, Fernand Léger y al escultor Emmanuel Centore, que más tarde se casará con Jeanne, su hermana. En 1913, ganará en el Conservatorio el primer premio de Contrapunto y Armonía y, en 1915, también el primer premio de Fuga.

Su círculo de amigos se ensancha. En 1917, conocerá a Picasso y a Modigliani, y es en el taller de Picasso tendrá lugar el 15 de enero de 1918 el primer concierto de los «Nouveaux Jeunes», concierto en el que toman parte Francis Poulenc y Louis Durey. En el programa, dos de sus obras: Jeux de plein air y la Sonatine pour quatuor à cordes (que más adelante será el Quatuor à cordes, con el añadido de un tercer movimiento).

Es a Henri Collet, crítico musical, a quien se debe la invención del nombre Les Six, en recuerdo del Grupo de los cinco rusos. Dos artículos publicados en 1920 en el diario «Comœdia», son los escritos fundadores del desde ese momento célebre grupo de Les Six. Incluso aunque las actividades del grupo fueron muy pocas, sus integrantes serán amigos hasta el final de sus días. El rumor que quiere que Durey provocó el fin del grupo por su negativa a participar en la obra Les Mariés de la Tour Eiffel no es muy cierto.

La obra debía originalmente ser escrita solamente por Auric, que, al tener poco tiempo y no poder acabar el encargo, recurrirá a sus amigos para repartir la tarea. Durey, como no estaba en en ese momento en París, no participará en el proyecto. El espíritu de los Six ha sobrevivido de tal modo a sus miembros, que veinte años después de la muerte del último de ellos, sus hijos y amigos continúan frecuentándose.

La Première Sonate pour violon et piano de Tailleferre fue escrita para Jacques Thibaud, célebre violinista del que llegará a ser buena amiga. La estrenará en París en 1922, acompañado por Alfred Cortot. El año 1923 ve el gran éxito de su ballet Le Marchand d'oiseaux con los Ballets Suecos (su mayor éxito, ya que fue programado más de trescientas veces durante tres temporadas y cuya obertura fue reestrenada por Serge Diaghilev para los entreactos de los Ballets Rusos). La Princesa Edmond de Polignac le encarga un Concerto pour piano en el mismo estilo neoclásico del ballet Le Marchand d'oiseaux, que será estrenado con gran éxito Alfred Cortot. La influencia neoclásica de Stravinski se compagina con las de Fauré y Ravel, y será percibible hasta finales de la década de 1920.

Por esta época, Tailleferre comienza a pasar mucho tiempo con Maurice Ravel en la casa que éste tiene en Montfort-l'Amaury. Ella le había conocido en San Juan de Luz cerca de Biarritz en 1919-20. Ravel promoverá las obras de Tailleferre y la animará a preparar el concurso del Prix de Rome. La relación entre Tailleferre y Ravel es simplemente artística, ya que Ravel se interesa por los jóvenes compositores y le dará consejos, tanto de escritura como de orquestación. Estas visitas, habitualmente seguidas de largos paseos alrededor de Montfort, terminaban siempre con largas y exhaustas horas al piano. Acabarán misteriosamente en 1930, y Tailleferre no volverá a ver de nuevo a Ravel, rehuyendo siempre, incluso ante sus íntimos, dar ninguna explicación.

En 1926, Tailleferre se casa con el caricaturista americano Ralph Barton y se instala en Manhattan. Se une al círculo de amigos de su marido y, en particular, conoce a Charles Chaplin. Durante este periodo compone su Concertino pour harpe, que dedica a su marido. Pero Barton no estará a gusto a la sombra del éxito de su mujer, y para ella no será fácil componer durante este periodo. En 1927, y a petición de Barton, la pareja regresa a Francia.

Tailleferre recibe el encargo de Paul Claudel de componer una música para su oda en honor del científico Marcellin Berthelot, llamada Sous le rempart d'Athènes (La partitura original de esta obra ha desaparecido, pero el compositor Paul Wehage ha hecho una reconstrucción). Tailleferre completa también el ballet La Nouvelle Cythère, programado para la temporada de 1929 de los Ballets Rusos y que será anulado por la temprana muerte de Diaghilev. Durante muchos años se creyó la obra perdida, pero la versión para dos pianos ha sido ahora publicada. Una orquestación para orquesta sinfónica y otra para orquesta d'harmonie han sido realizadas por el especialista en Tailleferre, Paul Wehage.

En 1929 fracasa su matrimonio con Ralph Barton, que se suicidará algunos meses después de su regreso a América. Sus Six chansons françaises son, sin duda, una reacción a su divorcio. Utiliza textos de los siglos XV al XVIII que hablan de la condición femenina y cada pieza está dedicada a una de sus amigas: son uno de los raros ejemplos de feminismo en la obra de Tailleferre.

Durante el año 1931, el principal proyecto de Tailleferre es su opera-cómica Zoulaina (que no será jamas montada y de la que no existe más que un manuscrito, y la famosa Obertura, que es una de las obras más tocadas de Tailleferre). El 4 de junio de 1931 nacerá en Boulogne, su única hija, Françoise. Un año más tarde, en 1932, se casa con el reputado jurista francés, Jean Lageat, padre de su hija. Una vez más, el matrimonio será un obstáculo a su carrera de compositora, ya que su nuevo marido no le dará más apoyo que el anterior.

A pesar de ello, Tailleferre estará muy activa durante este periodo, componiendo la Suite pour orchestre de chambre, el Divertissement dans le style de Louis XV, el Concerto pour violon —que ha sido perdido en su forma original (la Deuxième Sonate pour violon et piano es una reducción de concierto, sin la cadencia)— así como su obra maestra, el Concerto grosso pour deux pianos, quatuor de saxophones, huit voix solistes et orchestre (1934). Inicia también una larga serie de composiciones para películas. En 1937, colabora con Paul Valéry en su Cantate du Narcisse, para soprano, barítono, coro de mujeres y cuerdas.

A principios de 1942, Tailleferre completa sus Trois Études pour piano et orchestre dedicados a Marguerite Long. La ocupación alemana le lleva a emprender, con su hermana, la travesía hacia los Estados Unidos; llegan a España, después a Portugal, y desde aquí embarcan. Pasaran los años de guerra en Filadelfia. Compone poco durante este periodo, ocupándose sobre todo de su hija, pero tiene tiempo para escribir un Ave María para voces de mujeres a cappella estrenado en el «Swarthmore College» que se ha perdido.

Tailleferre volverá a Francia en 1946 y se reinstala en Grasse, cerca de Niza. Su relación con Lageat se va deteriorando, pero la pareja sigue casada. Su primera obra importante desde su regreso será el ballet Paris-Magie —estrenado en el Opéra-Comique en 1949—, al que seguirá Il était un petit navire, sobre un libreto de Henri Jeanson. Esta obra es, salvo alguna excepción, muy mal recibida por los críticos; permanece poco en cartel y nunca será editada. En esta época compone su Second Concerto pour piano —que se perdió—, su famosa Sonate pour harpe, el Concertino pour flûte, piano et orchestre, la comedia musical Parfums —escrita en 1951 para Montecarlo y que también se perdió— y el ballet Parisiana, que será estrenado en Copenhague en 1953.

