Efemérides, un día tal como hoy...

Reus, Tarragona, 1814 - Madrid, 1870) Militar y político español. Se integró en el Ejército para defender el trono de Isabel II desde el comienzo de la Primera Guerra Carlista (1833-40), en la que ascendió hasta coronel. Inclinado a las ideas liberales, se lanzó enseguida a la política como diputado por Tarragona (1841). Apoyó a los progresistas durante el trienio esparterista (1840-43); pero se enfrentó al autoritarismo de Espartero y acabó contribuyendo a derrocarlo organizando una sublevación en Reus. El gobierno progresista así formado nombró a Prim gobernador militar de Barcelona, con el encargo de reprimir el movimiento revolucionario que perduraba en la ciudad (1843).

Después, el poder pasó a los moderados de Ramón María Narváez por un largo periodo, y Prim prefirió alejarse de la política, dedicándose a viajar por Europa. En 1847-48 fue gobernador de Puerto Rico, en donde destacó por su dureza en la represión del bandolerismo y de los motines de esclavos. De regreso a la Península fue elegido nuevamente diputado (1851) y volvió a adquirir protagonismo político tras la Revolución de 1854, con la que dio comienzo un nuevo bienio progresista; en ese periodo mandó la expedición española enviada a Melilla para sofocar la insurrección de los rifeños (1856).

Por entonces se integró en la Unión Liberal, partido centrista creado por Leopoldo O'Donnell. Siendo ya éste presidente del gobierno, Prim participó en la Guerra de África (1859-60), obteniendo éxitos que le valieron el título de marqués de los Castillejos. En 1861 fue puesto al mando del cuerpo expedicionario español enviado a México, en colaboración con fuerzas francesas y británicas, para obtener del gobierno de Benito Juárez el pago de las deudas pendientes; la presión militar impulsó al gobierno mexicano a entablar conversaciones sobre la deuda, que culminaron con la firma del Convenio de la Soledad (1862).

Sin embargo, al descubrir que Napoleón III pretendía aprovechar aquel pretexto para derrocar a Juárez e instaurar en su lugar a Maximiliano I como emperador de México, Juan Prim decidió por su cuenta retirar sus fuerzas. Aunque las autoridades españolas ratificaron su postura, el desacuerdo con O'Donnell llevó a Prim a abandonar la Unión Liberal y, ante la enemistad que había suscitado en la opinión conservadora por no alinearse con los enemigos de Juárez, regresó a las filas progresistas.

Desde entonces conspiró continuamente para derrocar a los gobiernos moderados, e incluso a la propia Isabel II, que los amparaba: intentó un fallido desembarco en Valencia (1865); organizó la sublevación del Cuartel de San Gil (1866); promovió el Pacto de Ostende entre progresistas y demócratas (1866), al que se sumaron los unionistas tras la muerte de O'Donnell (1867). Y, finalmente, lanzó la Revolución de 1868, en colaboración con Sagasta, Serrano, Ruiz Zorrilla y Topete. Prim participó en el pronunciamiento inicial en Cádiz y marchó luego a sublevar Valencia y Barcelona, antes de hacer su entrada triunfal en Madrid, ya destronada la reina.

En el inmediato gobierno provisional presidido por Francisco Serrano, Prim se encargó del Ministerio de la Guerra; en las Cortes constituyentes defendió la definición del nuevo régimen como una monarquía democrática, que quedó plasmada en la Constitución de 1869. Serrano pasó entonces a ejercer la Regencia mientras se encontraba un rey para el trono vacante, sustituyéndole Prim como presidente del Consejo de Ministros. Desde ese cargo fue uno de los principales defensores de la candidatura de Amadeo de Saboya; pero unos días antes de que éste llegara a Madrid para iniciar su reinado, Prim murió asesinado en un atentado cuya autoría nunca ha podido ser esclarecida.

En la imagen película sobre Prim.

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Akra Leuké, ó Akra Leuka (del griego Ἂκρα Λευκῆ, «Akra Leukḗ» o Λευκῆ Ἂκρα) es el nombre con el que se conoce el primer asentamiento del que se tiene noticia sobre lo que hoy en día es Alicante. Data del año 231 a.C. y se trataba inicialmente de una base militar fundada por Amílcar Barca.

Akra Leukḗ significa «promontorio blanco». Se piensa que se utilizó este nombre para describir el monte Benacantil sobre el que estaba ubicado dicho asentamiento. La figura del Benacantil, la elevación montañosa más elevada desde el dianense Montgó y la Sierra Helada benidormí, debió servir como hito de referencia para la navegación de cabotaje que solían realizar los griegos, y probablemente éstos le debieron asignar este nombre por la tierra seca y arcillosa que constituye dicho monte. Curiosamente, cuando la ciudadela pasó a manos romanas, éstos le dieron el nombre de «Castrum Album», cuya traducción al castellano es idéntica.

Los orígenes de este primer asentamiento urbano estable de Alicante se remontan al s. III a.C y coinciden con la aparición de diversos poblados íberos en la provincia de Alicante, ampliamente documentados por multitud de restos arqueológicos de cerámicas, murales, utensilios y cimientos de construcciones, identificadas como construcciones comerciales y militares griegas. En concreto, la construcción de Akra Leuké pertenece a la misma época que los Baños de la Reina de El Campello, aunque no existen pruebas fehacientes que unan ambos asentamientos bajo el poder de una misma población. Hay que tener en cuenta que la distancia que separa a ambos lugares – unos 15 kilómetros o 9 millas marítimas – era una distancia considerable para aquella época.

Tradicionalmente se han asimilado estos primeros asentamientos con los focenses, naturales de la polis griega de Focea, en Asia Menor. Se sabe que los focenses mantenían rutas comerciales con las poblaciones de la costa mediterránea peninsular como Sagunto. Amilcar Barca situó en el monte su principal acuartelamiento poco antes de la Segunda Guerra Púnica, al valorar las posibilidades que ofrecía como asentamiento militar su cima.

Posteriormente, hacia el 201 a. C., los romanos capturan la ciudad íbera del cercano Tossal de Manises cuyo nombre había derivado hacia Leukante o Leukanto, y que fue adaptado al latín como Lucentum. Se sabe que por aquel entonces existía un puerto marítimo-fluvial en este emplazamiento junto a la desembocadura del Barranco de Orgegia, entre la Serra Grosa y el Cabo de las Huertas. Este barranco daría posteriormente lugar a la actual playa de la Albufereta. En esta ubicación idónea para el intercambio comercial y el cultivo por irrigación, se situó el primer solar urbano que daría lugar con el paso del tiempo a la ciudad de Alicante.

Existe cierta polémica acerca de si Akra Leuka coincidía exactamente con la ubicación de Lucentum, dado que ésta presenta materiales arqueológicos cercanos a la segunda mitad del s. III a. C. y pese a la cercanía, es posible que Akra Leuka no pasara de ser un mero asentamiento militar y no una ciudad en el sentido amplio de la palabra. Sin embargo, estudios recientes en el cercano Tossal de Manises nos hablan de que, al menos la parte baja de Akra Leuka, es de origen púnico, y que el asentamiento ibérico antiguo parece encontrarse en este mismo lugar.

Sea como fuera, es probado que los primeros asentamientos de Alicante tuvieron origen griego, rondan el s. III a. C., tuvieron un origen militar en el monte Benacantil y que posteriormente se expandieron hacia la ladera septentrional del monte dando lugar a una población con una fuerte actividad comercial que tuvo su esplendor durante la ocupación romana, donde se convirtió en un relativamente destacado proveedor de aceite, vino y salazones.

Por último, cabe señalar que estos homónimos quedan convenientemente reflejados en el escudo de la ciudad de Alicante, en cuyo campo central aparece el monte Benacantil flanqueado por las iniciales, A, L, L y A, cuyos significados son: Akra Leuka, Lucentum y Al-Quant o Alicante.

En la imagen el escudo de Alicante con las siglas definitivas A L L A (Akra Leuka Lucentum Alicante).

Poco se puede añadir a lo ya dicho sobre Nelson Mandela: pocas veces se ha rendido un homenaje tan unánime a la memoria de un hombre. Ahora bien, quizás sí cabe decir algo precisamente sobre esta estrepitosa unanimidad.

De entrada puede producir alguna extrañeza que los mismos gobernantes que cierran las fronteras a los emigrantes o los deportan a golpes o pagan a dictadores para que se deshagan de ellos con discreción en los desiertos, los que mandan drones a bombardear otros países y soldados a invadirlos, los que apoyan dictaduras en las que los extranjeros trabajan en condiciones de esclavitud, los que persiguen y encarcelan a jóvenes por soñar la autodeterminación de sus pueblos, los que promulgan leyes liberticidas, los que apoyaron en otro tiempo el apartheid en Sudáfrica y lo apoyan hoy en Palestina; que los mismos periodistas e intelectuales que piden a gritos la cadena perpetua y hasta la pena de muerte, los que arremeten contra Cuba o contra Venezuela, los que legitiman golpes de Estado en Honduras y criminalizan a Correa o Morales, los que defienden la privatización de los recursos, la educación y la cultura, los que en estos días rendían también homenaje a Kennedy y un poco antes a Thatcher y Reagan, produce sin duda extrañeza que estos gobernantes y estos periodistas sientan de pronto ese arrebatado fervor por un expreso político que luchó toda su vida contra ellos y lo que representan.

Desde la izquierda, este desmayo místico de los políticos y los medios de comunicación produce, más que extrañeza, indignación y en las redes y en los periódicos más comprometidos muchos comentaristas han denunciado con razón su hipocresía y su cinismo, recordando que Mandela fue considerado durante años “terrorista”, que defendió la lucha armada y que su proyecto de liberación para Sudáfrica se medía en el espejo de Argelia y de Cuba.

Hay una tentativa de “asimilación” o de “recuperación” de Mandela por parte del “sistema”, tentativa que inspira una inevitable repugnancia. Pero conviene ir un poco más allá de esta repugnancia instintiva para no quedar atrapados en el horizonte de nuestras desdichas placenteras e incontaminadas.

Nos quieren robar a Mandela, quieren robar a Mandela a ese pueblo damné que luchó a su lado. ¿Eso es necesariamente malo? En general, desde la izquierda se tiende a juzgar a los personajes históricos por su resistencia a la “recuperación”. Si un personaje histórico es susceptible de recuperación por parte del “sistema”, si el “sistema” muestra una decidida voluntad de recuperarlo, si habla elogiosamente de un revolucionario muerto, eso se debe bien a que en realidad fue derrotado, bien a que han conseguido arrebatarnos su legado.

En el caso de Mandela las dos cosas son en parte ciertas y la desconfianza de la izquierda está bastante justificada. Si leemos el capítulo que Naomí Klein dedicó a Sudáfrica en su obra La doctrina del shock o atendemos a los datos relativos a desigualdad económica y violencia racial en ese país, podemos decir que el combate de Mandela fracasó o al menos no triunfó enteramente.

Asimismo podemos decir que convertir a Mandela en un “antirracista abstracto” y homenajearlo por ello supone una manipulación que busca volverlo “inservible” para las causas populares. A menudo los capitalistas, los racistas, los machistas premian u homenajean a los anticapitalistas, a los antirracistas y a los antimachistas no tanto para sobornarlos y ablandarlos -que también- sino para contaminarlos e inutilizarlos en sus propias filas.

Mandela es un personaje de ficción. Es un personaje de ficción porque la realidad produce sobre todo personajes de ficción. En este sentido, Mandela o Ghandi o el Che Guevara son personajes de ficción a igual título que Rambo, que defendió “la causa de la libertad” en Afganistán junto a Bin Laden, otro personaje de ficción.

Pero para la gente normal unos y otros no son lo mismo; y no lo son porque cuando la gente normal, acosada por la dictadura o el FMI, sale a las plazas a reclamar libertad se pone una camiseta del Che y no una de Rambo.

Puede resultarnos indignante que hayan convertido al Che en el icono de la rebeldía abstracta, a Ghandi en el icono del pacifismo abstracto y a Mandela en el icono del antirracismo abstracto. Pero esos iconos, a veces hasta económicamente rentables, no son una victoria del mercado. Cuando un pueblo deja su pasividad para luchar por buenas razones (la justicia, la igualdad, la democracia, la autodeterminación) es una excelente cosa que recuerde e invoque la rebeldía abstracta, el pacifismo abstracto y el antirracismo abstracto, pues la propia lucha vuelve estos conceptos inevitablemente concretos.

Cuando un pueblo, en cambio, acepta o reivindica malas causas (como el neoliberalismo o el franquismo) no será jamás rebelde ni pacifista ni antirracista: nunca a nadie se le ha ocurrido salir a la calle a apoyar a Franco, a Thatcher o a Pinochet en nombre del Che, de Ghandi o de Mandela. Digamos que los iconos esperan desactivados, o activados en otra parte, a que los pueblos tomen las plazas. Entonces no hay ninguna duda acerca de cuáles son utilizables y cuáles no. Ningún neonazi se pondrá jamás una camiseta del Che o de Ghandi o de Mandela para dar una paliza a un inmigrante. El Che, Ghandi y Mandela son “inrobables” incluso como personajes de ficción.

