Efemérides, un día tal como hoy...

Un día como hoy, en el año 1898, fallecía en Guildford, Inglaterra, el escritor, poeta, fotógrafo y matemático Charles Lutwidge Dogson, más conocido por el seudónimo de Lewis Carroll. Nacido el 27 de enero de 1832 en Daresbury, Cheshire, Reino Unido, fue el autor de “Alicia en el País de las Maravillas”, libro que lo hizo mundialmente famoso. La historia se originó en 1862, cuando Carroll paseaba en barco por el río Támesis con su amiga Alice Liddell, de 10 años de edad, y sus dos hermanas. Allí comenzó a contarles una historia sobre una niña llamada Alice, quien viajaba a un mundo fantástico luego de caer en un agujero de conejo. A la pequeña Alice le gustó tanto la historia que le pidió a Carroll que la escribiera. El primer manuscrito, llamado “Las aventuras subterráneas de Alicia”, estuvo listo dos años más tarde. Luego de hacerle algunos cambios, en 1865 “Alicia en el País de las Maravillas” fue publicada y con el tiempo pasó a convertirse en un clásico de la literatura universal. El libro fue traducido a más de 50 idiomas y adaptado al cine en diversas ocasiones.

La continuación de la historia, “Alicia a través del espejo”, fue publicada en 1871. Otras obras de Carroll son “La caza del Snark” (1875) y “Silvia y Bruno” (1889).

Tosca es una ópera en tres actos, con música de Giacomo Puccini y libreto en italiano de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa. Fue estrenada con éxito en Roma, el 14 de enero de 1900, en el Teatro Costanzi. El texto de la obra está basado en un intenso drama, La Tosca, de Victorien Sardou, presentado en París en 1887, donde actuaba la gran actriz Sarah Bernhardt.

Tosca es considerada una de las óperas más representativas del repertorio verista italiano, por su intensidad dramática y por contener algunas de las arias más bellas del repertorio. El argumento combina amor, intriga, violencia, pasión y muerte. Junto a Madama Butterfly y La Bohème, integra el trío de óperas más conocidas de Puccini.

Musicalmente, la obra se mantiene en el estilo desarrollado por Puccini hasta el momento: continuidad del discurso musical, roto apenas por una o dos arias. Las escenas más impactantes son el Te Deum del final del primer acto, y las arias Vissi d'arte (para Tosca) y E lucevan le stelle (para Mario). Dramáticamente, el segundo acto es de una intensidad inigualada por ninguna otra ópera de Puccini.

La acción transcurre en Roma, el 14 de junio de 1800, cuando Napoleón vence a los austríacos al mando del general Michael von Melas en la batalla de Marengo.

Composición
La pieza teatral Tosca, de Victorien Sardou, fue estrenada en París en 1887, y Puccini tuvo oportunidad de asistir a la presentación en Milán, con la célebre actriz Sarah Bernhardt en el papel protagónico.

Puccini pidió inmediatamente a su editor, Giulio Ricordi, que adquiriera los derechos sobre la obra, pero estos fueron vendidos al compositor Alberto Franchetti en 1893. Illica comenzó inmediatamente con la escritura del libreto. También Giuseppe Verdi quedó fascinado con la obra, pero no quiso componer una ópera ya que no era de su agrado el desenlace de la pieza.

Después de algunos meses, Franchetti aceptó que no estaba en condiciones de componer la música para esta obra, y Ricordi le pidió a Puccini hacerlo.

Si bien inicialmente Puccini se mostró ofendido, Verdi intercedió para convencerlo. Puccini comenzó a componer la ópera en 1896, tras haber terminado La Bohème.

Ricordi encomendó a Giacosa trabajar junto con Luigi Illica en el libreto. En octubre de 1899, luego de tres años de difícil colaboración y de varias disputas entre los libretistas, Puccini y Sardou, la ópera fue terminada, y se estrenó en el Teatro Costanzi de Roma, en medio de gran expectativa y con gran éxito. Actualmente, Tosca es una de las óperas más destacadas del repertorio operístico estándar y aparece como la número 6 en la lista de Operabase de las óperas más representadas en todo el mundo para el período 2005-2010.

Contexto histórico.
A finales del siglo XVIII, Napoleón invadió el norte de Italia después de combatir con el ejército austríaco, y llevó a ese país las ideas de la Revolución Francesa, instaurando una república. Estas ideas se difundieron rápidamente por toda la península, incluso en los estados pontificios, instaurando también allí una república.

Cuando el ejército napoleónico marcha a Egipto, su ausencia es aprovechada por los austriacos y los realistas, y se disuelven las repúblicas, restaurando las monarquías, tanto en el norte como en Roma. Los republicanos son ferozmente perseguidos.

Mientras tanto, Napoleón vuelve a Francia, se declara emperador e inicia una nueva campaña en Italia, enfrentándose al ejército austriaco en la batalla de Marengo el 14 de junio de 1800.

Napoleón resulta vencedor de esa batalla. Sin embargo, se produce un hecho curioso. Las primeras noticias que llegan a Roma dan por triunfadores a los austriacos, lo que da lugar a expresiones de júbilo entre las fuerzas reaccionarias que realizan diversos actos para festejar el triunfo. Al día siguiente llega la noticia del verdadero resultado de la batalla.

La obra de Sardou hace un uso dramático de este hecho histórico. El conflicto en Italia entre los republicanos y los realistas toma cuerpo en la persecución de Angelotti y Cavaradossi, ambos de ideas liberales, por parte de Scarpia, que es instrumento de la autocracia realista.

Si bien Puccini descarta algunos elementos del subargumento histórico de la obra de Sardou para concentrarse en el melodrama mismo, el conflicto político es el disparador de la acción dramática, y se incluyen referencias al equívoco del resultado de la contienda, así como el brillante "Te Deum" del final del primer acto para conmemorar la supuesta derrota de Napoleón.

En la imagen película de "Tosca" ¡¡¡¡¡ABSOLUTA RECOMENDACIÓN¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡

En 1896 el británico Briton Edward Fitzgerald organiza una expedición para llegar a la cima del Aconcagua, el pico más alto de América. Con 6.962 metros, la montaña situada en la provincia argentina de Mendoza había resistido varios intentos anteriores de montañistas que pretendieron coronar su cumbre. El 14 de enero de 1897, el suizo Matthias Zurbriggen se convierte en el primer hombre en alcanzar la cima del Aconcagua. Zurbriggen es un guía de montaña de los Alpes convocado por Fitzgerald para integrarse a la expedición. También fue el primero en conquistar el Tupungato, cerro apenas un poco menos elevado que el Aconcagua. Algunos historiadores han afirmado que los incas habían subido a la cima en tiempos precolombinos, pero no existen pruebas concluyentes para corroborar tal teoría.

El teléfono es un dispositivo de telecomunicación diseñado para transmitir conversaciones por medio de señales eléctricas. El visionario hombre que inventó el teléfono fue Antonio Meucci que lo bautizó como teletrófono, entre otras innovaciones técnicas. Durante mucho tiempo, Alexander Graham Bell fue considerado el inventor del teléfono. Sin embargo, Bell no fue sino solamente el primero en patentarlo. Así, el 14 de de enero de 1876, el Congreso de Estados Unidos aprobó la resolución 269 por la que se reconoció que el inventor del teléfono había sido Antonio Meucci y no Alexander Graham Bell. Este aparato está formado por dos circuitos funcionando juntos: el circuito de conversación, que es la parte analógica, y el circuito de marcación, que se encarga de la marcación y llamada. Tanto las señales de voz como las de marcación y llamada, así como la alimentación comparten el mismo par de hilos. Es una línea equilibrada de 600O de impedancia (línea de transmisión eléctrica) y lo más llamativo es que las señales procedentes del teléfono y las que se dirigen a él viajan por ella simultáneamente.

La horca fue el método de ejecución mediante estrangulamiento más utilizado a lo largo de los siglos. Presente ya en la antigüedad y citado en la Biblia, presumiblemente, fue de utilización posterior al estrangulamiento mediante las manos. El 14 de enero del año 1832, fue suprimida por el rey de España Fernando VII y sustituida de forma sistemática por el otro método de estrangulamiento, el garrote (hasta entonces se usaban los dos métodos de ejecución). Por esto la situación descrita por Cervantes cuando Don Quijote y Sancho Panza se despiertan debajo de un árbol del que cuelgan unos cuantos ahorcados, es de un gran realismo. La escena no es ninguna muestra de la fantasía del autor de El Quijote, sino un fiel reflejo de la realidad imperante allá a principios del siglo XVII en España.

Isabel I, a menudo conocida como "La Reina Virgen" o "La Buena Reina Bess", subió al trono de Inglaterra, tras la muerte de María, en 1558. Fue coronada el 14 de enero de 1559, en lo que fue la última ceremonia de coronación en latín en ese país. A partir de su sucesor, Jacobo I, el rito de coronación se realizó en inglés. Isabel era mucho más popular que su hermana María y se dice que, tras la muerte de ésta, el pueblo lo celebró por las calles. Al comienzo de su reinado, la política exterior de Isabel se caracterizó por su cautelosa relación con la España de Felipe II, que se había ofrecido a casarse con ella en 1559, y sus problemáticas relaciones con Escocia y Francia, este último país con el que se encontraba en guerra, debido a que su hermana María había decidido apoyar a su marido Felipe en la guerra casi continua en la que se hallaban inmersas España y Francia desde 1522.

En 1905 viajó a París, donde estudió piano con Moritz Moszkowski y composición en la Schola Cantorum de Vincent d’Indy. En 1908 contrajo matrimonio con Obdulia Garzón, con la que tuvo cinco hijos. En París conoció a Albéniz, Dukas, Ángel Barrios y Falla entre otros. Actuó asiduamente como pianista y consiguió grandes éxitos nacionales e internacionales como compositor.

Al iniciarse la Primera Guerra Mundial fijó su residencia en Madrid. En 1919 formó parte como pianista del Cuarteto Francés, luego el Quinteto de Madrid. Obtuvo grandes éxitos como director de orquesta, llegando a dirigir las representaciones de los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev (1918). En 1929 firmó un acuerdo con la Unión Musical Española para la composición de obras de piano. Fue nombrado en 1931 catedrático de composición del Conservatorio de Madrid. Durante la Guerra Civil estuvo protegido por el cónsul británico que certificó que formaba parte del personal administrativo del consulado.

En 1935 fue nombrado académico de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y, en 1941, Comisario de la Música. Los homenajes, reconocimientos y viajes se sucedieron sin cesar. Publicó en 1917 la Enciclopedia abreviada de la Música y en 1946 el Tratado de composición, además fue autor de numerosos artículos, críticas y conferencias. Murió el 14 de enero de 1949 en Madrid.

Turina fue pianista profesional, director de orquesta, profesor de composición, crítico musical, pedagogo, conferenciante, escritor…

Junto a Manuel de Falla, Julio Gómez García, Óscar Esplá, Conrado del Campo y pocos más, fue el creador del sinfonismo contemporáneo español que partió de las bases sentadas por Isaac Albéniz

THE INFLUENCE OF RICHARD WAGNER AND HIS MUSIC-DRAMAS ON THE WORKS OF JAMES JOYCE

TIMOTHY PETER MARTIN, University of Pennsylvania

As a musician and a literary artist, James Joyce was in a unique position to know well the music-dramas of Richard Wagner. His youthful interest in Wagner was undoubtedly affected and in some cases inspired by his knowledge of intermediary artists like Shaw, Yeats, Moore, Symons, D'Annunzio, and Dujardin.

Wagner's influence on Joyce was not simply to provide him with minutiae for Ulysses and Finnegans Wake. First, in establishing Siegfried as a parallel for Stephen Dedalus in Portrait and Ulysses, Joyce was not only asserting the heroic nature of the artist; he was also invoking Wagnerian theories on artistic freedom, artistic creation, the relationship between art and culture, and the function of art.

Second, Joyce found an excellent counterpart to Siegfried in the hero of The Flying Dutchman, who was generally regarded as an avatar of the Wandering Jew and as an artist figure of another sort--cursed by his special sensitivity and isolated by his refusal to conform to artistic and moral standards.

Third, as important figures in the nineteenth century's romantic mythology of woman, Wagner's female characters were ideally positioned to help Joyce represent his perceived division between sexual and spiritual impulses in his characters and in himself.

Fourth, Joyce recognized at an early age the possibilities of myth as a basis for contemporary art, and Wagner's example showed him the way.

Fifth, Wagner's theory of the synthesis of the arts inspired many literary artists to imitate musical expression in their own work, and Joyce's use of the literary leitmotif and his attention to the music as well as to the sense of language is in keeping with a tradition which includes both novelists and Symbolist poets. What Joyce most importantly took from Wagner was the universality provided by this combination of music and myth, one contributing to the "texture," the other to the "structure," of his work. For all the difficulty of Ulysses and Finnegans Wake, Joyce, like Wagner, intended his work to serve a communal function.

Wagner’s Influence On: James Joyce
(Guest Blog by Leslie Karst)

This is the first in a series of posts regarding the vast influence Richard Wagner has had on the arts—as well as other aspects of modern culture. Robin asked me to contribute the two about James Joyce, since I’m a great fan of the Irish writer, and am part of a Finnegans Wake reading group that meets twice-monthly at a local Irish pub to sip Guinness and ponder Joyce’s encyclopedic romp through the history of everything.