En 1955, finalmente Lageat y Tailleferre se divorcian y la hija de Germaine, Françoise, le dará una nieta, Elvire. Ese mismo año, Tailleferre escribirá una serie de cinco pequeñas óperas cómicas Du style galant au style méchant para Radio France. Los años siguientes compondrá el Concerto des vaines paroles, con texto de Jean Tardieu) (que se perdió, salvo el primer movimiento Allegro concertant). En 1957, en un breve periodo de experimentación con el dodecafonismo, compone su opera La Petite sirène, la Sonate pour clarinette solo y la Toccata pour deux pianos, dedicada al dúo Gold y Fitzdale. Esta etapa finaliza con la opera Le Maître, con libreto basado en una pieza de Eugène Ionesco.

Durante los años 1960, sigue componiendo mucha música de películas, así como un Concerto pour deux guitares, un Hommage à Rameau para dos pianos y dos percusionistas. Con Bernard Lefort —barítono que llegará a ser director de la Opera de París—, forma un dúo con el que dará giras por toda Europa. El mismo Lefort será, hasta la muerte de Tailleferre, uno de sus amigos más fieles. En 1970 será profesora en la Schola Cantorum pero deberá renunciar a causa de la ausencia de alumnos. Conoce entonces al director de orquesta des «Gardiens de la Paix» Désiré Dondeyne, que la animará a escribir para orquesta de armonía y la ayudará a concretar algunos proyectos.

A los 84 años, acepta ser acompañante para niños en la «École alsacienne», una de las más célebres escuelas privadas de París. Este puesto le aportará un pequeño complemento al retiro, y le permitirá acabar una última serie de obras, como la Sonate pour deux pianos, la Sérénade en la mineur para cuatro vientos y piano (o clavecin), el Allegro concertant "les Vaines paroles" y la Sonate champêtre, para tres vientos y piano. Su última obra importante será un encargo del Ministerio de Cultura. Será ya una compositora de 89 años quien escriba el Concerto de la fidelité para voces agudas y orquesta —reescritura de parte de una obra anterior, que será orquestada por Désiré Dondeyne—. Tailleferre compondrá hasta sus últimos instantes, muriendo el 7 de noviembre de 1983 en París. Será enterrada en el cementerio comunal de Quincy-Voisins cerca de de Meaux.

Castilla. Hoy 7 de noviembre de 1584 fallece Diego Castilla, el deán de la Catedral de Toledo que impulsó la obra de El Greco

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Cuándo

07/11/2015
de 03:00 a 03:00

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Diego de Castilla (c.1507 – 7 de noviembre de 1584) fue deán de la catedral de Santa María de Toledo desde 1551 hasta su fallecimiento y también mecenas de arte. Castilla fue uno de los principales opositores del estatuto de limpieza de sangre promovido por el cardenal Juan Martínez Guijarro en Toledo. Su ascendencia de origen judío sería una limitación en su posterior carrera religiosa; sin embargo, a lo largo de su vida se dedicaría a redactar e investigar sus rastros genealógicos demostrando su parentesco directo con Pedro I de Castilla en su libro Historia del Rey don Pedro y su descendencia que es la de Castilla.

Aunque se desconoce con exactitud la fecha de su nacimiento, sus padres fueron Felipe de Castilla y Francisca de la Encina. Estudió derecho civil en la Universidad de Salamanca, recibiendo el título de bachiller en 1528. A partir de esta fecha se trasladaría a la ciudad de Bolonia, para especializarse en derecho canónico.

Después de culminar sus estudios académicos en 1536, retornó a España, específicamente a Palencia, donde dio inicio a su carrera religiosa siendo asignado al cargo de archidiácono de la catedral de San Antolín de Palencia. En 1545, tras la muerte de su padre, heredaría la posición de deán de la catedral de Toledo.

Carrera eclesiástica

Desde 1547, el arzobispo de Toledo aprobó los estatutos de limpieza de sangre, por los cuales se excluía a las personas con indicios de linaje judío ejercer cualquier oficio o labor eclesiástica.

Debido a su linaje judío Diego de Castilla fue uno de los más importantes opositores de los estatutos de sangre. También fue albacea del testamento de María de Silva, viuda de Pedro González de Mendoza, contador mayor del rey Carlos I por el cual se ordenaba la construcción de la iglesia del monasterio cisterciense de Santo Domingo de Silos para su enterramiento.

Su hijo, Luis de Castilla, recomendaría a su padre la contratación del Greco para la realización de los principales retablos del interior de la iglesia. Es así que el 2 de julio de 1577, el Greco recibió el encargo formal para la creación de tres retablos. Se trataba de un total de nueve pinturas en el convento cisterciense de Santo Domingo.

Entre las obras que realizó en este encargo constan los retablos laterales: la Adoración de los Pastores y la Resurrección. También realizó el retablo mayor con un tema de importancia teológica y conocido como la Asunción de la Virgen. Según Mark Irving, el hecho de haber encargado estas comisiones artísticas es «una declaración pública de que él, uno de los principales personajes en la lucha contra la herejía protestante, respaldaría de manera confiable los argumentos teológicos de la iglesia católica».

En la foto “La resurrección” de El greco, retablo lateral del Convento de santo domingo encargado por Diego de Castilla.

Sabine. Hoy 7 de Noviembre de 1885 nace Sabine Spielrein, una de las grandes del psicoanálisis

FUE PACIENTE DE JUNG Y LUEGO SE CONVIRTIÓ EN SU AMANTE Y EN EL GRAN AMOR DE LA VIDA DE JUNG. FUE AMIGA DE FREUD QUE LA APOYO DECISIVAMENTE EN CARRERA. ASESINADA POR LOS NAZIS EN 1942 POR SER JUDÍA.

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Cuándo

07/11/2015
de 03:00 a 03:00

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Sabina Naftulovna Spielrein (Rostov del Don, Rusia, 7 de noviembre de 1885 – Rostov del Don, Unión Soviética, 12 de agosto de 1942) fue una psiquiatra y psicoanalista rusa de origen judío. Fue una de las primeras mujeres en la historia del psicoanálisis, siendo su principal aporte teórico la elaboración del concepto de «pulsión destructiva y sádica» con base en el cual Freud desarrollará más tarde la pulsión de muerte.

Sabina Spielrein nació en Rostov del Don, en el seno de una familia de comerciantes judíos. A los 18 años fue enviada a Zúrich por sus padres para que se sometiera a un tratamiento psiquiátrico en el Burghölzli Mental Hospital donde permaneció del 17 de agosto de 1904 hasta el 1 de junio de 1905. Tras una infancia muy complicada, padecía ahora de crisis depresivas. Acababa de pasar por un episodio psicótico agudo y presentaba trastornos de la afectividad, con alternancia de llantos y risas compulsivas.