Porque incluso esta tentativa de robo indica que, de hecho, al menos de manera parcial, y a pesar de los datos económicos de Sudáfrica, Mandela ha triunfado sobre los mismos que lo nombran. Vivo, doblegó el brazo del apartheid que apoyaban muchos de los que ahora lo alaban. Muerto, reprime el racismo de los que antaño apoyaron la discriminación y que hoy no tienen arrestos para decir lo que realmente piensan. ¿Quién se lo impide? El personaje de ficción Mandela y los millones de personas en todo el mundo que lo lloran sinceramente. Mandela los obliga, sí, a ser “políticamente correctos”. No debemos desdeñar este pequeño logro en nombre de un falso radicalismo. El mundo en el que vivimos es atroz, pero sabemos por experiencia que podría ser aún peor si los discursos confinados en minorías subterráneas ascendieran desde las profundidades y hablaran desde las instituciones “sin complejos”.

Como sabemos, la alta cultura se entretiene en establecer, por ejemplo, “cánones” literarios con listas más o menos arbitrarias de obras y autores. Más allá de diferencias ideológicas o nacionales, todas coinciden al menos en las exclusiones: habrá listas en las que estaránFlaubert, Manzoni y Cervantes y otras en las que no estarán, pero no hay ninguna lista en las que estén Paul de Cock o Campoamor.

La gente normal también “canoniza” sus modelos y referentes políticos. Tiene sus panteones populares, reservas de resistencia encarnada para los días de revuelta. En todos esos panteones, sin duda, están el Che, Ghandi y Mandela, Espartaco y José Martí. En muchos de ellos están Chávez, Shankara, Abdelkrim. En algunos Fidel Castro y Simón Bolívar. En ninguno están -no sé- Hitler, Stalin, Thatcher u Obama. No es que no haya diferencias entre estos últimos cuatro nombres, pero tienen en común que ninguno de ellos sirve para rebelarse en nombre de la justicia.

El capitalismo convierte al Che en una camiseta y a Mandela en un “hombre bueno” mientras que nosotros somos incapaces de apropiarnos de lo que hay nuestro en ciertos católicos, en ciertos liberales, en ciertos ilustrados: cierto Chesterton, cierto Locke, cierto Kant o incluso cierto Roosvelt y cierto Papa Francisco.

La otra respuesta tiene que ver con la victoria de los buenos personajes de ficción. Es que son realmente buenos. Nunca se verá a nuestros gobernantes y a nuestros medios de comunicación “recuperar” a Stalin. ¿Por qué? Porque es un perdedor universal. Dejan ese trabajo de recuperación a un pequeño sector de la izquierda que de esa manera, mediante ese esfuerzo insensato, se derrota a sí misma sin necesidad de intervenciones exteriores. La derecha es muy lista. ¿Por qué recupera al Che, a Ghandi, a Mandela? La derecha “recupera” a los nuestros porque son más populares, porque forman parte del canon resistente de la gente normal, porque representan una victoria de esa “decencia común” sin la cual toda legitimidad es imposible. Su recuperación es el triunfo de los pueblos. Gloria al victorioso Mandela que, tras obligar a los “malos” a abolir el sistema de apartheid, les obliga ahora a hablar bien de él.

En la foto Mandela con Charline Terzon.

Luz (título original en alemán, Licht, subtitulado Licht: die sieben Tage der Woche, esto es "Los siete días de la semana") es un ciclo de siete óperas compuestas por Karlheinz Stockhausen entre 1977 y 2003. En total, el ciclo contiene más de 29 horas de música.

El proyecto de ópera Licht, originariamente titulado Hikari (signo japonés que significa "luz"), se originó con una pieza para bailarines y orquesta Gagaku encargado por el Teatro Nacional de Tokio. Titulada Jahreslauf (Curso de los años), esta pieza se convirtió en el primer acto de Dienstag. Aparte de influencias japonesas, hay elementos judeocristianos y védicos. Se centra en tres personajes principales, Michael, Eve y Lucifer.

Partes

Hay siete óperas, cada una con el nombre de un día de la semana, cuyo tema refleja atributos asociados en las mitologías tradicionales de cada día. Estos atributos a su vez se basan en los siete planetas de la Antigüedad (y las deidades que están asociados con ellos) de las que derivan los nombres de los días:

Montag - Lunes = La Luna: Lunes desde la luz (Montag aus Licht). Fue la tercera en estrenarse, en 1988, en La Scala de Milán.

Dienstag - Martes = Marte: Martes desde la luz (Dienstag aus Licht). Fue la cuarta en estrenarse, en 1993, en la Ópera de Leipzig.

Mittwoch - Miércoles = Mercurio: Miércoles desde la luz (Mittwoch aus Licht). Fue la sexta en estrenarse, entre 1996 y 1998, y aún no se ha representado en su integridad. La primera representación, de I - Welt-Parlament ("Parlamento del Mundo") se representó el año 1996 en Stuttgart.

Donnerstag - Jueves = Júpiter: Jueves desde la luz (Donnerstag aus Licht), fue la primera que se escribió y se estrenó, en el año 1981, en La Scala de Milán.

Freitag - Viernes = Venus: Viernes desde la luz (Freitag aus Licht). Fue la quinta en estrenarse, en septiembre de 1996, en la Ópera de Leipzig.

Samstag - Sábado = Saturno: Sábado desde la luz (Samstag aus Licht). Fue la segunda en estrenarse, en mayo de 1984, en La Scala de Milán.

Sonntag - Domingo = El Sol: Domingo desde la luz (Sonntag aus Licht). El nombre 'domingo' proviene del latín dies Dominicus (día del Señor), debido a la celebración cristiana de la Resurrección de Jesús. En la antigua Roma se llamaba a este día dies solis (día del sol), y es la denominación que se ha conservado en idiomas como el inglés Sunday o el alemán Sonntag. Fue la séptima y última de las óperas en estrenarse, 1999–2003. La primera representación completa fue los días 9 y 10 de abril de 2011 (en dos partes) por musikFabrik, Capella Amsterdam, Coro de cámara Filarmónico de Estonia, coro de la Ópera de Colonia, Conjunto de Danza, y La Fura dels Baus en Colonia (Ulrich 2011)

Aún no se ha representado en su totalidad de forma continuada. En las estadísticas de Operabase no aparece entre las óperas representadas en el período 2005-2010.

Light es el segundo álbum de Vanessa Benelli Mosell para Decca. Este disco incluye la música de Alexander Scriabin, al igual que la de su mentor Stockhausen, juntando así a dos compositores considerados visionarios de sus respectivos periodos históricos.

Creado en 1995, el Cuarteto de Cuerda para Helicópteros, es quizás una de las osadías musicales más sorprendentes del siglo XX. Stockhausen concibió el concierto de este modo: cada uno de los cuatro integrantes del cuarteto de cuerda interpretaría su partitura subido a un helicóptero. A través de unos auriculares recibiría el pulso rítmico y las indicaciones referentes a la interpretación. Y así con cada integrante del cuarteto.

Técnicamente, la mayor parte del concierto se compone de glissandi trinados, como imitando los batidos de las aspas de cada helicóptero. Y de vez en cuando el solista debe ejecutar exclamaciones vocales, muy milimetradas en la partitura. Es una música atonal, basada en los cruces interválicos de las líneas melódicas que va interpretando cada solista. Y como fondo están los cuatro rotores de helicóptero.

Vale la pena seguir atentamente la filmación. Sorprende la meticulosidad con que Stockhausen dirige a los músicos a lo largo de los ensayos, (un buen resumen está en este vínculo: http://www.ubu.com/film/stockhausen_helicoptor.html. )

10, LA MUJER PERFECTA (Blake Edwards, 1977)
Ravel, Maurice: Bolero

2001,ODISEA DEL ESPACIO (Stanley Kubrick, 1968)
Khachaturian: Adagio - Gayaneh Suite No.1
Ligeti : Atmosphères
Ligeti : Lux Aeterna
Ligeti: Requiem para soprano, mezzo-soprano, 2 coros y orquesta.
J.Strauss II: On the Beautiful Blue Danube
R.Strauss 'Ode to the Sun' from Also Sprach Zarathustra

ADIOS A LOS NIÑOS (Louis Malle, 1987)
Schubert, Franz - Moment musical n°2 op 94 D780

ADORABLE LOCURA (Australia, 1996) de Mark Joffe
Richard Wagner : La Walquiria

AFRICA MIA (Sidney Pollack, 1985)
Handel: "See the conqu'ring hero comes !"- Judas Maccabaeus.
Mozart :Divertimento in D K.136, 1st & 3rd movts.
Mozart :Piano Sonata in A K.331, 1st movt .
Mozart : Sinfonia Concertante for Violin, Viola and Orchestra.
Mozart :Clarinet Concerto, 2nd movt.
Schubert : "Die Hirt auf dem Felsen" ('The Shepherd on the Rock'), D965.
Wagner : Bridal Chorus- Lohengrin

ALL THAT JAZZ (Bob Fosse, 1979)
Antonio Vivaldi : Concerto alla rustica, for strings & continuo in G major, RV 151 1. Presto.

ALIEN (Ridley Scott, 1979)
Mozart: Pequeña música nocturna.

AMADEUS -(Milos Forman, 1984)
Mozart "Bassa Selim lebe lange" (Turkish Finale)- The Abduction - The Seraglio
Mozart, "Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen" Joan Sutherland, orquesta de la Royal Opera House Covent Garden, Dir. Otto Klemperer.
Mozart "Don Giovanni, a cenar teco" (Commendatore scene) - Don Giovanni
Mozart "Masonic Funeral Music" in C minor
Mozart "Non più andrai", "Ecco la marcia" and "Ah! tutti contenti" -The Marriage of Figaro
Mozart "Ruhe Sanft" from Zaide Mozart 6 German Dances K.509, No.1-3
Mozart Double Piano Concerto, 3rd movt.
Mozart Eine Kleine Nachtmusik, 1st movt.
Mozart Flute and Harp Concerto, 2nd movt.
Mozart Introitus ; Dies Irae ; Rex Tremandae Majestatis ;
Mozart Kyrie from Mass in C minor, K.427
Mozart Overture to The Magic Flute
Mozart Piano Concerto No.20, 1st and 2nd movt.
Mozart Piano Concerto No.22, 3rd movt.
Mozart Serenade No.10 for 13 Wind Instruments "Gran Partita", 3rd movt.
Mozart Sinfonia Concertante for Violin, Viola and Orchestra, 1st movt.
Mozart Symphony No.25, 1st movt.
Mozart Symphony No.29, 1st movt.
Pergolesi Quando corpus morietur ; Amen- Stabat Mater
Salieri Finale - Axur
Dies Irae , (Netherlands, ChamberChoir,Orchestra of the Eighteen Century Franz Bruggen ISBN 987040513-4)
Rex Tremendae , (Netherlands, ChamberChoir,Orchestra of the Eighteen Century Franz Bruggen ISBN 987040513-4)
Confutatis y Lacrimosa, (Netherlands, ChamberChoir,Orchestra of the Eighteen Century Franz Bruggen ISBN 987040513-4)
Concierto para piano k.466 ;
Pergolesi: Stabat Mater.
A. Anónimo: Música gitana de principios del siglo XVIII.

AMA UD. BRAHMS? (Anatole Litvak, 1961)
Brahms, Johannes: Symphonie n°3 en fa Majeur op 90 - poco allegretto (3e mvt)
AMICI MIEI (Mario Monicelli, 1975)
Verdi: Rigoletto: Acto 3ro . "Bella figlia dell'amore, schiavo son de'vezzi tuoi; con un detto, un detto sol tu puoi le mie pene, le mie pene consolar. Vieni e senti del mio core il frequente palpitar. Con un detto, un detto sol tu puoi le mie pene, le mie pene consolar". Canta: luciano Pavarotti

ANNA KARENINA ( Bernard Rose, 1996)
Prokofiev: Alexander Nevsky.
Rachmaninov: Piano Sonata No. 2 .
Rachmaninov: Prelude, Op. 23, No. 1.
Tchaikovsky: Eugene Onegin.
Tchaikovsky: Swan Lake.
Tchaikovsky: Symphony No. 6"Pathétique".
Tchaikovsky: Violin Concerto.

ANNIE HALL (Woody Allen, 1977)
Holst: Jupiter from The Planets.
Puccini: Sola perduta - Manon Lescaut.

ANONIMO VENECIANO (Enrico M. Salerno, 1970)
A. Marcello: Oboe Concerto in D Minor, 2nd mvt.
APOCALYPSE NOW (Francis F. Coppola, 1979)
Wagner, Richard: La cabalgata de las walkirias (Orquesta Sinfónica de Hamburgo/Dir. Gudolff Rendell/ Ed. Barsa)

ATLANTIC CITY (Louis Malle, 1980)
Rimsky-Korsakov: Song of the Indian Guest- Sadko
ATRACCION FATAL (Adrian Lyne, 1987)
Puccini: "Con onor muore"- Madama Butterfly .
Puccini: "Un bel di"- Madama Butterfly
BAGDAD CAFE (Percy Adlon, 1987)
J. S. Bach: Preludio para clave bien temperado.

BARRY LYNDON (Stanley Kubrick, 1975)
Schubert: 'Trío Piano nº 2 op. 100: 2º mov. , Andante con moto
Schubert :German dance Nº.1 in C-major
Vivaldi: Concierto para violoncello in E-minor, 3rd. mov.
J. S. Bach: Concierto para dos claves y orquesta (adagio)
G. Paisiello: El Barbero de Sevilla (cavatina)
Mozart: Idomeneo, marcha.