Reading the Wake, it becomes clear from the very first page (“Sir Tristram, violer d’amores, fr’over the short sea”) that Joyce draws heavily from Wagner in the work. But what I didn’t realize—until Robin started telling me about it, and then I subsequently did the research for this post—what just how much of an influence Wagner had on so much of Joyce’s writing.

Interior Monologue

It seems to me that the primary debt Joyce—as well as any modern author—owes to Wagner is for the concept of interior monologue, and its immediate descendant, stream-of-consciousness.

In his long essay Opera and Drama, Wagner wrote that the operatic orchestra, “as pure organ of the Feeling...speaks out the very thing which Word-speech in itself can not speak out...that which, looked at from the standpoint of our human intellect, is the Unspeakable.”

This duality of voice/orchestra was discussed in Robin’s earlier post, “Musical Effects, part 2: Mind-meld,” where she notes that characteristic of Wagner’s music are long stretches of monologues in which the character sings about the dramatic situation at hand, while the orchestra is playing the depth of emotions that the person is feeling. In other words, he uses the singers to voice the conscious thoughts of the character, and the orchestra to voice the unconscious. Moreover, the orchestra can—and usually does—show multiple feelings simultaneously. For instance, a theme associated with friendship, forgiveness, love will be played by the violins, while the bass and horns are playing a theme showing anger.

Here’s an example Robin provided in a letter to a friend:

In Tristan and Isolde, King Marke enters into the opera when he discovers the lovers in flagrante delicto. Isolde was his betrothed; Tristan was like a son to him. This is all we know about Marke when he first comes on stage. He then has a ten-minute soliloquy in which he expresses his shock and confusion about this turn of events. Underneath the singing, the orchestra shows us his feelings as they happen [my emphasis]: sad, reflective, incredulous, shocked, anguished, confused, loving, hurt, angry, unforgiving, conflicted, desolate, heartbroken, compassionate, concerned, kind, and forgiving. We have just met this man, but after this soliloquy we feel we really know him—can really take the measure of him. For me, I learn more about Marke in these ten minutes than I have ever learned about any Puccini character in a full opera.

It’s not surprising that this idea of “infinite” or “continuous melody” (the term coined by Wagner) appealed to writers of fiction, and in 1888, Édouard Dujardin, poet, novelist, and disciple of Symbolist Stéphane Mallarmé, wrote Les Lauriers sont coupés (the laurels were cut down), a novel consisting of one uninterrupted soliloquy. (Go here for a translation of its first paragraph.)

Dujardin, described as “a dandy given to wearing Lohengrin’s swan as an insignia on his vests,” gave full credit to Wagner for the inspiration for his book:

I am going to reveal a secret: Les Lauriers sont coupés was undertaken with the crazy ambition to transpose into the literary domain Wagnerian methods that I defined to myself as follows: the life of the soul represented by the ceaseless urging of musical motifs that express, one after another, indefinitely and successively, “states” of thought, sentiment or sensation; which [ambition] realized itself, in the indefinite succession of short phrases, each rendering one of these states of thought, without logical order, in the manner of surges rising from the depths of self—one would say nowadays from the unconscious or subconscious.”

Valery Larbaud, borrowing from Paul Bourget’s Cosmopolis (1893), gave the name “monologue intérieur” to the method employed by Dujardin in Les Lauriers. (This method soon morphed into what is now known as stream-of-consciousness. For a simple explanation of the difference between the two, see here.)

James Joyce (see, I finally did get back to him) bought a copy of Les Lauriers sont coupés at a Paris railway kiosk in 1903, and was much taken by the style of interior monologue, in which (Joyce explained) “the reader finds himself established, from the first lines, in the thought of the principal personage, and the uninterrupted unrolling of that thought, replacing the usual form of narrative, conveys to us what this personage is doing or what is happening to him.”

After the publication of Ulysses, Joyce was always careful to credit Dujardin’s book as inspiration for the style in which it was written.

And of course, as we have seen, Dujardin got the idea from Wagner.

Wagner as Inspiration for Joyce the Artist

Though careful to recognize Dujardin as the source of his use of interior monologue/stream-of-consciousness, Joyce was more loathe to give credit to Wagner as an inspiration for his works. As noted by Timothy Martin in his in-depth study, Joyce and Wagner, “[t]he Joyce of letters and conversation emerges as an artist whose imagination was conditioned by medieval churchfathers like Thomas Aquinas, classical figures like Homer and Aristotle, obscure philosophers like Vico and Bruno, and insufficiently appreciated modernists like Dujardin.”

But when it came to the most popular artist of his day (Wagnermania, from around 1890 until the start of the First World War, was on the scale of the crazes associated with the young Sinatra and the Beatles), Joyce feigned distaste: He had no stomach for the adulation of Wagner, calling Die Meistersinger “pretentious stuff,” telling a friend that “Wagner puzza di sesso” (he “stinks of sex”—now there’s an example of the pot calling the kettle black), and asserting that the musical effects of his own “Sirens” episode in Ulysses were better than Die Walküre.

Nevertheless, Martin explains:
It is certain...that Joyce empathized with a man whose career paralleled his so closely. Like Wagner, Joyce set out for Paris in his youth on the slimmest of prospects, in part, at least, to establish himself as an artist; like Wagner, he met indifference and grinding poverty. Both artists would spend much of their lives in exile from their homelands, supported by loyal women whose endurance would be put to the most severe of tests.

During his residence in Zurich Joyce must have been aware of the mark Wagner had left on that city during his own exile two generations before.... Joyce must have read passages [from Wagner’s letters] like the following with a good deal of empathy: “With my whole nature, both as man and artist, in absolute opposition to my work and my position, the only hope of deliverance was in a complete severance of my bonds.” The sentiments, if not the diction, of a man beginning thirteen years’ exile from his native Saxony would be worthy of chapter 5 of A Portrait.

In his later works Joyce fully embraced Wagner’s concept of “Gesamtkunstwerk” (total work of art). Just one look at the “schema” Joyce provided to his friend Stuart Gilbert to help him understand Ulysses—with its assignation of color, organ, symbol, art, and technic for each scene in the novel—shows the author’s intent for “totality” in the book.

As for Finnegans Wake, well, I can tell you first hand that with its myriad languages, portmanteau words, and references to bodies of water, religions, cultures, history, pop culture, and everything else under the sun, it has got to be the most encyclopedic work ever written. (For an accessible astute description of the Wake, go here.)

As opined by Timothy Martin, “[t]ogether Ulysses, a book of the waking hours, and Finnegans Wake, the book of the night, comprise all experience.” Hard to get more Gesamtkunstwerk than that.

Joyce’s Use of Wagner’s Musical Style

It’s well-known that James Joyce was a talented musician, who played piano and guitar and possessed a fine tenor voice. At one time, he even considered a career as professional singer. For purposes of this blog, it’s interesting to note that in 1909 Joyce performed in a Trieste concert of the famous quintet from Die Meistersinger.

So it’s not surprising how many musical references and allusions appear in his works. But Joyce was also attempting to make his writing itself musical. The tonal and rhythmic quality of his text, for instance—the sound of the spoken words—is easily as important as their sense, especially so in Finnegans Wake. And the multiple meanings of his language—e.g., “O, foetal sleep” [the Wake, at 563.10], which is both “O fatal slip” and a reference to pre-natal innocence—endows his works with a “polyphonic” or “chordal” feeling, such that “the ‘hearer’ of Joyce’s prose must ‘listen vertically as well as horizontally.’

The “Sirens” episode of Ulysses integrates musical form itself. For example, the first 63 lines—which seem completely random at first reading—are actually phrases which appear later in the chapter, and thus act as a sort of “overture,” letting the reader get to know the coming “tunes” in advance.

But that’s not all: As reported by Joyce:
I finished the Sirens chapter during the last few days. A big job. I wrote this chapter with the technical resources of music. It is a fugue with all musical notations: piano, forte, rallentando, and so on. A quintet occurs in it, to, as in Die Meistersinger, my favorite Wagnerian opera.

In addition to the quintet idea, Joyce also borrowed heavily from Wagner in his use of leitmotifs in his books. As noted by Timothy Martin, Ulysses contains recurring literary and musical allusions (to Hamlet, Don Giovanni, the Odyssey); reappearing characters (Paddy Dignam, the blind piano tuner, the man in the macintosh); phrases that become attached to particular characters (“bronze by gold” the the barmaids, “jingle” to Boylan); and major themes (parallax, the search for the father, metempsychosis): all have been likened to leitmotifs.

In Finnegans Wake, Joyce expands on the use of the leitmotif, employing many hundreds of them, which he then repeats with multiple variations. This modification of the motifs in the Wake, Timothy Martin observes, represents an even closer analogy to Wagnerian technique than does his practice in Ulysses, since Wagner’s motifs are themselves generally altered in key or orchestrated differently when they reappear. In the Wake the leitmotif provides structure on the stylistic level that perfectly complements the mythic theme. “Structure” and “motif” come together in the literary leitmotifs of Finnegans Wake.... In the Wake the leitmotif has almost become an end in itself. We might say that whereas Ulysses borrows from music, Finnegans Wake aspires to be music.

(Dublín, 1882 - Zurich, 1941) Escritor irlandés en lengua inglesa. Nacido en el seno de una familia de arraigada tradición católica, estudió en el colegio de jesuitas de Belvedere entre 1893 y 1898, año en que se matriculó en la National University de Dublín, en la que comenzó a aprender varias lenguas y a interesarse por la gramática comparada.

Su formación jesuítica, que siempre reivindicó, le inculcó un espíritu riguroso y metódico que se refleja incluso en sus composiciones literarias más innovadoras y experimentales. Manifestó cierto rechazo por la búsqueda nacionalista de los orígenes de la identidad irlandesa, y su voluntad de preservar su propia experiencia lingüística, que guiaría todo su trabajo literario, le condujo a reivindicar su lengua materna, el inglés, en detrimento de una lengua gaélica que estimaba readoptada y promovida artificialmente.

En 1902 se instaló en París, con la intención de estudiar literatura, pero en 1903 regresó a Irlanda, donde se dedicó a la enseñanza. En 1904 se casó y se trasladó a Zurich, donde vivió hasta 1906, año en que pasó a Trieste, donde dio clases de inglés en una academia de idiomas. En 1907 apareció su primer libro, el volumen de poemas Música de cámara (Chamber Music) y en 1912 volvió a su país con la intención de publicar una serie de quince relatos cortos dedicados a la gente de Dublín, Dublineses (Dubliners), que apareció finalmente en 1914.

Durante la Primera Guerra Mundial vivió pobremente junto a su mujer y sus dos hijos en Zurich y Locarno. La novela semiautobiográfica Retrato del artista adolescente (Portrait of the Artist as a Young Man), de sentido profundamente irónico, que empezó a publicarse en 1914 en la revista The Egoist y apareció dos años después en forma de libro en Nueva York, lo dio a conocer a un público más amplio.

Pero su consagración literaria completa sólo le llegó con la publicación de su obra maestra, Ulises (Ulysses, 1922), novela experimental en la que intentó que cada uno de sus episodios o aventuras no sólo condicionara, sino también «produjera» su propia técnica literaria: así, al lado del «flujo de conciencia» (técnica que había usado ya en su novela anterior), se encuentran capítulos escritos al modo periodístico o incluso imitando los catecismos. Inversión irónica del Ulises de Homero, la novela explora meticulosamente veinticuatro horas en la vida del protagonista, durante las cuales éste intenta no volver a casa, porque sabe que su mujer le está siendo infiel.

Una breve estancia en Inglaterra, en 1922, le sugirió el tema de una nueva obra, que emprendió en 1923 y de la que fue publicando extractos durante muchos años, pero que no alcanzaría su forma definitiva hasta 1939, fecha de su publicación, con el título de Finnegan's wake. En ella, la tradicional aspiración literaria al «estilo propio» es llevada al extremo y, con ello, al absurdo, pues el lenguaje deriva experimentalmente, desde el inglés, hacia un idioma propio del texto y de Joyce. Para su composición, el autor amalgamó elementos de hasta sesenta idiomas diferentes, vocablos insólitos y formas sintácticas completamente nuevas. Durante la Segunda Guerra Mundial se trasladó de nuevo a Zurich, donde murió ya casi completamente ciego.

La obra de Joyce está consagrada a Irlanda, aunque vivió poco tiempo allí, y mantuvo siempre una relación conflictiva con su realidad y conflicto político e histórico. Sus innovaciones narrativas, entre ellas el uso excepcional del «flujo de conciencia», así como la exquisita técnica mediante la que desintegra el lenguaje convencional y lo dobla de otro, completamente personal, simbólico e íntimo a la vez, y la dimensión irónica y profundamente humana que, sin embargo, recorre toda su obra, lo convierten en uno de los novelistas más influyentes y renovadores del siglo XX.

La Finta Giardiniera (La jardinera fingida) es una ópera bufa en tres actos, compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart, basada en texto de Giuseppe Petrosellini, basado en un tema de Ranieri de' Calzabigi. Lleva por número KV 196.