En el Hospital conoció a Carl Gustav Jung, quien la atendió aplicando las técnicas del recientemente desarrollado tratamiento psicoanalítico para tratar la histeria. El tratamiento fue exitoso, curándose completamente de sus graves síntomas. Por otro lado, Sabina se enamoró de su analista y se hicieron amantes.

Spielrein desarrolló un papel especialmente importante en el desarrollo de la teoría de Jung sobre el ánima y en la teoría de Freud sobre la pulsión de muerte.

Tras su recuperación, estudió Medicina, siguiendo la especialidad de Psiquiatría. Se graduó en 1911 defendiendo una tesis sobre un caso de esquizofrenia (Über den psychologischen Inhalt eines Falles von Schizophrenie, «Acerca del contenido psicológico en un caso de esquizofrenia»); en el mismo año, fue elegida miembro de la Wiener Psychoanalytische Vereinigung, convirténdose en la primera mujer miembro de una asociación de psicoanálisis. En esta asociación expuso por primera vez (en una reunión del 25 de noviembre de 1911) su tesis sobre la pulsión de destrucción. Este trabajo se publicó un año más tarde con el título de Destruktion als Ursache des Werdens («La destrucción como causa del devenir») y los argumentos que S. Spielrein despliega aquí sirvieron como inspiración a las tesis desarrolladas por Freud en su famoso ensayo Más allá del principio de placer, obra fundamental en la que con la introducción de la pulsión de muerte se produce un gran giro en la teoría, abriendo paso a lo que se conoce como «segunda tópica».

En 1912 se casó con Pavel Scheftel, un médico ruso de ascendencia judía y a partir de allí llevó por un tiempo su apellido. Del matrimonio nacieron dos hijas, Renate, nacida en 1912, y Eva, nacida en 1924.

En los años siguientes se dedicó al trabajo clínico psicoanalítico, en Viena, en Berlín y principalmente en Ginebra, donde trabajó en el laboratorio de Édouard Claparède y se hizo miembro de la Sociedad Psicoanalítica de Ginebra que él lideraba. Se concentró por esta época en temas de pedagogía y psicología evolutiva y daba conferencias sobre psicoanálisis con niños en el Instituto Jean-Jacques Rousseau. Publicó muchos trabajos, en parte basados en protocolos de observación y notas sobre el comportamiento de su propia hija, sobre el desarrollo del lenguaje infantil y los posibles orígenes de trastornos afásicos. Al respecto postuló la tesis de que los trastornos del pensamiento que se observan en la afasia muestran rasgos estructuralmente similares al pensamiento infantil.

En 1922 fue la psicoanalista de Jean Piaget, quien fue su analizando y alumno más notable, en una relación de tratamiento didáctico que duró ocho meses.

En 1923, y con apoyo de Sigmund Freud, Spielrein regresó junto a su hija a Rusia, que entre tanto se había convertido en república soviética. Se hizo miembro de la Asociación Psicoanalítica Rusa y analista didáctica, trabajando como médico en la ambulancia del instituto estatal psicoanalítico de Moscú. Paralelamente fue jefa de la unidad de paidología de la universidad estatal y trabajó junto a Vera Schmidt en un jardín de infancia en Moscú, denominado White Nursery (todos los muebles y paredes eran blancos).

La institución fue creada con la finalidad de fomentar el crecimiento de niños como personas libres lo más pronto posible, siendo clausurada tres años más tarde por las autoridades bajo acusación falsa y atribución de practicar perversiones sexuales en los niños (de hecho, Stalin alistó realmente a su propio hijo, Vasily, en el White Nursery bajo nombre falso).

Un poco más de un año tras su regreso a la Unión Soviética, Sabina Spielrein regresó a su ciudad natal, donde vivió nuevamente con su esposo. En 1926, tuvo a su segunda hija, Eva y trabajó como médico en el policlínico psiquiátrico.

En 1936 se prohibió definitivamente la paidología, de modo que comenzó a trabajar como médico de escuelas públicas. A pesar de que el psicoanálisis estaba prohibido en la Unión soviética, continuó trabajando hasta 1940.

Su esposo, Pavel Naumovich Scheftel falleció en la Gran Purga, en 1936. Uno de sus hermanos, Isaac Spielrein (Shpilrein o Shpilreyn), psicólogo soviético, pionero de la psicología del trabajo, también falleció durante la Gran Purga de Stalin en 1937.

En 1942, tras la ocupación de Rostov por la Deutsche Wehrmacht (el ejército alemán de Hitler), Sabina Spielrein y sus dos hijas fueron asesinadas, junto a otros judíos de Rostov, por un Comando de las SS.

Las cartas, los diarios y las copias de Sabina Spielrein de los expedientes del hospital fueron revelados y publicados, al igual que su correspondencia con Jung y Freud.

Cine y documental

En 2002, fue realizado un documental por la directora sueca Elisabeth Marton: Ich hieß Sabina Spielrein (Mi nombre fue Sabina Spielrein) y emitido en los EE.UU. a finales de 2005.

El mismo año, Roberto Faenza dirigió la película Prendimi l'anima, en la que reconstruye la historia de la relación entre Jung (Iain Glen) y Sabina Spielrein (Emilia Fox), quien en 1904, a la edad de 19 años, ingresa en la Clínica Psiquiátrica de Burghölzli con una compleja neurosis (según escribe Jung a Freud, en marzo de 1909) y a quien Jung tratará con éxito en unos meses, utilizando procedimientos terapéuticos novedosos (método asociativo y psicogalvanómetro).

El director de cine David Cronenberg estrenó en 2011 A Dangerous Method, la adaptación al cine de una obra de teatro de 2002 de Christopher Hampton. Su argumento pivota alrededor de las relaciones profesionales y afectivas surgidas entre Sabina Spielrein, Carl Gustav Jung y Sigmund Freud. Sus protagonistas son Keira Knightley (Spielrein), Michael Fassbender (Jung) y Viggo Mortensen (Freud).

Cataluña. Hoy 7 de noviembre de 1659 se firma El Tratado de los Pirineos. Cataluña se declara independiente y pide la anexión a Francia que la incorpora a su territorio.

La Guerra entre España y Cataluña iniciada el 7 de Junio de 1640 El 16 de enero de 1641 Cataluña se constituye en república independiente bajo la protección de Francia. La Guerra termina con El Tratado de los Pirineos (o Paz de los Pirineos) firmado por las coronas de las monarquías española y francesa el 7 de noviembre de 1659. Cataluña y España pierden parte de su territorio que pasa a Francia.

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Cuándo

07/11/2015
de 03:00 a 03:00

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La Sublevación de Cataluña, Revuelta de los catalanes, Guerra de Cataluña o Guerra de los Segadores (Guerra dels Segadors, en catalán) afectó a gran parte de Cataluña entre los años 1640 y 1652. Tuvo como efecto más duradero la firma de la Paz de los Pirineos entre la monarquía hispánica y el rey de Francia, pasando el condado del Rosellón y la mitad del de la Cerdaña, hasta aquel momento partes integrantes del principado de Cataluña, uno de los territorios de la monarquía hispánica, a soberanía francesa.