COMO SER JOHN MALCOVICH (Spike Jonze, 1999)
Bartok: Allegro- Music for Strings, Percussion and Celeste Tchaikovsky: Scene - Swan Lake
Verdi : "Pace, pace, mio Dio" -La Forza del Destino
Vivaldi: Menuetto from Oboe Concerto in C

BREVE ENCUENTRO (David Lean, 1945)
Rachmaninov, Sergei: Concierto para piano nº 2

CARAVANA AL ESTE (USA, 1995) de Peter Markle
Richard Wagner :La Walquiria

CASABLANCA (Michael Curtiz, 1942)
Haydn : String Quartet Op.76 No.3 "Emperor", 2nd movt.

CASINO (Martin Scorsese, 1995)
Bach: "Wir setzen uns und Tranen nieder"- St Matthew Passion. Rimsky-Korsakov : The Flight of the Bumble-bee- The Tale of Tsar Sultan .
R.Strauss: 'Ode to the Sun' - Also Sprach Zarathustra.

CASPER (USA, 1995) de Brad Silberling
Wagner : La Walquiria

CARMEN JONES (Otto Preminger, 1954)
Bizet: Carmen - acte1 "l'amour est un oiseau rebelle" (habanera)

CARMEN (Carlos Saura, 1983)
Bizet: ópera Carmen

CARRINGTON (Christopher Hampton, 1995)-
Schubert : Sinfonía nº5

CLAROSCURO (Scott Hicks , 1996)
Beethoven: Piano Sonata No.23 "Appassionata"
Beethoven: Symphony No.9 "Choral"
Chopin: Polonaise in A-flat, Op.53
Chopin :Prelude in D-flat, Op.28 No.15 "Raindrop"
Liszt: Hungarian Rhapsody No.2
Liszt: Sospiri
Paganini: (trans. Liszt) La Campanella ( Violin Concerto No.2) Rachmaninoff : Piano Concerto No.3
Rachmaninoff: Prelude in C-sharp minor, Op.3 No.2 "The Bells of Moscow"
Rimsky-Korsakov : The Flight of the Bumble-bee -The Tale of Tsar Sultan suite
Schumann: Kinderszenen
Vivaldi: Gloria in D major
Vivaldi: Nulla in Mundo Pax Sincera

COMEDIA SEXUAL DE UNA NOCHE DE VERANO (Woody Alle, 1982)
Felix Mendelssohn Bartholdy : Concerto pour piano n°2 en ré mineur op40 - adagio molto sostenuto . Songe d'une nuit d'été op61 - Intermezzo . Songe d'une nuit d'été op61 n°1 - Scherzo . Symphonie n°3 en la mineur "L'Ecossaise" op56n°2 - vivace non troppo . Symphonie n°4 en la Majeur "Italienne" op90 - sartarello (4e mvt)

COMO EN UN ESPEJO (Ingmar Bergman, 1961)
Bach, Johann Sebastian: Sarabanda de una de las Suites para violoncelo –

CONDUCIENDO A MISS DAISY ( Bruce Beresford, 1989)
Dvorák : "Song to the Moon", de la ópera Rusalka.

CRISIS (I. Bergman, 1946)
Erland Von Koch: compositor sueco contemporáneo.

DETRAS DE UN VIDRIO OSCURO (Ingmar Bergman, 1961)
Bach: Zarabanda de la Suite núm. 2 en Re Menor para violoncello.

DIAS DE RADIO (Woody Allen, 1987)
Rimsky-Korsakov: The Flight of the Bumble-bee- The Tale of Tsar Sultan suite.

DURMIENDO CON EL ENEMIGO (Joseph Ruben,1991)
Berlioz: Sinfonia Fantástica -

EL AMOR BRUJO, (Carlos Saura, 1986)
Manuel de Falla: El amor brujo

EL ESPEJO (Andrei Tarkovski, 1975)
Edward Artemiev: Mirror-Exodus

EL GRAN DICTADOR (Charles Chaplin, 1940)
J. Brahms: Danza hungara nº5 -

EL EXORCISTA (William Friedkin, 1973)
Henze, Hans Werner: Fantasía para cuerdas

EL HOMBRE ELEFANTE (David Lynch, 1980 )
Samuel Barber: Adagio para cuerdas en si b menor op11

EL HOMBRE QUE NUNCA ESTUVO ALLI (Joel & Ethan Coen, 2001)
Beethoven : Sonate pour piano n°14 en do# mineur op27 n°2 "clair de lune" . Sonate pour piano n°23 en fa mineur "Appassionata" op57 n°2 - (1er mvt) . Sonate pour piano n°25 en sol Majeur op79 . Sonate pour piano n°7 en si b op97 . Sonate pour piano n°8 en do mineur op13 "Pathétique".
Mozart: Les noces de Figaro K492 - Acte III scène 10 Duettino - "che soave zeffiretto"

EL HONOR DE LOS PRIZZI (John Huston, 1985)
Rossini: Overtura de El Barbero de Sevilla
Donizetti: "Una furtiva lagrima" - L'elisir d'amore

ELIZABETH (Shekhar Kapur, 1998)
Byrd: Domine Secundum Actum Meum.
Elgar: "Nimrod"- Enigma Variations .
Mozart: "Requiem Aeternam"- Requiem .
Susato: Ronde I; Ronde IV - Dansereye 1551.
Tallis: Te Deum

EL MAESTRO DE MUSICA (Gerard Corbiau, 1988)
Verdi: Cortigiani (Rigoletto)
Mozart: Alcandro Lo Confesso
Mahler: Von Der Jugend (El Canto De La Tierra)
Mahler: Poco Adagio (Cuarta Sinfonia, Tercer Movimiento)
Mozart: Deh, Vieni Alla Finestra
Wolf, Hugo: Wohl Denk Ich Oft
Schumann: Du Meine Seele, Du Mein Herz
Schumann: Stille TrÄnen
Bellini: Sorgio, O Padre
Schubert: An Die Musik
Verdi: Sempre Libera (Traviata)
Bellini: A Tanto Duol
Mahler: Ich Bin Del Welt

EL NACIMIENTO DE UNA NACION (D.W. Griffith , 1914)
Wagner: La Walquiria.

EL PACIENTE INGLES (Anthony Minghella, 1996)
Bach: Aria Goldberg Variations, BWV 988

EL PADRINO (Francis Ford Coppola,1972)
Verdi: Libiamo (Drinking Song) - La Traviata

EL PADRINO III (Francis Ford Coppola,1990)
Mascagni, Intermezzo, Caballería Rusticana.
Mascagni : Preludio ; Siciliana ; A Casa Amiche ; Preghiera ; Finale - Cavalleria Rusticana .
Verdi: "Va pensiero, sull'ali dorata"- Nabucco.

EL PIANISTA (Roman Polanski , 2001 )
Chopin, Frédéric - Andante Spianato op22 - Ballade n°1 op23 - Ballade n°2 op38 - Grande polonaise brillante - Mazurka op17 n°4 - Nocturne en do# mineur - Nocturne op48 n°1 - Nocturne op72 n°1 - Prélude op28 n°4 - Valse n°3 op34 n°2

EL PROCESO (Orson Welles, 1962 )
Albinoni: Sonata en sol menor, adagio.

EL RESPLANDOR (Stanley Kubrick, 1980)
Bartók Music for Strings, Percussion and Celesta
Ligeti Fontana Penderecki De Natura Sonoris
Penderecki Polymorphia
Penderecki Kanon
Penderecki Utreja

EL ULTIMO EMPERADOR ( Bernardo Bertolucci , 1987)
J.Strauss II: Kaiser-Walzer (Emperor Waltz)
J.Strauss II: On the Beautiful Blue Danube waltz

EL SACRIFICIO (A. Tarkovski, 1986)
J. S. Bach: La pasión según San Mateo, Watazumido-Shuso y cantos de pastores de Calecarlie y Harjedal.

EL SILENCIO ( Ingmar Bergman, 1962) AUDIO
Bach: Suite para cello Nº 2 en la Nº 4 en Mi menor.

EL VIAJE DE THOR (España, 1981) de Eva Lesmes
Richard Wagner : La Walquiria

ELVIRA MADIGAN ( Bo Wideberg, 1967) -
Mozart: Piano Concerto Nº 21 K 467 Andante. Piano: Jeno Jandò / Concentus Hungaricus / András Ligeti. ( Ed. Naxos 8550202 )

ENRIQUE V (Kenneth Branagh, 1989)
Canteloube: Baïlero - Chants d'Auvergne

ESTADO CRITICO (Usa, 1986) de Michael Apted
Richard Wagner : La Walquiria

FANNY Y ALEXANDER (Ingmar Bergman, 1982)
Antonin Dvorak, Humoresque, nª 7

FANTASÍA (Ben Sharpsteen, 1940)
Bach : Toccata And Fogue In D Minor, BWV 565.
Tchaikovsky: The Nutcracker Suite, Op. 71A, Dance Of The Sugar Plum Fairy, Chinese Dance, Dance Of the Reed Flutes, Arabian Dance, Russian Dance, Waltz Of The Flowers.
Paul Dukas: The Sorcerer's Apprentice.
Igor Stravinsky: Rite Of Spring.
Beethoven: Symphony No. 6 "Pastoral", Op. 68: Mov. I, "Allegro Ma Non Troppo"; Mov. II, "Andante Molto Mosso"; Mov. III-V "Allegro/Allegro/Allegretto"
Amilcare Ponchielli : La Gioconda: Dance Of The Hours.Escuela de Músicos de Berlín, dirige Günther von Trifch
Modest Mussorgsky: Night On Bald Mountain.
Franz Schubert: Ave Maria, Op. 52 No. 6. (Elly Ameling soprano, Dalton Baldwin, piano, orq. Estatal de Dresden, dir. por W. Sawalisch)

FARINELLI (Gérard Corbiau, 1994)
Broschi: Se al labbro moi non credi"; - Artaserse: "Son qual nave ch'agitata" ; Idaspe : "Ombra fedele anch'io"
Haendel, Georg Friedrich- Rinaldo HWV7 "Cara sposa"; Rinaldo HWV7 - Ouverture ; Rinaldo HWV7 -"Lascia ch'io pianga".
Hasse, Johann-Adolf - Artaserse - ouverture - Cleofide - "Generoso risuegliati o core" .
Pergolese, Giovanni-Battista - "Salve Regina".
Porpora, Nicola - Polifemo - "Alto Giove"

FELLINI 8 ½ ( Federico Fellini, 1963) -
Khatchaturian : Danse du Sabre.
Mahler: Symphonie Titan - Marche Funèbre - Thème Bohémien.
Rossini :. Le barbier de Séville - ouverture
Tchaïkovsky: Casse-noisette suite op 71a - Danse des mirlitons écouter l extrait .
Wagner: Chevauchée des Walkyries WWV 86b

FRANKIE & JOHNNY( Garry Marshall, 1991)
Debussy: Sonata Claro de luna, (Piano Giuseppe Marinno /Ed.. Barsa)

FORREST GUMP (1994, Robert Zemeckis)
Richard Wagner : La Walquiria

FOUR WEDDINGS AND A FUNERAL (Mike Newell, 1994)
Handel : Arrival of the Queen of Sheba from Solomon. Orchestra of St. John´s Smith Square. John Lubbock, conductor.
Mendelssohn: marcha nupcial- Sueño de una noche de verano
Orquesta Sinfónica de laRradio de Bratislava. Dir. Ondrej Lenard

FRANCES (Graeme Clifford, 1982)
Beethoven: Symphony No.7, 2nd movt.
Mozart: Piano Sonata No.11, 1st movt.

GIGOLO AMERICANO (Paul Schrader, 1980)
Mozart: Clarinet Concerto, 2nd. mvt.

GRITOS Y SUSURROS (Ingmar Bergman, 1972)
Bach: Zarabande para Cello Suite No.5.
Chopin : Mazurka, Op.17 No.4 .
Bach: 6 suites para violoncelo.

HANNAH Y SUS HERMANAS (Woody Allen, 1987)
Esprit Auber . Manon Lescaut - Acte IV - "Sola perduta, abbandonata"
Johann Sebastian Bach . Concerto pour 2 violons en ré mineur BWV 1043 - vivace .
Johann Sebastian Bach: Concerto pour clavecin n°5 en fa mineur - largo.
Johann Sebastian Bach: Concierto para piano número 5 en fa menor, BWV 1056

HENRY AND JUNE (Philip Kaufman, 1990)
Debussy : La Plus que Lente
Debussy Ballet - Petite Suite
Debussy: Sonata for Violin and Piano, 1st movt.
Debussy: "Pour l'égyptienne"- Six Epitaphs Antiques .
Poulenc: Les Chemins de l'Amour.
Poulenc: Nocturne No.1 Satie Gnossienne No.3 .
Satie: "Je Te Veux" (I Want You) Tárrega Gran Vals

HIJOS DE UN DIOS MENOR (Randa Haines, 1986)
Doble concierto para violines - J. S. Bach
(Solistas: C. Altenburger y E. Mayer Schierning/German Bach Solists/ Dir. Helmut Winschermann)

INDIA SONG (Marguerite Duras, 1974)
Beethoven, Ludwig von: "Variations Diabelli"

J.F.K (Oliver Stone, 1991)-
Mozart: Concierto para trompa nº2 KV 417 -

JOY LUCK CLUB (Luis Mandoki, Wayne Wang, 1994)
Dvorak : Humoresque.

KIKA (P. Almodóvar,1993)
Enrique Granados: Danse espagnole op37 n°5.