Se compuso para el carnaval de Múnich de 1775. Se estrenó en el Salvatortheater de Múnich el 13 de enero de 1775.

Esta ópera sigue en el repertorio, aunque no está entre las más representadas; en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 87 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 10.ª en Austria y la octava de Mozart, con 45 representaciones.

Personajes
Los personajes son:

Sandrina (Marquesa Violante Onesti, a la que se cree muerta, pero que vive disfrazada de jardinera con el nombre de Sandrina), soprano.

Don Anchise (podestà de Lagonero, enamorado de Sandrina), tenor.

Arminda (noble milanesa, sobrina del podestà, primero enamorada de Ramiro, ahora prometida de Belfiore), soprano.

Ramiro (caballero enamorado de Arminda), soprano masculino o contralto.

Condesito Belfiore (noble milanés, primero enamorado de Violante, ahora de Arminda), tenor.

Serpetta (criada del podestà, enamorada de él), soprano.

Nardo (Roberto, criado de la marquesa, disfrazado como el jardinero Nardo, primo de Sandrina; y enamorado de Serpetta), bajo.

Sinopsis
La historia tiene lugar en la hacienda Lagonero, cerca de Milán, a mediados del siglo XVIII.

Acto I

La ópera comienza con los preparativos de la boda entre el condesito de Belfiore y Arminda, sobrina del podestà de Lagonero, Don Anchise. Belfiore es un noble huido de Milán, pues cree haber matado por celos a su amada, la marquesa Violante Onesti. Arminda, por su parte, tiena un enamorado: Ramiro, que la ama en vano.

Sin embargo, Violante vive y, disfrazada de jardinera con el nombre de Sandrina, ha entrado al servicio del podestà, así como su criado Roberto, también él como jardinero con nombre falso: Nardo. El podestà se ha enamorado de la "falsa jardinera". Violante, de incógnito, está buscando al condesito Belfiore.

Su criado, Nardo, está enamorado de Serpetta la cual, sin embargo, pretende casarse con el podestà. Al conocer Violante que el enamorado de Arminda es el condesito Belfiore, se desmaya. Belfiore, que también la ha reconocido, niega haberla encontrado nunca y el acto acaba en confusión total.

Acto II

En la casa del podestà, Arminda expresa su amor por Belfiore, mientras Nardo corteja a Serpetta. Sandrina y Belfiore se encuentran, y la joven le narra su muerte fingida. Llega entonces Ramiro, con una orden de detención contra Belfiore por la muerte de Violante: el caballero espera, de este modo, deshacerse del condesito y quedarse con Arminda al eliminar de esta manera a su rival. Sandrina lo defiende, revelando su verdadera identidad, ante la sorpresa general. Un poco más delante, sin embargo, la joven es abandonada, por culpa de la celosa Arminda, en un bosque oscuro: nada más conocerse la noticia, los hombres se lanzan a socorrerla. Sólo gracias a la luz que lleva Ramiro se puede encontrarla, mientras la presencia de un gran número de personajes en una caverna oscura genera no pocos equívocos.

Acto III

El podestà aún no se cree los acontecimientos. Arminda insiste en sus propósitos matrimoniales. En el jardín, Belfiore y Sandrina se despiertan y juran no volver a separarse. Don Anchise otorga la mano de Arminda a Ramiro. Serpetta se consolará con Nardo.

En la escena final, todos cantan alabanzas (“Viva la giardiniera!)” a la marquesa Violante Onesti.

Libreto
Se ha debatido la autoría del libretto. Sin embargo, actualmente se considera que el libreto originario fue escrito por Giuseppe Petrosellini (1727-1799), quien igualmente había escrito el libreto para “El barbero de Sevilla” de Giovanni Paisiello. Este texto sirvió para una ópera compuesta por Pasquale Anfossi (1727-1797), estrenada en Roma en 1773. Por lo tanto, el libreto no es obra de Raniero de Calzabigi ni de Marco Coltellini, a quienes se atribuyó durante largo tiempo.

Estructura musical
Tiene una “Overtura” (Sic), veinte arias, una arieta, una cavatina, un dúo y un quinteto, así como tres en la caverna, y expresa todo su temor y angustia en un registro propio de ópera seria.

N.º 24: Mirate, che contrasto (Nardo, Sandrina y Belfiore)
N.º 26 Aria de Ramiro: Và pure ed altri in braccio, en la que expresa una gran consternación.
N.º 27 Dúo de Sandrina y Belfiore: Dove mai son! Dove son mai!

Estreno
Esta ópera fue un encargo del príncipe elector Maximiliano III, para el carnaval de Múnich de 1775. Mozart comenzó a componerla en octubre de 1774 y, el 9 de diciembre, llegó a Munich para ultimarla. Se estrenó el 13 de enero de 1775 en el Salvatortheater, el antiguo teatro de la corte.

La representación tuvo un gran éxito, como se refleja en una carta de Mozart a su madre, de fecha 14 de enero de 1775, en la que cuenta que “Después de cada aria se produjo siempre un terrible tumulto con aplausos, y gritos de viva Maestro (...) en el tiempo en que se hace el silencio, hasta que empieza el ballet, no hubo más que aplausos y gritos de bravo; tan pronto cesaban, volvían a empezar, y así sucesivamente”. Después de la segunda representación (el 2 de febrero, en la Redoutensaal), hubo otra más y ya no se volvió a representar.

Después fue modificada y representada como un singspiel alemán, con el título de Die verstellte Gärtnerin (La jardinera disfrazada) , por la compañía teatral de J. H. Böhm, con recitativos alemanes de Johann Franz Joseph Stierle. Se cree que se estrenó por primera vez en Augsburgo el día 1 de mayo de 1780.

El original italiano se representó en 1796 en Praga. En algún momento de finales de siglo se perdió el primer acto de la versión italiana. Sufrió multitud de arreglos a lo largo del tiempo, hasta el punto de dudarse de cuál fuera la versión originaria. A lo largo de los siglos XIX y XX se representó en traducción alemana, normalmente con el nombre de Die Gärtnerin aus Liebe (La jardinera enamorada) . En 1978, en Checoslovaquia, se descubrió un ejemplar de la ópera que permitió representar de nuevo el original italiano.

Valoración
Mozart tenía diecinueve años cuando la compuso. Se trata de una ópera bufa italiana de enredos amorosos, típica en su género. No obstante, tiene algunos momentos serios de gran riqueza musical.

Supone “la realización de la precedente experiencia lírica. La característica más sobresaliente es una orquesta tratada contrapuntísticamente, que había tenido su origen en La ingenua fingida, en la que se había manifestado claramente por primera vez la concepción de Mozart del poder dramático de la orquesta, y que había seguido jugando un papel importante en Lucio Sila, donde hemos observado el nuevo interés de Mozart por los motivos instrumentales” (Gianturco, citado por Poggi, A.)

En la imagen "La Finta Giardiniera", Acto 3 de Tyson Vick's Mozart Project.

Scioli es un político, deportista, licenciado en comercialización y empresario argentino. Actualmente es el gobernador de la provincia de Buenos Aires.

En las décadas de 1980 y 1990, Scioli fue uno de los deportistas náuticos más reconocidos en Argentina. Tras haber sido ocho veces campeón mundial en Argentina y retirarse de la motonáutica, fue invitado al Partido Justicialista, tiempo más tarde Scioli asume como diputado nacional, para después ser secretario de deportes y secretario de turismo de la Nación.

Fue vicepresidente de la República Argentina y es desde el 10 de diciembre de 2007, gobernador de la provincia de Buenos Aires. Reelecto en 2011, finalizará su mandato el 10 de diciembre de 2015. También fue el presidente del Partido Justicialista hasta mayo de 2014.

Es candidato a presidente de la Nación Argentina por el Frente para la Victoria para las elecciones del año 2015, acompañado por Carlos Zannini como candidato a vicepresidente. En las elecciones primarias de ese año obtuvo el primer lugar, imponiéndose con un 38,67 % de los votos válidos, triunfando en 20 de los 24 distritos electorales.

El 5 de octubre de 2015 obtuvo el título universitario de Licenciado en Comercialización.

Primeros años
Scioli nació el 13 de enero de 1957 en el barrio de Villa Crespo, Capital Federal. Creció junto a sus padres, Esther Méndez (1931-1982) y José Osvaldo Scioli (1928-2002), y sus hermanos José y Nicolás.

Criados en una familia de clase alta, los hermanos Scioli tuvieron contacto directo mediático desde niño. Su padre, José Scioli, era dueño por herencia de la cadena de electrodomésticos Casa Scioli, con la que su familia adquirió importantes ganancias, y fue dueño de Canal 9 durante los años setenta y ochenta, aunque después atraveso la estatización de los canales que encabezó la presidenta Isabel Perón y volvió al control de la emisora con Raúl Alfonsín en el retorno de la democracia.

En el año 1977, su hermano José fue secuestrado por un grupo armado. Daniel Scioli, en ese entonces con 18 años de edad, tuvo que cumplir el rol de negociar con los captores la eventual liberación de su hermano. José fue liberado a cambio de un rescate en efectivo a realizar por su padre.

Daniel Scioli realizó sus estudios primarios en el Colegio Ward de Villa Sarmiento (Buenos Aires) y sus estudios secundarios en la Escuela Superior de Comercio Carlos Pellegrini de la Universidad de Buenos Aires. Posteriormente estudió márketing en la Universidad Argentina de la Empresa.

En 2015 volvió a retomar sus estudios en la Universidad Argentina de la Empresa (UADE), recibiéndose de Licenciado en Comercio el 6 de octubre de aquel año tras rendir libre las últimas materias que le restaban y defender su tesis.

Carrera deportiva
Años antes de entrar en política, Scioli desarrolló una exitosa carrera deportiva. Se dedicó a la motonáutica y participó en varias competiciones, saliendo vencedor de estas. A mediados de la década de 1980, inició su carrera en motonáutica con su lancha Semillita XIX.
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En el año 1986 comenzó a competir en carreras de motonáutica. Fue escalando categorías hasta obtener el subcampeonato mundial de la clase 6 litros del offshore. En 1987, se incorporó al equipo italiano del ingeniero y constructor náutico Fabio Bussi.

En 1989, mientras corría los 1000 km del delta en el Río Paraná, sufrió un grave accidente a la altura de Ramallo que le provocó la pérdida total de su brazo derecho. Rehabilitado gracias a la colocación de una prótesis. Poco más de 20 días del accidente, concede el primer reportaje a Radio Crisol de Los Polvorines desde el Club Argentino de Del Viso en oportunidad de transmitir una pelea de exhibición de Sergio Víctor Palma. Allí Scioli expresó a los periodistas Juan Carlutti y Carlos Pogonza que a pesar del accidente, tiene fuerzas para seguir luchando en la motonáutica. Regresó a flote en 1990, en la carrera Venecia-Montecarlo y llegó a conquistar más campeonatos de motonáutica en diferentes categorías : clase II en Mar del Plata (1992), Superboat (1994), Production A y Superboat (1995), Sportman B y Superboat (1996).

En 1992, el dúo Daniel Scioli-Luca Nicolini obtiene el Offshore clase 2. Durante 1993 el Comité Organizador del Gran Premio de España de Offshore One, anunció la presencia de Scioli como Comisario de Carrera de la competición celebrada en aguas de la bahía de Marbella.

En el año 1996, Scioli ganó la primera prueba del campeonato americano Superboat, corrida en aguas de la costa marplatense. Después compitió en otras cuatro pruebas por el campeonato americano: en Miami, Sarasota, Nueva York y las Bahamas; y entre el 3 y el 7 de noviembre defendió el título mundial.

Con su lancha La Gran Argentina, se adjudicó el Campeonato Mundial de offshore de la Clase III-6 litros, en las aguas del Río de la Plata, cerrando así con once años de carrera motonáutica. En 1997 Scioli se retiró de su carrera motonáutica.

Como empresario
Paralelamente a su carrera deportiva, Scioli se dedicó a la actividad empresarial: en 1989 fue contratado por la empresa sueca Electrolux, cuya radicación en la Argentina alentó, lográndola en 1994. Entre ese año y 1997 fue director de Electrolux Argentina.

Tambien ha sido integrante del directorio de la empresa familiar Casa Scioli, la cual presentó quiebra oportunamente.

Familia
Por aquellos años conoció a su esposa, Karina Rabolini , nacida en 1967 en Elortondo, Santa Fe, con quien se casó en 1991 por civil y en la Iglesia San Agustín, y de la cual se divorció en el año 1998. Desde 2003 han vuelto a convivir y su esposa ha participado en numerosos actos públicos cumpliendo las funciones de la esposa del vicepresidente y posterior gobernador. Karina actualmente preside la Fundación Banco Provincia.

Scioli tiene además una hija, Lorena Scioli —hija de Margarita Renteria y nacida en 1978— que creció junto a su madre en la ciudad de Rosario. Daniel Scioli la reconoció obligado por el resultado de un juicio de filiación. También tiene una nieta, Camila, nacida en 2013.

Carrera política
Diputado de la Nación
La carrera política de Daniel Scioli comenzó en 1997, cuando fue electo diputado nacional por la Ciudad de Buenos Aires, luego de imponerse en las elecciones internas del Partido Justicialista.