La sublevación comienza con el Corpus de Sangre del 7 de junio de 1640, explosión de violencia en Barcelona —cuyo hecho más trascendente es el asesinato del conde de Santa Coloma, noble catalán y virrey de Cataluña— protagonizada por campesinos y segadors ('segadores') que se han sublevado debido a los abusos cometidos por el ejército real —compuesto por mercenarios de varias "naciones", incluidos los castellanos— desplegado en el Principado a causa de la guerra con la Monarquía de Francia, enmarcada dentro de la Guerra de los Treinta Años (1618–1648).

Antecedentes. Unión de Armas
La "decadencia" de Castilla y la crisis de la hacienda real
A principios del siglo XVII, la situación de Castilla —de donde hasta entonces habían salido los hombres y los impuestos que necesitaron Carlos I y Felipe II para su política hegemónica en Europa— ya no era la misma que la del siglo anterior. Como ha señalado Joseph Pérez, Castilla "se hallaba exhausta, arruinada, agobiada después de un siglo de guerras casi continuas. Su población había mermado en proporción alarmante; su economía se venía abajo; las flotas de Indias que llevaban la plata a España llegaban muchas veces tarde, cuando llegaban, y las remesas tampoco eran las de antes".

La difícil situación de Castilla y la caída de las remesas de metales preciosos de las Indias tuvo una repercusión inmediata en los ingresos de la Hacienda real, cuya crisis se vio agravada en 1618 cuando comenzó la que sería llamada Guerra de los Treinta Años y cuando en 1621 expiró la Tregua de los Doce Años con las Provincias Unidas —reanundándose así la Guerra de los Ochenta Años—. Esa compleja situación es la que tuvieron que afrontar el nuevo rey Felipe IV y su valido el conde-duque de Olivares.

El proyecto de Olivares: el memorial secreto de 1624 y la Unión de Armas.

El proyecto de Olivares, resumido en su aforismo Multa regna, sed una lex, «Muchos reinos, pero una ley», que era sin duda la ley de Castilla, donde el poder del rey era más efectivo que en cualquier "provincia" que mantuviese sus tradicionales "libertades", implicaba modificar el modelo político de monarquía compuesta de los Austrias en el sentido de uniformizar las leyes e instituciones de sus reinos Esta política fue plasmada en el famoso memorial secreto preparado por Olivares para Felipe IV, fechado el 25 de diciembre de 1624, cuyo párrafo clave decía:

"Tenga Vuestra Majestad por el negocio más importante de su Monarquía, el hacerse Rey de España: quiero decir, Señor, que no se contente Vuestra Majestad con ser Rey de Portugal, de Aragón, de Valencia, Conde de Barcelona, sino que trabaje y piense, con consejo mudado y secreto, por reducir estas reinos de que se compone España al estilo y leyes de Castilla, sin ninguna diferencia, que si Vuestra Majestad lo alcanza será el Príncipe más poderoso del mundo".

Como este proyecto requería tiempo y las necesidades de la Hacienda eran acuciantes, el Conde-Duque presentó oficialmente en 1626 un proyecto menos ambicioso pero igualmente innovador, la Unión de Armas, según el cual todos los "Reinos, Estados y Señoríos" de la Monarquía Hispánica contribuirían en hombres y en dinero a su defensa, en proporción a su población y a su riqueza. Así la Corona de Castilla y su Imperio de las Indias aportarían 44.000 soldados; el Principado de Cataluña, el Reino de Portugal y el Reino de Nápoles, 16.000 cada uno; los Países Bajos del sur, 12.000; el Reino de Aragón, 10.000; el Ducado de Milán, 8.000; y el Reino de Valencia y el Reino de Sicilia, 6.000 cada uno, hasta totalizar un ejército de 140.000 hombres.

El Conde-Duque pretendía hacer frente así a las obligaciones militares que la Monarquía de la Casa de Austria había contraído.

Sin embargo, el conde-duque era consciente de la dificultad del proyecto ya que tendría que conseguir la aceptación del mismo par las instituciones propias de cada Estado —singularmente de sus Cortes—, y éstas eran muy celosas de sus fueros y privilegios.

Con la Unión de Armas Olivares retomaba las ideas de los arbitristas castellanos que desde principios del siglo XVII, cuando se hizo evidente la "decadencia" de Castilla, habían propuesto que las cargas de la Monarquía fueran compartidas por el resto de los reinos no castellanos, aunque nada dijeron de compartir también los beneficios.

Unas ideas que cuando empezó la Guerra de los Treinta Años fueron también asumidas por el Consejo de Hacienda y el Consejo de Castilla. Este último en una «consulta» del 1 de febrero de 1619 afirmó que las otras "provincias", «fuera justo que se ofrecieran, y aun se les pidiera ayudaran con algún socorro, y que no cayera todo el peso y carga sobre un sujeto tan flaco y tan desuntanciado», en referencia a la Corona de Castilla.

Sin embargo, la opinión que tenían los arbitristas y los consejos castellanos sobre la escasa contribución de los estados de la Corona de Aragón a los gastos de la Monarquía no se ajustaba completamente a la realidad, además de que los castellanos sobrestimaban la población y la riqueza de los reinos y estados no castellanos, una idea que también compartía el Conde-Duque de Olivares.

La oposición de Cataluña a la Unión de Armas: las Cortes inacabadas de 1626 y 1632.

Mientras en la corte de Madrid la Unión de Armas fue recibida con grandes elogios —«único medio para la sustentación y restauración de la monarquía»—, en los estados no castellanos ocurrió lo contrario, conscientes de que si se aprobaba tendrían que contribuir regularmente con tropas y dinero, y de que supondría una violación de sus fueros, ya que en todos ellos, como ha señalado Elliott, "reglas muy estrictas disponían el reclutamiento y la utilización de las tropas".

Según Joseph Pérez, la oposición de los estados no castellanos a la Unión de Armas se debió, en primer lugar, a que el cambio que se proponía "era demasiado fuerte como para ser aceptado sin resistencia" por unos "reinos y señoríos que habían disfrutado desde siglo y medio de una autonomía casi total"; y, en segundo lugar, porque "el propósito de crear un nación unida y solidaria venía demasiado tarde: se proponía a las provincias no castellanas participar en una política que estaba hundiendo a Castilla cuando no se le había dado parte ni en los provechos ni en el prestigio que aquella política reportó a los castellanos, si los hubo".

Para la aprobación de la Unión de Armas el rey Felipe IV convocó para principios de 1626 Cortes del Reino de Aragón, que se celebrarían en Barbastro; Cortes del Reino de Valencia, a celebrar en Monzón, y Cortes catalanas, que se reunirían en Barcelona.

En las del Reino de Valencia Olivares tuvo que cambiar sus planes y aceptar un subsidio, que las Cortes concedieron de mala gana, de un millón de ducados que serviría para mantener a 1.000 soldados —lejos, pues, de los 6.000 previstos— que se pagaría en quince plazos anuales —72.000 ducados cada año—.