KRAMER VERSUS KRAMER (Robert Benton, 1979)
Purcell : Overture ; Air ; Jig and Rondeau Minuet- The Gordian Knot Unty'd.
Purcell: Trumpet Sonata in D.
Vivaldi: Concierto para mandolin, strings & continuo in C major, allegro, RV 425 -Musici de San Marco, dir. Alberto Lizzio.
Vivaldi: Double Mandolin Concerto in G, RV532

LA AMANTE DEL TENIENTE FRANCES (Karel Reisz, 1981)
Mozart : Piano Sonata No.18, 2nd movt.

LA DECISIÓN DE SOPHIE (Alan Pakula, 1982) -
Mendelssohn : Song without words -

LA FIESTA DE BABETTE (Gabriel Axel,1987)
Mozart : La ci darem la mano, - Don Giovanni

LA FLAUTA MAGICA, (Ingmar Bergman, 1975)
Mozart, La flauta mágica, ópera.

LA HORA DEL LOBO (Ingmar Bergman, 1968)
Mozart: Andante a tempo, final del primer acto “So balddich fürht der Freundschaft Hand in’s” fragmento de la ópera La flauta mágica.
Bach: Partita Nª 3 para clave, en la menor , BWV 827.

LA LEY DEL DESEO (Pedro Almodóvar, 1986)
Dimitri Chostakovitch: Symphonie n°10 en mi mineur op93 - allegro

LA INSOPORTABLE LEVEDAD DEL SER ( Philip Kaufman, 1988)
Janácek: In the Mist, 2nd movt. Janácek Idyll for Strings, 5th movt. Janácek: "Good night !" ; "A Blown-away leaf" ; "The Bird of ill-omen lingers on" from On the Overgrown Path Set I
Janácek: On the Overgrown Path Set II, 4th movt.
Janácek: Pohádka (Fairy tale), 3rd movt.
Janácek Sonata for Violin and Piano, 4th movt.
Janácek String Quartet No.1 "Kreutzer Sonata", 3rd movt.
Janácek String Quartet No.2 "Intimate Pages", 4th movt.

LA LOCURA DEL REY JORGE (Nicholas Hytner, 1995)
Haendel, Georg Friedrich: Zadok el sacerdote, del Himno de Coronación No.1 Overtura.
Musica para los Reales Fuegos de Artificio.


LAS AMISTADES PELIGROSAS (Stephen Frears, 1988)
Largo from Xerxes: Haendel


LAS BRUJAS DE EASTWICK (George (II) Miller, 1987)
Mozart : Pequeña serenata nocturna

L'ACCOMPAGNATRICE (Claude Miller, 1992)
Mozart: Laudate Dominum.
Schubert: Der Hirt auf dem Felsen.
Schumann: Einsame Blumen- Waldszenen.
Berlioz: Le spectre de la rose and Villanelle - "Les nuits d'été" (Summer Nights).
Massenet: Dis-moi que je suis belle- Thaïs
Mozart: L'ho perduta ... me meschina ! (Cavatina)- The Marriage of Figaro
Mozart: Solus Sanctus- Mass (Missa solemnis) No.4 in C-minor Orphanage
Schubert: Die Hirt auf dem Felsen ('The Shepherd on the Rock')
Schumann: Von fremden Länden und Menschen, Kinderszenen
Strauss, R. :Wiegenlied- 5 Lieder, Op.41 No.1
Strauss, R.: Zueignung from 8 Lieder aus 'Letzte Blätter', Op.10 No.1

LA CARROZA DE ORO (Jean Renoir, 1953)
Vivaldi, Antonio: Las cuatro estaciones.

LA DONCELLA Y LA MUERTE (Roman Polanski, 1994)
Schubert, Franz: Cuarteto La muerte y la doncella

LA EDAD DE LA INOCENCIA (Martin Scorsese, 1993)
J. Strauss II: Artists' Life.
J. Strauss II: The Blue Danube.
J. Strauss I: Radetzky March .
J. Strauss I: Tales from the Vienna Woods.

LA EDAD DE ORO (Luis Buñuel, 1930)
Fragmentos de Wagner, Beethoven, Mendelssohn y Debussy.

LA NARANJA MECANICA (Stanley Kubrick, 1971)
Beethoven: Symphony No.9 "Choral", 2nd & 4th movts.
Elgar: Pomp and Circumstance March No. 1.
Elgar: Pomp and Circumstance March No. 4.
Purcell: March from Funeral Music for Queen Mary.
Rossini: Overture to The Barber of Seville.
Rossini: Overture to La Gazza Ladra.
Rossini: Overture to William Tell.

LA OTRA MUJER (Woody Allen, 1988)
Erik Satie: Gymnopedie No. 3
Bach: Unaccompanied Cello Suite in D Major
Edgard Varese: Ecuatoria
Mahler: Symphony No. 4 in G Major.
Bach: Sonata For Cello And Piano No. 2 BMV 1028.
Bach: Sonata For Cello And Piano No. 3 BMV 1029: J. S.
Mendelssohn: Piano Concerto No.2, 2nd movement.

LA SOCIEDAD DE LOS POETAS MUERTOS (Peter Weir, 1988)
Beethoven: Piano Concerto No.5 "Emperor", 2nd movt.
Beethoven: Symphony No.9 "Choral", 4th movt.
Handel: Allegro from The Water Music Suite No.3 in D.
Beethoven, Ludwig van: Oda a la alegría de la Sinfonía nº 9

LA TENTACION DE VENUS (Istvan Szabo, 1990)
Robert Schumann . "Du bist wie eine Blume"
Richard Wagner . Tannhäuser WWV 70 - "Allmächt'ge Jungfrau" (Elisabeth) . Tannhäuser WWV 70 - "Beglückt darf nun dich, o Heimat, ich schauen" (Chorus) . Tannhäuser WWV 70 - "Blick ich umber" (Wolfgram) . Tannhäuser WWV 70 - "Dich, teure Halle, grüss ich wieder" (Elisabeth) . Tannhäuser WWV 70 - "Freudig begrüssen wir die edle Halle" (Chorus) . Tannhäuser WWV 70 - "Inbrunst im Herzen, wi kein Büsser noch sie je gefühlt" (Tannhäuser ) . Tannhäuser WWV 70 - "Wie Todesahnung Dämm'rung deckt die Lande… (Wolfgram) . Tannhäuser WWV 70 - Finale (Venus, Tannhäuser, Wolfgram, Chorus) . Tannhäuser WWV 70 - Ouverture . Tannhäuser WWV 70 - Pilgrim's Chorus

LA ULTIMA NOCHE DE BORIS GRUSHENKO (Woody Allen 1975)
Serge Prokofiev : Alexander Nevsky op78 - Cantate pour mezzo-soprano, chœur et orchestre.
L'Amour des trois oranges op33 bis n°3 - Marche . Lieutenant Kijé op60 Part.3 - Le mariage de Kijé . Lieutenant Kijé op60 Part.4 - Troika

LA VIDA ES BELLA (Roberto Benigni, 1997)
Barcarola, de la ópera Los Cuentos de Hoffmann: Offenbach
(Orquesta de Florencia/Dir: Brunno Ettore)
Mozart: A Musical Joke, 1st movt.

LAS RELACIONES PELIGROSAS (Stephen Frears, 1988)
Bach :Concerto for 4 Harpsichords and Strings in A minor, BWV 1065.
Gluck :"Ô malheureuse Iphigénie !"- Iphigénie en Tauride .
Handel : Allegro from Organ Concerto in F "The Cuckoo and the Nightingale".
Handel: "Ombra mai fù di vegetabile" (Largo)- Serse .

LOS AMANTES (Louis Malle, 1958)
Brahms, Sexteto nº 2 , 2do. movimiento– AUDIO

LES AMANTS DU PONT NEUF (Leos Carax, 1991).
Britten: Variations on a theme of Frank Bridge
Shostakovich: String Quartet No. 3
J. Strauss II: The Blue Danube
LOS AMIGOS DE PETER (Kenneth Branagh, 1992)
Puccini: Un bel di vedremo, de Madame Butterfly.

LOS UNOS Y LOS OTROS (Claude Lelouch, 1981)
Ravel, Maurice, Bolero

LOS PUENTES DE MADISON (Clint Eastwood, 1995)
Bellini: "Casta diva" from Norma
Saint-Saëns "Mon coeur s'ouvre à ta voix"- Samson and Delilah

LOVE STORY -
Mozart : Sonata en FA mayor -

LUZ DE INVIERNO (Ingmar Bergman, 1963)
Bach, cantatas sacras.

MADAME SOUSATZKA (John Schlesinger, 1988)
Impromptu No.4:, Schubert
Etude in D Sharpe Minor No.12: Scriabin
C Minor Prelude:, Chopin
Spinning Song - Songs Without Words: Mendelsohnn
Polonaise in A Flat Major: Chopin
Carnaval: Robert Schumann
Etude in A Flat Major: Chopin
Traumerai: Schumann Filarmónica de Berlin.Franz Aaron Kiendrich (DLM-2915395)
Sonata in C Major (last movement): Beethoven
Concerto No.1 in D Minor: Johannes Brahms
Fantasie in F Major for Four Hands: Schubert
Appassionata Sonata in F Major: Beethoven
Waldersrauschen: Liszt
Overture from The Marriage of Figaro: Mozart
Piano Concerto in A Minor: Schumann
The Arrival of the Queen of Sheba: Häendel
String Quartet in A Minor (Finale): Brahms

MARIDOS Y ESPOSAS (Woody Allen 1992)
Gustav Mahler . Symphonie n°9 - andante

MEMORIAS DE AFRICA - (Sidney Pollack, 1986)
Mozart: Andante del Concierto para clarinete, kv 622

MI CHICA 2 (USA, 1994) de Howard Zieff
La Walquiria: Richard Wagner

MISERY (Rob Reiner,1990)
Beethoven: Piano Sonata No.14, 1st movt.
Tchaikovsky: Piano Concerto No.1, 1st movt.

MUERTE EN VENECIA (Luchino Visconti, 1971)
Mahler, Gustav; Adagietto, Sinfonía nº 5
Beethoven: Bagatelle in A minor "Für Elise" .
Mahler: Symphony No.3, 4th movt.
Mussorgsky: Lullaby.
Puccini: "Vogliateme bene"- Madama Butterfly

NOSTALGIA (A. TARKOVSKY, 1983)
Beethoven: 9na. sinfonía.
Verdi: Requiem.
Debussy, Verdi, Wagner, ópera china.

OJOS NEGROS (Nikita Mikhalkov, 1987)
Lehár: "An der grauen Donau".
Mozart: Piano Sonata No.17 in B-flat, K.570.
Rossini: "Una voce poco fa"- El Barbero de Sevilla.

ORLANDO (1992, Sally Potter)
Handel: "Where'er you walk"- Semele

PHILADELPHIA (Jonathan Demme, 1993)
Giordano, Umberto: La mamma morta- Andrea Chenier
Catalani "Ebben ? ... Ne andrò lontano" - La Wally
Cilea "Ecco, respiro appena ..." - Adriana Lecouvreur
Mozart: Agnus Dei and Dona nobis pacem- Coronation Mass, K.517
Mozart: Dulcissimum Convivium and Viaticum from Litaniae de venerabili altaris sacramento, K.243
Mozart: Laudate Dominum from Vesperae solennes de confessore, K.339
Mozart: "Non temer amato bene" from Idomeneo, Re di Creta Spontini: "O nume tutelar" - La Vestale

PINOCHO, LA LEYENDA (1996, de Steve Barron)
Richard Wagner : La Walquiria

PLATOON (Oliver Stone, 1986)
Barber, Samuel: Adagio para cuerdas

PRETTY WOMAN (Garry Marshall. 1990)
Verdi, G.: Damni tu forza, o cielo! de La Traviata
(Solistas/Coro/Orquesta Del Maggio Musicale Florentino/Sir John Pritchard)

PROPUESTA INDECENTE (Adrian Lyne, 1993)
Vivaldi: Concerto No.8- L'Estro armonico, Op.3 No.8

RETRATO DE UNA DAMA (Jane Campion, 1996)
Franz Schubert : Quatuor n°14 en ré mineur "la jeune fille et la mort" D810 - Andante con moto

ROLLERBALL (Norman Jewison, 1975)
Albinoni: Giazotto Adagio in G minor for Organ and Strings.
Bach: Toccata in D minor
Shostakovich Symphony No.5, 3rd movt. Shostakovich: Symphony No.8, 1st and 4th movts.
Tchaikovsky: Waltz from Sleeping Beauty .
Tchaikovsky Romeo and Juliet Fantasy Overture

SENSO (Luchino Visconti, 1954)
Sinfonía nº 7 – Anton Bruckner

STALKER (ANDREI TARKOVSKI, 1979)
Bolero, Ravel
Novena sinfonía: Beethoven.
Artemiev, E.: compositor contemporáneo: Stalker-Theme- Stalker-Train ; Stalker-They Go Long

SOLARIS (Andrei Tarkovski, 1972)
J. S. Bach: Preludio Coral en Fa Menor.
Bach: "Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ" de Orgelbüchlein, BWV 639.
Artemiev, Edward: compositor contemporáneo: Solaris-ILL ); Solaris-Station ; Solaris-Listen To Bach (The Earth) ; Solaris-Dream; Solaris-Ocean ; Solaris-Picture P. Brueghel “Winter” ; Solaris-Return.

