Efemérides, un día tal como hoy...

Aleksandr Nikoláyevich Scriabin (Moscú, 6 de enero de 1872 - Moscú 27 de abril de 1915) fue un compositor y pianista ruso, considerado uno de los mayores exponentes del postromanticismo y el atonalismo libre. Fue uno de los compositores más innovadores de la historia de la música.

Scriabin nació en Moscú. Estudió piano a una temprana edad, tomando lecciones con Nikolái Zvérev que era al mismo tiempo profesor de Serguéi Rajmáninov. Estudió luego en el Conservatorio de Moscú con Antón Arenski, Serguéi Tanéyev, y Vasili Safónov. Se convirtió en un pianista notable a pesar de sus pequeñas manos que cubrían poco más de una octava (en alguna ocasión incluso se lastimó al practicar piezas que requerían mayor alcance). Scriabin se interesó sucesivamente en la teoría del Übermensch de Nietzsche y en la teosofía, y ambas teorías influyeron en su música y su pensamiento musical. Entre 1909 y 1910 vivió en Bruselas, donde se interesó por el movimiento teosofista de Delville y profundizó en las lecturas de Helena Blavatsky (Samson 1977).

Dane Rudhyar, teosofista y compositor, escribió que Scriabin fue "el gran pionero de la nueva música del renacimiento de la civilización occidental, el padre de la música del futuro" (traducido del inglés, Rudhyar 1926b, 899) y un antídoto para "los reaccionarios latinos y su apóstol, Stravinski" y la música "ordenada por la regla" del "grupo de Schoenberg" (Ibid., 900-901).

Hipocondríaco de por vida, Scriabin murió en Moscú de septicemia. Antes de su muerte, planificó un trabajo multimedia que se presentaría en el Himalaya, sobre el Armagedón, "una grandiosa síntesis religiosa de todas las artes que anunciaría el nacimiento de un nuevo mundo". La otra, titulada Misterio, quedó inacabada.

Estaba emparentado con Viacheslav Mólotov, político ruso y epónimo del cóctel molotov. El apellido de nacimiento de Mólotov era Scriabin.

Sus obras son un reto extremadamente complejo. Primero hay que resolverlas técnicamente (la Sonata n.º 4 termina con un prestissimo volando de dificultad legendaria); segundo, estudiarlas estilísticamente porque las primeras recuerdan a Chopin y las últimas son modernísimas para su tiempo.

Finalmente hay que sumergirse en sus ocultos contenidos que van de la confidencia romántica de las sonatas juveniles al esoterismo misterioso: la N° 9 se llama Misa Negra o Sonata De La Obscuridad, la N° 7 Misa Blanca o Sonata De La Luz, la N° 5 trae un epígrafe del poema del Éxtasis y la N° 6 según el mismo Scriabin ¨Tiene facetas demoníacas, y fue inspirada por el demonio¨.

Algunos de los pianistas que más éxito han alcanzado con la interpretación de obras de Scriabin son Vladímir Sofronitski, Vladimir Horowitz, Sviatoslav Richter y Robert Taub.

Influencias filosóficas.

Scriabin estuvo interesado en la teoría del Übermensch (superhombre o suprahombre) de Friedrich Nietzsche y, posteriormente, en la teosofía. Ambas influirían su música y sus ideas musicales. Entre 1909 y 1910 vivió en Bruselas, interesándose en el movimiento teosofista de Delville y continuando su estudio de Hélène Blavatsky.

El teosofista y compositor Dane Rudhyar escribió que Scriabin era "el gran pionero de la nueva música del renacimiento de la civilización occidental, el padre de la música futura", y un antídoto contra los "reaccionarios latinos y su apóstol, Stravinski" y la música "regulada" del grupo de "Schoenberg".

Scriabin desarrolló su muy propio y abstracto misticismo basándose en el papel del artista en relación con la percepción y la afirmación de la vida. Sus ideas sobre la realidad se acercan a las de Platón y Aristóteles pero de manera etérea e incoherente.

Las principales fuentes de su pensamiento filosófico pueden encontrarse en sus numerosos cuadernos inéditos, en uno de los cuales escribió su famoso "Yo soy Dios". Además de notas, contienen complejos diagramas técnicos que explican su metafísica. Scriabin también usó la poesía como medio para expresar sus nociones filosóficas, aunque casi todo su pensamiento filosófico fue llevado a la música, siendo el ejemplo más reconocible su 7ª sonata mesiánica.

Habilidad sinestésica

Scriabin poseía sinestesia, la habilidad de percibir mediante un sentido estímulos normalmente perceptibles mediante otro sentido. En el caso de Scriabin, él se jactaba de poder oír colores.

Scriabin se vio fuertemente influido por la habilidad sinestésica en su obra musical. Su principal virtud fue asociar cada tonalidad con un color determinado, creando así un modelo. Su sistema de colores, a diferencia de la mayoría de las experiencias sintestésicas, se ordena según el círculo de quintas; basado en el sistema que Isaac Newton describe en su libro Opticks. Nótese que Scriabin, según sus estudios teóricos, no reconocía diferencias entre una tonalidad mayor y otra menor con el mismo nombre, (por ejemplo: Do Mayor y Do Menor). Muchos de los trabajos de Scriabin en esta materia están influidos por doctrinas teosóficas.

Mientras Scriabin escribió solo un pequeño número de obras orquestales, éstas están entre sus más conocidas y frecuentemente interpretadas. Incluyen tres sinfonías, un concierto para piano (1896), El Poema del Éxtasis en (1908) y Prometheus: El Poema del Fuego, en la cual incluye una parte para "clavier à lumières", que era un órgano colorido diseñado específicamente para la sinfonía. Era tocado como un piano, pero proyectaba luces de colores en una pantalla del teatro donde se presentaba en vez de notas. Su estreno no incluyó este instrumento y no fue hasta 1915 en Nueva York cuando Scriabin pudo realizar su obra como la imaginaba.

En su autobiografía Recolecciones, Serguéi Rajmáninov grabó una conversación que él había tenido con Scriabin y Rimski-Kórsakov (quien también poseía la condición) acerca de la habilidad sinestésica de Scriabin. Rajmáninov se sorprendió al darse cuenta de que la asociación entre notas y colores era la misma en ambos, aunque escéptico, luego logró darse cuenta de que Scriabin asociaba un Mi bemol con púrpura, mientras que Rimski-Kórsakov con azul.

Sin embargo Rimski-Kórsakov protestó que un pasaje de la ópera de Rajmáninov El miserable caballero sustentaba su asociación; la escena en la que el viejo barón abre un baúl con un tesoro lleno de oro y joyas brillando estaba escrita en Re; es decir en amarillo oro. Scriabin escribió a Rajmáninov diciéndole que "su intuición ha seguido inconscientemente las leyes que su razón ha negado".

El mejor Scriabin está en las tres gigantescas últimas obras orquestales, "el Poema del Extasis" (que sería su cuarta sinfonía, antecedida por la tercera, "el Poema divino", "Prometeo: el poema del fuego" (quinta), y una última obra, verdaderamente singular y que el propio Scriabin dejó incompleta por su temprana y repentina muerte, la Preparación para el Misterio Final, completada por el compositor ruso A. Nemtin.

Cada una de estas obras presenta una extraordinaria intensificación de la anterior en todos los sentidos -en los medios instrumentales, en la complejidad armónico-tímbrica, en el contenido asociado a ella, en la duración, etc.- incremento fuera de toda proporción entre el Prometeo y el Misterio.

Cabe decir que si apreciamos la intensidad y el clima de una obra como el Poema del Extasis, en mi opinión muy emotiva y sobrecogedora, imaginemos adónde habría llegado Scriabin si la muerte no le hubiera sorprendido tan pronto, teniendo en cuenta que el Misterio era sólo una parte de un vasto proyecto final.

Scriabin arranca de una tradición de romanticismo pianístico bien consolidada, teniendo entre sus modelos sobre todo a Chopin y a Liszt; de Chopin toma la extrema dulzura de las melodías, la distinción y el gusto por las sutilezas armónicas, mientras que de Liszt va a tomar el énfasis, la voluntad de expresión, el carácter tremendo y a veces ajeno a toda medida "terrena" de su música, la tendencia a los trascendentalismos.

Sobre este punto es inevitable la referencia a Wagner, la visión de la música como una revelación superior que conducirá a la salvación, y, por supuesto, la vocación mesiánica del compositor.

Pero a diferencia del autor de Lohengrin, Scriabin no ve la purificación de la Humanidad ni en el pueblo alemán ni en el pueblo ruso, esto es, no parece estar contaminado de ningún nacionalismo, sino que se mantiene en sus ideales más allá de toda frontera o mediación particular, como un asunto entre el Hombre, sin distinciones, y lo Divino. En Scriabin, la concepción romántica de la música como perteneciente al dominio de lo sagrado va a alcanzar un nivel extremo de radicalidad.

La música se va a convertir en el elemento capaz de obrar en el hombre el milagro de la transmutación, la purificación espiritual que no es otra cosa que la misión del género humano sobre la tierra, la salvación, o como se le quiera llamar. Scriabin siempre estuvo, desde joven muy interesado por la espiritualidad, lo que le llevó a acercarse cada vez más al misticismo teosófico y a las enseñanzas orientales.

Viajaba abundantemente y también se sentía atraído por el pensamiento de Nietzsche y el socialismo, por contradictorio que parezca, aunque siempre haciendo de ellos interpretaciones de tipo esotérico, de acuerdo con sus ideales de salvación universal.

En su música pianística parte de un romanticismo hiperdesarrollado a la manera de Rachmaninov -aunque con una tensión interna y un nervio ajenos al celebérrimo pianista, cuya música resulta como incapaz de volar al lado de la de Scriabin- para ir tomando un camino absolutamente personal e innovador, al que no son ajenos las conquistas del impresionismo debussyano ni las de la escuela de Viena.

En su manera de escribir siempre va a dominar un virtuosismo de poderosos efectos, utilizando grandes masas de acordes junto a potentes bajos, y a la vez una tendencia a las irregularidades rítmicas, contraponiendo a menudo valores irreductibles en las dos manos dando una continua sensación de "rubato". Esto se ajusta a los testimonios sobre su propia forma de tocar, extremadamente delicada y sensual, donde sus libertades rítmicas desorientaban a algunos oyentes que no sabían como seguirle en su fluido y espontáneo discurso.