Ya en su banca, Scioli fue electo Presidente de la Comisión de Deportes de la Cámara de Diputados, desde donde trabajó por la seguridad en los espectáculos deportivos, el desarrollo de los clubes de barrio, el estímulo al deporte amateur y la promoción de valores positivos y hábitos de vida saludables.

Durante su tarea legislativa fue miembro de las comisiones de Pequeñas y Medianas Empresas, de Discapacidad y de la Comisión Investigadora del Lavado de Dinero.

En 2001 fue reelecto Diputado Nacional.

Secretario de turismo y deporte de la Nación
El presidente provisional Eduardo Duhalde lo nombró Secretario de Turismo y Deporte de la Nación. Su gestión se apoyó en su compromiso con la generación de sinergias entre los sectores público y privado, y la búsqueda de nuevos mercados.[cita requerida]

Vicepresidente de la Nación
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En las elecciones presidenciales de 2003, Néstor Kirchner le ofreció participar en la fórmula presidencial. Scioli accedió a la vicepresidencia de la Nación y al cargo de presidente del Senado, donde desarrolló diversos proyectos.

Como Vicepresidente de la Nación y Presidente del Senado, Scioli participa en la promoción de la Argentina en el exterior y encabeza misiones comerciales a distintos destinos. En el Senado de la Nación Argentina, impulsó leyes relacionadas con el desarrollo de una nueva matriz productiva en la Argentina, en áreas como el software, la biotecnología, los biocombustibles, las industrias culturales, los microcréditos, el trabajo y el capital humano.

Gobernador de la provincia de Buenos Aires
El 28 de octubre de 2007, en las elecciones a gobernador y vicegobernador de la provincia de Buenos Aires, la lista del Frente para la Victoria, encabezada por la fórmula Daniel Scioli-Alberto Balestrini, se impuso con el apoyo del 48,24 % de los votantes.

Daniel Scioli asumió el cargo de gobernador de la provincia de Buenos Aires el 10 de diciembre de 2007 en la ciudad de La Plata. Ese mismo día, manifestó su intención de acompañar el proyecto liderado por la presidenta Cristina Fernández de Kirchner.

El 23 de octubre de 2011 Scioli fue reelecto como gobernador de la provincia de Buenos Aires por otros 4 años con el 55,07 % de los votos, una diferencia de más de 3 millones de sufragios sobre la segunda fuerza e imponiéndose en 128 municipios.

Candidato a presidente de la Argentina
Para las elecciones presidenciales de Argentina de 2015 el gobernador Scioli se ha propuesto como precandidato a la presidencia de la Nación. Su candidato a vicepresidente es Carlos Zannini, actual Secretario Legal y Técnico de la Nación.

Como candidato a la presidencia tras las elecciones primarias, deberá enfrentar en las elecciones presidenciales del mes de octubre a cinco contrincantes: Mauricio Macri, Sergio Massa, Margarita Stolbizer, Nicolás del Caño y Adolfo Rodríguez Saá.

La división de las colonias en América del Sur que pertenecía a España y a Portugal dio lugar a discordias que acabaron en altercados y enfrentamientos durante gran parte de la época colonial. El Tratado de Tordesillas, que oficialmente fijaba las fronteras entre los dos reinos, nunca fue respetado del todo, y fue sustituido por el Tratado de Madrid, firmado en la capital española el 13 de enero de 1750. Este tratado determinaría los límites de la soberanía entre los dos territorios coloniales sudamericanos, y pondría fin de modo concluyente a las contiendas hispalusitanas.

El Tratado de Madrid se preparó con esmero a partir de los Mapas de las Cortes, y favoreció a las colonias portuguesas en perjuicio de los derechos españoles señalados en el Tratado de Tordesillas del año 1494. Los diplomáticos portugueses eran mucho más expertos y fundamentaron sus derechos en el principio romano del Uti Possidetis (comoposeías [con acuerdo al derecho], poseerás) para definir cómo se constituiría la división territorial. Por este principio, la tierra debería ser ocupada por aquellos que ya se encontraban establecidos en ella. De esta forma los portugueses se apropiarían del gran territorio que actualmente ocupa Brasil.

A raíz de este tratado, se obligó a Portugal a ceder la colonia de Sacramento y el estuario de la Plata, si bien recibiría en compensación los actuales estados de Santa Catarina y Río Grande del Sur, grandes áreas en la región alta de Paraguay y algunas extensiones de tierras abandonadas.

El Tratado de Madrid modificará las estructuras de Brasil; la capital brasileña sería transferida de Salvador de Bahía a Río de Janeiro; la posesión de la Amazonia sería cedida a la colonia de Brasil y el río Uruguay sería, a partir de entonces, la frontera entre Brasil y Argentina.

Este tratado fue de capital importancia para los portugueses, ya que definía legalmente y ampliaba los territorios coloniales de Portugal en América, que serían más adelante heredados por la República de Brasil.

El Tratado de Madrid estableció que el límite de la frontera entre los dominios españoles y portugueses se daría a partir del punto medio entre la desembocadura del río Madeira y la desembocadura del río Mamoré, siguiendo en línea recta hasta visualizar el margen del río Yavarí.

. El Tratado de Madrid establecía que la paz siempre reinaría entre las colonias, incluso cuando las metrópolis estuviesen enfrentadas mutuamente en guerra.

En la imagen Brasil.

Juan Diego Flórez Salom (Lima, Perú, 13 de enero de 1973) es un tenor lírico ligero peruano.

Es hijo del cantante y guitarrista de música criolla peruana Rubén Flórez Pinedo, acompañante de la célebre cantautora Chabuca Granda, y de María Teresa Salom hermana de Carlos Salom, integrante de una de las bandas de música experimental más reconocidas del Perú en los años 70, Laghonia.

Inicialmente persiguió una carrera de cantante de música popular, cantaba covers de The Beatles y Led Zeppelin y, según sus propias declaraciones en una reciente entrevista en el diario OJO, de Lima, podía interpretar desde huaynos hasta canciones de Elvis Presley, a manera de reemplazo cuando el cantante del pub administrado por su madre se encontraba enfermo.

Estudió en el Colegio Santa Margarita en Monterrico en la ciudad de Lima, en donde conoció al actual cantautor Gianmarco y a Katushka, también cantautora del grupo Conexión Límbica. Estando en el cuarto año de educación secundaria conoció al profesor de música Genaro Chumpitazi Guerrero, quien le dio sus primeras clases de impostación vocal y lo hizo cantar como solista del colegio en concursos escolares y en presentaciones de Zarzuelas con sus compañeros de promoción y lo hizo ingresar al Conservatorio Nacional de Música (Lima) a inicios del año 1990.

Su voz casi educada para el canto lírico surgió en el curso de sus estudios con el maestro Andrés Santa María. Durante este tiempo, fue miembro del Coro Nacional del Perú y cantó como solista en la Misa de la Coronación de Mozart y en la Petite Messe Solennelle de Gioachino Rossini.

Ingresó al Instituto Curtis de Filadelfia, Estados Unidos, donde estudió entre 1993 y 1996, y comenzó a cantar en producciones de ópera estudiantiles en el repertorio por el cual es conocido hoy, Rossini y óperas del Bel canto de Vincenzo Bellini y Gaetano Donizetti. También estudió con Marilyn Horne en el Santa Barbara Academy Summer School de California. En 1994, el tenor también peruano, Ernesto Palacio, lo invitó a Italia, a participar en una grabación de la ópera de Vicente Martín y Soler, Il tutore burlato, y se hizo subsecuentemente maestro y mentor de Flórez.

La primera gran sensación y debut profesional de Flórez llegó con el Rossini Festival de Pésaro en 1996. Con 23 años, inicialmente iba a participar en un rol menor en Ricciardo e Zoraide y en el coro de otras, pero dejó las filas del coro para tomar el reemplazo del papel del tenor principal de Corradino en Matilde de Shabran, pues el tenor principal, Bruce Ford, estaba enfermo. Su presentación causó sensación y luego otra vez más en similares circunstancias reemplazando a Giuseppe Sabbatini.

Ese mismo año hizo su debut en la Teatro de La Scala de Milán como el Cavaliere danese en Armide de Christoph Willibald Gluck. Luego siguió su debut en el Royal Opera House, Covent Garden en 1997 donde cantó el rol del Conde Potoski en una versión de concierto (y la primera moderna) de Elisabetta de Donizetti. Siguieron su debut en la Ópera Estatal de Viena en 2000 como Rinuccio en Gianni Schicchi y en la Ópera del Metropolitan en 2002 como el Conde de Almaviva en El Barbero de Sevilla.

Ha sido premiado con el Premio Abbiati 2000 (dado por los críticos italianos al mejor cantante del año), el Rossini d'oro, el Bellini d'oro, el Premio Aureliano Pertile, el Premio Tamagno y el Premio L'Opera award (Migliore Tenore) por su actuación del 2001 de La Sonnambula en La Scala.

Firmó por Decca en 2001 y desde entonces ha lanzado cuatro CD de recitales solistas en el sello Decca: Rossini arias que ganó el Cannes Classical Award de 2003, Una Furtiva Lágrima, ganó el Cannes Classical Award de 2004, Great Tenor Arias (2005) y Sentimiento Latino (2006), un recital con temas clásicos de la música popular latinoamericana. Los CD han encontrado críticas positivas que ensalzan su técnica. El más común agasajo acerca de su canto es su caracterización individual total de cada rol que toma. Admira a Alfredo Kraus.

En octubre de 2003 Pavarotti declaró que el peruano Juan Diego Flórez podría ser sucesor como cantante de ópera. Si bien Luciano Pavarotti le mencionó como su sucesor, tanto la crítica como el mismo Flórez han declarado que, mientras Pavarotti fue un tenor lírico, Flórez es lírico-ligero, por lo que sus repertorios difieren.

En julio de 2005, participó en los megaconciertos de Live 8 en Berlín, siendo el único peruano en participar en dicho megaevento.

El 20 de febrero de 2007 rompió la tradición impuesta por Toscanini en la Scala de Milán y ofreció un bis en el estreno de "La hija del regimiento" de Gaetano Donizetti, cuando en el papel de Tonio le tocó atacar el aria “Ah mes amis”, con sus célebres nueve “do” sobreagudos (do de pecho). En cuanto Flórez terminó de cantarla, los espectadores se pusieron de pie y aplaudieron durante más de cinco minutos. El último bis de un cantante en la Scala ocurrió en 1933 cuando el bajo ruso Fiódor Chaliapin tuvo que repetir "La calumnia" de "El barbero de Sevilla" de Rossini.

El 2 de junio de 2007, Flórez cantó junto al cantante popular también peruano Gianmarco Zignago en Lima.

El 3 de junio, el presidente Alan García Pérez distinguió con la Orden El Sol del Perú en el Grado de Gran Cruz a Juan Diego Flórez, por su destacada participación en el mundo de la lírica. El peruano de renombre mundial recibió la condecoración en nombre de los jóvenes que luchan por hacer realidad sus sueños, por creer en sí mismos y pensar que lo pueden lograr en un país como el Perú.

El 30 de marzo de 2008, debutó con Rigoletto en el Teatro Municipal del Callao. Floréz interpretó al Duque de Mantua, uno de los papeles más emblemáticos del repertorio operístico, en el que grandes cantantes como Alfredo Kraus o Carlo Bergonzi dejaron en su día interpretaciones de referencia para la historia.

El 5 de abril de 2008, a las 18:30 horas, Juan Diego Flórez contrajo nupcias con Julia Trappe en la Catedral de Lima, Perú. El cardenal Juan Luis Cipriani, realizó el sacramento. El tenor escogió personalmente la música que se tocaría en su boda, donde la pieza más destacada fue la Misa en do Mayor de Beethoven, tema que interpretó en la Basílica Catedral de Ayacucho en 1993.

El día 9 de abril de 2011, nació en Nueva York su primer hijo, Leandro, minutos antes de que Juan Diego Flórez cantara el papel titular de Le Comte Ory de Rossini, en el Metropolitan Opera House de la misma ciudad para la audiencia mundial de Met: Live in HD.

El solista amenizó el momento en que el Príncipe Alberto de Mónaco y Charlene Wittstock firmaron sus actas de matrimonio al término de la ceremonia religiosa del 2 de julio de 2011, en Mónaco.

En julio de 2012, Flórez recibió una nominación a los International Opera Awards. El 16 de noviembre del mismo año fue nombrado Embajador de Buena Voluntad por la Educación y las Artes por la Unesco, en una ceremonia que estuvo presidida por la directora general, Irina Bokova.

El 27 de noviembre de 2012, fue nombrado miembro del exclusivo grupo Kammersänger, recibiendo el el título de "cantantes de cámara", concedido por el Gobierno de Austria, en Viena.4

Flórez fue premiado el 21 de enero de 2014 por el Foro Económico Mundial (WEF) por la labor que realiza con su fundación, en la que fomenta el acceso a una educación musical entre los más desfavorecidos. Recibió el premio Cristal, una distinción creada por el WEF, gracias a su fundación Sinfonía por el Perú, creada por el peruano en 2011.