De las Cortes del reino de Aragón obtuvo dos mil voluntarios durante quince años, o los 144.000 ducados anuales con los que se pagaría esa cantidad de hombres —muy lejos también de la cifra de 10.000 soldados prevista por Olivares para el reino de Aragón.

El 26 de marzo de 1626 Felipe IV hizo su entrada triunfal en Barcelona y al día siguiente juró las Constituciones catalanas, Poco después se inauguraron las cortes catalanas con la lectura de la proposición real preparada por Salvador Fontanet y que fue leída por el protonotario Jerónimo de Villanueva:

"Catalanes míos, vuestro conde llega a vuestras puertas acometido e irritado de sus enemigos, no a proponeros que le deis hacienda para gastar en dádivas vanas [...] Hijos, una y mil veces os digo y os repito que no sólo [no] quiero quitaros vuestros fueros, favores e inmunidades [...] os propongo el resucitar la gloria de vuestra nación y el nombre que tantos años ha está en olvido y que tanto fue el terror y la opinión común de Europa".

Sin embargo, estas palabras no ablandaron la oposición de los tres braços a la Unión de Armas, ni siquiera cuando Olivares propuso cambiar los soldados por un "servicio" de 250.000 ducados anuales durante quince años, o por un "servicio" único de más de tres millones de ducados. Los braços estaban más interesados en que se aprobaran sus propuestas de nuevas "Constituciones" y que se atendieran los "greuges" ('quejas') contra los oficiales reales que se habían acumulado desde la celebración de las últimas cortes catalanas en 1599. Como las sesiones se alargaban sin que se llegara a tratar el tema que le había llevado allí —la Unión de Armas—, el rey Felipe IV abandonó precipitadamente Barcelona el 4 de mayo de 1626 sin clausurar las Cortes.

Olivares creyó que podría llegar a un acuerdo concediendo ciertas ventajas en cooperación militar por el Mediterráneo, pero no contó con la lentitud de las Cortes para sopesar su propuesta.

Para colmo, un desaire protocolario a un principal noble catalán también influyó en aumentar el resentimiento de la facción más opuesta a Olivares (una disputa por la prelación a la hora de establecer los puestos en la comitiva del rey terminó sentando al almirante de Castilla en vez del duque de Cardona, hasta entonces principal valedor del rey en Cataluña, que incluso había llegado al extremo de cruzar su espada en una sesión de las cortes con el conde de Santa Coloma).

Al desentendimiento entre la élite catalana y el propio rey también había contribuido la muerte de un consejero real de origen catalán, el marqués de Aytona, que no llegó a Barcelona (murió durante la estancia previa en Barbastro, el 24 enero de 1626).

Sin embargo, Olivares, "ignorando el hecho desagradable de que ninguno de los reinos [de Aragón y de Valencia] había votado tropas para el servicio más acá de sus propias fronteras, y de que los catalanes no habían votado siquiera una suma de dinero", proclamó el 25 de julio de 1626 el nacimiento oficial de la Unión de Armas.

En 1632 Olivares volvió a intentar que las cortes catalanas aprobaran la Unión de Armas o un "servicio" en dinero equivalente y se reunieron de nuevo. Pero éstas aún duraron menos que las de 1626 ya que cuestiones de protocolo —como la reivindicación de los representantes de Barcelona del privilegio de ir cubiertos con sombrero en presencia del rey— y los interminables greuges agotaron la paciencia del rey y de nuevo se marchó sin clausurarlas. Como ha señalado Xavier Torres, el fracaso de estas nuevas cortes sancionó "de hecho, el divorcio entre el monarca —o su valido— y las instituciones del Principado".

Por otro lado, los virreyes que se encargaban de la seguridad de los caminos y las rutas comerciales a duras penas podían contener los embates del bandolerismo al servicio de clanes o facciones nobiliarias que controlaban o estimulaban la actividad de bandas rivales de malhechores (en su mayoría campesinos y pastores afectados por la crisis económica de la zona, como Serrallonga, que pasaban por héroes populares al estilo de Robin Hood).

Además de responder a una secular dinámica interna, tampoco desaprovecharon la oportunidad de intensificarla para desestabilizar el sistema de gobierno. Durante el mandato del duque de Lerma el orden público en el Principado estaba en situación muy precaria; entre 1611 y 1615, ya actuando como virrey el marqués de Almazán, incluso empeoró. Sin embargo, una acción más decidida de los dos siguientes virreyes (el duque de Alburquerque y el duque de Alcalá) mantuvo el orden a partir de 1616 por encima de una Generalidad que ni dominaba ni tenía capacidad de dominar la situación. La firme voluntad de estos virreyes de acabar con el bandolerismo (incluso prohibiendo la posesión de determinadas armas) levantó las susceptibilidades de las instituciones catalanas, que creían ver en ello una violación de sus prerrogativas en materia de gobierno autónomo.

Otros puntos de fricción frente a la Generalidad fueron: los intentos de cobrar el quinto de los ingresos municipales, que habían quedado en suspenso en 1599 y se reanudaron en 1611, afectando a Barcelona desde 1620 (aunque la Diputació del General amparaba la resistencia de los ayuntamientos contra el impuesto); y el apresamiento en 1623 por los corsarios argelinos de las dos galeras armadas por la institución catalana para la defensa de las costas (desde 1599) y que se empleaban en el transporte de tropas a Italia (de forma irregular según la interpretación de la Generalidad).

La guerra llega a Cataluña (1635-1640)

En 1635 la declaración de guerra de Luis XIII de Francia a Felipe IV llevó la guerra a Cataluña dada su situación fronteriza con la monarquía de Francia, por lo que, como afirma Xavier Torres, «los catalanes se encontraron —como aquel que dice— con la Unión de Armas en casa».

El Conde-Duque de Olivares se propuso concentrar en Cataluña un ejército de 40.000 hombres para atacar Francia por el sur y al que el Principado tendría que aportar 6.000 hombres. Para poner en marcha su proyecto en 1638 nombra como nuevo virrey de Cataluña al conde de Santa Coloma, mientras que ese mismo año se renueva la Diputación General de Cataluña de la que entran a formar parte dos firmes defensores de las leyes e instituciones catalanas, el canónigo de Urgel Pau Claris y Francesc de Tamarit.

Pronto surgen los conflictos entre el ejército real —compuesto por mercenarios de diversas "naciones" incluidos los castellanos— con la población local a propósito del alojamiento y manutención de las tropas. Se extienden las quejas sobre su comportamiento —se les acusa de cometer robos, exacciones y todo tipo de abusos—, culminando con el saqueo de Palafrugell por el ejército estacionado allí, lo que desencadena las protestas de la Diputació del General y del Consell de Cent de Barcelona ante Olivares.