Scriabin compensaba "matemáticamente" los accelerandi con los ritardandi, lo que nos demuestra que detrás de su aparente desenfreno había un músico serio que conocía bien su oficio. Por otro lado, va a desarrollar una armonía muy peculiar que realmente no sólo constituyen los acordes, sino las propias melodías y en muchos casos son el elemento esencial de construcción de la música, a modo de principio estructural, en obras como la cuarta sonata de piano, o en el Prometeo.

En esta última obra despliega su famoso acorde "místico" aunque no es difícil encontrarlo transformado en otras obras de la época. Otros elementos propios de su lenguaje son la composición en base a progresiones, que para algunos puede resultar un punto débil de su arte compositiva; la extraordinaria regularidad de la métrica de sus frases y la claridad en la forma musical, lo cual no deja de sorprender en una música tan soñadora y llena de pasión, de manera que compositores como Mozart o Brahms pueden en esto ser más "románticos" que él; o la obsesión por los dibujos con trinos en su última época y por motivos o secuencias de acordes que se repiten en varias obras, lo que se puede apreciar en las creaciones de orquesta

En el Poema del Extasis, obra de 1906, Scriabin parte de la gran orquesta de finales del Romanticismo, incluyendo ya una importante sección de percusión, y plantea un poema sinfónico en un movimiento en conexión con un texto poético del propio compositor, originariamente "Poema Orgiástico", que nos ilustra sobre su particular fusión de misticismo y sensualidad.

En esta obra, que guarda una especial relación con la quinta sonata para piano, Scriabin enfrenta dos motivos musicales que se corresponden con sendos arquetipos; el primero representa el elemento femenino y sensual, el encantamiento y la seducción; marcado "con voglia languido" , es el que abre la obra, y se caracteriza por sus cromatismos y su elaboración por parte de los instrumentos de viento, en continuos juegos tímbricos y contrapuntísticos, sostenido por una armonía de novenas y acordes aumentados siempre cambiante.

El segundo, que se va dejando ver más tarde, es confiado especialmente a la trompeta, y encarna el elemento masculino, la voluntad de acción, la fuerza generadora, la conquista capaz de vencer toda resistencia, y se basa en un motivo de cuartas ascendentes con ritmos punteados, donde la armonía se suele presentar más estable, a veces con notas pedales en los bajos.

La partitura es verdaderamente emocionante de principio a fin, asombrándonos la maestría con la que Scriabin juega con las densidades, habiendo lugar para exquisitos pasajes apenas confiados a unos pocos solistas, y tremendas explosiones de toda la orquesta, para la más febril excitación y el más placentero sopor, sin olvidar momentos ágiles, de un detallismo nervioso, electrizantes, como el marcado "Allegro volando".

Sobre todo se ha hecho famoso el final, verdadero éxtasis luminoso de explosión orquestal en do mayor, sobrecogedor en su fuerza elemental, que viene preparado desde mucho antes por una nota por los bajos, mientras por encima el resto de la orquesta se entrega a un loco torbellino in crescendo, que de pronto se consume para dar lugar a un momento de misteriosa quietud, tocado de la magia de las notas del arpa, perfecta preparación para el imponente final.

En "Prométhée, Le Poème du Feu", Op. 60, Scriabin va aún más lejos en sus planteamientos. Es ésta una obra más sombría -no en vano para Scriabin el personaje de Prometeo es asimilable a Satanás- y quizá con una carga simbólica superior a la del Poema "extático", añadiendo por otro lado a la ya abultada plantilla orquestal un piano solista, un coro y el famoso "Clavier à Lumières", teclado de luces, nuevos elementos que juegan un papel determinado en la estructura simbólica de la obra -la orquesta es el "Cosmos", el piano solista es el "Hombre", etc.-

Para esta creación, Scriabin idea un complejo y personal sistema de correspondencias entre colores, estados espirituales y sonidos, de manera que el teclado de luces proyectaría determinadas frecuencias luminosas sobre el auditorio sincronizadas con la música que estuviera sonando, lo cual no siempre se ha llevado a cabo felizmente en las diversas interpretaciones que se han dado de la obra. Resulta difícil imaginarse lo que hubiera ideado Scriabin con los medios técnicos actuales.

En esta obra podemos apreciar algunos rasgos del lenguaje armónico del último Scriabin, con sus complejos y disonantes acordes, todo está muy lejos del dulcísimo lirismo o del aliento épico de obras anteriores como el concierto de piano o los estudios Op. 8, definitivamente Scriabin ha trascendido el romanticismo llevando la voluntad de expresión individual a honduras insospechadas.

La entrada del piano en el Prometeo, marcada "imperieux", causa una especial emoción, se nos antoja como el héroe que, cargado de valor, hace su aparición internándose en un mundo de sombrías criaturas que quedan cegadas por su poderosa luz. La obra está llena de precisas indicaciones, siempre en francés -"voluptueux, presque avec douleur; avec dèlice; avec émotion et ravissement", etc.- y continuos cambios de tempo, como sucede con el Poema del Extasis, con el que guarda muchos puntos de conexión, hasta el punto de parecer que a veces hay citas de él en el Prometeo.

No debemos olvidar las afinidades con sus obras pianísticas de la época -entre el Op. 62 y el Op. 70- lo que ha llevado a algunos a pensar que el lenguaje de Scriabin había llegado a un punto en el que no cabía ni evolución ni retorno, lo que le hacía repetir sus limitados esquemas en unas y otras obras. Otros acusan a su música tardía de "ininteligible", aunque resulta difícil sostener esto en Scriabin si pensamos en lo que ha dado de sí la música en nuestro siglo.

Por último, algunas notas sobre el "Misterio". Esta obra, que Scriabin sólo pudo dejar como proyecto, pretendía ser la "Preparación para el Misterio Final", una celebración mundial que tendría lugar en el Tibet y a la que seguiría una catarsis colectiva conducente a la desmaterialización del mundo, la deseada redención de la Humanidad. Resulta necesario contemplar con sentido crítico las desmesuradas ambiciones espirituales de Scriabin, si tenemos a la vista los suicidios colectivos de tantas sectas mesiánicas; verdaderamente la atracción hacia lo sagrado parece ser connatural a los hombres y en un mundo tan desacralizado como el occidental la religiosidad a veces reviste formas aberrantes y se extravía por caminos funestos.

En este gigantesco ritual la música sería sólo una parte, sabemos que habría unos textos y se realizarían oraciones, se proyectarían luces de colores y se liberarían esencias olorosas, hacia una experiencia total que abarcara el espíritu y los sentidos.

Obviamente, tal "Misterio" no se ha llegado a realizar, pero el aspecto musical del proyecto de Scriabin sí ha podido ser completado, y para ello el compositor ruso A. Nemtin ha consagrado una importante parte de su vida. Comenzó investigando en la partitura con el objeto de elaborar una banda sonora para una película sobre Scriabin, pero debió de atraerle el asunto y se dedicó a ordenar y enlazar todos los fragmentos de música compuestos por Scriabin. Se trata de una obra para gran orquesta, piano solista, órgano, coro y soprano solista, de unas dimensiones espectaculares -165 minutos en la versión completa de Ashkenazy; hay que decir que antes de la existencia de la edición completa, relativamente reciente, se ofrecía una versión reducida que venía a ser una tercera parte- ; ha debido de causarle grandes esfuerzos a pobre Nemtin, que sacrificó su propia vida de compositor para sacar a la luz una edición completa en la que el vasto proyecto de Scriabin, al menos en lo musical, ha tomado forma.

Concluyendo estas breves notas sobre las últimas grandes obras sinfónicas de Scriabin, hemos de decir que nuestra valoración del genio ruso es muy positiva.

Con todo su alucinado discurso y su música llena de extremos, Scriabin nos ha recordado que la música siempre ha sido, en las más variadas culturas, una experiencia integral que conecta al hombre con lo sagrado, una magia especial que le habla un lenguaje quizá no estrictamente racional pero cargado de "razones" y capaz de mover el espíritu con un poder y a veces con una violencia que nos retrotraen a tiempos míticos. Muchos años de conservatorios y de salas de conciertos nos pueden hacer olvidar que la música es una realidad viva, poderosa, por la que se manifiestan fuerzas capaces de despertar nuestros sentidos internos. Al margen de todo esto, Scriabin es un músico en toda regla que escribe magníficamente para el piano, tremendamente imaginativo y siempre capaz de efectos bellísimos, y sus contribuciones a la música del siglo XX, con la riqueza de su armonía, no dejarán dudas sobre su valor y significación.

Liturgia.

Antes de la puesta del sol, en la sinagoga se abre el hejal (arca) y los dos rollos de la Torá son sostenidos por dos rabinos o dos miembros de la comunidad. Entonces se recita la frase:

En el tribunal de los cielos y en el tribunal de la tierra, por el permiso de Dios, alabado sea, y con el permiso de su santa congregación, nosotros mantenemos que está permitido rezar junto con los transgresores de la ley.

A partir de ese momento el cantor (jazán) entona la oración aramea comenzando con las palabras "Kol Nidre" ("Todos los votos"). Con una melodía en crescendo repite tres veces las siguientes palabras:

Todos los votos, obligaciones, juramentos y anatemas, ... que nos atan desde este Yom Kipur hasta el siguiente (cuya feliz llegada esperamos ) quedan anulados. Quiera Dios redimir, absolver, perdonar, anular e invalidar y dejar sin efecto esos votos, que no nos aten ni tengan poder sobre nosotros, los votos no serán eficaces ni obligatorios, ni las promesas o juramentos.
Entonces el oficiante y la congregación recitan unidos (núm. xv. 26):

Y será perdonada toda la congregación de los hijos de Israel, y el extranjero que vive en medio de ellos, viendo que todo el pueblo estaba en la ignorancia.

Esto también se repite tres veces. El jazán entonces cierra con la bendición :

"Bendito seas, oh Señor nuestro Dios, rey del universo, que nos ha preservado y mantenido con vida para esta celebración".