SONATA OTOÑAL(Ingmar Bergman, 1978)
Sonata Fa M, opus I: Haendel
Preludio nº2, La m: Chopin
Suite nº4, Mi b M: Bach, BWV 1010

TIERRA SIN PAN (Luis Buñuel, 1932)
Brahms: Sinfonía nº 4. Orquesta Sinfónica de Nueva York. Dir. Thomas Schneider

UNA HISTORIA DEL BRONX (Robert De Niro, 1993)
Ave Maria: Schubert

UN AMOR EN FLORENCIA (James Ivory, 1986)
Puccini, Giacomo: O mio babbino caro

UNA NOCHE EN LA OPERA (Sam Wood, 1935)
Verdi : Coro de gitanos - Il trovatore. Consortyum Musicum Ljubljana,Conductor Marko Munih

VIRIDIANA (Luis Buñuel, 1961)
Haendel, Georg Friedrich: Aleluya de El Mesías .

VOLVER A EMPEZAR (José Luis Garci, 1982)
Pachelbel, Johann: Canon - New Leipzig Bach Collegium Musicum, Max Pommer conductor

WALL STREET (Oliver Stonee, 1987)
Questa o quella - Verdi

Y LA NAVE VA (Federico Fellini,1983)
Debussy: Sonate au clair de lune L.75/3.
Rossini: Guillaume Tell - Ballet des soldats .
Guillaume Tell - Pas de trois . Petite messe solennelle - Agnus Dei.
Saint-Saëns : Le Carnaval des animaux - le cygne écouter l extrait.
Schubert : Moment musical en fa mineur .
Johann Strauss II : Le Beau Danube Bleu op314 . Valse de l'Empereur op437. Valses .
Tchaïkovsky: Casse-noisette - Danse des flûtes Giuseppe.
Verdi : La force du destin - ouverture Orquesta de Budapest, dir. Josif Conta.

YO TE SALUDO, MARIA (Jean-Luc Godard, 1984)
Bach, Johann Sebastian - Le clavier bien tempéré - Livre I - prélude n°1 en do Majeur BWV 846 - Toccata et fugue en ré mineur BWV565

ZARABANDA (Ingmar Bergman, 2003)
Zarabanda de la suite para violoncelo: Bach

Es muy poco conocido que Mozart dedicó cinco de sus 22 óperas a temas de Roma antigua, cuatro óperas pertenecen a la época republicana y la quinta a la Roma Imperial. La temática romana esta presente pues en casi el 25% de sus óperas.

Hablamos de las cinco óperas siguiendo el orden cronológico histórico de los temas que tratan.

"Ascanio in Alba" trata un tema mitológico relacionado con la fundación de Roma. Ascanio es el hijo de Eneas, fundador de Roma. De su estirpe nacieron Rómulo y Remo. Se compuso por encargo de la emperatriz María Teresa, para las bodas de su hijo, el Archiduque Fernando de Austria. Se estrenó en el Teatro Regio Ducal de Milán el 17 de octubre de 1771.

La segunda de las óperas romanas de Mozart es "Il Sogno di Scipione". Escipión es el militar romano conquistador de Numancia. Nació el 20 de junio de 236 a. C.y murió el 3 de diciembre de 183 a. C. Se compuso para el arzobispo de Salzburgo, representándose ante el nuevo arzobispo, Hieronymus von Colloredo, el 1 de mayo de 1772.

La tercera ópera esta dedicada a Lucio Sila (Sulla), el dictador «depravado» y pelirrojo que odiaba al joven Julio César. Nació el 4 de Noviembre de 138 a. C. y murió el 7 de Febrero de 78 a. C. Se compuso para los carnavales milaneses de 1772-1773. Se estrenó en el Teatro Regio Ducal de Milán el día 26 de diciembre de 1772.

La cuarta ópera esta dedicada a la lucha de Roma contra el Rey de Ponto (Turquía) Mitridates, La ópera ocurre en Ninfea, puerto de Crimea, reino del Ponto en el año 63 a. C. El protagonista es el rey Mitrídates VI Eupator (132-63 a. C.). Enzarzado en sus luchas contra los romanos, deja a su prometida Aspasia, al cuidado de sus hijos, Farnaces y Sifares. Después de sufrir una severa derrota, Mitrídates es dado por muerto. Farnaces II del Ponto hijo de Mitridates es uno de los protagonistas de esta ópera de juventud de Mozart. Juio César al derrotarle pronunció la frase: "veni, vidi, vici". La ópera lleva por número KV 87. En el último catálogo Köchel es el K6 74a. Se compuso por encargo del conde Firmian, gobernador de Milán y mecenas. Se estrenó en el Teatro Regio Ducal de Milán el 26 de diciembre de 1770.

La quinta esta dedicada a Tito, el emperador romano del 79 al 81 que destruyó el Templo de Jerusalén. Mozart lo inmortalizó en su penúltima ópera "La Clemenza di Tito". Nació el 30 de diciembre de 39 y murió el 13 de septiembre de 81

Sólo la quinta ópera es genial. Es de su último año 1791 y su composición fue simultánea a "La Flauta Mágica". Fue compuesta para la coronación de Leopoldo II de Austria como rey de Bohemia. Muestra la imagen de un gobernante recto pero clemente con su pueblo, incluso ante un intento de asesinato contra su persona preparado por Vitelia y llevado a cabo por Sexto, su amigo. Se estrenó en el Teatro Nacional de Praga el 6 de septiembre de 1791 sólo tres meses antes de la muerte de Mozart. Es un “drama serio per musica”, con texto en italiano.

Las cuatro primeras óperas pertenecen al período juvenil de Mozart y apenas se interpretan. Las cinco óperas romanas de Mozart están cantadas en italiano.

Doble placer pues, escuchar a un músico inconmensurable y hacernos más cultos aprendiendo la historia de Roma antigua.

Uno de los militares africanistas filosefardíes fue, según Gonzalo Álvarez Chillida, Francisco Franco como lo prueba el artículo "Xauen la triste" que escribió para la Revista de tropas coloniales en 1926, cuando tenía 33 años y acababa de ser ascendido a general de Brigada. En el artículo resaltaba las virtudes de los judíos sefardíes con los que había tratado que contrastaba con el "salvajismo" de los "moros".

En su guión de la película Raza (1942) aparece un episodio en el que se refleja este filosefardismo. El protagonista visita con su familia la sinagoga de Santa María la Blanca de Toledo y allí dice: "Judíos, moros y cristianos aquí estuvieron y al contacto con España se purificaron". "Para Franco, como vemos, la superioridad de la nación española se manifestaba en su capacidad de purificar hasta a los judíos, convirtiéndolos en sefardíes, bien diferentes de sus demás correligionarios", afirma Álvarez Chillida.

El filosefardismo de Franco se ha intentado explicar por sus supuestos orígenes judeoconversos –que algunos han relacionado incluso con su devoción a Santa Teresa de Jesús, de familia conversa- pero no hay ninguna prueba al respecto.

El nazi Heydrich ordenó una investigación sobre la ascendencia judía de Franco sin ningún resultado. De todas formas el filosefardismo del general Franco no afectó a su política de mantener España libre de judíos, salvo en sus territorios africanos.

En la imagen Franco y Hitler, en Hendaya, el 23 de octubre de 1940.

Estamos en Berlin en 1955. La mejor orquesta del mundo ha iniciado ente sus músicos la votación para elegir a su director titular.

Desde hace casi diez años (1945) les ha dirigido el genial rumano SergiuCelebidache. Ahora llega un competidor que se postula para el puesto, el austríaco Herbert Von Karajan.
Celebidache se pasea muy nervioso e inquieto por el vestíbulo de la sala de ensayos. El sol penetra por los altos ventanales y muestra su figura desgarbada que se detiene de pronto como golpeada por una fuerza invisible.

El dolor punzante de la gota trepa por la pierna y traza un gesto de sufrimiento en su rostro moreno de rasgos latinos.

Celebidache se acerca vacilante a uno de los sillones de madera, arrastrando con cuidado el pie deformado por la hinchazón. “Siempre se me pone peor cuando estoy nervioso – dice sentándose lentamente; debo procurar tranquilizarme, todo va a salir bien…”.

Con 43 años SergiuCelebidache se enfrenta a un momento decisivo de su carrera como músico. Los músicos de la orquesta deben confirmarlo como director titular frente a un joven austríaco emergente, Herbert von Karajan. “Una simple formalidad piensa, pero sería mejor que no se demoraran tanto.”

El dolor cede un poco. Sergiu se recuesta en el respaldo. Unos minutos después se entreabre la puerta, Asoma el concertino (primer violín) de la Filarmónica de Berlin, su más estrecho colaborador.

– Ya hemos terminado maestro.., anuncia.

Celebidache se incorpora con dificultad, apoyándose en el brazo del violinista.

-Supongo que me habrás votado a mí, le dice, un poco en son de broma.

– Desde luego maestro, asegura el músico.

– Y…¿Cuantos más me han elegido?.¿ Todos…?

El concertino se muerde los labios antes de responder.

– Todos no, Sergiu; sólo yo. Los demás han votado por Karajan.

Celebidache se tomó muy mal la humillante derrota electoral ante Karajan “ese austríaco presuntuoso”, según su propia definición. El mismo había hecho posible aquel oprobio, al proponer las medidas democráticas que permitieron a los músicos destrozar sus esperanzas.

Karajan no propuso al vencido permanecer en la orquesta como director invitado. Celebidache se marcho de Berlín cargado de resentimientos y torturado por el avance de su enfermedad. No volvió nunca más a Berlín.

En la votación influyo el agotador ritmo de trabajo al que sometía Celebidache a los músicos. Los ensayos eran interminables en una búsqueda constante de la perfección sonora.

Es una lastima que Celebidache perdiera aquella votación.

Karajan era un director frio muy dado a los fuegos de artificio con una sonoridad vacía y sin pasión. Era un relaciones publicas consumado amante de los coches de lujo que solía decir que el mejor sonido del mundo es el de un Ferrari.

Frente al divismo de Karajan Celebidache huía de los focos e incluso de las grabaciones de discos y no se refugiaba en los ferraris sino en lecturas budistas.

En 1980 Celebidache fue nombrado director titular de la Filarmónica de Munich y allí permaneció hasta su muerte en agosto de 1996.

Karjan diirigió la Orquesta Filarmónica de Berlín durante treinta y tres años. Realizó más de 900 grabaciones y vendió más de 300 millones de discos en todo el mundo. Ceso en 1988 y murió en 1989.

En la imagen Sergiu Celibidache y la Filarmónica de Berlín el 4 de Diciembre de 1945.

Flavio Estilicón (359 - 408) fue un general romano de origen vándalo y religión arriana.

Biografía
Hijo de una romana y de un militar vándalo que sirvió en Germania en tiempos de Valente, Estilicón fue educado a la romana y conoció desde su juventud a la clase alta de Roma.

Ingresó en el ejército romano y fue ascendiendo durante el reinado de Teodosio I. En 384, fue enviado a la corte del rey persa Sapor III para negociar un tratado de paz referente a la partición de Armenia. A su vuelta a Constantinopla y por la conclusión acertada de las negociaciones de la paz, Estilicón fue promovido a general y fue el encargado de defender el imperio contra los ataques de los godos, un papel que él ejerció durante unos veinte años. El emperador reconoció que Estilicón podría ser un aliado valioso, y formó un lazo de sangre con él, casando a su sobrina adoptada Flavia Serena con Estilicón. La unión ocurrió poco después de la misión a Persia, y Serena dio a luz en última instancia a un hijo que fue llamado Euquerio.

Después del asesinato del emperador occidental Valentiniano II (392), Estilicón acompañó al ejército que conduciría a la victoria a Teodosio en la batalla del Frígido. Uno de sus camaradas durante la campaña era Alarico, que ordenó un número substancial de auxiliares godos. Estilicón se distinguió en la batalla, y Teodosio, agotado por la campaña, lo vio como un hombre digno de ser responsable de la seguridad futura del imperio. El último emperador de una Roma unida designó a Estilicón como tutor de su hijo, Honorio poco antes de su muerte en 395.

Para asegurar su influencia sobre el nuevo y joven emperador, Estilicón casó a su hija con Honorio, lo cual fue un auténtico escándalo entre la nobleza y los cortesanos de Honorio, que no aceptaban que la hija de un mestizo medio bárbaro y medio romano, se casara con el emperador de Occidente.

Después de la muerte de Teodosio, Honorio se convirtió en emperador del Imperio romano de Occidente, y su hermano Arcadio del Imperio romano de Oriente. Ni uno ni otro demostraron ser emperadores eficaces, y Estilicón se convirtió en el magister militum de los ejércitos romanos del oeste. Estilicón probó sus capacidades, aunque las maniobras políticas de sus rivales de las dos cortes imperiales le obstaculizarían a lo largo de su carrera.

Su primer gran desafío surgió en 395. Los visigodos que vivían cerca del Danubio estaban bajo presión de los hunos, y habían elegido recientemente a Alarico como su rey. Alarico rompió su tratado con Roma y condujo a su gente en una incursión contra Tracia. El ejército que había sido victorioso en Frígido también fue movilizado, y Estilicón lo condujo contra las fuerzas de Alarico. Como este ejército era una combinación de formaciones de ambas mitades del imperio, Arcadio convocó sus fuerzas del este a Constantinopla. Arcadio actuaba en consejo de su Prefecto Pretorio Rufino, que era un viejo enemigo de Estilicón. Este obedeció la orden y le envió sus tropas del este, dejándolo demasiado débil para perseguir a Alarico. Rufino obtuvo poco de su victoria sobre Estilicón, pues las tropas que retornaban a Constantinopla lo asesinaron.