El Conde-Duque de Olivares, necesitado de dinero y de hombres, confiesa estar harto de los catalanes: «Si las Constituciones embarazan, que lleve el diablo las Constituciones». En febrero de 1640, cuando ya hace un año que la guerra ha llegado a Cataluña, Olivares le escribe al virrey Santa Coloma:

"Cataluña es una provincia que no hay rey en el mundo que tenga otra igual a ella... Si la acometen los enemigos, la ha de defender su rey sin obrar ellos de su parte lo que deben ni exponer su gente a los peligros. Ha de traer ejército de fuera, le ha de sustentar, ha de cobrar las plazas que se perdieren, y este ejército, ni echado el enemigo ni antes de echarle el tiempo que no se puede campear, no le ha de alojar la provincia... Que se ha de mirar si la constitución dijo esto o aquello, y el usaje, cuando se trata de la suprema ley, que es la propia conservación de la provincia".

Así a lo largo de 1640 el virrey Santa Coloma, siguiendo las instrucciones de Olivares, adopta medidas cada vez más duras contra los que niegan el alojamiento a las tropas o se quejan de sus abusos. Incluso toma represalias contra los pueblos donde las tropas no han sido bien recibidas y algunos son saqueados e incendiados. El diputado Tamarit es detenido. Los enfrentamientos entre campesinos y soldados menudean hasta que se produce una insurrección general en la región de Gerona que pronto se extiende a la mayor parte del Principado.

Otro hecho que condujo a un mayor deterioro de la ya enrarecida relación entre Cataluña y la Corona, fue la negativa en 1638 de la Diputació del General a que tropas catalanas acudieran a levantar el sitio de Fuenterrabía (Guipúzcoa), a donde sí habían acudido tropas desde Castilla, las provincias vascas, Aragón y Valencia. En fin, la nobleza y la burguesía catalanas odiaban por motivos personales al virrey, conde de Santa Coloma, por no haber defendido sus intereses de estamento por encima de la obediencia al gobierno de Madrid. Los campesinos odiaban a la soldadesca de los tercios por las requisas de animales y los destrozos ocasionados a sus cosechas, amén de otros incidentes y afrentas derivadas del alojamiento forzoso de la soldadesca en sus casas, algunas de las cuales llegaron a quemar. El clero también lanzaba prédicas contra los soldados de los tercios, a los que llegaron a excomulgar.

El inicio de la sublevación: El Corpus de Sangre

El Corpus de Sang, de Antoni Estruch (1907). «¡Viva la fe de Cristo!», «¡Viva la tierra, muera el mal gobierno!» fueron los lemas de los segadores que originaron la revuelta popular del 7 de junio de 1640, día conocido como el Corpus de Sangre.

En mayo de 1640, campesinos gerundenses atacaron a los tercios que acogían. A finales de ese mismo mes, los campesinos llegaban a Barcelona, y a ellos se unieron los segadores en junio.

El 7 de junio de 1640, fiesta del Corpus Christi, rebeldes mezclados con segadores que habían acudido a la ciudad para ser contratados para la cosecha, entran en Barcelona y estalla la rebelión. "Los insurrectos se ensañan contra los funcionarios reales y los castellanos; el propio virrey procura salvar la vida huyendo, pero ya es tarde. Muere asesinado. Los rebeldes son dueños de Barcelona". Fue el Corpus de Sangre que dio inicio a la Sublevación de Cataluña. El Virrey de Cataluña Dalmau de Queralt, conde de Santa Coloma fue asesinado en una playa barcelonesa cuando intentaba huir por mar.

La situación cogió por sorpresa a Olivares, ya que la mayoría de sus ejércitos estaban localizados en otros frentes y no podían acudir a Cataluña. El odio a los tercios y a los funcionarios reales pasó a generalizarse contra todos los hacendados y nobles situados cerca de la administración. Ni siquiera la Generalidad controlaba ya a los rebeldes, que lograron apoderarse del puerto de Tortosa.

1640 a 1652
Pau Claris, al frente de la Generalidad de Cataluña, proclama la República Catalana. Pero la revuelta también escapa a este primer y efímero control de la oligarquía catalana. La sublevación derivó en una revuelta de empobrecidos campesinos contra la nobleza y ricos de las ciudades que también fueron atacados. La oligarquía catalana se encontró en medio de una auténtica revolución social entre la autoridad del rey y el radicalismo de sus súbditos más pobres.

Conscientes de su incapacidad de reducir la revuelta y sus limitaciones para dirigir un estado independiente, los gobernantes catalanes se aliaron con el enemigo de Felipe IV: Luis XIII (pacto de Ceret). Richelieu no perdió una oportunidad tan buena para debilitar a la corona española. Olivares comienza a preparar un ejército para recuperar Cataluña con grandes dificultades ese mismo año de 1640 y, en septiembre, la Diputación catalana pide a Francia apoyo armamentístico.

En octubre de 1640 se permitió a los navíos franceses usar los puertos catalanes y Cataluña accedió a pagar un ejército francés inicial de tres mil hombres que Francia enviaría al condado. En noviembre, un ejército de unos veinte mil soldados recuperó Tortosa para Felipe IV, en su camino hacia Barcelona; dicho ejército provocó sobre los prisioneros unos abusos que determinaron a los catalanes a oponer una mayor resistencia.

Cuando el ejército del marqués de los Vélez se acercaba a Barcelona, estalló una revuelta popular el 24 de diciembre, con una intensidad superior a la del Corpus, por lo que Claris tuvo que decidirse por una salida sin retorno, que tampoco era la deseable: Pactar la alianza con Francia en contra de Felipe IV. El 16 de enero de 1641 anunció que Cataluña se constituía en república independiente bajo la protección de Francia.

Pero el 23 del mismo mes pasó a anunciar que el nuevo conde de Barcelona sería Luis XIII de Borbón, rememorando el antiguo vasallaje de los condados catalanes con el Imperio Carolingio. En enero de 1641, Cataluña se sometió voluntariamente al gobierno del rey de Francia y la Generalidad proclama conde de Barcelona y soberano de Cataluña al rey Luis XIII de Francia como Luis I de Barcelona. Ese mismo año, el 26 de enero, un ejército franco-catalán defendió Barcelona con éxito. El ejército de Felipe IV se retiró y no volvería hasta diez años más tarde. Poco tiempo después de esta defensa victoriosa moriría Pau Claris.

Cataluña se encontró siendo el campo de batalla de la guerra entre Francia y España e, irónicamente, los catalanes padecieron la situación que durante tantas décadas habían intentado evitar: Sufragar el pago de un ejército y ceder parcialmente su administración a un poder extranjero, en este caso el francés. La política francesa respecto a Cataluña estaba dominada por la táctica militar y el propósito de atacar Valencia y Aragón.

Tratado de los Pirineos.
Luis XIII nombró entonces un virrey francés y llenó la administración catalana de conocidos pro-franceses. El coste del ejército francés para Cataluña era cada vez mayor, y mostrándose cada vez más como un ejército de ocupación.

Mercaderes franceses comenzaron a competir con los locales, favorecidos aquellos por el gobierno francés, que convirtió a Cataluña en un nuevo mercado para Francia. Todo esto, junto a la situación de guerra, la consecuente inflación, plagas y enfermedades llevó a un descontento que iría a más en la población, consciente de que su situación había empeorado con Luis XIII respecto a la que soportaban con Felipe IV.