En muchas congregaciones el versículo núm. xiv. 19-20 se recita antes de la bendición. Después los rollos de la Torá son devueltos al hejal y continúa el servicio religioso.

Origen.
Los judíos, como otros pueblos semitas, acostumbraban a emitir con profusión excesiva votos y juramentos imposibles de cumplir, pero que por otra parte tampoco querían infringir voluntariamente. De ahí que la conciencia religiosa buscara en la fórmula general del Kol Nidre una vía de escape a las tensiones provocadas por tales compromisos. Esto está de acuerdo con el más antiguo texto de la fórmula, que se preserva en el libro de oraciones de Amram Gaón (ed. Warsaw, i. 47a) y en el "ha-Pardés" (p. 12b). Se iba desarrollando ya desde entonces (periodo gaónico) la clara conciencia del perdón y la reconciliación.

El Kol Nidre se introdujo en la liturgia con la oposición de algunas autoridades rabínicas, siendo repetidamente atacado por los férreos seguidores de la Halajá (ley judía) hasta el punto de que en el siglo XIX fue eliminado de los libros de oración de algunas comunidades judías en Europa Occidental.

El Kol Nidre en el caraísmo.

En esta rama del judaísmo no se dice esta oración, pues está expresamente vetado el deshacerse de un juramento a Dios o librarse de él sin cumplirlo:

Si haces un voto al Señor, tu Dios, no tardes en cumplirlo, porque él no dejará de pedirte cuenta, y si no lo cumples, cometerás un pecado.Si te abstienes de hacer votos, no cometes ningún pecado. Sé un hombre de palabra, y cumple el voto que hagas espontáneamente al Señor, tu Dios, expresándolo con tus propios labios. (Deuteronomio 23:22-24)

El Kol Nidre procede de los judíos sefarditas de España.

Bruch
El compositor alemán Max Bruch compuso en 1880 una obra para orquesta y violonchelo solista que llamó Kol Nidre y que dedicó a la comunidad judía de Liverpool, ciudad donde residía por ser director de su orquesta.

Bruch no era judío.

Más información sobre Bruch en el post anterior.

Al año siguiente, Bruch inició sus estudios de música en Fráncfort, que prosiguió más adelante en Leipzig. Después de cinco años terminó su formación y trabajó durante tres años en Colonia como profesor de música. Entre 1861 y 1865 realizó numerosos viajes por Alemania, Austria, Francia y Bélgica, donde dio recitales como director de orquesta. Al final de ese periodo aceptó el cargo de director de música en Coblenza y más adelante de director de orquesta en Turingia.

En 1870, Bruch se instaló en Berlín, donde volvió a trabajar como profesor de música. En 1880, a los 42 años, se casó con una cantante, con la que tuvo cuatro hijos. Fue nombrado en ese mismo año director de la Orquesta Filarmónica de Liverpool, en Inglaterra, donde permaneció tres años y escribió su obra concertante para violonchelo y orquesta Variaciones sobre el Kol Nidrei, basada en melodías hebreas y dedicada a la comunidad judía de la ciudad.

A continuación dirige la orquesta de la ciudad de Breslau (entonces Alemania), hasta que se hace cargo en 1891 de la dirección de la escuela de composición en Berlín. En los años siguientes, Bruch es distinguido en repetidas ocasiones. Recibe el título de profesor honoris causa por las universidades de Cambridge y de Berlín. En esta última ciudad ingresa en la academia de Bellas Artes como miembro de la dirección.

En los diez últimos años de su vida, Bruch renuncia a sus cargos y se dedica por entero a la composición. Entre sus obras más importantes se encuentran sus conciertos para violín, de las que destaca por su popularidad el Concierto en sol menor. También son muy conocidas hoy en día su Fantasía escocesa, para violín y orquesta, y sus Variaciones sobre el Kol Nidrei, para violonchelo y orquesta. Bruch compuso otras muchas obras que fueron populares en su época, como sus tres sinfonías y otras obras orquestales, sus óperas - entre ellas especialmente Loreley - y sus obras corales.

Bruch murió a los 82 años de edad.

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Rodolphe Kreutzer (16 de noviembre de 1766 – 6 de enero de 1831) fue un violinista, profesor, compositor y director de orquesta francés. Es célebre por sus métodos y estudios para violín, y por la sonata que le dedicó Beethoven

En la imagen película sobre la novela de Tolstoi "Sonata a Kreutzer".

Director: Bernard Rose
Writers: Lisa Enos (screenplay), Bernard Rose (screenplay),
Stars: Danny Huston, Elisabeth Röhm, Matthew Yang King
Foto: Kreutzer. Hoy 16 de Noviembre de 1766 nace el violinista Rodolphe Kreutzer famoso por la Sonata que Beethoven le dedicó y la novela de Tolstoi. La "Sonata a Kreutzer" en el cine.

El Puente Angostura sobre el Río Orinoco en la región de la Guayana venezolana, fue diseñado y construido por el afamado ingeniero Paul Lustgarten, oriundo de la misma región, e inaugurado el 6 de enero de 1967, por el presidente Raúl Leoni. Al momento de su finalización era el noveno puente colgante del Mundo y el primero de Latinoamérica. Está localizado a 5 kilómetros de Ciudad Bolívar y conecta los estados Anzoátegui y Bolívar. Tiene una longitud de 1678,5 metros, cuatro canales de tráfico a una altura de 17 metros, 14,6 metros de ancho. En su punto más alto se eleva a 57 metros por encima del río, y posee dos grandes torres de acero que soportan el tendido de los cables y miden 119 m de altura.

En su afán por una sociedad serbia, el rey Alejandro I de Yugoslavia, instauró una de las peores dictaduras a partir del 6 de enero de 1929. La política hacia las Iglesias fue discriminatoria. Del presupuesto para el culto, la Iglesia ortodoxa recibía el 75% y la Iglesia católica 23%. Los obispos serbios recibían 40.000 dínares (moneda oficial de Serbia) y los obispos católicos 40.00020 000 dínares. En la enseñanza, los profesores serbios eran favorecidos en relación a las otras nacionalidades, los libros escolares en Croacia y en otras regiones fueron censurados, sobre todo en lo que tenía relación con la historia nacional, mientras que los libros serbios que glorificaban a la gran Serbia fueron ampliamente difundidos, sobre todo en Bosnia y en Macedonia. El uso de las palabras "esloveno" y "croata" estuvo prohibido. Se debía decir "yugoslavo". La policía fue enteramente serbia y muy temida, la misma trabajó con la delación, la opresión y la tortura. Todo adversario político del régimen era sospechoso y las condenas por este "delito" fueron frecuentes, quienes fueron sentenciados conocieron largos años de prisión.

Rodolphe Kreutzer (16 de noviembre de 1766 – 6 de enero de 1831) fue un violinista, profesor, compositor y director de orquesta francés. Es célebre por sus métodos y estudios para violín, y por la sonata que le dedicó Beethoven.

En la imagen la obra de Tolstoi "Sonata a Kreutzer".

La sonata a Kreutzer es una novela de León Tolstói, que toma su título de la composición homónima para violín y piano de Ludwig van Beethoven dedicada a Rodolphe Kreutzer. La obra de Tolstói se publicó en 1889 y fue censurada al poco tiempo por las autoridades rusas. Esta obra constituye un alegato sobre el ideal de la abstinencia sexual y un tratado exhaustivo en primera persona acerca del sentimiento de celos.

En la novela reverberan los celos que experimentó Tolstói por el encaprichamiento de su mujer Sofía Behrs con el compositor Serguéi Tanéyev y su música. En la novela el protagonista, Pózdnyshev, refiere los acontecimientos que provocaron la muerte de su esposa. En su análisis, menciona que la causa fundamental de la muerte de su amada fue el amor carnal y desenfrenado que acostumbra a regir las relaciones sexuales.

En su afán por una sociedad serbia, el rey Alejandro I de Yugoslavia, instauró una de las peores dictaduras a partir del 6 de enero de 1929. La política hacia las Iglesias fue discriminatoria. Del presupuesto para el culto, la Iglesia ortodoxa recibía el 75% y la Iglesia católica 23%. Los obispos serbios recibían 40.000 dínares (moneda oficial de Serbia) y los obispos católicos 40.00020 000 dínares. En la enseñanza, los profesores serbios eran favorecidos en relación a las otras nacionalidades, los libros escolares en Croacia y en otras regiones fueron censurados, sobre todo en lo que tenía relación con la historia nacional, mientras que los libros serbios que glorificaban a la gran Serbia fueron ampliamente difundidos, sobre todo en Bosnia y en Macedonia.

El uso de las palabras "esloveno" y "croata" estuvo prohibido. Se debía decir "yugoslavo". La policía fue enteramente serbia y muy temida, la misma trabajó con la delación, la opresión y la tortura. Todo adversario político del régimen era sospechoso y las condenas por este "delito" fueron frecuentes, quienes fueron sentenciados conocieron largos años de prisión.

Juana de Arco nacía en la ciudad de Domrémy-la-Pucelle, Francia, un día como hoy en el año 1412. Denominada santa patrona de Francia, es considerada la heroína de la Guerra de los Cien Años.

Con 17 años de edad ya encabezaba el ejército real francés. Carlos VII le dio autoridad sobre su ejército luego de que Juana lo convenciera de expulsar a los ingleses de su territorio. En los años 1429 y 1430, Juana lideró diversas campañas (como el Sitio de Orleans y la batalla de Patay) que llevarían a la coronación de Carlos VII. Estas batallas se dieron en el marco de la Guerra de los Cien Años, un conflicto armado entre Francia e Inglaterra que duró 116 años, desde 1337 hasta 1453. Posteriormente, Juana fue capturada y entregada a los ingleses. Los clérigos la condenaron por herejía y fue quemada viva en Ruan el 30 de mayo de 1431, con apenas 19 años de edad. 25 años después se reabrió la causa de Juana de Arco, se reconoció su inocencia y declararon herejes a los jueces que la habían condenado. En 1909, Juana de Arco fue beatificada por el Papa Pío X. En 1920, la mártir fue canonizada por el Papa Benedicto XV y posteriormente fue declarada santa patrona de Francia.