Voz
Flórez tiene una voz de excepcional belleza de tenor ligero que, aunque no de gran amplitud, es no obstante audible incluso en los escenarios de mayor dimensión debido al predominio de las altas frecuencias en su estructura armónica.

El 8 de abril del 2008, el tenor español Plácido Domingo declaró su admiración por Juan Diego Flórez, del que dijo en Madrid: "Es el más grande tenor ligero de todos los tiempos, el máximo de su categoría. No recuerdo de otro que haya cantado así ese repertorio tan difícil que él interpreta" "cuando Juan Diego te canta con res bemoles y naturales, son verdaderos, no de falsete, verdaderos agudos", destacó el tenor español.

Premios
Premio Abbiati (2000, mejor cantante del año)
Rossini d'Oro (2003)
Tamagno Prize (2003)
L'Opera (2003, mejor tenor)
Premio Clásico de Cannes (2004)
La Orden del Sol (2008)
Echo Klassik (2007, mejor interpretación del año)
Premio Ópera Actual (2011, mejor cantante lírico)

Repertorio
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Vincenzo Bellini
I Capuleti e i Montecchi - Tebaldo
I Puritani - Arturo
La Sonnambula - Elvino

Domenico Cimarosa
Il Matrimonio segreto - Paolino (No estrenado aún)

Gaetano Donizetti
Don Pasquale - Ernesto
Elisabetta - Conde Potosky
L'elisir d'amore - Nemorino
La fille du régiment - Tonio
Maria Stuarda - Leicester

Christoph Willibald Gluck
Armide - Cavaliere danese
Orfeo y Eurídice - Orfeo (versión concierto, Teatro Real de Madrid, temporada 2007-2008).

Franz Lehár
La viuda alegre - Camille de Roussillon

Wolfgang Amadeus Mozart
Don Giovanni - Don Ottavio (No estrenado aún)
Così fan tutte - Ferrando (No estrenado aún)

Giovanni Paisiello
Nina, o sia, pazza per amore - Lindoro

Gioachino Rossini
Ermione - Oreste (No estrenado aún)
Il barbiere di Siviglia - Conte di Almaviva
La Cenerentola - Don Ramiro
La gazza ladra - Gianetto
L'italiana in Algeri - Lindoro
Matilde di Shabran - Corradino
Il Signor Bruschino - Florville
Semiramide - Idreno
Le Comte Ory - Comte Ory
Otello - Rodrigo
Il viaggio a Reims - Libenskof y Belfiore
La donna del lago - Giacomo V
Zelmira - Ilo
Ricciardo e Zoraide - Ricciardo (No estrenado aún)
Scala di seta - Dorvil (No estrenado aún)
Nino Rota
Il Cappello di Paglia di Firenze - Fadinard

Johann Strauss (hijo)
Die Fledermaus - Alfred

Giuseppe Verdi
Falstaff - Fenton
Rigoletto - Duque de Mantua

La Aviación de los Estados Unidos instaló sus tropas e intervino militarmente Saigón el 13 de enero de 1945. Antes del estallido de la guerra, la policía de Rhee detuvo y torturó a obreros y estudiantes comunistas, y gentes de izquierdas. Llevó a cabo masacres, entre ellas la represión de la insurrección de la izquierda en la isla de Jeju. Saigón comenzó siendo un pequeño pueblo pesquero, pero con el pasar de los años se ha convertido en un territorio extenso y productivo. La zona era pantanosa y estaba ocupada por camboyanos hasta la llegada de los vietnamitas del norte. Saigón llegó a ser la capital del estado de Vietnam del Sur. Aún se conservan importantes edificios de la era colonial francesa.

Calisto es un satélite del planeta Júpiter, descubierto el 13 de enero de 1610 por Galileo Galilei. Su diámetro fue de aproximadamente 4.900 km, lo que le convirtió en la tercera luna más grande del Sistema Solar, con el mismo tamaño que el planeta Mercurio. Su nombre procede de uno de los muchos amores de Zeus, rey de los dioses olímpicos. Gira alrededor de Júpiter a una distancia media de 1.800.000 km, con un período de 16,6 días. Aunque el nombre "Calisto" fue sugerido por Simón Marius poco después su descubrimiento, este nombre y los nombres de los otros satélites galileanos no se usaron hasta mediados del siglo XX. Se usaba la forma numeral romana y se denominaba "Júpiter IV" o "cuarto satélite de Júpiter".

Comienza a operar Atucha I, la primer central nuclear de América Latina. Se levanta a la vera del río Paraná en la localidad de Lima, a 115 kilómetros al noroeste de la ciudad de Buenos Aires. Comienza a construirse el 1° de junio de 1968 y el 13 de enero de 1974 se inicia la operación del sistema de generación de electricidad de la central capaz de 357 Mw. Funciona con agua pesada presurizada sobre la base de un diseño elaborado por la empresa alemana Siemens. Atucha tiene un record de operación sin fallas y sólo se registra una pausa en el generador desde que comenzó a funcionar. Se alimenta de dióxido de uranio alimentado a través de 37 de material radioactivo. El material que permite el funcionamiento de la central es íntegramente producido en el país.

Cuando publiquen la película en DVD la compraré y la veré varias veces para disfrutar de los detalles y aprender un poco del idioma danés.

La película tiene además el atractivo de ser histórica basada en hechos reales muy poco conocidos por el gran desconocimiento de la historia de Dinamarca.

El título original es Ein Kongelig Affære (Die Königin und der Leibarzt) (A Royal Affair).

La película es de nacionalidad danesa, grabada en danes.

Es del año 2012 y se está exhibiendo ahora en numerosos cines de España . Dura 137 minutos.

El director es Nikolaj Arcel. El guión es de Nikolaj Arcel, Rasmus Heisterberg y el conocido cineasta Lars von Trier

El reparto esta formado por Maads Mikkelsen, Alicia Vikander, Mikkel Boe Følsgaard, Trine Dyrholm y , David Dencik

Los premios recibidos en 2012 han sido:
Oscar: nominada a la mejor película de habla no inglesa
Globos de Oro: nominada a mejor película de habla no inglesa
Festival de Berlín: 2 Osos de Plata: Mejor actor (Mikkel Boe Følsgaard) y guión
Premios César: Nominada a Mejor película extranjera
Festival de Toronto: Nominada al Premio del Público (Mejor película)
Festival de Sevilla: Sección oficial largometrajes a concurso
Premios del Cine Europeo: 2 nominaciones: mejor música y diseño de producción
Satellite Awards: Mejor vestuario. 3 nominaciones

La princesa inglesa Carolina se casa con el Rey de Dinamarca Christian VII. Es un matrimonio concertado. Los cónyuges no se conocen.

Carolina es una bellisima joven de 18 años. Es apasionada y sensible. Tiene una excelente formación cultural derivada de sus muchas lecturas. Toca muy bien el piano.

El Rey es diez años mayor que ella. Es una persona desequilibrada muy insegura y poco masculino. 

La reina se enamora del Primer Ministro. Es 20 años mayor que ella. La joven reina se queda fascinada por su capacidad intelectual, su seguridad en si mismo y su toque de genialidad y audacia.

El Primer Ministro también se enamora de la reina. El da el paso de besarla y ella al ser una persona muy sentimental no puede ir en contra de sus sentimientos. Se besan apasionadamente y hacen el amor el mismo día. 

Se convierten en amantes. La reina se queda embarazada. El quiere que ella aborte. Ella no quiere abortar.

La reina hace un año que no se acuesta con el Rey. Por tanto el hijo no puede ser del Rey. Aunque detesta a su marido lo seduce y vuelven a acostarse. Siente repugnancia cuando se acuesta con su marido.

Nace el niño. Al principio nadie sospecha nada pero pronto se descubre la verdad. El Primer Ministro es detenido. Reconoce la verdad tras ser torturado. Muere en la guillotina.

La reina es enviada al exilio. Muere de tristeza. 

En la fotografía una de las escenas clave de la película. La reina muestra su hija a su padre verdadero, el Primer Ministro.

Un día como hoy, en el año 1128, el Papa Honorio II concedía una sanción papal a la orden militar conocida como los Caballeros Templarios, declarándola un ejército de Dios. La organización, fundada en 1118 y encabezada por el francés Hughes Payens, tenía como misión autoimpuesta proteger a los peregrinos cristianos en su camino hacia la Tierra Santa durante las Cruzadas. Durante un tiempo, y debido a sus rígidas reglas, la organización de los Caballeros Templarios contó con solo con nueve miembros. Además de pertenecer a la nobleza, los templarios debían tomar votos de pobreza, obediencia y castidad. A partir de 1127, debido a los esfuerzos para promover la orden, esta fue aumentando en tamaño e influencia. Para el momento de finalización de las Cruzadas, en el siglo XIV, la Orden del Temple se había vuelto extremadamente rica. Esto llevó a que, en 1307, el rey Felipe IV de Francia y el Papa Clemente V se unieran para derrotar a los Caballeros Templarios y a su líder, Jacques Molay. Fueron acusados de herejía y satanismo, y torturados y quemados en la hoguera. En 1312, el Papa Clemente V disolvió la orden.

La Vestale (La virgen vestal) es una ópera compuesta por el italiano Gaspare Spontini con un libreto en francés de Etienne de Jouy. Fue estrenada en la Ópera de París el 15 de diciembre de 1807, y está considerada como la obra maestra de Spontini. Luego se presentó en Viena en 1810 en versión alemana, y en versión italiana en Nápoles el 8 de septiembre de 1811. A España llegó en 1817, representándose en Madrid, traducida al español. Luego no se volvió a representar hasta 1910, en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona, en italiano.

El estilo musical muestra la influencia de Gluck y está influido por las obras de Berlioz, Wagner y la Grand Opera francesa.

Es famosa desde el punto de vista histórico, pero actualmente es poco representada en la actualidad. Dos de sus arias, «Tu che invoco» y «O Nume tutela», son mucho más conocidas que la ópera íntegra, y se cantan habitualmente en italiano.

Está ambientada en la Roma del año 269 a. C.

SPONTINI LLEVÓ LAS VESTALES A LA ÓPERA.

¿QUIENES ERAN LAS VESTALES?

Vestal (del latín, Vestalis y plural, Vestales) en la Religión de la Antigua Roma, era una sacerdotisa consagrada a la diosa del hogar Vesta. Originalmente, es probable que fueran dos, cuatro en tiempos de Plutarco y posteriormente, seis. De su importancia dan prueba que el Colegio de las Vestales y su bienestar eran considerados fundamentales para la continuidad y seguridad de Roma. Eran sacerdotisas públicas Vesta publica populi Romani Quiritium y, en tanto que tales, constituían una excepción en el mundo sacerdotal romano, que estaba casi por entero compuesto de hombres.

Las vestales debían ser vírgenes, de padre y madre reconocidos, y de gran hermosura. Eran seleccionadas por el Pontífice Máximo a la edad de seis a diez años. Su mayor responsabilidad era mantener encendido el fuego sagrado del templo de Vesta, situado en el Foro romano por lo que tenían restringidos sus movimientos.

Estaban liberadas de las obligaciones sociales habituales de casarse y tener hijos, y tenían voto de castidad para dedicarse expresamente al estudio y correcta observancia de los rituales estatales que no podían efectuar los colegios sacerdotales masculinos, como la preparación de la mola salsa que era utilizada en sacrificios estatales. Estaban tocadas con un velo en la cabeza y portaban una lámpara encendida entre las manos.

Cuando una candidata a vestal era seleccionada, era separada de su familia, conducida al templo donde le eran cortados los cabellos, y donde era suspendida de un árbol[cita requerida], a fin de dejar claro que ya no dependía de su familia.

El servicio como vestal duraba treinta años, diez de los cuales estaban dedicados al aprendizaje, diez al servicio propiamente dicho y diez a la instrucción de nuevas vestales.Transcurridos estos años podían casarse si querían, aunque casi siempre lo que ocurría es que las vestales retiradas decidían permanecer célibes en el templo.

Su ocupación fundamental era guardar el fuego sagrado. Si éste llegaba a extinguirse, entonces se reunía el Senado, se buscaban las causas, se remediaban, se expiaba el templo y se volvía a encender el fuego. El fuego era encendido usando la luz solar como fuente de ignición. La vestal que hubiera estado de guardia cuando el fuego se apagaba, era azotada.

Además de privilegios y honores por todas partes, las vestales podían testar aún viviendo sus padres. Incluso disponer de lo suyo sin necesidad de tutor o curador.

Las vestales tenían el privilegio de absolver a un condenado a muerte que encontraran cuando éste era conducido al cadalso, siempre y cuando se demostrase que el encuentro había sido casual.

El perder la virginidad era considerado una falta peor incluso que el permitir que se apagase el fuego sagrado. Inicialmente, el castigo era la lapidación; luego esta pena fue sustituida por el decapitamiento y el enterramiento en vida y a su compañero se le conducía al suplicio. Sin embargo, sólo se conocen veinte casos en los que esta falta fue detectada y castigada.

Cualquier ofensa contra ellas podía ser castigada con la muerte.

Las vestales fueron disueltas por el emperador Teodosio El Grande en el año 394.