En 1643, el ejército francés de Luis XIII conquista el Rosellón, Monzón y Lérida. Un año después Felipe IV recupera Monzón y Lérida, donde el rey juró obediencia a las leyes catalanas. En 1648, con el Tratado de Westfalia y la retirada de la guerra de sus aliados, los Países Bajos , Francia comienza a perder interés por Cataluña. Conocedor del descontento de la población catalana por la ocupación francesa, Felipe IV considera que es el momento de atacar y en 1651 un ejército dirigido por Juan José de Austria comienza un asedio a Barcelona. El ejército francocatalán de Barcelona se rinde en 1652 y se reconoce a Felipe IV como soberano y a Juan de Austria como virrey en Cataluña, si bien Francia conserva el control del Rosellón. Felipe IV por su parte firmó obediencia a las leyes catalanas. Esto da paso a la firma del Tratado de los Pirineos en 1659.

Esta inestabilidad interna y su resultado final fue dañino para España, pero mucho más para Cataluña. Por otra parte, Francia aprovechó la oportunidad para explotar una situación que le rindió grandes beneficios a un coste prácticamente nulo.

Como resultado final, Francia tomó posesión definitiva del único territorio transpirenaico de España.

En la imagen en rojo los territorios perdidos por España.

Viena. Hoy 7 de Noviembre de 1955 en Austria reabre sus puertas la Ópera Estatal de Viena, parcialmente destruida tras un bombardeo en 1945.

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07/11/2015
de 01:00 a 22:55

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Se interpreta Fidelio, de Beethoven. Es el mejor teatro de ópera del mundo con la mejor orquesta de foso de ópera del mundo, la Filarmónica de Viena.


Nueva York. Hoy 7 de Noviembre de 1929 - en Nueva York se abre al público el MOMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York), el museo de Arte Moderno más importante del mundo.

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En la imagen el cuadro Stone Breaker, Le Raincy (1879-1881) de Georges Seurat (1859–1891) que forma parte de la colección permanente del Museo


Camus. Hoy 7 de Noviembre de 1913 nace Albert Camus.

Albert Camus (Mondovi, Argelia francesa, 7 de noviembre de 1913 - Villeblevin, Francia, 4 de enero de 1960) fue un novelista, ensayista, dramaturgo, filósofo y periodista francés nacido en Argelia.

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En su variada obra desarrolló un humanismo fundado en la conciencia del absurdo de la condición humana. En 1957, a la edad de 44 años, se le concedió el Premio Nobel de Literatura por «el conjunto de una obra que pone de relieve los problemas que se plantean en la conciencia de los hombres de hoy».


Viena. Hoy 7 de Noviembre de 1955 en Austria reabre sus puertas la Ópera Estatal de Viena, parcialmente destruida tras un bombardeo en 1945.

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Se interpreta Fidelio, de Beethoven. Es el mejor teatro de ópera del mundo con la mejor orquesta de foso de ópera del mundo, la Filarmónica de Viena.


Nueva York. Hoy 7 de Noviembre de 1929 - en Nueva York se abre al público el MOMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York), el museo de Arte Moderno más importante del mundo.

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En la imagen el cuadro Roger and Angelica (1910) de Odilon Redon (1840–1916) que forma parte de la colección permanente del Museo


Camus. Hoy 7 de Noviembre de 1913 nace Albert Camus.

Albert Camus (Mondovi, Argelia francesa, 7 de noviembre de 1913 - Villeblevin, Francia, 4 de enero de 1960) fue un novelista, ensayista, dramaturgo, filósofo y periodista francés nacido en Argelia.

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En su variada obra desarrolló un humanismo fundado en la conciencia del absurdo de la condición humana. En 1957, a la edad de 44 años, se le concedió el Premio Nobel de Literatura por «el conjunto de una obra que pone de relieve los problemas que se plantean en la conciencia de los hombres de hoy».


Trotski. Hoy 7 de Noviembre de 1879 nace Levovich Bronstein, conocido como Leon Trotski.

Nació en Yánovka, Ucrania el 7 de noviembre de1879 y murió en México el 21 de agosto de 1940. Fue un político y revolucionario ruso de origen judío. Fue asesinado por el catalán Ramón Mercader por orden de Stalin.

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En la imagen la tumba de Trotski en Mexico DF.


Trotski. Hoy 7 de Noviembre de 1879 nace Levovich Bronstein, conocido como Leon Trotski.

Nació en Yánovka, Ucrania el 7 de noviembre de1879 y murió en México el 21 de agosto de 1940. Fue un político y revolucionario ruso de origen judío. Fue asesinado por el catalán Ramón Mercader por orden de Stalin.

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En la imagen Ramón Mercader asesina a Trotski en la película "El asesinato de Trotsky" de Joseph Losey.

¡¡¡¡¡¡¡Absoluta recomendación de la película!!!!!!!!


Sutherland. Hoy 7 de Noviembre de 1926 nace la soprano Joan Sutherland, una de las mejores del siglo XX.

Dame Joan Alston Sutherland, (Sídney, Australia, 7 de noviembre de 1926 — Les Avents, cerca de Montreux, Suiza, 10 de octubre de 2010) fue una soprano australiana de coloratura, notable por su contribución al renacimiento del bel canto desde finales de los años 50 hasta los años 80. Se retiró en 1990.

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Comienza su carrera en 1947 cantando en Sídney el papel principal de Dido y Eneas la ópera barroca compuesta por Henry Purcell. Sigue con el repertorio barroco interpretando papeles de importancia en Samson de Haendel y Judith de Goossens. En 1952 realiza su debut europeo cantando en la Royal College of Music británica la Giorgetta del Il Tabarro de Puccini, y más tarde, debuta en la Royal House Covent Garden, en el papel de primera dama de La flauta mágica de Mozart.

Esa interpretación es un éxito, y en seguida es contratada para realizar más papeles como el de Amelia en Un ballo in maschera, la sacerdotisa de Aída de Verdi, e incluso canta la Clotilde de Norma junto a Maria Callas en el papel principal.

Demuestra su valía como soprano en la Condesa mozartiana de Las bodas de Fígaro, pero sigue teniendo papeles secundarios como Lady Rich en Gloriana de Britten o Frasquita en Carmen de Bizet.

Su carrera.
En 1954, realiza papeles más consistentes en óperas como Aída o Agatha, e incluso canta Antonia de Los cuentos de Hoffmann, siendo esto curioso, debido a que tenía el rango de soprano de coloratura, mucho mejor para Olympia, otro personaje de la obra. Años más tarde, grabaría los cuatro papeles femeninos de la obra junto a Plácido Domingo.

Canta en la temporada londinense papeles importantes como la Micaela de Carmen, la Gilda de Rigoletto o la Desdémona del Otello de Verdi. Aunque su carrera está centrada en Europa, canta también en Estados Unidos papeles como la Donna Anna de Don Giovanni de Mozart. Pero el punto de inflexión de su carrera, se encuentra la Lucia di Lammermoor, que canta en febrero de 1959 en Londres en una producción de Franco Zeffirelli y bajo la batuta de Tullio Serafin.