El 6 de enero de 1873 fue asesinado por su sobrino, Agustín Morales Hernández, quien había llegado a la presidencia de Bolivia luego de haber derrocado a Mariano Melgarejo en 1872. El mandato de Morales fue considerado como ilegítimo por la forma en que había logrado llegar al poder. Gracias a la complacencia del Congreso Nacional Ordinario, logró finalmente alcanzar su designación constitucional. Tenía un temor obsesivo a la oposición y a la posibilidad de ser derrocado, por lo que vivía en permanente estado de recelo y desconfianza. A poco tiempo de clausurar el parlamento, atendiendo ciertas informaciones poco serias, acusó a sus inmediatos colaboradores de traidores, agrediendo a uno de ellos, el Coronel José Lavandez. Para impedir sus excesos, se interpuso su edecán y sobrino, el Tcnl Federico Lafaye, a quien también golpeó, e incapaz de soportar el ultraje, Lafaye tomó su revolver y disparó a quemarropa los siete proyectiles de su arma.

El Fuerte de la Natividad fundado por Colón en 1492 sucumbe pronto ante el ataque de los nativos comandados por el cacique Canoabo. El 6 de enero de 1494, durante su segundo viaje al Nuevo Mundo, Cristóbal Colón funda la ciudad de Villa Isabela, primer poblado europeo en América Latina. La villa fue abandonada cinco años después por estar en un sitio poco apto para ser defendido y abastecido. Villa Isabela estaba situada en el actual territorio de República Dominicana, en el municipio de Luperón, en donde hoy se levanta un parque arqueológico destinado a preservar los vestigios del asentamiento colombino. Existen controversias sobre si se debe considerar a las colonias fundadas por los vikingos hacia el año 1.000 en la región canadiense de Terranova como los primeros asentamientos europeos en América si ese mérito le corresponde a Villa Isabela.

Hasta ese momento, su formación como compositor había sido casi por completo autodidacta; se trasladó a Alemania para comenzar estudios de composición y dirección con Max Reger, y un año más tarde a París para estudiar con Camille Saint-Saëns. Sin embargo, el estilo de sus obras no se aproximó al de sus maestros, asemejándose más al de Claude Debussy en su tratamiento armónico.

Esplá compuso numerosas piezas en las dos décadas siguientes y alcanzó una modesta notoriedad, aunque su fama fue eclipsada por la de su contemporáneo Manuel de Falla. En 1930 le fue ofrecida una cátedra en el Conservatorio de Madrid, actividad que compaginó con la presidencia de la Junta Nacional de Música. El 20 de agosto de 1936 publica la Gaceta de la República su nombramiento como Director del Conservatorio Nacional de Música y Declamación de Madrid. Esplá era republicano, pero sentía amenazada su vida y la de su familia, así que el mismo año de 1936 marcha a Bélgica con los suyos. Por otra parte, temía Esplá la represión de los nacionales y no pudo regresar a España hasta 1951.

A medida que pasaba el tiempo y la guerra se prolongaba, la situación del compositor era cada vez más precaria ya que no podía disponer de sus bienes en España. Gracias a Jean Absil fue contratado para colaborar en el diario Le Soir (1940-1943), que habiendo sido incautado por los nazis mantenía entonces una línea colaboracionista. Esplá no dudó en defender, desde las páginas de Le Soir a compositores judíos y a otros autores “prohibidos”. No obstante, tras la guerra, se le prohibió el ejercicio del periodismo en Bélgica.
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Se hallaba en una situación económica difícil cuando se le ofreció la dirección del recién creado Laboratorio de Ciencia Musical en Bruselas en 1946, para investigar la psicología de la música y la acústica; el laboratorio se extinguió poco después, y Esplá se trasladó a París, donde trabajó con compositores como Salabert y recibió ayuda de Unesco para paliar sus dificultades económicas.
Regresó a España, gracias a la mediación de Germán Bernácer Tormo en 1951, tras pagar una cuantiosa multa con sus bienes españoles. La protección del infante de Baviera y la necesidad para el Régimen de capitalizar a los intelectuales que venían del exilio, le permitió disfrutar de unos últimos años apacibles y de éxito. El 9 de mayo de 1956 es elegido como académico de la Académie des Beaux-Arts de París. En 1959 le conceden la Gran Cruz de Alfonso X el Sabio (B.O.E. 02.04.1959).

Sin embargo, se negó a colaborar en la celebración auspiciada por el régimen de los “XXV años de Paz”. En 1962 fue nombrado delegado local del Consejo Internacional de la Música creado por la Unesco.

Falleció en Madrid en 1976 y fue enterrado en el monasterio de la Santa Faz de su ciudad natal, tal y como fue su deseo, recibiendo sepultura el 8 de enero a la izquierda del altar mayor, donde se custodia la reliquia de la Santa Faz de Alicante.

El Conservatorio Superior de Música y una de las avenidas más importantes del centro comercial de Alicante, cercana a la estación del ferrocarril, llevan su nombre.

Deepika Padukone (nacida el 5 de enero de 1986 en Copenhague, Dinamarca) es una modelo y actriz india de la industria de Bollywood. Padukone debutó en el cine con la película Aishwarya de 2006. Al siguiente año, fue la protagonista en Om Shanti Om; la película resultó ser un éxito comercial y le valió para ganar el premio Filmfare al Mejor debut femenino. Otras películas en las que ha participado son Love Aaj Kal (2009), Housefull (2010), Cocktail (2012) Yeh Jawaani Hai Deewani (2013), y Goliyon Ki Raasleela: Ram-Leela (2013), la tercera película más exitosa comercialmente de la historia de Bollywood.

Vida personal
En marzo de 2008, Padukone comenzó a salir con el actor Ranbir Kapoor tras conocerlo en el rodaje de la película Bachna Ae Haseeno. Rompieron en noviembre de 2009.

En estos ultimos años a diseñado su propia marca de ropa interior para mujeres con ayuda de van bosmel .

Padukone, la hija del jugador de bádminton Prakash Padukone, nació en Copenhague y se crió en Bangalore. Cuando era adolescente jugaba bádminton en campeonatos a nivel nacional, pero dejó su carrera en el deporte para convertirse en un modelo de moda. Pronto recibió ofertas para papeles en el cine, e hizo su debut como actriz en 2006 como el personaje principal de la película kannada Aishwarya.

En 2010, empezo a salir con Siddharth Mallya, hijo del empresario Vijay Mallya, aunque nunca fue confirmado por Padukone. Padukone y Mallya rompieron en 2012.

Padukone conoció a Ranveer Singh en los sets de Goliyon Ki Raasleela: Ram-Leela (2013). Padukone y Singh comenzaron a salir en septiembre de 2013 y son pareja actualmente.

Wieland Wagner (Bayreuth, 5 de enero de 1917 – Múnich, 17 de octubre de 1966) fue el primogénito de los cuatro hijos (Wieland, Wolfgang, Friedelinde y Verena) de Siegfried Wagner y la inglesa Winifred Wagner (nacida Williams), nieto del compositor Richard Wagner y bisnieto del compositor y pianista Franz Liszt.

El nuevo Bayreuth
Fue uno de los directores de escena operísticos más importantes del siglo XX; sus escenificaciones de las óperas de su abuelo en el teatro del Festival de Bayreuth revolucionaron la percepción de la obra de Wagner para siempre. Enfocado en su raíz griega y en el teatro psicológico, es uno de los creadores del Regietheater.

Su trayectoria evolucionó desde el naturalismo hasta puestas en escena simbolistas, fuertemente influidas por la obra de Adolphe Appia. Sus elementos más característicos eran la fuerte expresividad interna e inmovilidad de los cantantes, el vacío casi total de la escena y un fuerte uso de la iluminación como creadora de ambientes; se dice que «pintaba con luz».

Se considera que su manifiesto artístico es la puesta en escena de Parsifal en 1951, que sirvió para reabrir el Festival de Bayreuth después de la Segunda Guerra Mundial. Buscando huir de los vínculos que se habían creado entre esta obra y el nazismo, eliminó la escenografía tradicional (el templo, el bosque). Por ejemplo, Klingsor no aparecía en su castillo mágico, sino en medio de una telaraña verdosa creada con la luz.

Además de Parsifal, produjo Los maestros cantores de Núremberg en 1956, donde debido a la abstracción se lo llamó «Los maestros sin Nuremberg». En el marco del festival creó Tristán e Isolda, El anillo del nibelungo, Lohengrin y Tannhäuser.

Fuera de Bayreuth produjo Fidelio, Salomé y El anillo del nibelungo en Nápoles, Stuttgart y Colonia.

Reclutó un importante grupo de cantantes que dieron origen al llamado «Nuevo Bayreuth», atentos a sus indicaciones, fue fundamental en las carreras de Martha Mödl, Astrid Varnay, Birgit Nilsson, Leonie Rysanek, Anja Silja, Régine Crespin, Hans Hotter, Ramón Vinay, James King, Gustav Neidlinger, Wolfgang Windgassen, Hermann Uhde, Josef Greindl, Thomas Stewart, Theo Adam, Gottlob Frick, Elisabeth Grümmer, Hermann Prey y Grace Bumbry, la primera afroamericana en cantar en el escenario del teatro.

Durante su regencia el festival contó con la participación de directores de orquesta de la talla de Herbert von Karajan, Hans Knappertsbusch, Joseph Keilberth, Clemens Krauss, Wolfgang Sawallisch y André Cluytens.

Desde 1951 hasta su muerte en 1966, Wieland Wagner fue codirector del Festival de Bayreuth junto con su hermano Wolfgang Wagner.

Vida privada
En 1941 se casó con la coreógrafa Gertrud Reisinger, con la que tuvo cuatro hijos: Iris Wagner (1942-2014), Wolf-Siegfried (*1943), Nike (*1945) y Daphne (*1946).

En la década del sesenta mantuvo un sonado romance con la soprano Anja Silja, una de las jóvenes estrellas del festival, para la que produjo Salomé y otras óperas fuera de Bayreuth.

Murió a los 48 años en 1966 de cáncer de pulmón.