Vestimenta

Su vestimenta principal constaba de una ínfula, un sufíbulo (suffibulum) y una palla. La ínfula era una especie de venda, que era usada por sacerdotes y otras figuras religiosas en Roma; la de las vestales era de lana blanca. El sufíbulo era un velo blanco de lana que era utilizado durante rituales y sacrificios. Generalmente, debajo tenían cintas de lana de color rojo y blanco, que simbolizaban, la primera, el compromiso de las vestales para mantener el fuego de Vesta y la segunda, su voto de pureza. La palla era un simple chal, largo, típico de la vestimenta de las mujeres romanas que se recogía con un alfiler sobre su hombro izquierdo.

Vestalis Maxima

La vestal superiora (Virgo Vestalis Maxima o Vestalium Maxima, “la más grande de las Vestales” o “Suma Vestal”) supervisaba las tareas de las vestales y estaba presente en el Colegio de Pontífices. Según Tácito, la Vestalis Maxima Occia presidió el Colegio de las vestales durante 57 años. La última Suma Vestal conocida fue Coelia Concordia en el 380.

La Vestalium Maxima fue la más importante Suma Sacerdotisa de Roma. La Flaminica Dialis y la regina sacrorum mantuvieron la responsabilidad en exclusiva para determinados ritos religiosos, pero su oficio se realizaba como parte de una pareja.

Algunas vestales

Las vestales legendarias más conocidas fueron Rea Silvia, madre mítica de los fundadores de Roma, Rómulo y Remo y Aemilia, que dice la leyenda, que cuando el fuego sagrado se extinguió en una ocasión, oró a Vesta suplicándole ayuda, y milagrosamente se reavivó al tirar un trozo de su vestido en los rescoldos apagados.

Casa de las vestales

La Casa de las Vestales era la residencia de las sacerdotisas vestales en Roma. Detrás del Templo de Vesta (que albergaba el fuego sagrado), el Atrium Vestiae era un edificio de tres plantas al pie del Monte Palatino.

Fiestas de las vestales

Las fiestas principales de Vesta eran las Vestalias (Vestalia) que se celebraban del 7 al 15 de junio. Únicamente el primer día, era accesible su santuario (donde normalmente nadie podía entrar, excepto sus sacerdotisas vestales) a las madres de familia que traían comida. Las ceremonias eran oficiadas por las vestales y recogían grano y pasteles salados para la fiesta. Era la única ocasión en que preparaban la mola salsa, porque era el momento más sagrado de Vesta, y tenía que ser hecha de manera perfecta, ya que se utilizaría posteriormente en todos los sacrificios públicos.

Ribera es un pintor y grabador español del siglo XVII, que desarrolló toda su carrera en Italia y principalmente en Nápoles. Fue también conocido con su nombre italianizado Giuseppe Ribera y con el apodo Lo Spagnoletto («El Españoli

Introducción a la biografía y obra de José de Ribera "El Españoleto"

Pintor barroco perteneciente a la Escuela valenciana de la primera mitad del s.XVII, José de Ribera ha sido considerado como el punto de arranque del movimiento naturalista en España, aunque la mayor parte de su vida la pasó en Italia.

Influida por Caravaggio, su pintura presenta unos marcadísimos contrastes tenebristas, con abundancia de negras sombras, suavizados en su madurez por la inclusión de un colorido y una luz estudiados de los maestros venecianos. Poseedora, además, de unas calidades tan cercanas al realismo que se hacen táctiles en telas y pieles, su obra se caracteriza por una fuerza sorprendente y un verismo que no omite ningún aspecto de la realidad, por más cruel o desagradable que sea.

Biografía de José de Ribera (1591-1652)

Nacido en Jativa (Valencia), Ribera se debió sentir muy orgulloso durante toda su vida, que fue por lo demás extraordinaria, de su procedencia española, como lo demuestra el hecho de que en Italia se hiciera conocer por "El Español", sobrenombre que derivará, debido a su pequeña estatura, en "El Españoleto".

Nacido en el año de 1591, no se sabe con exactitud cuáles fueron los motivos que determinaron su cambio de residencia dado que es escaso lo que se puede afirmar de su vida sin faltar a la verdad puesto que buena parte de la información que sobre su biografía existe aparece rodeada de leyenda (se le ha llegado a vincular incluso con la mafia napolitana de la época).

Sea como fuere, el caso es que, tras un breve periodo en la infancia de permanencia en Valencia (donde se ha especulado con la posibilidad de un aprendizaje al lado de Ribalta), en 1611 ya aparece documentado por primera vez en Italia, concretamente en Parma. Será en Nápoles sin embargo, y tras un breve paso por la Academia de San Lucas de Roma, donde desarrolle la mayor parte de su producción artística y disfrute de buena parte de su vida, falleciendo en dicha ciudad en 1652.

El hecho de aparecer a la temprana edad de 20 años como pintor nominal, y se supone que ejecutor, de un encargo tan importante como un cuadro para una iglesia de Parma, en concreto un hoy día perdido San Martín para la parroquia de San Próspero, hace suponer la enorme fama de la que debió disfrutar desde los mismísimos comienzos de su andadura pictórica.

En Roma, ciudad culpable de la aprehensión por parte del joven Spagnoletto de la influencia naturalista, realizaría una serie denominada los Cinco Sentidos. Se sabe que habría recibido una serie de encargos importantes en esta ciudad de igual modo, aunque un estilo de vida que le acabará procurando serias estrecheces económicas será al final determinante para que acepte un trabajo en Nápoles.

Es esta ciudad, donde el caravaggismo está en pleno auge, la siguiente etapa y la más importante de su producción y en su producción. Ronda el año de 1616 y Ribera entra a formar parte por un corto periodo de tiempo del taller de Gian Bernardo Azzolino, con cuya hija acabará desposándose en ese mismo año, para establecerse a continuación en su propio taller.

Ribera comienza a recibir encargos importantes, algunos de los cuales provendrán de España, como el de la Colegiata de Osuna, para la que llevará a cabo su famosísimo óleo El Calvario (1618).

Su consideración no deja de crecer y, en 1624, a la muerte del duque de Osuna, con quien mantenía una estrecha relación, su sucesor el duque de Alcalá nombrará a Ribera con el título de Pintor de Corte, en función de la potestad que su investidura como virrey de Nápoles le otorga.

Por estas fechas trabaja para iglesia della Trinità delle Monache en un San Jerónimo, realiza el lienzo del Martirio de San Andrés (1628) y lleva a cabo una gran cantidad de encargos, entre los que destacan algunos de sus famosos martirios de San Bartolomé y, ya en la década de los años 30 (punto de inflexión en su pintura), la serie realizada para el Convento de las Agustinas Recoletas de Monterrey en Salamanca, para cuyo retablo mayor ejecutó una magnífica y colorista Inmaculada Concepción.

Los años siguientes verán igualmente un incremento frenético en la actividad del taller de Ribera, sucediéndose los importantes encargos, y de su popularidad, llegando incluso a ser nombrado por el Papa Inocencio X Caballero de la Orden de Cristo.

Pero los encargos se espaciarán en el tiempo previo a la muerte del pintor, el cual sufrirá una enfermedad que se agravará a la par que sus penurias económicas (tan sólo aliviadas por algunos trabajos), además de vivir los diversos enfrentamientos que se producirán en la ciudad de Nápoles resultado de un movimiento antiespañol. Enfrentamientos que serán el detonante del deterioro de la salud del pintor, teniéndose el final de su vida por tan increíble como esta misma e, igualmente, distorsionado por la bruma de la leyenda. Al parecer, don Juan José de Austria, enviado para sofocar la revuelta, se habría enamorado de la hija (según la versión, la sobrina) del pintor, raptándola para llevarla a un convento en Palermo, conduciendo dicha circunstancia a Ribera hacia la locura, desapareciendo éste poco después (sin embargo, su partida de defunción apareció en Nápoles fechada en 1652)

Principales obras de José de Ribera

Principalmente reconocido por sus cuadros de carácter religioso martirial, como los de San Jerónimo o San Bartolomé, donde su tenebrismo encuentra un amplio campo de actuación en la representación de cruentas imágenes, Ribera compondrá también obras de carácter mitológico y profano, algunas de ellas excepcionales, siempre guiado de la mano de la verdad que la naturaleza impone.

Tenebristas, completamente herederos de Caravaggio (junto con Velázquez, Ribera fue el único caravaggista verdadero en España) son sus cuadros de la Colegiata de Osuna (el Calvario), los Cinco Sentidos o el Sileno ebrio, claro recuerdo de las imágenes monstruosas de la Antigüedad. Lo deforme aparece de forma repetida en su producción, tal y como se aprecia en el Niño cojo o en su Mujer barbuda, emparentado con lo marginal, como su "simbólico" Arquímedes.

Su conocimiento de la Antigüedad queda asimismo demostrado en obras como Venus y Adonis, en la que además se percibe un ligero protagonismo del paisaje, el Triunfo de Baco, Ticio e Ixión (que recuerdan a Miguel Ángel) o su Cristo de la Piedad, entre otros.

Otros cuadros importantes de Ribera son El sueño de Jacob, el Martirio de San Felipe, la Comunión de los Apóstoles, o un muy representativo de su estilo San Andrés.

El cuadro Santa Thais del Museo del Prado.
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Santa Thais fue una cortesana egipcia, convertida al cristianismo, que vivió en la Alejandría romana y en el desierto egipcio. Actualmente es venerada como santa por coptos, católicos y ortodoxos.

Relatos de su vida.

Thais vivió en el siglo IV en el Egipto romano. Se la incluye en la literatura en las vidas de los santos de la iglesia griega. Existen dos esbozos biográficos: uno en griego quizá del siglo V (está traducido al latín en la Vita Thaisis por Dionisio el Exiguo (Dionisio el pequeño) durante el siglo VI o VII); el otro esbozo ha llegado a tiempos modernos en latín medieval por Marbodio de Rennes (m. 1123). También aparece en martirologios griegos por Maurolico y Greven, aunque no en los martirologios latinos. Las vidas de los santos y eremitas del desierto egipcio, incluida santa Thais, fueron recopiladas en la Vitae Patrum. Ha surgido recientemente la perspectiva de que su historia es "probablemente sólo un cuento moral inventado con propósitos edificantes." No obstante, santa Thais sigue apareciendo en el calendario eclesiástico, con fiesta el 8 de octubre.

Thais es descrita primero como una cortesana rica y bella viviendo en la prestigiosa ciudad de Alejandría, a los ojos de la iglesia una pecadora pública. Con el tiempo, sin embargo, indagó sobre el cristianismo y luego se convirtió. En su Vita un monje disfrazado entró en sus habitaciones para desafiarla y convertirla, pero se encuentra con que ya cree en Dios, a quien nada queda oculto. La identidad de esta persona que instruye y ofrece a Thais la oportunidad de transformación espiritual no queda clara, y son tres los nombres se mencionan: san Pafnucio (obispo egipcio de la Tebaida Superior), san Besarión (discípulo de san Antonio Abad en el desierto egipcio) y San Serapión el Escolástico (San Serapión de Thmuis, obispo en el Delta del Nilo).

Después de su aceptación en la Iglesia, entró en una celda conventual con provisiones para tres años, y durante ese tiempo hizo penitencia por sus pecados. Cuando salió después, se dice que vivió entre las monjas del desierto egipcio sólo durante un breve período de quince días, luego murió.

Hroswitha de Gandersheim (935-1002) escribió en latín la obra Pafnutius en la que aparece santa Thais. Aquí está san Pafnucio dirigiéndose a la abadesa del convento del desierto, en relación con el cuidado de Thais:

"Te he traído una pequeña cabra medio muerta, recientemente arrancada de los dientes de los lobos. Confío en que por tu compasión se le asegure un refugio, y que por tu cuidado, [ella] sea curada, y que habiendo arrojado a un lado la áspera piel de una cabra ella será vestida con la suave lana del cordero."
Durante la Edad Media europea, la historia de santa Thais gozó de amplia popularidad.

En 1901 el egiptólogo Albert Gayet (1856-1916) anunció el descubrimiento cerca de Antinoë en Egipto de los restos momificados de Thais y Serapión, que fueron expuestos en el Museo Guimet de París. Poco después él matizó su identificación, dejando abierta la posibilidad de que los restos no fueran de los dos santos.

Thaïs es una ópera con música de Jules Massenet (1842-1912), representada por vez primera en la Ópera de París el 16 de marzo de 1894. El libreto lo escribió Louis Gallet (1835-1898) a partir de la novela de Anatole France.

En la imagen Santa Thais por José de Ribera (también descrita como una pintura de Santa María Magdalena). Museo del Prado. De este cuadro existe otra versión auténtica en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, cuya firma hace pensar que es anterior.