El enorme éxito de la representación, la convierte en una diva de la noche a la mañana, siendo esa Lucia su papel más demandado en treinta años, cantándolo por última vez, en 1988 en Barcelona.

En 1959, firma un contrato en exclusiva con la casa DECCA, con la que hace regulares grabaciones de ópera. En 1961, debuta en La Scala de Milán, con enorme éxito, cantando la Beatrice di Tenda de Bellini, y un año después, tiene otro gran triunfo en el mismo lugar cantando Les Huguenots junto a Franco Corelli, Giulietta Simionato, Nicolai Ghiaurov y Fiorenza Cossotto.

En 1962, canta la Reina de la Noche de La flauta mágica de Mozart en el Covent Garden, y a ese papel, le sigue el de Cleopatra en Giulio Cesare de Haendel. Entre 1965 y 1974, hace giras operísticas por Australia con su propia compañía de ópera.

Sutherland es dirigida por directores de la talla de John Barbirolli, Vittorio Gui, Erich Kleiber, John Pritchard (quien condujo su primera Lucia di Lammermmor en disco), Raymond Leppard, Nello Santi, Antonino Votto, entre otros.

A partir de 1963, trabaja casi exclusivamente con el director Richard Bonynge, a la sazón su marido. Convencida de que en el mundo operístico la voz se quema rápidamente, canta en Londres con gran éxito el papel de Lady Macbeth y debuta con Norma en Vancouver en 1963.

El binomio Sutherland-Bonynge, realiza en Filadelfia la Margarita del Fausto de Gounod y canta La Traviata y Norma en el Teatro Colón de Buenos Aires. En 1966, se estrena con Marie, la soldado tamborilero de La fille du régiment de Donizetti, y más tarde, con Lakmé en la ópera del mismo nombre. Ese mismo año, debuta con la Eurídice de Haydn en Viena. Se mete de lleno en el campo del bel canto con las producciones en 1971 y 1972 de Maria Stuarda y Lucrezia Borgia en San Francisco y Vancouver.

En los años 1973 y 1974, debuta con la Rosalinde de Die Fledermaus y con la Esclarmonde de Massenet en San Francisco. Realiza además en Vancouver, la Leonora de Il Trovatore, y debuta en La viuda alegre de Franz Lehár en San Francisco.

En los años siguientes se estrena en óperas como Suor Angelica en 1977, o Le Roi de Lahore en el mismo año. Vuelve a interpretar a Rosalinde en Die Fledermaus, y debuta con Anna Bolena de Donizetti en 1984, tras interpretar a Adriana Lecouvreur. Su último debut con un personaje, fue en 1985 cantando el Hamlet de Ambroise Thomas.

Sutherland es pieza fundamental en la carrera del joven Luciano Pavarotti (a quien dará la oportunidad de protagonizar muchas de sus grabaciones del período 65-75 como Lucia, Hija del Regimiento, Rigoletto, La Traviata y la Turandot donde grabó el tenor modenés su primer Nessun dorma) y de la mezzo Marilyn Horne con quien formará un dúo legendario en Norma y Semiramide entre otras.

Repertorio
Su repertorio incluye a Lucia en (Lucia di Lammermoor), Amina en (La sonnambula), Violetta (La Traviata) y Elvira (I Puritani), Semiramide, Marguerite de Valois (Les Huguenots), Marguerite (Fausto), Lakmé, Cleopatra (Giulio Cesare) y Norma. Es admirada particularmente su interpretación de Marie, el soldado tamborilero en La Fille du Regiment (Donizetti). Durante los últimos años de su carrera, personifica los cuatro papeles de Los Cuentos de Hoffmann, Lucrezia Borgia, Anna Bolena, Esclarmonde, y Adriana Lecouvreur.

Reconocimientos
Recibió el rango de Dama del Imperio Británico DBE y la Orden Australiana al Mérito. En 2004, recibió el premio del Kennedy Center por su sobresaliente labor como cantante.


Viena. Hoy 7 de Noviembre de 1955 en Austria reabre sus puertas la Ópera Estatal de Viena, parcialmente destruida tras un bombardeo en 1945.

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Se interpreta Fidelio, de Beethoven. Es el mejor teatro de ópera del mundo con la mejor orquesta de foso de ópera del mundo, la Filarmónica de Viena.


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Nueva York. Hoy 7 de Noviembre de 1929 - en Nueva York se abre al público el MOMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York), el museo de Arte Moderno más importante del mundo.

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En la imagen el cuadro La noche estrellada (1889) deVincent van Gogh (1853-1890) que forma parte de la colección permanente del Museo


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En la imagen el cuadro Hope II, Oil, gold, and platinum on canvas (1907-1908) de Gustav Klimt (1862–1918), que forma parte de la colección permanente del Museo


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En la imagen el cuadro Evening, Honfleur (1886) de
Georges Seurat (1859-1891), que forma parte de la colección permanente del Museo


Camus. Hoy 7 de Noviembre de 1913 nace Albert Camus.

Albert Camus (Mondovi, Argelia francesa, 7 de noviembre de 1913 - Villeblevin, Francia, 4 de enero de 1960) fue un novelista, ensayista, dramaturgo, filósofo y periodista francés nacido en Argelia.

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En su variada obra desarrolló un humanismo fundado en la conciencia del absurdo de la condición humana. En 1957, a la edad de 44 años, se le concedió el Premio Nobel de Literatura por «el conjunto de una obra que pone de relieve los problemas que se plantean en la conciencia de los hombres de hoy».


Trotski. Hoy 7 de Noviembre de 1879 nace Levovich Bronstein, conocido como Leon Trotski.

Nació en Yánovka, Ucrania el 7 de noviembre de1879 y murió en México el 21 de agosto de 1940. Fue un político y revolucionario ruso de origen judío. Fue asesinado por el catalán Ramón Mercader por orden de Stalin.

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En la imagen Trotski, Diego Rivera (esposo de Frida Kahlo) y Andre Breton.


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En la imagen el cuadro Portrait of Joseph Roulin (1889) de Vincent van Gogh (1853-1890) que forma parte de la colección permanente del Museo


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En la imagen el cuadro At the Milliner's (1882) de Hilaire-Germain-Edgar Degas (French, 1834–1917), que forma parte de la colección permanente del Museo


Trotski. Hoy 7 de Noviembre de 1879 nace Levovich Bronstein, conocido como Leon Trotski.

Nació en Yánovka, Ucrania el 7 de noviembre de1879 y murió en México el 21 de agosto de 1940. Fue un político y revolucionario ruso de origen judío. Fue asesinado por el catalán Ramón Mercader por orden de Stalin.

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En la película "El asesinato de Trotski" de Joseph Losey.


¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡Absoluta recomendación de la película!!!!!!!!


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En la imagen el cuadro The Moon and the Earth (1893) de Paul Gauguin (1848–1903) que forma parte de la colección permanente del Museo


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