Curiosidades
Sobreviven muy pocos testimonios filmados de su obra, entre ellos las históricas representaciones de Tristán y La valquiria en Osaka, Japón, un año después de su muerte, con la participación de algunos de sus cantantes mas dilectos. Durante la II Guerra Mundial se dedicó a pintar retratos de su abuelo para obtener ingresos.
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Wieland Wagner (5 January 1917 – 17 October 1966) was a German opera director.

Life
Wieland Wagner was the elder of two sons of Siegfried and Winifred Wagner, grandson of composer Richard Wagner, and great-grandson of composer Franz Liszt through Wieland's paternal grandmother.

In 1941, he married the dancer and choreographer Gertrud Reissinger. They had four children: Iris (b. 1942), Wolf Siegfried (b. 1943), Nike (b. 1945) and Daphne (b. 1946). Their son Wolf married Marie Eleanore von Lehndorff-Steinort, sister of fashion model Veruschka, whose father was involved in the July 20 plot to assassinate Hitler.

Late in his life, Wieland had a love affair with the much younger Anja Silja, one of the singers he had recruited for Bayreuth.

In 1965, he was awarded the Pour le Mérite.

He died of lung cancer in October 1966.

Career
Wieland Wagner is credited as an initiator of Regietheater through ushering in a new modern style to Wagnerian opera as a stage director and designer, substituting a symbolic for a naturalist staging and focusing on the psychology of the drama.

Wieland began his directorial career before World War II, working on operas by his father and grandfather. His innovative approach did not become clear until after the war. His design for the 1937 Bayreuth production of Parsifal, for example, was conservative, though it did have film projections during the transformation scenes.

When the Bayreuth Festival reopened after the war in 1951, Wieland and his brother Wolfgang became festival directors in place of their mother, whose association with Adolf Hitler had made her unacceptable. (Wieland's own past was, however, suppressed.) The revolutionary productions evoked extreme views both for and against.

Wieland's long-lasting 1951 production of Parsifal included many features with which he later would be identified. Post-war austerity and his own interest - influenced by Adolphe Appia - in lighting effects led to the use of round minimalist sets lit from above.

Wieland's first post-war Siegfried represented Fafner with a 30 ft statue of a dragon belching fire. In his later production of the opera he instead used pairs of giant eyes, which were picked out in turn from the back-projected forest, to suggest the movements of a huge creature stretching halfway down the Bayreuth hill.

Wieland's 1956 "Mastersingers without Nuremberg" was the symbolic culmination of his campaign to move away from naturalism in Wagner production with the medieval town represented by the cobbled shape of a street and, above the stage, a ball suggestive of a flowering tree.

Wieland's minimalism extended beyond the stage furniture and props. The performer of Gunther, for example, was expected to sing leaning forward in Act 1 of Götterdämmerung until he felt his authority challenged by Hagen and sat up straight. It is hard to imagine a greater contrast with traditional operatic acting.

Although Wieland is best remembered for productions of his grandfather's works at Bayreuth, he was often asked to work elsewhere in Germany and Europe. For example, he produced Tannhäuser and Der fliegende Holländer in Copenhagen, the Ring in Naples, Stuttgart and Cologne, and Beethoven's Fidelio in Stuttgart, London, Paris and Brussels.

Wieland's wife Gertrud collaborated with him to develop his interpretations of the operas and devise stage movement for the solo singers and chorus. Trained in modern dance, she is credited in the Bayreuth programs with choreography for Parsifal, Tannhäuser, and Die Meistersinger von Nürnberg, but in fact she assisted him in all of his Bayreuth productions and many that he staged elsewhere, sometimes taking rehearsals on her own. This was not revealed until after Wieland's death, and Wolfgang Wagner claims in his memoirs that it's not true. But biographer Renate Schostack recounts many particulars of this collaboration,] as does the daughter of Wieland and Gertrud, Nike Wagner.

The great love of his life was the German soprano Anja Silja. Only twenty years old, she took over as Senta in 1960 in Bayreuth when Leonie Rysanek cancelled, and created a sensation. Blessed with a strong, agile, youthful and gleaming voice, and with an extraordinary talent for acting, she embodied Wieland's ideals. She sang Elsa in Lohengrin, Elisabeth and Venus in Tannhäuser and Eva in Meistersinger at Bayreuth. Elsewhere, he cast her as Isolde, Brünnhilde, Richard Strauss's Elektra, and Salome, and Alban Berg's Lulu and Marie in Wozzeck. She even sang Desdemona in Verdi's Otello in Wieland's production.

Among the other celebrated singers who worked with Wieland were Hans Hotter, George London, Dietrich Fischer-Dieskau, Eberhard Wächter, Thomas Stewart, Theo Adam, Josef Greindl, Jerome Hines, Wolfgang Windgassen, Ramón Vinay, Jess Thomas, Jon Vickers, Martha Mödl, Astrid Varnay, Régine Crespin, Rita Gorr, Leonie Rysanek, Birgit Nilsson, Jean Madeira, Grace Hoffman, Franz Crass, Victoria de los Ángeles, Grace Bumbry, Christa Ludwig, Martti Talvela, Carlos Alexander, Isabel Strauß, James King, Claude Heater, Ticho Parly, Dame Gwyneth Jones, and Fritz Wunderlich. Wieland wanted great actors, but he also wanted the singers to execute his plans faithfully.

Conductors with whom he collaborated were Hans Knappertsbusch, Clemens Krauss, Joseph Keilberth, André Cluytens, Pierre Boulez, Herbert von Karajan, Erich Leinsdorf, Heinz Tietjen, Lorin Maazel, Wolfgang Sawallisch, Karl Böhm, Bruno Maderna, and Thomas Schippers.

Wieland Wagner's life and work are discussed in Tony Palmer's 2011 film, The Wagner Family.

Associations with Hitler and Nazism
Winifred Wagner's close friendship with Hitler meant that, as a teenager and young man, Wieland knew the dictator as "Uncle Wolf".In 1938 he joined the Nazi Party on Hitler's personal insistence. From September 1944 to April 1945 he held a sinecure at the Institut für physikalische Forschung in Bayreuth, founded by his brother-in-law Bodo Lafferentz, which was a satellite of the Flossenbürg concentration camp devoted to research and development of an improved guidance system of the V-2 rocket bomb. This enabled him to avoid being called into the Wehrmacht for the final defense of Germany. At the Institut he built models of stage sets and developed new stage lighting systems with the assistance of prisoner Hans Imhof, an electrical technician. At his denazification hearing in Bayreuth, on December 10, 1948, he was classified as a "Mitläufer" (follower), the fourth and lowest category, and fined DM100 plus the court costs.
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Wagner's grandson 'was in charge of Nazi slaves'

The Telegraph

By Hannah Cleaver in Berlin 02 Aug 2003

Richard Wagner's grandson used slave labourers in a Nazi camp to work on experiments in stage design and lighting for the Bayreuth festival, according to a new book.

Wieland Wagner adopted a firm anti-Nazi stance after the war and his hard line against his mother Winifred's Nazi connections is credited with rehabilitating the Wagner dynasty.

But according to a book, Bayreuth, the Outer Camp of Flossenburg Concentration camp, published this week, he was the deputy civilian leader of the prison during the war.

The authors, Albrecht Bald, a teacher, and Jorg Skriebeleit, who heads the camp memorial organisation, say that he used prison labour to conduct theatrical experiments that bore fruit when the Bayreuth Festival was relaunched in the 1950s.

Flossenburg, in Bayreuth, was a small camp housing 85 prisoners, technically trained Russians, Poles, French, Italian and German men, who were forced to work in what was styled the "Institute for Physical Research", helping to develop the V2 rocket.

The book claims that it would never have been built was it not for the Wagner family and their influence in the government.

Bodo Lafferentz, Wieland's brother-in-law, used his influence to set up the camp in Bayreuth and to get Wieland a job there, protecting him from possible drafting into the army.

Although the camp was not a scene of mass extermination, and in comparison to places such as Auschwitz, was a relatively humane regime, Wieland Wagner, who died in 1966, worked hard to keep his involvement hidden.

John H. D. Rabe (Hamburgo, 23 de noviembre de 1882 – Berlín, 5 de enero de 1950) fue un comerciante y diplomático alemán afiliado al Partido Nazi. Durante la masacre de Nankín de 1937-1938, Rabe garantizó la existencia de un área diplomática de 2 x 2 km, que ofreció refugio a la población china frente los soldados japoneses. Con ello consiguió salvar las vidas de 200.000 chinos.

Gracias a sus méritos humanitarios en ese suceso, enmarcado en el frente asiático de la Segunda Guerra Mundial, es también conocido como el "Oskar Schindler de Nankín", "el segundo Schindler" (según fuentes estadounidenses), y, por los chinos han, de "el Buddha alemán, o "el buen alemán de Nankín".

Vida
Rabe nació en Hamburgo en 1882. Hizo un aprendizaje mercantil y después de unos años en Africa, se mudó a China donde trabajó para Siemens China Co., una filial del consorcio Siemens de 1911 a 1938. A partir de 1931 Rabe fue representante de su empresa en Nankín.

El 12 de diciembre de 1937, Nankín fue ocupado por tropas japonesas en el curso de la Segunda guerra sino-japonesa. Durante más de ocho semanas acontecieron ejecuciones y violaciones sistemáticas en uno de los más cruentos sitios a una ciudad registrados.Aproximadamente 300.000 chinos fueron asesinados.

Los extranjeros establecidos en Nankín trataron de ayudar a la población china a través de la construcción de un área segura. John Rabe fue elegido presidente del Comité Internacional porque se esperaba que él, siendo alemán y sobre todo afiliado al Partido Nacionalsocialista Alemán de los Trabajadores, pudiera influenciar a los militares japoneses.

De hecho no hizo mucho efecto, 250.000 personas pudieron ser acogidos sólo temporalmente dentro del área segura de 4 km². John Rabe mismo acogió más de 600 personas en su terreno. Su coraje, su esfuerzo incansable así como su generosidad le dieron el respeto de la población china.