Dos años más tarde (397), las fuerzas de Alarico fueron derrotadas por Estilicón en Macedonia, aunque Alarico mismo logró escapar. Ese mismo año sofocó con éxito la revuelta de Gildo en África. Posteriormente se trasladó a Recia en 401, donde condujo una larga campaña contra sus anteriores parientes, los vándalos, y otras hordas de bárbaros. Estilicón volvería a obtener la victoria en dos batallas importantes contra Alarico, en Pollentia (402) y Verona (403). En 405, pidió la destrucción de los libros sibilinos, porque profetizaban que pretendía hacerse con el poder.

Estilicón derrotó a los suevos en 405, pero el Rin quedó casi sin defensas posibilitando la invasión de occidente el año siguiente.

El 406 se enfrentó a Radagaiso, sitiando al invasor con fuertes trincheras hasta que el hambre los derrotó. Ese mismo año se produjo la invasión de los suevos, alanos y vándalos por el Rin. Es posible que Estilicón pudiese haber organizado una ofensiva para derrotarlos pero no pudo llevarla a cabo.

Caída
A pesar de sus éxitos, su ascendencia bárbara y su fe arriana provocaron rechazo a los ojos de los consejeros imperiales, que intrigaron contra él hasta su muerte en 408. Extendieron rumores de que había planeado el asesinato de Rufino con su viejo adversario Alarico, que había invitado a los bárbaros a la Galia en 406 y que planeaba colocar a su hijo en el trono imperial. El joven y manipulable emperador se dejó convencer por sus consejeros y pese a que Estilicón le intentó educar para ser un buen emperador, Honorio declaró a Estilicón enemigo público de Roma. Estilicón se retiró a Rávena, en donde le tomaron en cautiverio.

Aunque estaba dentro de su capacidad disputar las acusaciones, no resistió, debido a la culpabilidad o por miedo de las consecuencias sobre el estado ya precario del imperio occidental. Lo ejecutaron el 22 de agosto de 408. Antes de ejecutarlo, le fueron retiradas sus insignias de magister militum. Asesinaron a su hijo Euquerio en Roma poco tiempo después, para evitar que los partidarios de Estilicón lo trataran de aupar al trono.

Legado
En los disturbios que siguieron a su caída, las esposas y los niños de los bárbaros foederati fueron masacrados por los romanos. La consecuencia natural fue que estos hombres (las estimaciones describen su número como quizás alrededor de 30 000) se unieron a Alarico, clamando ser conducidos contra sus cobardes enemigos. Alarico cruzó por consiguiente los Alpes Julianos y comenzó una campaña a lo largo del corazón de Italia. Antes de septiembre de 408, los bárbaros estaban ante los muros de Roma.

Roma ya no tenía un general fuerte, Honorio permaneció en la inexpugnable ciudad de Rávena, rodeado de sus consejeros y poco podría hacer para romper el sitio, así que adoptó una estrategia pasiva que intentaba esperar a agotar a Alarico. Después de dos años de sitiar la ciudad, Alarico entró en la ciudad gracias a un traidor que abrió una de las entradas de la muralla. Por primera vez en siete siglos un invasor extranjero había entrado en Roma.

Tratamiento en la ficción
Estilicón ha aparecido en una serie de obras de ficción, como protagonista y también como antagonista.

Estilicón es el protagonista principal de la novela Estilicón, de Felix Dahn, 1901, una parte de la serie Kleine Romane aus der Völkerwanderung, donde es retratado como un general leal y honrado.

En las primeras novelas de la serie artúrica de Jack Whyte. En estos libros tiene una destacada conexión con la familia de Británico, a quien Whyte vincula a las leyendas de Merlín, Arturo y Camelot.

En la primera trilogía sobre Atila de William Napier (2005). Es asesinado por orden de la princesa Gala Placidia, quien sospecha de él como conspirador con el joven Atila, su rehén real.

En la novela de Wallace Breem Eagle in the Snow (El águila en la nieve) es un personaje secundario.

En Rome Total War: Barbarian Invasion -expansión del auténtico juego de estrategia Rome: Total War, Estilicón es un general romano de Occidente.

En la serie de documentales de la BBC Ancient Rome: Rise and Fall of an Empire, el personaje es interpretado por Colin Heber-Percy (en la imagen a la izquierda).

Anna Freud (3 de diciembre de 1895, Viena - 9 de octubre de 1982, Londres) fue una psicoanalista austríaca de origen judío. Hija de Sigmund Freud, Anna centró su investigación en la psicología infantil.

Biografía.
Primeros años.

Anna fue la sexta y última hija del matrimonio de Sigmund Freud y Martha Bernays. Su madre estaba agotada física y mentalmente, lo que motivó que fuera confiada inmediatamente a los cuidados de la institutriz católica Josefine Cihlarz, una joven con la que mantuvo un vínculo privilegiado. Años más tarde, en una correspondencia a Eitingon, Anna se refirió a Josefine como «la relación más antigua y más genuina de mi niñez» y su vínculo con ella inspiraría sus posteriores conceptos de «madre psicológica» y los contenidos del artículo Perder y ser perdido.

Mantuvo una relación distante con su madre y sentimientos de gran ambivalencia con su hermana Sophie, la preferida de Martha y la más bonita de las hijas mujeres, condición que Anna trató de compensar con su desarrollo intelectual.

Anna fue apodada por su padre como Annerl y éste recuerda su nacimiento como el inicio de un bienestar económico debido al aumento de su trabajo clínico. También la apodó «Demonio negro», por su carácter aventurero y díscolo dentro del medio familiar y de amigos, no comportándose así en público, donde fue reconocida como reservada y tímida. Uno de sus pasatiempos predilectos era el tejido, que, según recuerdan algunos de sus pacientes, también practicaba mientras atendía. En cuanto a su apariencia, adoptó como vestimenta el Dirndl, tradicional de su país, un ropaje largo y suelto que ocultaba su figura.

En 1912, al finalizar los estudios secundarios en el Lyceum, fue enviada a Merano para descansar y recuperar la pérdida de peso, en vísperas del casamiento de Sophie, al que no asistió por sugerencia de su padre. Esta exclusión formó parte de los malestares y amarguras que ya venía sufriendo. Pasaba períodos de gran fatiga y hablaba de ello como "eso" que la hacía cansarse y "sentirse tonta". De esta manera, definía su recurrencia a las ensoñaciones diurnas e historias fantasiosas, cuestiones éstas que tratará en el trabajo Relación entre fantasías de flagelación y sueño diurno, con el que ingresara a la Sociedad Psicoanalítica de Viena en 1922.

En Anna primaban las identificaciones masculinas, no obstante lo cual tuvo varios pretendientes; sin embargo, todos fueron rechazados, unos por ella y otros por su padre, siendo Ernest Jones el más famoso de ellos. A los dieciocho años quedó como única hija en su hogar, acompañando a su padre, que ya tenía sesenta y cinco años y penaba por el alejamiento de sus hijos.

Ingresó al Profesorado de Educación Elemental, y ejerció la docencia hasta caer enferma de tuberculosis, tras lo cual abandonó la docencia en 1920.

Análisis de Anna con su padre
Dos años antes, en 1918, había comenzado a analizarse con su propio padre, análisis que se mantuvo hasta 1922 con una frecuencia de seis sesiones semanales. Freud centró este análisis en las fantasías y ensueños de flagelación como inhibidores del trabajo intelectual.

Junto a S. Bernfeld, militante sionista y socialista, Anna apoyó la creación del Asilo e Instituto Baumgarten, para niños judíos huérfanos de guerra. Allí se formó un grupo dedicado a estudiar los problemas de aprendizaje y de psicología del niño, en el que participaron también Willie Hoffer y August Aichhorn. Este último ya tenía experiencia con niños y adolescentes y dejó en Anna huellas de su influencia.

En 1920, la familia Freud sufre la muerte de Sophie, víctima de una epidemia. Anna sobrelleva la pérdida de su gran rival, amada y envidiada, dedicándose al igual que su padre a un intenso trabajo, afianzándose su consagración al psicoanálisis. Recibió de Freud su reconocimiento cuando éste le otorgó uno de los anillos de oro grabado que poseían los miembros del Comité de los Siete Anillos, grupo que frecuentaba ya desde los catorce años, cuando se le permitía asistir en silencio a las reuniones de los miércoles.

Recorrido institucional

Se inicia en 1920 cuando asiste como invitada al primer congreso internacional de posguerra en La Haya. Dos años más tarde, a los veintisiete, ingresa en la Sociedad Psicoanalítica de Viena como psicoanalista de niños, pues la clínica con adultos era "vedada" a los profanos. En 1921 había conocido a Lou Andreas Salomé, psicoanalista de origen ruso que ocupa el lugar de "buena madre" y "madre analista", encontrando en ella una imagen femenina y maternal y una valiosa ayuda para la elaboración del citado trabajo sobre las fantasías de flagelación.

En 1923, ya declarada la enfermedad de Freud con su primera operación, decide no instalarse en Berlín y quedarse a su lado. Asiste a las recorridas por el Servicio de Psiquiatría del Centro Hospitalario Universitario de Viena, de Wagner Jauregg, conociendo allí a Heinz Hartmann. Esta experiencia hizo que retomara su análisis con Freud, siendo consciente de las dificultades que implicaba el "manejo de la transferencia". En el otoño de 1925, ya finalizado el análisis con su padre, crea con Max Eitingon un vínculo cuasi-analítico que finaliza en 1930, debido a las resistencias de Anna a profundizar sobre la relación de fuerte apego a su padre. En esta época, Anna estaba inmersa en los conflictos de rivalidad con su madre por el cuidado de la salud de Freud.

Entre sus primeros pacientes se cuentan los hijos de Dorothy Burlingham, a quien la ligaría una relación profunda y compleja por el resto de su vida. Fue su compañera de viaje y de vida, y ejerció con los hijos de ella sus inclinaciones maternales. A pesar de las apariencias, no hay acuerdo entre sus biógrafos acerca del carácter homosexual activo de esta relación, pero Anna se disgustaba frente a los rumores que la señalaban como lesbiana.

En 1924 ocupa el lugar de Otto Rank en el comité, y en 1925 es designada secretaria del Instituto psicoanalítico de Viena. Allí, impulsó la formación del Kinderseminar, un seminario de investigación sobre psicoanálisis aplicado a la pedagogía y destinado no sólo a psicoanalistas sino también a educadores y trabajadores sociales. En colaboración con otros profesionales del instituto, fueron creados algunos centros de reeducación, jardines de infantes, y la primera escuela para niños que fuera guiada conforme a los principios psicoanalíticos, dirigida por Eva Rosenfeld. Fueron, asimismo, consultados por el municipio de Viena para la orientación de niños con dificultades.

Colaboró en la "Zeitschrift fur Psychoanalitische Pedagogie", publicación dirigida por W.Hoffer, y en 1927 ocupa el cargo de secretaria de la Asociación Psicoanalítica Internacional (IPA).

La única antecesora de Anna en Viena en la práctica del análisis infantil fue Hermine von Hug-Helmuth, maestra jubilada que poseía un doctorado en Filosofía. Pero en realidad su verdadera competidora habría de ser Melanie Klein. El simposio de Londres en 1927, patrocinado por Ernest Jones, es una fiel y clara exposición de las diferencias teóricas y técnicas que prevalecían entre ambas.

Sigmund Freud fue un encarnado defensor de las posiciones adoptadas por Anna, y un detractor de las opiniones de Klein, quien en cambio sí recibió el apoyo de Karl Abraham en primer lugar, y luego el de Ernest Jones.

Mientras Sigmund Freud, en 1934, terminaba su primer borrador de Moisés y la religión monoteísta, Anna iniciaba El Yo y los mecanismos de defensa, regalándole la primera edición a Freud al cumplir éste los ochenta años en 1936.

Un año más tarde se inaugura en Viena la guardería Jackson, patrocinada por la estadounidense Edith Jackson, analizada de Freud. Este proyecto, dirigido por Anna, estaba destinado a niños menores de dos años, con el objetivo de informarse acerca de las primeras etapas de la vida a través de la observación directa. Los niños debían pertenecer a familias indigentes.

En 1933 había sido promulgada la ley antisemita, lo que dio origen al éxodo de psicoanalistas alemanes y austríacos. En 1938 la familia Freud decide partir de Viena, tras la invasión de las tropas de Hitler. Jones y Marie Bonaparte, junto a Dorothy Burlingham, organizaron la salida de la familia Freud hacia Inglaterra. Su casa ya había sido allanada en dos oportunidades, y Ana y Martín habían sido llevados por la Gestapo para ser interrogados. Ya en Londres, Anna se ocupó con exclusividad del cuidado de la salud de su padre, quien luchaba contra el cáncer.

Al morir éste, Anna enfrenta el duelo trabajando arduamente; organiza entre 1940 y 1942 varias residencias para niños evacuados y refugiados, siendo la guardería Hampstead, que funcionaba en la Hampstead clinic de Londres, la más destacada.

El clima de la Sociedad Británica de Psicoanálisis se enrareció con la llegada de los analistas vieneses. Jones, fundador de la misma y protector de Melanie Klein, se hallaba tironeado por ambas partes, resolviendo tal contradicción con su retiro. Tras la muerte del padre del psicoanálisis, se estableció la lucha por definir cuál de las dos corrientes sería proclamada su heredera.