La serie de televisión “Batman” se estrenaba en el canal estadounidense ABC un día como hoy, en el año 1966, protagonizada por Adam West como el hombre murciélago y Burt Ward como su compañero Robin. Luego de tres temporadas y 120 episodios, finalizó el 14 de marzo de 1968. Basada en la historieta de Batman, de DC Comics, creada por Bob Kane y Bill Finger, la serie se caracteriza por su tono humorístico y por la utilización de elementos visuales del cómic, como la presencia de onomatopeyas para representar las peleas. Neal Hefti, Nelson Riddle, Billie May y Warren Barker fueron los encargados de la composición de la inolvidable banda sonora. El éxito del programa fue tal que contribuyó a aumentar las ventas de la historieta de Detective Comics, que había sufrido un importante declive algunos años antes. Esta es la segunda adaptación televisiva del cómic. La primera, protagonizada por Lewis Wilson, fue estrenada en 1943 y duró 15 capítulos. Posteriormente, en 1949, el actor Robert Lowery protagonizó el serial de cine “Batman y Robin”. La serie de 1966 convirtió a Batman en un fenómeno masivo y popular, y su tono satírico modificó la imagen que se tenía de los superhéroes hasta ese momento.

El Consejo de Europa (CE) fue el que prohibió la clonación de seres humanos. Y así lo dispone también el Protocolo del Consejo de Europa firmado el 12 de enero de 1998, por el Comité de Ministros del CE, el reciente Convenio Europeo sobre Derechos Humanos y Bioética, actualmente en proceso de ratificación. Se trata de la primera ley internacional vinculante sobre la materia. El protocolo prohíbe "toda intervención destinada a crear un ser humano genéticamente idéntico a otro, vivo o muerto". El art. 2 del protocolo, señala expresamente que no se admite excepción alguna. Pero se deja a las leyes de cada Estado determinar en la práctica qué se entiende por "ser humano", si se incluye o no al embrión. La medida pretende evitar los abusos a que daría lugar la aplicación de esas técnicas en el hombre. Según expresa el propio CE, con la prohibición se trata de proteger la identidad biológica de los individuos e impedir que se los instrumentalice.

El 12 de enero de 1916 toda la familia Bonaparte fue desterrada de Francia por una ley del Gobierno francés. Esta familia había encarnado el liderazgo de un movimiento político en Francia, denominado el bonapartismo, difícil de clasificar en los términos clásicos de izquierda y derecha. Dicho movimiento, de innegable contenido autoritario, cesarista, ultranacionalista y militarista, respondió a los ideales liberales nacidos de la Revolución de 1789, y de hecho, la «leyenda napoleónica» formó parte de la cultura revolucionaria de los liberales románticos que lucharon contra Luis XVIII, Carlos X y Luis Felipe de Orléans.

Durante el 88 A.C. en Roma la situación no podía ser peor para el ausente gobernante y militar romano Sila. El gobierno que había creado ya no existía, y él mismo había sido condenado a muerte, mientras sus propiedades eran arrasadas y su familia, así como sus amigos, clientes y partidarios, se vieron forzados a huir. Las fuerzas cohesionadas por su persona comenzaron a disgregarse y el creciente malestar lanzó a muchos a los brazos de Sila. El Senado trató de negociar con Sila, pero ante su negativa los populares levantaron un ejército. Sila comenzó a enviar tropas a Italia una vez que le alcanzaron las noticias de los disturbios subsiguientes, pero para ese momento, Metelo (político y militar romano) se había ya sublevado en África, Craso (militar romano) estaba reclutando tropas entre su clientela hispánica y Pompeyo (militar) hacía lo mismo. Considerando la baja moral de sus tropas, y el cansancio de la población tras tantos años de guerras, la República estaba condenada: muchos de sus líderes así lo comprendieron y cambiaron de bando antes de que fuera demasiado tarde.

Un día como hoy, en Wallingford, Reino Unido, fallecía la mundialmente reconocida escritora Agatha Christie. Desarrolló la mayor parte de su obra dentro del género policial: publicó 66 novelas policiales; aunque también fue autora de diversas novelas rosas, historias cortas y obras de teatro. El Libro Guinness de los Récords la calificó como la novelista más vendida de todos los tiempos.

Nació en Torquay, Reino Unido, el 15 de septiembre de 1890 y su interés por la lectura se dio a una edad muy temprana. Luego de recibir una educación hogareña, se trasladó a París para recibir educación formal. Su primera novela, “El misterioso caso de Styles” fue publicada en 1920, mientras trabajaba como enfermera durante la Primera Guerra Mundial. Allí introdujo por primera vez a su famoso personaje, el detective Hércules Poirot. Esta fue rechazada por diversas editoriales, y la que aceptó publicarla, lo hizo bajo la condición de que la autora modificara el final. En su segunda novela, “El misterioso señor Brown” (1922) fueron incluidos dos nuevos detectives: Tommy y Tuppence Beresford. En 1926 alcanzó la fama con “El asesinato de Roger Ackroyd”, novela que generó grandes controversias por alejarse del estilo del policial tradicional, y de la cual se vendieron 5000 copias en la primera edición. Otras obras de la prolífica novelista son “Asesinato en Mesopotamia” (1930), “Muerte en el Nilo” (1936) y “Cita con la muerte” (1938).

Ermanno Wolf-Ferrari nació en San Barnaba (Venecia) el 12 de enero de 1876, primer hijo de Augusto Wolf, pintor alemán, y Emilia Ferrari, madre italiana. Aunque estudió piano desde muy niño, la música no fue la principal pasión de su juventud, sino la pintura, ya que deseaba ser como su padre.

Estudió de forma intensiva en Venecia e incluso viajó al extranjero para estudiar en Múnich, donde comenzó a pensar seriamente en dedicarse a la música. Se matriculó en el conservatorio (1892-95) y comenzó a tomar clases de contrapunto y de composición con Josef Gabriel Rheinberger (1839-1901). Éstas clases de música, inicialmente ocasionales, eclipsaron totalmente sus estudios del arte, y finalmente los abandonó. A los 19 años, Wolf-Ferrari acabó los estudios del conservatorio y volvió a su casa de Venecia. En ese año 1895, Ermanno agregó a su propio apellido, Wolf, el Ferrari de su madre, y comenzó a escribir sus primeras composiciones.

Trabajó como director de una agrupación coral de Milán, se casó y tuvo un niño. Por esa época pudo conocer personalmente a Arrigo Boito y al gran Giuseppe Verdi.

En 1900, tras fracasar la publicación de dos de sus anteriores intentos, Wolf-Ferrari vio la primera representación de una de sus óperas, Cenerentola, estrenada en Venecia. Fue un fracaso y la humillación le hizo volver a Múnich, donde reelaboró la obra para ser programada al año siguiente, 1902, en Bremen, con el título de Aschenbrödel, con mejor éxito.

Esta sería la tónica de muchas de sus obras, mucho mejor acogidas en Alemania que en su Italia natal: así ocurrió con Le donne curiose (1903), I quattro rusteghi (1906) e Il segreto di Susanna (1909), todas ellas comedias muy bien acogidas en sus estrenos en Alemania. Su vida estuvo desde esa época dividida entre dos países y dos culturas, que él trato de aunar: tenía la seriedad del alemán y la calma alegre del italiano; amaba el belcanto y el contrapunto; era pensativo, casi filosófico, y tolerante. Pasó su vida entre Múnich y Venecia: en Alemania deseando estar en Italia y en Italia, en Alemania.

En 1903 obtuvo una temprana notoriedad internacional con el estreno de dos de sus obras: la coral La Vita Nova y una nueva ópera, Le Donne Curiose. Ese mismo año fue nombrado, a los 27 años, director del Liceo «Benedetto Marcello» en Venecia. Seis años más tarde, terminó su contrato y se estableció en Múnich, donde vivió y trabajó durante los 35 años siguientes, apareciendo raras veces en público.

Wolf-Ferrari conoció las obras teatrales de Carlo Goldoni y comenzó a transformar esas farsas salvajes e ingeniosas en óperas cómicas, musicalmente eclécticas, melódicas, y, a menudo, completamente hilarantes. Cada nueva obra se convirtió en un éxito internacional y, de hecho, hasta el inicio de la I Guerra Mundial, sus óperas estuvieron entre las óperas más programadas en el mundo entero.

El estallido de la I Guerra Mundial fue una pesadilla para Wolf-Ferrari, quien se trasladó a vivir a Zurich (1915-22), donde, salvo la ópera Gli amanti sposi (1916), apenas compuso. Su vida, a caballo entre dos países en guerra, y su doble ascendencia italo-alemana le trajo muchos problemas. Ello le produjo una grave crisis y el alejarse de la composición durante algunos años.

Después de la guerra volvió a Múnich y, poco a poco, recuperó las ganas de componer. Reapareció con un renovado impulso, con obras de una vena más melancólica, emocionalmente más complejas y oscuras. A mediados de la década de 1920 fue cuando realmente tuvo éxito, con óperas como Das Himmelskleid (1925) —la ópera que Wolf-Ferrari más estimaba— y Sly (1927), basada en la obra de Shakespeare, La fierecilla domada («The Taming of the Shrew»), sobre un cómico bufón que se transforma poco a poco en un cuento de tortura emocional y suicidio.

Sin embargo, pasado un tiempo, Wolf-Ferrari volvió al estilo alegre de su juventud, a las obras de Goldoni, casi como si deseara recobrar la alegría chispeante y el éxito popular que había perdido. Sin embargo, esta vuelta a la comedia fue amenazada de nuevo por el comienzo de la II Guerra Mundial.

Wolf-Ferrari no estuvo nunca amenazado directamente por las políticas de Hitler, pero sintió verdadera repulsa por los nazis y abandonó Alemania, trasladándose a Roma, donde continuó componiendo óperas y trabajando cada vez más en música instrumental.

Algunos años más tarde, volvió a Austria para aceptar un puesto de profesor de composición en el Mozarteum de Salzburgo, pero encontró unas condiciones casi imposibles para la enseñanza y se retiró al campo austríaco, transcurriendo los años de la guerra de forma algo oscura, componiendo muy poco, siendo lo más destacado un Concerto para violín (1943) y otro Concerto para violoncello (1944).

En 1946, se trasladó de nuevo a Zurich antes de volver definitivamente a Venecia, su ciudad natal, para vivir sus últimos meses con su hermano. Sus últimas obras son un Piccolo concerto, para corno inglés, 2 trompas y cuerdas, y Chiese di Venezia, para orquesta, que dejo incompleta.

Falleció de un ataque cardíaco el 21 de enero de 1948, al poco de cumplir 74 años de edad. Está enterrado en el cementerio de la isla veneciana de San Michele.

Alexander Hamilton (Charlestown, Isla Nieves, actual San Cristóbal y Nieves, 11 de enero de 1755 – Nueva York, 12 de julio de 1804) fue un economista, político, escritor, abogado y soldado estadounidense.

Participó en la Guerra de la Independencia y fue secretario y amigo íntimo de George Washington. Es considerado uno de los Padres Fundadores de los Estados Unidos.

Tomó parte en la redacción de la Constitución de los Estados Unidos. Para lograr convencer a los neoyorquinos de la necesidad de aprobarla, escribió, junto a James Madison y John Jay, una serie de ensayos bajo el seudónimo de «Publius», conocidos habitualmente como los «Papeles de la Federación» (Federalist Papers).

Fue el creador del Partido Federal de los Estados Unidos, primer partido político de la historia de los Estados Unidos, el cual dirigió hasta su muerte.

Elegido por Washington primer Secretario del Tesoro de la nación (1789–1795), desde ese cargo organizó la banca, estableciendo el Primer Banco de los Estados Unidos y realizó una política proteccionista que, al gravar con impuestos los licores fuertes importados, causó la llamada Guerra del whiskey (1794).

Tuvo numerosos enfrentamientos con Thomas Jefferson y con James Madison al apostar por dotar al Gobierno interestatal de mayores competencias, mientras que su rival se inclinaba a darle mayor poder a los gobiernos estatales. En este contexto, se produce también uno de los primeros debates sobre economía política de los Estados Unidos, en el que Hamilton se muestra partidario de fomentar la industria con medidas proteccionistas (en su Report on Manufactures), como contrapartida a la idea de fomentar la agricultura dejando al comercio al servicio de ella, postura adoptada por Thomas Jefferson; a pesar del triunfo político del último, los hamiltonianos vieron triunfar sus ideas.

Alexander Hamilton es considerado a menudo el «santo patrón» de la Escuela americana que, según algunos historiadores, dominó la política económica norteamericana a partir de 1861. Apoyó firmemente la intervención gubernamental en favor de la industria y el comercio nacionales, a la manera de Jean-Baptiste Colbert, como pronto desde el otoño de 1781.

Hamilton se oponía a los postulados británicos de comercio libre, que consideraba que favorecían los intereses de las potencias colonialistas e imperialistas, en favor del proteccionismo norteamericano, que en cambio favorecerían el desarrollo industrial y la economía de las naciones emergentes.

Murió en un duelo con el vicepresidente Aaron Burr.

El duelo
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Cuando quedó claro que Jefferson dejaría de lado a Burr para la elección presidencial de 1804, el vicepresidente Burr decidió presentarse en su lugar como candidato a Gobernador de Nueva York. Burr perdió las elecciones y culpó de la derrota a una campaña en su contra orquestada desde los rivales de su propio partido, incluyendo al jefe político de Nueva York, George Clinton.

Hamilton también se opuso a Burr debido a su convencimiento de que Burr había estado vinculado a un movimiento federalista de secesión en Nueva York. Además, Hamilton dijo en una cena política que podría expresar una «opinión todavía más despreciable» de Burr. Después de que una carta sobre el particular escrita por Charles D. Cooper circulase en un periódico local, Burr exigió una explicación a Hamilton.