Después de abandonar Nankín en febrero de 1938 por órdenes de la Siemens China Co., John Rabe llamó la atención a los crímenes de guerra japoneses a través de ponencias en Berlín. Cuando escribió una carta a Adolf Hitler, pidiéndole influir sobre los japoneses para que cesaran las atrocidades, fue detenido brevemente por la Gestapo. Sus fotografías y tomas de la masacre fueron destruidas.

Después de la guerra, su petición de desnazificación fue inicialmente rechazada por Gran Bretaña. Sólo por apelación fue denazificado a causa de su trabajo humanitario en Nankín.

Empobrecido y olvidado, falleció en 1950 de una apoplejía en Berlín.

Impacto
En diciembre de 1996 fue publicado su diario extenso sobre la masacre de Nankín, que es considerado como una fuente documental importante. Fue publicado en Alemania, China, Japón y en los Estados Unidos.

En 1997, su lápida fue transportada por los chinos a un lugar conmemorativo de Nankín. Durante una visita del Presidente de Alemania Johannes Rau a China, el monumento de John Rabe fue honrado de forma oficial por parte de Alemania. El 13 de agosto de 2005 un busto de John Rabe fue descubierto como monumento en el John Rabe Communication Centre en Heidelberg.

La antigua residencia de John Rabe en Nankín fue restaurada conforme a un acuerdo de 2005 entre la Universidad de Nankín y el consulado general de Alemania en Shanghái. El lado alemán puso 2,25 millones de Yuan a disposición para la renovación de la residencia, para la construcción de un pabellón de conmemoración sobre John Rabe y el área segura internacional, así como el Centro de Investigación John Rabe de la Paz. El Servicio Austriaco en el Extranjero fue convocado a enviar un servidor de la paz.

En 2009 se filmó la película biográfica John Rabe, escrita y dirigida por Florian Gallenberger y protagonizado por Ulrich Tukur.

La película John Rabe
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Título original
John Rabe

Año
2009

Duración
134 min.

País
Alemania

Director
Florian Gallenberger

Reparto
Ulrich Tukur, Daniel Brühl, Steve Buscemi, Anne Consigny, Dagmar Manzel, Jingchu Zhang, Teruyuki Kagawa, Shaun Lawton

Premios
2008: 3 Premios del cine Alemán: Mejor película, actor y diseño de producción

Fue un destacado político pakistaní. Fue 4º Presidente de Pakistán desde 1971 a 1973, 9º Primer Ministro de Pakistán desde 1973 a 1977, y presidente del Partido Popular de Pakistán que él mismo fundó en 1967.

Se vio en la peculiar situación de ser un civil que administraba la ley marcial. Fue depuesto en un golpe de Estado que dio el general Muhammad Zia-ul-Haq, tras el cual fue condenado a muerte acusado del asesinato de un adversario político en 1974 y ahorcado el 4 de abril de 1979.

Su hija Benazir Bhutto fue primera ministra de Pakistán en dos ocasiones.

Biografía
Su padre era Shah Nawaz Bhutto, de una destacada familia sunita musulmana. Algunos afirman que era de una familia chiíta. En 1947 entró en la Universidad del Sur de California para estudiar ciencias políticas . Bhutto se casó el 8 de septiembre de 1951, en Karachi. Fruto de ese matrimonio nacieron cuatro hijos.

En 1957 se convirtió en el miembro más joven de la delegación de Pakistán ante la Organización de las Naciones Unidas. Cinco años después, fue nombrado Ministro de Relaciones Exteriores de Pakistán y renunció en 1967. Tras la dimisión, el 30 de noviembre de 1967, fundó en Lahore el Partido Popular de Pakistán (PPP).

Jorge Juan y Santacilia (Monforte del Cid, Alicante, España, 5 de enero de 1713 — Madrid, 21 de junio de 1773) fue un humanista, ingeniero naval y científico español. Midió la longitud del meridiano terrestre demostrando que la Tierra está achatada en los polos. Reformó el modelo naval español.

Biografía
Hijo de Bernardo Juan y Canicia y de Violante Santacilia y Soler, nació el 5 de enero de 1713, en la hacienda de su padre llamada El Hondón (hoy también conocida como El Fondonet), en el término actual de Novelda,1 en la zona conocida como «La Monfortina». Con motivo del III centenario de su nacimiento se desarrollaron multitud de argumentaciones en torno a la procedencia de su nacimiento. Lo cierto es que a pesar del nacimiento en su casa natal de El Fondonet, su bautismo se realizó en Monforte del Cid, siendo esta localidad la que figura en el único escrito que se halla acerca de la natalidad del mismo, la carta de ingreso a la Orden de Malta, en donde figura de su puño y letra que «Soy natural de Monforte»

Tenía tres años de edad cuando quedó huérfano de padre, estudiando las primeras letras en el colegio de la Compañía de Jesús de Alicante bajo la tutoría de su tío don Antonio Juan, canónigo de la colegiata. Poco después, su otro tío paterno don Cipriano Juan, Caballero de la Orden de Malta, que por entonces era Bailío de Caspe, se encargó de su educación enviándole a Zaragoza para que cursara allí los estudios de Gramática, que en aquel tiempo constituían una enseñanza preparatoria para otros estudios superiores.

La ciencia matemática era una de las materias más importantes en la educación de un guardiamarina del siglo XVIII. En 1729, con dieciséis años de edad, regresó a España para solicitar su ingreso en la Real Compañía de Guardias Marinas, escuela naval militar fundada por Patiño en 1717 en Cádiz. En 1729 ingresó en la Academia de Guardias Marinas de Cádiz. Tras seis meses de espera asistiendo como oyente, ingresó en 1730 en la Academia, donde se impartían modernos estudios técnicos y científicos con asignaturas como Geometría, Trigonometría,

Observaciones astronómicas, navegación, cálculos de estima, hidrografía, cartografía, etc., completando una formación humanística con otras clases de dibujo, música y danza. Pronto adquirió fama de alumno aventajado, siendo conocido por sus compañeros con el sobrenombre de Euclides.

Las avanzadas teorías de Newton eran conocidas y divulgadas en esta academia, de la que habrían de salir técnicos muy cualificados para la Armada. Cádiz era una puerta abierta a la Europa ilustrada, a las corrientes enciclopedistas y al comercio con América, en una España dieciochesca que se resistía al avance de las nuevas ideas. El mismo Voltaire tenía una casa comercial de vinos en Cádiz.

Todo esto debió de influir en la formación del joven Jorge Juan que en 1734, con 21 años de edad, finaliza sus estudios de Guardia Marina, tras haber navegado durante tres años por el Mediterráneo, participando en numerosas expediciones, bien para castigar a los piratas, o en la campaña de Orán, o en la escuadra que acompañó a Nápoles para sentar en el trono al entonces infante don Carlos, que más tarde sería Carlos III de España. Entre otros maestros en el arte de navegar tuvo como general al Marqués de Mari, su capitán en la Academia de Cádiz, y como comandantes al Conde de Clavijo, al célebre don Blas de Lezo y a don Juan José Navarro, después Marqués de la Victoria.

Como cadete participó en la expedición contra Orán (1732) y en la campaña de Nápoles (1734). En 1734, todavía estudiando, se embarcó junto con Antonio de Ulloa en la expedición organizada por la Real Academia de Ciencias de París a las órdenes del astrónomo Louis Godin para medir un grado del arco de meridiano terrestre en la línea ecuatorial en América del Sur, específicamente en la Real Audiencia de Quito (el actual Ecuador). Esto se realizó en Quito, su capital, territorio en aquella época bajo el dominio de la corona española. En la expedición se determinó que la forma de la Tierra no es perfectamente esférica y se midió el grado de achatamiento de la Tierra.

Jorge Juan permaneció diecinueve años en América estudiando la organización de aquellos territorios por encargo de la corona. A su regreso, Fernando VI lo ascendió a capitán de navío.

Consciente de que la armada española comenzaba a estar anticuada, en 1748 el marqués de la Ensenada le encargó viajar a Inglaterra como espía para conocer las nuevas técnicas navales inglesas.

Su misión consistía en informar de los avances británicos en construcción naval e importarlos, contratando además a expertos de los astilleros del Támesis que quisieran hacer escuela en España. Adoptó la falsa identidad de Mr. Josues. En menos de una semana logró lo que el inexperto embajador no había conseguido en años. Incluso conoció al almirante George Anson y al primer ministro John Russell, IV duque de Bedford, y compartió mesa con ellos.

Este último ordenará poco después a la policía darle caza por espía. Sus informes, por medio de cartas cifradas, convencieron aún más a Ensenada de la necesidad de cambiar de política y centrar el esfuerzo en construir una flota poderosa y moderna. Jorge Juan intuyó como él que tarde o temprano se dirimiría contra la flota inglesa la supremacía de los mares y sin un cambio en la Armada no habría América. Informó sobre la construcción naval, que se demostró más anticuada que la de Antonio Gaztañeta usada en España, y la división moderna del trabajo cualificado, copió pieza a pieza los diseños de barcos y las investigaciones sobre el lacre y las primeras aplicaciones de máquinas de vapor para limpiar puertos entre otros usos preindustriales. También informó de planes concretos de los ingleses para atacar América.

El gasto en madera era enorme contra el eficiente sistema inglés y la calidad y resistencia de sus jarcias, velas y otros componentes. Jorge Juan incluso realizó sus propias mejoras al sistema. Pero la policía inglesa empezó a recibir informes y alguno de sus contactos allí fue detenido por el propio ministro Bedford. Antes de escapar aún tuvo que vivir mil peripecias y planificar el viaje de decenas de importantes ingenieros navales y obreros cualificados a España con sus familias para trabajar para la Corona, convenciéndoles de que aquello no pondría en peligro la industria naval británica y en junio de 1750 logró cruzar el Canal de incógnito en un barco, el Santa Ana de Santoña, y llegó a París.