Anna fue miembro del Consejo Ejecutivo de la IPA en la década de 1950, pero su mayor interés se manifestó en la década de los 60 en torno a la capacitación para el psicoanálisis infantil.

A partir de 1963, empezó a delegar la dirección de la Hampstead Clinic. Estaba preparando su vejez, siempre junto a Dorothy, con quien realizó numerosos viajes. Su principal preocupación se centraba en el futuro de la clínica, y si bien delegaba funciones, nunca lo hacía totalmente.

En 1971 se realiza el Congreso Internacional en Viena, donde se inaugura el museo en el viejo departamento de Bergasse 19. Anna ya tenía setenta y cinco años, y mantenía la esperanza de que en esa oportunidad la IPA aprobara y reconociera oficialmente la formación de los psicoanalistas de niños en la Hampstead Clinic. Pero Leo Rangell, entonces presidente, deseaba un congreso en paz y mocionó para que tal debate se pospusiera para el próximo congreso, y para que la Hampstead clinic fuera aceptada como grupo de estudio. La Sociedad británica de Psicoanálisis temía que la clínica de Anna se convirtiera en una sociedad paralela. Anna presentó entonces su renuncia a la IPA y a Rangell, quien le ofreció el cargo de presidenta honoraria. A partir de 1976, Anna delegó la dirección de la clínica.

Dictó clases en la Facultad de Derecho de Yale, y mantuvo con sus alumnos una relación libre y placentera. Esta experiencia fue recogida en tres volúmenes sobre el niño y el derecho, en coautoría con Goldstein y Solnit.

En 1975 su salud se vio afectada, sin poder llegarse a un diagnóstico preciso. Fue tratada por una anemia, y requirió internaciones periódicas. Durante este tiempo se dedicó a la refutación y desacreditación de teóricos posfreudianos y biógrafos no autorizados, con la ayuda de K. Eissler. También recibió los doctorados honorarios que le confirieron las universidades de Viena, Columbia, Harvard y Franckfort.

Fallecimiento
Su compañera de siempre, Dorothy, falleció en 1979 a los ochenta y ocho años, hecho que la deprimió sensiblemente. Al año siguiente, y al igual que su padre, encontró compañía en una perrita de raza china, a la que llamó Jo-Fi, el mismo nombre que Dorothy puso a un perro que le regaló a Freud.

Alice Colonna, una ex-analizada de Anna, y Manna Friedman fueron quienes la acompañaron durante sus últimos tiempos. En 1982 padeció un ataque cerebral que afectó su motricidad y habla, no así su lucidez mental. Un año antes, había asistido por última vez a un simposio de la clínica, presentando un trabajo sobre patogénesis. A partir del ataque su estado físico era realmente penoso, y sólo podía ser paseada en silla de ruedas.

Murió mientras dormía en la madrugada del 9 de octubre de 1982. Su cuerpo fue incinerado en el crematorio de Golders Green, donde también reposan las cenizas de sus padres.4

Anna Freud y Sigmund Freud

Anna y Sigmund Freud en el sexto congreso internacional de psicoanálisis, La Haya (1920).

Resulta oportuno citar algunas interesantes definiciones acerca del papel que Anna Freud desempeñó en la historia del psicoanálisis.

La primera de ellas parte de su padre, Sigmund Freud, al llamarla Anna Antígona. Cabe recordar que Antígona, en la obra de Sófocles, es la hija de Edipo, a quien guía, tras su ceguera, errante por Grecia hasta su muerte.

Ernest Jones, quien mantuvo una relación ambivalente con Anna, se unía a ella en lo político institucional pero se le oponía en lo teórico: "tiene usted el don de escribir ordenadamente y sin forzar la organización del material. Me gustaría hacer la reseña del libro", escribe Jones refiriéndose a la publicación de El Yo y los mecanismos de defensa. Y en relación al mismo, a manera de crítica, lamenta que (...) interrumpa su viaje investigador hacia las profundidades donde hubiera deseado mayor iluminación.

Phyllis Grosskurt, en su libro Melanie Klein, ilustra el desempeño de Anna así: Anna Freud era una expositora de las ideas de su padre, pero sólo de aquellas que podían examinarse en lugares claramente iluminados y bien aireados.

Por último, Elizabeth Young-Bruehl, en su biografía de Anna Freud, dice: (...) era la madre del psicoanálisis, y a ella pasó la responsabilidad de preservar su espíritu, de velar por su futuro (...) celosa del psicoanálisis, llegó a ser no sólo la sucesora de su padre por derecho propio, con sus contribuciones teóricas y clínicas, sino también una mujer cuya vida fue por entero dedicada a la teoría psicoanalítica.

En la imagen Anna y Sigmund Freud en el sexto congreso internacional de psicoanálisis, La Haya (1920).

Webern fue soldado del ejército austriaco en la Primera Guerra Mundial y luchó con entusiasmo.

En la Segunda Guerra Mundial era demasiado mayor para participar. Su hijo Peter murió en el frente luchando a favor de los nazis. Otros dos hijos de Webern fueron también nazis.

Webern no se afilio al partido pero fue admirador de Hitler y se entusiasmo con la entrada de Japón en la guerra. Su amigo y profesor Schoenberg estaba indignado con su actitud. Schoenberg, que era judío, se había refugiado en Los Angeles huyendo de los nazis.

Webern murió pocos meses después de terminar la Guerra Mundial por un disparo, al parecer accidental, de un soldado del ejercito de Estados Unidos.

En la imagen Webern soldado con su hija en 1915.

Incident at Mittersill

A new opera explores the mysterious death of the composer Anton Webern

By Sudip Bose

The bombs began falling with greater intensity in March 1945, as the war neared its end and the Soviet and Western Allied armies advanced upon Vienna. Though the Austrian composer Anton Webern lived 15 miles away from the city center, on a cul-de-sac at the base of a forested hill, the exploding bombs, blaring sirens, and almost constant fire of anti-aircraft guns were ever-present there, as well. For a composer who thrived on silence, it was too much to bear. It wasn’t just the noise, however, that prevented him from working, or even that he was destitute, unable to perform in public, his music banned by the Nazis on grounds of “degeneracy.” He was, above all, numbed with grief following the death of his son, Peter, a soldier in the German army. Webern, a nervous man during the best of times, was beaten down, on the verge of collapse, a devout Christian now questioning the existence of God.

At the end of March, German officials began evacuating civilians from Vienna. Webern’s wife, Wilhelmine, could have boarded one of the refugee buses designated for women and children, but she would not countenance being separated from her husband. Instead, the Weberns decided to take refuge in the Alpine village of Mittersill, 230 miles away. Two of their three grown daughters, Christine and Maria, were already there with their own children, living in the home of Maria’s in-laws. On Good Friday, March 30, with Vienna in a state of chaos, Webern and his wife packed all they could into two rucksacks. In the darkness of the next morning, they began walking, hoping to hitch a ride somewhere along the way. They walked for eight grueling hours—18 miles in total, burdened with the weight on their backs—to the town of Neulengbach, where they managed to get on a train continuing westward.

On Easter Monday, April 2, they disembarked at the picturesque town of Zell am See. There, while waiting on the station platform, they ran into their eldest daughter, Amalie. She and her two young sons had also fled Vienna, on a bus bound for Innsbruck and then southern Germany, but had decided, midjourney, to head to Mittersill instead. Heartened by this fortuitous coincidence, three generations of Weberns now boarded the train to Mittersill. It was, no doubt, a joyous reunion once they arrived at the village, and later, the family’s ranks would grow yet larger with the return of Christine’s and Amalie’s husbands from the front—17 people crammed into one Tyrolean country house. There, on a meadow overlooking the Salzach River, amid the serenity of evergreen forests and Alpine peaks, the extended family waited out the war’s end. On April 30, Adolf Hitler committed suicide. Soon after, the Germans surrendered, and American soldiers occupied Mittersill, overseeing the transition to peacetime.

Webern suffered from malnutrition and a violent case of dysentery, but he soon recovered, even without the aid of medication. He began finding moments of solace in his new environment, taking long, meditative walks into the surrounding forests, delighting in the lichens, the mosses, the Alpine flowers. He read the poems of Rainer Maria Rilke, copying line after line into his diary. He began to feel regenerated. Sitting with his wife on a bench near the Mittersill church one radiant summer day, while gazing up at the mountains capped with early snow, Webern said, “I would like to be buried here someday.” He was only 61, too young for premonitions, but a few months later, he was dead.

The death of Anton Friedrich Wilhelm von Webern—one of the most inventive artists of the 20th century, whose experiments in sound greatly influenced the course of contemporary music—was for many years a matter of rumor and conjecture. Only a few facts were known. On the evening of September 15, 1945, the Weberns dined at the home of Christine and their son-in-law Benno Mattel, who had set up residence of their own in the village. After dinner, two American soldiers came to the house to see Mattel. At some point, Webern went outside to smoke a cigar, and as he lit up, a confrontation with one of the Americans took place. Three shots were fired. Webern stumbled inside and died. The three bullet holes can still be seen on the façade of the house at Am Markt 101, just to the right of the front door.

Was Webern murdered, or was his death accidental? Who was the soldier who pulled the trigger, and had he acted in self-defense, after some provocation from Webern? Shortly after visiting Mittersill in 1959, a German-born American musicologist named Hans Moldenhauer became determined to answer these questions, and did so in a 1961 book, The Death of Anton Webern: A Drama in Documents. Based largely on this book, a new one-act opera called The Death of Webern, a moving and taut work by the composer Michael Dellaira, with a libretto by the poet J. D. McClatchy, has recently received its premiere, with three performances in New York City by the Pocket Opera Players.

Writing an opera about a composer—especially one as pioneering and idiosyncratic as Anton Webern—can be tricky. To what degree should the work’s musical idiom reflect, mimic, or comment on the music of its subject? Webern will forever be associated with Arnold Schoenberg and Alban Berg, the three making up the so-called Second Viennese School. Though Webern’s earliest works emerged from the plush world of post-Romanticism, he soon began experimenting with tonality and form, reducing harmony, melody, and rhythm to their constituent elements—sound distilled, with beauty revealed in the inherent severity and compression of a work. Some of his pieces last barely a minute, with each note containing a world of expression—and each silence, too.

A wonderful Webern-like economy characterizes Dellaira’s score, not just in the orchestration for chamber ensemble but also in its intensity. The music is concentrated and spare, with a wide range of feeling communicated by the attenuated phrases that flit about the longer vocal lines. But Dellaira is not beholden to Webern; he can—and does—make use of a variety of musical styles precisely because this work, though ostensibly about Webern, is really the story of Hans Moldenhauer.

At the outset of the opera, Moldenhauer sits at his desk, wondering why the burden of investigating Webern’s death has fallen to him. Against a brooding clarinet line and a roll of the snare drum suggesting gunfire, he laments that a “man who devoted his life to sound ” has so easily been “swallowed by silence.” When Moldenhauer later recalls how much the composer’s music has meant to him, Dellaira quotes from Webern’s early Passacaglia—a lovely moment of homage. But because the Passacaglia marked a point of departure for Webern—very soon after, he would move beyond the tonal world of Mahler, Strauss, and Wagner—the passage also invokes a deeper sense of nostalgia and loss.

Among the many felicities of McClatchy’s libretto is how he treats the letters, statements, and affidavits that Moldenhauer assembled in his search, making poetry out of mundane official correspondence. Returning home from Austria, Moldenhauer sent letters of inquiry to the U.S. secretaries of State and Defense, in the hope that some record of Webern’s death might be found—a most improbable gambit. Not surprisingly, the letters were shuffled down bureaucratic channels to assorted government archivists and military officers. As the opera shows, Moldenhauer encountered false starts and dead ends, indifference and obstruction. “In a time of war, papers are misfiled,” sings an archivist with the War Records Division. “Facts, like lives, alas, are lost.” After failing to make headway with both a State Department clerk and a military officer, Moldenhauer expresses a cynical frustration—“If you keep looking away, maybe it will disappear”—as the flute and clarinet spin out an urgent, restive line against a driving, repeated figure played by the cello and piano.

Moldenhauer’s breakthrough comes when he learns that units of the 42nd Infantry, the famed Rainbow Division, were present during the American occupation of Mittersill and that an American soldier named Martin Heiman went to the house where Webern had been shot on that very night. Not only had there been a subsequent investigation, but Heiman, a German-born American, had acted as translator. In a remarkable fulcrumlike scene in the opera, Heiman reveals the name of the man who killed Webern—an army cook named Raymond Bell. There follows a beautiful canon (a musical form in which a phrase or melody uttered by one voice is repeated, after a short interval of time, by another voice or voices) in which Heiman names the other American soldier present at the Mattel house that night—a first sergeant named Andrew W. Murray. Dellaira’s use of the canon is not coincidental, I think; it was one of Webern’s favorite forms.

In his 1979 biography, Anton von Webern: A Chronicle of His Life and Work, Moldenhauer, writing in collaboration with his wife, Rosaleen, describes how, upon arriving at Mittersill after the war, Webern’s son-in-law Mattel tried to purchase black-market goods from the American soldiers stationed in the village. One day, he approached Raymond Bell, looking to buy sugar, coffee, and American dollars. Bell alerted Sgt. Murray, but when the two reported Mattel to higher-ups at the Counter-Intelligence Corps, headquartered in nearby Zell am See, they were told to entrap and arrest Mattel themselves.