Hamilton había escrito tantas cartas y había hecho tantas críticas contra Burr en privado que no era capaz de rebatir de forma creíble lo escrito por Cooper. Burr exigió a Hamilton una rectificación sobre todos los posibles agravios, pero Hamilton, que por entonces había caído en desgracia por un escándalo con Maria Reynolds y que no tenía ya que cuidar su reputación, decidió no hacerlo. Burr respondió retando a Hamilton a un duelo.

Los dos habían estado involucrados ya antes en duelos (Hamilton en veintiuno, Burr en solo uno), e incluso el hijo mayor de Hamilton había muerto en un duelo en 1802.

Aunque todavía era un práctica muy común, el duelo había sido prohibido en los estados de Nueva York y Nueva Jersey. Sin embargo, puesto que Hamilton y Burr no eran ciudadanos de esta última ciudad, se citaron a las afueras de Weehawken, Nueva Jersey, al alba del 11 de julio de 1804. Existe cierta controversia sobre cómo se produjo el duelo y los acontecimientos que lo rodearon. Al parecer, Hamilton se avino al duelo por honor, pero se oponía a la práctica y no tenía intención de disparar primero.

Por el contrario, Burr, reputado buen tirador, tenía la intención manifiesta de disparar a su rival y matarlo a ser posible. Así, mientras que una de las versiones indica que Hamilton nunca llegó a disparar, la otra argumenta que hubo un intervalo de entre segundos entre el primer disparo y el segundo. El disparo de Hamilton falló a Burr, pero el de Burr acertó de lleno. La bala se introdujo en su abdomen, destrozando el hígado y la columna vertebral. Hamilton fue trasladado a Manhattan, en donde se alojó en casa de un amigo, recibiendo visitas hasta que murió al día siguiente.

El billete de diez dólares estadounidenses ($10) es una denominación del dólar estadounidense, y está actualmente en circulación. En el anverso está un retrato de Alexander Hamilton, el primer Secretario del Departamento del Tesoro de los Estados Unidos. Hamilton es, junto a Benjamin Franklin, el único estadounidense no presidente retratado en los dólares actuales. Todos los billetes de diez dólares son lanzados por la Reserva Federal.

Reinhold Móritsevich Glière (Kiev, 11 de enero de 1875 – Moscú, 23 de junio de 1956) fue un compositor post-romántico soviético de origen germano-polaco.

Fue el segundo hijo de un fabricante de instrumentos de viento Ernst Moritz Glier (1834-1896) de Untersachsenberg, Sajonia, quien emigró a Kiev y se casó con Jósefa Korczak (1849-1935), la hija de su maestro de Varsovia, (Polonia). Su nombre original, según consta en el certificado de bautismo fue Reinhold Ernst Glier. Alrededor de 1900 cambió su apellido y la pronunciación a Glière. Su padre, Moritz Glier fue un músico de muy buen nivel y multi-instrumentista, entre otros, de la flauta, clarinete, del corno y de la trompeta. Supo transmitirles a sus hijos sus dotes artísticas: el hermano de Reinhold, Moritz, era un excelente violonchelista.

Biografía
Nace en Kiev el 11 de enero de 1875. Al finalizar sus estudios secundarios, ingresa a la Escuela de Música de Kiev, donde tendrá como profesor al célebre violinista checo Otokar Ševčik. Estudia violín y composición durante 3 años antes de que sea aceptado, en 1894, en el prestigioso Conservatorio de Moscú.

Sus profesores de composición y de materias teóricas fueron Mijaíl Ipolítov-Ivánov, Antón Arenski, Gueorgui Conus, Johann Hrimaly y Serguéi Tanéyev. En 1900, corona sus estudios de conservatorio recibiendo el diploma y medalla de oro en composición por una ópera-oratorio de un acto, El Cielo y La Tierra, inspirado por un texto de Lord Byron (Earth and Heaven).

Allí compone el Sexteto para cuerdas n°1 en Do menor, op.1 (1898), dedicado a Tanéyev, el Cuarteto para cuerdas n°1 en La mayor, op.2 (1899), el Octeto para cuerdas en Re mayor, op.5 (1902), dedicado a Johann Hrimaly, y la Sinfonía n°1 en Mi bemol mayor, op. 8 (1899-1900). A su salida del Conservatorio de Moscú, Glière enseña en la Escuela Gnessin de música, también de Moscú.

En 1905, parte por dos años a Berlín, donde estudia con el compositor y director de orquesta Oskar Fried. Escribe su Sinfonía n°2 en Do menor, op. 25 (1907) y se la dedica a otro director de renombre, Serguéi Kusevitski, quien la dirige con la Orquesta Filarmónica de Berlín. De regreso a Moscú, en 1908, Glière hace su primer aparición pública como director de orquesta en oportunidad de ejecutar Sireny (Las Sirenas) in Fa menor op.33, poema sinfónico del mismo año.

En 1910, publica su Sinfonía n°3 en Si menor, op. 42 (1911), la monumental Ilyá Múromets, dedicada a Aleksandr Glazunov.

A partir de 1920, enseña composición en el Conservatorio de Moscú durante 20 años. Forma un gran número de compositores, tales como Aram Jachaturián, Lev Knipper, Borís Aleksándrov, Aleksandr Davidenko y Aleksandr Mosólov, y dos célebres artistas ucranianos, Boris Liatochinski y Levko (Lev) Revoutski.

Reinhold Glière fue presidente del Comité de Organización de la Unión de Compositores de Moscú, entre 1938 y 1948, escapando a la censura del periodo de posguerra, y fue cubierto de honores como Artista del Pueblo de la URSS en 1938. Recibió tres premios Stalin -el primero en 1946 por su único Concerto para soprano coloratura y orquesta, de encantadora belleza.

Su enorme interés por la música de pueblos de la Unión Soviética favoreció al desarrollo musical regional y de escritura de obras que utilizó de diversos idiomas folklóricos, notablemente en Azerbaiyán y en Uzbekistán. Resultado de estos trabajos fue la ópera Šach-Senem op. 69 (1923-1925), que fue estrenada en Bakú en 1934 en lengua azerí.

Reinhold Glière está enterrado en el Cementerio Novodévichi de Moscú.

Matteo Renzi (Florencia, 11 de enero de 1975) es un político italiano. Fue alcalde de Florencia desde las elecciones locales del 22 de junio de 2009, en las que obtuvo un 59.96 % de los votos. El 22 de febrero de 2014 se convirtió en Primer Ministro de Italia.

Previamente fue presidente de la provincia de Florencia de 2004 a 2009. Desde el 8 de diciembre de 2013 es el Secretario general del Partido Democrático, tras ganar las elecciones primarias con cerca del 68 % de los votos.

Biografía
Es hijo de Laura Bovoli y Tiziano Renzi.4 Nació en Florencia el 11 de enero de 1975, donde estudió y se graduó en Derecho en la Universidad de Florencia. Su tesis en esa ocasión fue Florencia 1951-1956: La primera experiencia de Giorgio La Pira, alcalde de Florencia.

Se unió al Partido Popular Italiano, del cuál fue secretario provincial en 1999. Ese mismo año se casó con Agnese Landini con quien tuvo tres hijos: Francesco, Emanuele y Ester.

Luego de unos años desempeñando distintas tareas en el mundo privado, en 2004 fue elegido presidente de la provincia de Florencia con el 58.8 % de los votos. El 9 de junio de 2009 fue elegido alcalde de Florencia, encanbezando las listas del Partido Democrático, obteniendo el 47.5 % de los votos frente al 32 % de su rival.

Carrera política
Candidatura a las primarias de 2012
El 13 de septiembre de 2012 anunció su intención de presentarse a las elecciones primarias del centro-izquierda de Italia, que disputaría con el veterano Pier Luigi Bersani. Calificado como la joven promesa del Partido Democrático Italiano, el 25 de noviembre de 2012 obtuvo el 35.5 % de los votos en la primera vuelta de las primarias del Partido Democrático, por lo que, al no haber obtenido tampoco el otro candidato la mitad de los votos, concurrió a la segunda vuelta el 2 de diciembre.

Finalmente, Renzi obtuvo el 39.3 % de los sufragios frente al 60.6 % que consiguió Bersani, con lo que este último se convirtió en el candidato oficial del PD para las elecciones generales de 2013.

Italicum: La reforma electoral
Un par de semanas antes de ser elegido Primer Ministro, Renzi se reunió con Silvio Berlusconi para consensuar un proyecto de Reforma electoral después del fallo de la Corte Constitucional que declaró inconstitucional la Ley electoral de Italia, llamada también Ley Calderoli o Porcellum. El nuevo proyecto llevó el nombre de Italicum. El eje de la nueva propuesta está puesto en intentar favorecer la creación de mayorías, lo que impediría que las formaciones se vean obligadas a pactar para garantizar la gobernabilidad.

Cargos públicos desempeñados

Presidente de la Provincia de Florencia (2004-2009).
Alcalde de Florencia (2009-2014).
Secretario General del Partido Democrático (desde 2013).
Presidente del Consejo de Ministros (desde 2014).

En la imagen Mateo Renzi y Pedro Sanchez.

Domenico Cimarosa (17 de diciembre de 1749 – 11 de enero de 1801 ) fue un compositor clásico italiano nacido en Aversa, en el reino de Nápoles.

Sus padres eran pobres pero ansiosos por dar a su hijo una buena educación. Después de trasladarse a Nápoles lo enviaron a una escuela libre vinculada a uno de los monasterios de esa ciudad. El organista del monasterio, el Padre Polcano, quedó sorprendido por la inteligencia del muchacho y le instruyó voluntariamente en los elementos de la música y también en la literatura antigua y moderna de su país. Debido a su influencia, Cimarosa obtuvo una beca en el instituto musical de Santa María de Loreto, donde permaneció durante once años, principalmente estudiando los grandes maestros de la antigua escuela italiana. Piccinni y Sacchini y otros músicos de gran reputación se cuentan entre sus profesores.

A la edad de veintitrés años, Cimarosa comenzó su carrera como compositor con una ópera bufa titulada Le Stravaganze del Conte (Las Excentricidades del Conde), primera representada en el Teatro del Fiorentini de Nápoles en 1772. La obra mereció la aprobación y fue seguida en el mismo año por Le Pazzie di Stelladaura e di Zoroastro, una farsa llena de humor y de excentricidad. Esta obra fue también exitosa, y la fama del joven compositor comenzó a extenderse por toda Italia. En 1774 le invitaron a Roma para que escribiera una ópera para el stagione de ese año; y allí escribió otra ópera cómica titulada L'Italiana en Londra.

Los trece años siguientes de la vida de Cimarosa no estuvieron marcados por ningún acontecimiento digno de mencionar. Escribió algunas óperas para varios teatros de Italia, viviendo temporalmente en Roma, en Nápoles, o dondequiera que su vocación como director de sus obras le llevara. Entre 1784 y 1787 vivió en Florencia, escribiendo exclusivamente para el teatro de esa ciudad. La producción de este período de su vida es muy numerosa, consistiendo en óperas cómicas y serias, cantatas, y varias composiciones sacras. Cabe mencionar, entre otras, las siguientes obras: Caio Mario; las tres óperas bíblicas Assalone, La Giuditta y Il Sacrificio d'Abramo; Il Convito di Pietra; y también La Ballerina amante, una ópera cómica representada por primera vez en Venecia con gran éxito.

Alrededor del año 1787 Cimarosa fue a San Petersburgo por invitación de la emperatriz Catalina II. Permaneció en su corte durante cuatro años y escribió un número enorme de composiciones, sobre todo del tipo de piezas de ocasión. La mayor parte de los títulos de estas composiciones no se conocen. En 1792 Cimarosa dejó San Petersburgo y marchó a Viena por invitación del emperador Leopoldo II. Aquí compuso su obra maestra, Il matrimonio segreto, que se alinea entre los más altos logros de la música operística ligera. En 1793 volvió a Nápoles, en donde Il Matrimonio segreto (El matrimonio secreto) y otras obras suyas fueron recibidas con tremenda aclamación. Entre las obras pertenecientes a su última estancia en Nápoles se puede mencionar la encantadora ópera Le astuzie femminili.

Este período de su vida parece haber sido amargado por las envidias de personas envidiosas y hostiles, entre quienes figuró su viejo rival Giovanni Paisiello. Durante la ocupación de Nápoles por las tropas de la República de Francia, Cimarosa se unió al partido liberal, y, al regresar los Borbones, fue como muchos de sus amigos políticos condenado a muerte. Por intercesión de influyentes admiradores su sentencia fue conmutada por la de destierro, y abandonó Nápoles con intención de volver a San Petersburgo. Pero su salud estaba quebrada, y después de mucho sufrimiento murió en Venecia el 11 de enero de 1801, de una inflamación de intestinos. La naturaleza de su enfermedad condujo al rumor de que había sido envenenado por sus enemigos, lo que una investigación formal demostró ser infundado. Trabajó hasta el último momento de su vida, y una de sus óperas, Artemizia, quedó inacabada a su muerte.