A su vuelta comprobó que ya trabajaban en España cuatro de los mejores constructores ingleses, medio centenar de técnicos y decenas de obreros cualificados. Protegido por Ensenada, fue nombrado en 1752 Director de la Academia de Guardias Marinas de Cádiz. Allí terminará de experimentar todas sus teorías sobre la construcción naval sustentadas matemáticamente. Los resultados incluso impresionaron a los ingleses. Inspeccionaba desde la tala de árboles hasta la modernización de arsenales y astilleros, empezando por Cartagena. Él mismo se hizo cargo de la construcción naval española, renovando los astilleros. Su actividad tuvo tan buenos resultados que pocos años después los ingleses devolvieron la visita para estudiar sus mejoras. Pero las intrigas triunfaron en el verano de 1754 y provocaron la caída y destierro del marqués de la Ensenada, gracias al empeño del sagaz embajador británico en Madrid, Benjamin Keene. Con el tiempo, sus ideas y las de Jorge Juan serían desechadas en favor del tipo de construcción naval francesa de Gautier, mucho más atrasado, pero defendido con denuedo por los nuevos ministros y sobre todo por Julián de Arriaga, secretario de Marina.

Entre 1751 y 1754 estuvo en Ferrol donde, con el ingeniero militar Francisco Llobet, planeó y construyó el arsenal y poco después realizó los primeros planos del que sería el barrio de la Magdalena, que quedaría en manos de Llobet.

En 1757 fundó por encargo del rey Carlos III el Real Observatorio de Madrid. También propuso al marqués de la Ensenada la creación de otro observatorio en la Academia de Guardias Marinas de Cádiz, idea que llevó a cabo más adelante el marqués de Ureña, fundando el Real Observatorio de la Armada, en San Fernando (Cádiz).

En 1760 fue nombrado jefe de escuadra de la Armada Real. Su competencia y buen valer hicieron que en 1767 se le nombrara Embajador Extraordinario de Su Majestad en Marruecos y logró firmar un primer tratado de 19 artículos que no ignoraba ninguna de las ambiciones importantes de la Corona. Allí también recabó información secreta y relevante para el Monarca; el Rey le honró con la dirección del Seminario de Nobles de Madrid en 1773.

Estuvo muy vinculado (desde los doce años) a la orden de los Caballeros de Malta de la mano de su tío, que ocupaba uno de los más altos cargos de la orden. Jorge Juan acabaría recibiendo el título de Comendador de Aliaga de la orden de los Caballeros de Malta.

A tanto laboriosidad sacrificó su salud en términos que la repetición de los cólicos biliosos convulsivos acabó con su vida en Madrid el 21 de junio de 1773. Enterrósele con solemnidad en la Parroquia de S. Martin, donde cubre sus cenizas un honorífico epitafio.

Sus restos mortales fueron inhumados en el Panteón de Marinos Ilustres, de San Fernando (Cádiz) el 2 de mayo de 1860.

Es generalmente desconocido que Juan Carlos I es Rey de Jerusalén.

Juan Carlos I, además de Rey de España, es también Rey de Jerusalén: algo insuficientemente conocido por los españoles, pero no por ello menos cierto y menos llamativo.

El Reino de Jerusalén se constituye cuando el 15 de julio de 1099, la ciudad de Jerusalén es conquistada por los cristianos que habían sido llamados en Santa Cruzada cuatro años antes, en 1095, por el Papa Urbano II. Recae el honor de ser el primer Rey de Jerusalén sobre el francés Balduino I, que lo es entre los años 1100 y 1118, si bien su hermano Godofredo de Bouillon había gobernado la ciudad antes que él, durante apenas un año, el que va de 1099 a 1100, solo que a título de Defensor del Santo Sepulcro y no de Rey.

El trono de Jerusalén va a ser un trono particularmente propicio a las mujeres. Así, son reinas de Jerusalén, Melisenda (1131-1152), hermana de los dos anteriores, Sibila (1186-1190) -quien en 1187 pierde la ciudad de Jerusalén ante Saladino, aunque el reino, con capital ahora en Acre y constreñido a la franja costera palestina, continúa llamándose Reino de Jerusalén- Isabel I (1192-1205), María de Monferrato (1205-1212)…

Dos mujeres interesan a nuestra historia. Por un lado esa Isabel I que ya hemos mencionado, reina de Jerusalén entre 1192 y 1205. Retengamos su nombre de momento. Y por otro lado, Isabel II (1212-1228), quien casada con el Emperador Federico II, vinculará la Corona de Jerusalén al Sacro Imperio Romano Germánico. Federico II, vale la pena señalarlo, rendirá un importante servicio a la causa, al recuperar Jerusalén para el reino que lleva su nombre, -cosa que hace mediante un acuerdo con el Sultán de Egipto Al-Malik Al Kadil en el curso de la V Cruzada-, bien es verdad que durante escasos quince años, los que van desde 1229 hasta que, en 1244, los musulmanes vuelven a tomarla para no volver nunca a manos cristianas.

El Reino de Jerusalén permanece vinculado al Sacro Imperio Romano Germánico durante los reinados del hijo de Federico, Conrado (Conrado II de Jerusalén), y del nieto, Conradino (Conrado III de Jerusalén), cuyo reinado sobre Tierra Santa nunca es personal, sino a través de regentes, pues él prefiere concentrar sus esfuerzos en Europa: concretamente en el Reino de Nápoles, que intenta arrebatar a Alfonso de Anjou, quien, tras derrotarlo en la batalla de Tagliacozzo en 1268, lo manda decapitar.

Volvamos ahora a la Isabel I que habíamos dejado arriba. Y es que ésta tiene una nieta, María de Antioquia que, a falta de mejor manera de hacer valer sus derechos dinásticos sobre Jerusalén, decide venderlos. Los vende a quien mejor dispuesto estaba a pagárselos, que no es otro que el gran enemigo del decapitado Conradino, Alfonso de Anjou, rey a la sazón de Nápoles, quien a partir de ese momento, se hace llamar Rey de Jerusalén y vincula así, para siempre, ambas coronas mediterráneas por un lado, la efectiva de Nápoles; por otro, la de Jerusalén, meramente virtual. Virtual porque lo cierto es que en 1291, apenas siete años después de acceder Alfonso a la corona jerosolimitana, la pérdida de Acre, última posesión cristiana en Palestina, hace que el Reino de Jerusalén desaparezca para siempre, y a falta de reino, lo único que quede sea un rey, que no es que al modo de los reyes constitucionales no gobierne: es que por falta de reino, ni siquiera reina.

Vayamos, pues, poniendo colofón a nuestra historia: la conquista de Nápoles por las tropas del Gran Capitán Gonzalo Fernández de Córdoba para nuestro Fernando el Católico, reconocido por bula papal de Julio II de 3 de julio de 1510 como Rey de Nápoles (y ¡ojo! también de Jerusalén), fundamentará, en adelante, la vinculación del título de Rey de Jerusalén a la Corona española. Una vinculación de la que hará buen alarde el propio Fernando el Católico, que en algún momento de su vida llegó a acariciar la idea de recuperar la Ciudad Santa para la Cristiandad.

Pero sobre todo, Felipe II, que recibe el título de manos de su padre Carlos V en 1554 para casarse en pie de igualdad, de monarca a monarca –aún no era Rey de España-, con María Tudor, Reina de Inglaterra, y que hará valer tan realífica condición en la que constituye la gran obra arquitectónica de su reinado, el Monasterio de El Escorial, donde precisamente las figuras del Rey David y del Rey Salomón coronan la impresionante entrada a su capilla, asimilando el gran mausoleo filipino a una especie de nuevo Templo de Jerusalén, aquél que Tito destruyera en el año 70 d.C..

En la foto los reyes de Israel David y Salomón en la entrada de El Escorial.

John Calvin Coolidge (4 de julio de 1872 - 5 de enero de 1933) fue el 30º Presidente de los Estados Unidos.

Coolidge nació en Plymouth, Vermont, en 1872. Era hijo de un político de Vermont; estudió derecho en el Amherst College de Massachusetts y empezó a ejercer como abogado en 1897, para lo cual se estableció en Northampton, Massachusetts. En 1898 fue elegido para un cargo en el municipio local y empezó a intervenir activamente en política, uniéndose al Partido Republicano. En 1906 fue elegido para el senado del Estado de Massachusetts donde amplió considerablemente su carrera política, y en el año 1918 ganó la elección para Gobernador del Estado.

Coolidge ganó fama nacional como Gobernador cuando se enfrentó a una gran huelga de policías en Boston en septiembre de 1919, para lo cual llamó a la milicia local con el fin de que asumiera roles de seguridad urbana y evitar saqueo y violencia que ocurrieron en la ciudad durante las primeras 48 horas de la huelga policial. Su negativa a ceder a la presión de los huelguistas y su posterior rechazo a reincorporarlos a la policía tras el fracaso de la huelga, le otorgó popularidad entre los elementos más conservadores del Partido Republicano. Sus colegas de partido pronto le dieron la ocasión de postularse como Vicepresidente de Estados Unidos, en las elecciones del año 1920 acompañando al candidato republicano, el senador por Ohio Warren G. Harding.

Vicepresidente
Elegido Harding el 2 de noviembre de 1920, Coolidge asumió el cargo de Vicepresidente el 4 de marzo de 1921, dedicándose a actividades protocolarias propias de su cargo, aunque forjando al mismo tiempo la imagen pública de un «hombre de pocas palabras», enemigo de dar largos discursos y aficionado a hablar sólo lo necesario e indispensable, quedando hasta ahora la duda sobre si esta conducta era parte de su personalidad (extrovertida en cuestiones políticas pero muy introvertida en la esfera privada) o si se trataba de una táctica de imagen ante la opinión pública. Precisamente este rasgo le dio a Coolidge un apodo célebre en la prensa estadounidense: Silent Cal o «Cal el Silencioso».

Tras la muerte de Harding el 2 de agosto de 1923 en la ciudad de San Francisco, Coolidge asumió oficialmente la presidencia dos días después en Washington D.C., pues al enterarse de la muerte de Harding, Coolidge se hallaba de vacaciones en la granja de sus padres en una zona remota de Vermont aprovechando el verano boreal. Durante la presidencia, Coolidge decidió seguir trabajando con los funcionarios nombrados por su antecesor, tratando de seguir las políticas trazadas por éste, al considerar que debía respetarse los planes del candidato ganador de la presidencia en 1920.

Al acercarse las elecciones a la presidencia de 1924, el Partido Republicano lo designó como candidato el 12 de junio de ese año. Sin embargo, Coolidge pasó por un duro luto personal cuando su hijo de 15 años, Calvin Jr. murió el 7 de julio como resultado de una sepsis causada por una herida infectada. Pese al luto, Coolidge participó en las elecciones presidenciales de 1924, venciendo al candidato del Partido Demócrata, con un porcentaje de voto popular del 54% contra el 28,8% del demócrata Davis y el 16.6% del tercer candidato, Robert LaFollette.

Presidencia
Como Presidente, Coolidge demostró su determinación para preservar los viejos preceptos morales y económicos en medio de la riqueza material de la que gozaban muchos estadounidenses durante la década de 1920. Creyente en la libertad de empresa, Coolidge rechazó utilizar el poder federal para mejorar la condición deprimida de la agricultores y de ciertas industrias. Uno de los principales problemas fueron los proyectos para otorgar subsidios agrarios en un intento de compensar la reducción de los precios de los productos agrícolas; pese a esto, Coolidge se negó a aprobar tales subsidios alegando que manipular precios resultaba un peligro para la economía nacional, rechazando aún con mayor énfasis el proyecto de que el gobierno federal comprara la sobreproducción agrícola.

Asimismo Coolidge mostró un sincero interés en promover el laissez-faire en la economía estadounidense, rechazando el intervencionismo estatal en todo lo posible, y reiterando que el crecimiento económico del país experimentado en los felices años veinte debía ser preservado mediante reducciones de impuestos, para con ello promover la industria y el comercio internacional, donde Estados Unidos se estaban convirtiendo en la primera potencia mundial. Coolidge defendió esta política alegando que, «en definitiva, el asunto esencial del pueblo estadounidense son los negocios» («After all, the chief business of the American people is business»).

De hecho, un rasgo típico del mandato de Coolidge fue que el gobierno federal mantuvo una baja tasa de imposición tributaria, al punto que los impuestos sobre la renta gravaban apenas al 2% más rico de la población, en lo cual concordaba con su Secretario del Tesoro, el banquero Andrew William Mellon.

En política exterior, Coolidge favoreció el aislacionismo y rehusó que Estados Unidos entrase en la Sociedad de Naciones al considerarlo un gesto «inútil», de igual modo se negó a otorgar reconocimiento diplomático a la Unión Soviética. En política interior, Coolidge aprobó la Indian Citizenship Act de 1924 que otorgaba plenos derechos de ciudadanía a los miembros de las tribus indias de Estados Unidos, mientras mostraba su rechazo a la segregación racial, favoreciendo los derechos de la población de raza negra y la minoría religiosa católica.

Retiro
Tras cumplirse el periodo de su mandato en 1928, Coolidge declinó presentarse de nuevo a la presidencia, pero tampoco ofreció su apoyo a Herbert Hoover, designado como candidato del Partido Republicano para esa elección. Tras su presidencia, Coolidge se retiró a su propiedad rural de Northhampton, Vermont, donde falleció el 5 de enero de 1933.

Robert Juan René Gerhard Ottenwaelder (Valls, Tarragona, 25 de septiembre de 1896 – Cambridge, 5 de enero de 1970), fue un compositor español. Hijo de padre suizo y madre francesa, de Alsacia, aunque se consideró siempre un compositor español, y desde 1921 firmaría como Roberto Gerhard. Murió en el exilio al que le condenó el ascenso del régimen franquista. Roberto Gerhard es uno de los más grandes compositores españoles del siglo XX.

Aunque recibió educación musical desde niño, su padre se opuso a que eligiera la música como profesión. Tras dos años de estudios comerciales en Suiza, retornó a su tierra para estudiar piano bajo la dirección de Enrique Granados y composición bajo la de Felipe Pedrell, maestro también de Albéniz, Falla y el propio Granados.

A la muerte de Pedrell buscó sin éxito la tutela de Falla, para terminar bajo la de Arnold Schönberg, con el que pasó varios años en Viena y Berlín. De vuelta a Barcelona en 1928, dedicó todo su esfuerzo a la promoción de la música nueva, a través de conciertos y también de sus artículos. Amigo de Miró y de Casals, trajo a Schönberg y Webern a Barcelona. Fue el alma del festival que la International Society for Contemporary Music (Sociedad Internacional de Música Contemporánea) celebró en Barcelona en 1936, en el que se estrenó el Concierto para violín de Alban Berg.

Simultáneamente llevó a cabo una obra musicológica consistente en la recolección, edición e interpretación de música antigua española, desde el Renacimiento hasta el siglo XVIII.

Identificado con la II República Española y la autonomía catalana, fue asesor musical del Gobierno de la Generalitat. El triunfo final de la rebelión franquista lo condujo al exilio, primero en Francia y luego en el Reino Unido (Cambridge). En vida de Franco sólo volvió en visitas privadas, y el régimen se ocupó mientras tanto de que fuera ignorado en su país.

A partir de su exilio empezó a usar militantemente la forma Roberto de su nombre de pila. Sus obras de los años 1940 revelan, por sus temas explícitamente españoles y catalanes, una añoranza de la patria perdida; de 1940 es una Sinfonía en memoria de Felipe Pedrell, su maestro, y una primera versión del ballet Don Quijote. Sus esfuerzos culminaron en la ópera La Dueña (The Duenna, en inglés) sobre un texto inglés de Richard Brinsley Sheridan. A lo largo de los años 1950, la influencia del serialismo de Schönberg, que actúa como trasfondo en unas obras esencialmente nacionalistas, lo condujo a una aproximación cada vez más vanguardista a la composición, a la vez que a un extenso reconocimiento de su obra, que le llevó a enseñar también en Estados Unidos.

En esa misma época Gerhard se empezó a manifestar el problema cardíaco que acabaría con su vida. Murió en Cambridge en 1970. Su demorado prestigio en España empezó con el estreno, póstumo y tan tardío, de La Dueña en 1992, en Madrid y en Barcelona.

Las obras más significativas de Gerhard, aparte las mencionadas, incluyen cuatro sinfonías, un concierto para orquesta, conciertos para violín, piano y clavicordio, la cantata La peste (basada en la novela homónima de Albert Camus), los ballets Ariel, Don Quijote, Pandora y Veladas de Barcelona, así como distintas piezas para variados conjuntos de cámara, incluidas sardanas para ser interpretadas por cobla. Fue el primer compositor de música electrónica en Gran Bretaña, con la partitura que acompañó al montaje de 1955 de El rey Lear de la Royal Shakespeare Company. De la producción camerística de su último periodo destaca la trilogía de piezas sobre temas astrólógicos: Géminis, Leo y Libra. Es estas obras, como en su cuarta sinfonía, apuesta por un lenguaje de gran modernidad que sitúa a Gerhard a la cabeza de las inquietudes estéticas de su tiempo.

Roberto Gerhard (der.) oficiando de anfitrión en Barcelona de Arnoldl Schoenberg (centro) y Anton Webern (izq.)

Hayao Miyazaki es considerado uno de los animadores, ilustradores, guionistas y directores mas grandes de la historia de Japón. Sus creaciones y personajes le valieron también el reconocimiento de la crítica y el público a nivel mundial.

Entre sus films mas destacados figuran “Mi vecino Totoro”, “Nicky, la aprendiz de bruja”, “La princesa Mononoke” y “El viaje de Chihiro”, éste último, de gran repercusión en occidente.

El 1 de Septiembre de 2013 fue anunciada su retirada como director de proyectos de animación.

Anastasio Somoza Debayle (1925-1980), político nicaragüense, fue presidente de su nación entre el 5 de enero de 1967 y el 1 de mayo de 1972, y por segunda vez entre 1974 y 1979. Como jefe de la Guardia Nacional, mantuvo el poder efectivo durante el período intermedio. Fue el último miembro de la familia que ejerció el poder, tras su padre y su hermano, una dinastía de dictadores que había comenzado en 1934. El 1 de mayo de 1972 entregó el poder a una Junta Nacional de Gobierno, compuesta por Fernando Agüero Rocha (conservador), Roberto Martínez Lacayo y Alfonso Lovo Cordero (liberales nacionalistas), ya que el año anterior se había firmado un pacto entre el PLN y el Partido Conservador de Nicaragua (PCN) para así reelegirse en 1974, este mismo año Somoza volvió a ganar las elecciones, y su segundo mandato duró hasta el año 1979.

Las primeras bases teóricas de la propagación de ondas electromagnéticas fueron descritas por primera vez por James Clerk Maxwell, en un documento dirigido a la Royal Society, titulado Una teoría dinámica del campo electromagnético, el cual describía su trabajo entre los años 1861 y 1865. Pero fue Heinrich Rudolf Hertz, quien el 5 de enero de 1940, validó experimentalmente la teoría de Maxwell, demostrando que la radiación de radio tenía todas las propiedades de las ondas y descubriendo que las ecuaciones electromagnéticas podían ser reformuladas en una ecuación diferencial parcial denominada ecuación de onda. La radio es una tecnología que posibilita la transmisión de señales mediante la modulación de ondas electromagnéticas. Estas ondas no requieren un medio físico de transporte, por lo que pueden propagarse tanto a través del aire como del espacio vacío

El emperador mexicano Agustín de Iturbide invita a la Federación Centroamericana, formada por Honduras, Guatemala, El Salvador y Costa Rica, a unirse al imperio que encabeza. Para forzar una respuesta positiva, envía un ejército que ocupa la región. Los grupos contrarios a la anexión se manifiestan en varias ciudades centroamericanas, pero su poder es limitado y las tropas mexicanas atemorizan a muchos dirigentes. El Congreso centroamericano aprueba por mayoría la anexión y Centroamérica permanece unida a México hasta agosto de 1823, cuando una revolución liberal derroca a Iturbide y da fin a su sueño imperial.

Ese día se da a conocer un edicto de las cortes de Cádiz que suprime la Inquisición en España y América. Los Tribunales de Fe estaban vigentes en América desde 1569 y su misión era vigilar la aplicación de la moral católica y perseguir a herejes y paganos. Protestantes, indígenas aferrados a sus costumbres ancestrales y judíos fueron sus principales victimas en América. Desde su creación en 1478 los tribunales de la Inquisición fueron responsables de la tortura, cárcel y ejecución de mas de 125.000 personas en América y Europa.