A sting operation occurred at Mattel’s house on September 15—coincidentally the night Anton Webern and his wife dined there. The Weberns arrived around eight o’clock and subsequently enjoyed a meal with their daughter and son-in-law, as Wilhelmine Webern would later recount. Afterward, Mattel announced the imminent arrival of some Americans, so Webern, Wilhelmine, Christine, and the Mattels’ three sleepy children retired to a room across the hall, where the children were put to bed. When Bell and Murray arrived soon after nine, Mattel served them drinks in the kitchen, and the three agreed upon a price for certain illicit goods. The Americans drew their pistols and arrested Mattel.

At precisely this time, Webern decided to indulge in a pleasure he had been anticipating all evening: a cigar that Mattel had procured for him. His wife did not want the smoke to disturb the three sleeping grandchildren, so Webern stepped outside into the darkness.

Bell, seemingly unaware that others were in the house, heard footsteps in the hallway. Curious, he, too, made his way outside, though what happened next can never be verified. Bell would later say that Webern—five feet three inches tall, 110 pounds, and in frail health—had provoked him into firing the three shots. Whatever the motive, Bell ran off for help, heading to a nearby inn, where a dance was being held for the Americans. Webern, meanwhile, struggled to get back inside the house. Ich wurde erschossen, he said—“I have been shot.” Wilhelmine and Christine placed him on a mattress. He was bleeding severely from his stomach. Es ist aus, Webern said—“It is over”—and with those final words, as laconic and profound as the music he created, he began to slip out of consciousness. Medical help finally arrived, but Anton Webern was dead.

As the composer’s body was taken away, Wilhelmine fell into a state of shock. It was left to Amalie Waller, awakened at four in the morning with the news of her father’s death, to find out just where he had been taken. On that Sunday morning, her search led her to the Annakirche, Mittersill’s small Baroque chapel. “And it was he,” she would later tell Moldenhauer. “On a blanket, on the floor of the chapel, lay my father—dead. His eyes were open, dreadful terror stood in them.”

During the military investigation, Bell continued to assert that he had acted in self-defense. Heiman maintained, however, that “to the best of my knowledge not the slightest proof existed that [Webern] attacked the cook apart from the testimony of the cook, who was about two heads taller than Mr. A. von Webern. I did not speak to a single officer familiar with the case who believed Mr. von Webern was guilty of anything in this connection. Certainly in my opinion he was a completely innocent bystander.”

Bell, confined to quarters for a period of time after the shooting, returned to his hometown of Mount Olive, North Carolina, after the war and became a restaurant cook. He died an alcoholic on September 3, 1955, a decade after the incident with Webern. When Moldenhauer wrote to Bell’s widow, a schoolteacher named Helen, he received a poignant response:

I know very little about the accident. When he came home from the war he told me he killed a man in the line of duty. I know he worried greatly over it. Every time he became intoxicated, he would say, “I wish I hadn’t killed that man.” I truly think it helped to bring on his sickness. He was a very kind man who loved everyone. These are the results of war. So many suffer.

The most expansive scenes in the opera, full of pathos and heightened expressiveness, are the dialogues between Moldenhauer and Helen Bell and Moldenhauer and Amalie Waller. The scene with Amalie is, for me, the highlight of the entire work; she recounts the desperation of the flight to Mittersill—the piccolo and violin playing in haunting unison, floating above the singers—and the traumatic experience of finding her father’s body in the chapel. “You are the first man who has cared, Doctor,” Amalie sings plangently. “I only wanted to discover the truth,” Moldenhauer replies, an understated response burning with the intensity of his endeavor.

Webern’s adoption of his teacher Arnold Schoenberg’s 12-note system gave structure to the music he wrote after 1921, though his experiments with form and tonality were leading in that direction anyway. In 12-note music, the melodies and harmonies of a piece are determined by a specific arrangement of the 12 notes of the chromatic scale, the so-called tone row. The row occurs throughout the piece and can be manipulated in various ways: inverted, reversed, inverted and reversed. It might seem arbitrary, but in the hands of imaginative and inspired artists such as Schoenberg, Webern, and Berg, the system gave rise to an enormous range of expressive music. There is nothing cold or mathematical, for example, about Berg’s valedictory Violin Concerto, or Webern’s moving and gorgeous late cantatas.

In one of the opera’s two flashback scenes, we see Webern giving a private lecture at his house, discussing the music of the Second Viennese School. He bemoans the fact that most people cannot come to terms with the new music, incapable as they are of appreciating anything that does not render a specific image or mood, or adhere to traditional tonality. But Webern argues that 12-note music is derived from nothing less than natural law, that he and Schoenberg and Berg have only developed and furthered a tradition inherited from Bach. “The classical forms have remained,” Webern sings. “It was our task to extend and clarify them, to dislodge the keynote, and make way for the luminous harmony of the new laws. How 12 notes listen to each other, and in doing so show us the new worlds spinning inside the eternal universe.” The scene is powerful, with passages marked by a Webern-like severity contrasting with a chorale that recalls the polyphony of Bach and Heinrich Schütz—new and old coexisting seamlessly.

Webern goes on to ask what will happen to serious artists in the new Germany, branded by the Nazis as degenerate: “I cannot even think what and whom they will destroy. It is our duty to save what can be saved, for soon we may all be in prison for calling ourselves ‘serious.’ ”

Without question, Webern suffered greatly under the Third Reich. More problematic than his seemingly complex music was his close friendship with Schoenberg, who was Jewish. In the opera’s first scene, Moldenhauer holds Webern up as a “man who defended his homeland and its history, a man who spoke out against Hitler and the forces of evil.” What an injustice that “that man is killed by those he looked on as his saviors.” But this portrait of Webern is only partially true, and it omits a troubling side of the composer’s character.

Perhaps as a result of his belief in the superiority of pan-Germanic culture, Webern embraced the rise of the Third Reich, often vigorously. He admired Hitler and the National Socialists, praised the Japanese entry into the war, and imagined a time when the entire world might be pacified by the new Germanic order. No evidence exists to suggest that Webern was an anti-Semite (though three of his children became Nazis as adults, Mattel was a Nazi storm trooper, and a few of Webern’s close friends were also Nazis). He helped many Jewish friends during the difficult time preceding the annexation of Austria in 1938, and he later offered Jews refuge in his house, risking arrest and a possible death sentence. Yet how could a man whose closest friends and colleagues included so many Jews have failed to acknowledge the brutality of the Nazis?

To suggest that this cultured and intelligent man was startlingly simpleminded when it came to politics is not to apologize for his delusions. There is an almost unbelievable story of a trip he took in 1936 to Barcelona, where he was supposed to conduct the premiere of the Berg Violin Concerto. The soloist on the occasion, Louis Krasner, accompanied Webern on the train journey from Vienna to Spain—yet rather than go through Switzerland, as almost everyone else attending the festival was doing, Webern insisted on traveling through Germany, for no other reason than to show his Jewish traveling companion that it was possible for him to survive in Germany unscathed. This naïveté revealed itself on another occasion when Webern decided to conduct a program of Felix Mendelssohn’s music for the Austrian radio broadcaster RAVAG, at a time when the music of Mendelssohn, a Jew, was banned. This transgression (along with Webern’s strong ties to cultural institutions supported by Austria’s Social Democrat party) led to his immediate dismissal from RAVAG, for whom he had been conducting regular concerts.

In 1934, Schoenberg, having emigrated to the United States, wanted to dedicate a composition to Webern, on the occasion of his former pupil’s 50th birthday. But first, he needed Webern to answer a question: Was he a Nazi? Webern wrote back, emphatically stating that he was not, and expressing “a sense of the most vehement aversion” toward anti-Semites. Schoenberg was only temporarily put at ease. A few years later, he confronted Webern about the matter again, as reported in Kathryn Bailey’s The Life of Webern:

I have heard repeatedly in the last few months a rumor which I have not believed and which has been described by various sources … as untrue. Nevertheless, under the circumstances it is necessary that I know the whole truth, and this I can get only through a direct answer to a direct question. Is it true that you have become a supporter, or even a member, of the Nazi party? There are few things that could give me greater joy than your answering no to the questions.

How Webern responded, or if he did so at all, is not known: no response to Schoenberg’s letter has been found.

In times of war, of course, the choices a person makes in order to get by—and who is to say that Webern’s choices were not entirely practical—are often fraught with ethical complication. That Webern was not morally guiltless during the most horrific period of the 20th century does not diminish him as a seminal artist, the creator of hugely influential pieces that are challenging and thorny, but luminous and beautiful, too. Wherever his sympathies lay, The Death of Webern makes clear that some of the questions that Hans Moldenhauer set out to answer will forever remain unknowable. At the end of Dellaira’s affecting opera, with so many of the puzzle pieces put together, Moldenhauer still registers a note of deep pessimism: “Lies. Half-truths. No one knows. No one remembers. No one wants to remember.” That a musical work about Anton Webern, who helped explode the world of tonality, should end quietly in C major—that most traditional of key signatures, the key of some of the greatest works of Haydn, Mozart, and Schubert, a key that conveys solidity, familiarity, and happiness—might be the most tantalizing irony of all.

Historia de la ópera.

Se cree que Mozart compuso la obra en homenaje al arzobispo de Salzburgo Segismundo III de Schrattenbach. Sin embargo, el prelado falleció en diciembre de 1771, y en marzo de 1772 fue designado como su sucesor Colloredo. Esta pieza tuvo entonces algún cambio, como la dedicatoria escenificándose en la residencia arzobispal inmediatamente después de su “elevación al trono episcopal”.

Parece que al arzobispo Colloredo le gustó esta pieza filosófica y hay biógrafos que consideran que, gracias a ella, Mozart obtuvo el nombramiento como “Konzertmeister”.

La ópera no volvió a representarse hasta enero de 1979, en la Semana de Mozart de Salzburgo. Esta ópera rara vez se representa en la actualidad; en las estadísticas de Operabase aparece con sólo 7 representaciones en el período 2005-2010.

Sinopsis
La acción transcurre en África, en la región en que reinaba Masinisa.

El protagonista es Publio Cornelio Escipión Emiliano (muerto en 129 a. C.) , modelo de hombre de estado para Cicerón.

Escipión el Joven descansa en la citada región. En el sueño, se le aparecen dos diosas: la Fortuna y la Constancia, para que elija a una de ellas como guía y protectora. Escipión les pide tiempo, pues no tiene el corazón ni la mente en disposición de elegir. Ambas diosas contestan a sus preguntas. Escipión quiere saber dónde está, y le indican que en el Templo del Cielo, y que las magníficas luces que ve son las estrellas, y que la música que oye es la armonía de las esferas.

Escipión pregunta quién crea esta armonía. Constancia le responde que hay un poder detrás de ellas, que mueve las esferas como las cuerdas de una cítara. Escipión pregunta por qué los mortales no oyen ese sonido en la Tierra, y Constancia le explica que se debe a la insuficiencia de sus sentidos. Escipión quiere saber, entonces, quién vive en ese mundo eterno. Fortuna le señala un cortejo que se aproxima: héroes, sus antecesores, los más grandes hijos de Roma.

En el mismo sueño aparecen los antepasados de Escipión: Escipión el Africano, abuelo de adopción, y Emilio Pablo, su padre natural. Publio Escipión le asegura que la luz de la inmortalidad resucita el cuerpo. El que ha pensado y dedicado su vida a los otros, vivirá para siempre; el que vive sólo para sí mismo no merece la inmortalidad. Escipión busca a su padre, y se alegra al verlo.

Emilio Pablo le dice que la alegría en el cielo es completa, al no estar acompañada de sufrimiento. La Tierra, pequeña, miserable, cubierta de nubes, está llena de gente indiferente al dolor ajeno. Horrorizado, Escipión pide a su padre que le deje quedarse en esa tierra eterna. Sin embargo, Publio le dice que él tiene que llevar a cabo una gran misión en la Tierra: destruir al enemigo, después de que elija entre Fortuna y Constancia.

Escipión pregunta a Fortuna qué ayuda le ofrece para llevar a cabo su tarea. Ella le dice que su poder de destruir y crear, corromper la inocencia y autorizar el mal. Constancia, en cambio, dice que sólo ella puede conceder el poder de la lealtad. La virtud sólo algunas veces es derrotada por la violencia, mientras que los malos actos son transitorios, a diferencia de los buenos. Fortuna no puede privar a los héroes de la esperanza y la fe. Escipión muestra su sabiduría y prudencia escogiendo la Constancia, desafiando sin temor a Fortuna, porque es el reino eterno lo que prefiere su corazón.

La diosa Fortuna se enfurece y desencadena su ira en forma de tormenta. Escipión mantiene su coraje y se despierta, de nuevo en el reino de Masinisa, sintiendo que a su lado está la Constancia. Al despertar, Escipión se confirma en sus propósitos de fidelidad a su diosa elegida, reconociendo en el sueño un mensaje de los dioses.

La historia concluye con una “Licenza”, dirigida al nuevo Arzobispo, con la inevitable moraleja, recordando que el verdadero protagonista del poema es él, y no Escipión el Joven.

Libreto
El texto es de Pietro Metastasio, en forma de serenata dramática que compuso en 1735 para la coronación del emperador Carlos VI con el título Il sogno di Scipione.

Esta alegoría retomaba un tema clásico, el Somnium Scipionis o Sueño de Escipión, contenido en el sexto libro de la obra De re publica (Sobre la República) , de Cicerón. Es una visión onírica del filósofo romano, en la cual Publio Cornelio Escipión Emiliano conoce a su abuelo por la adopción, Publio Cornelio Escipión el Africano, héroe de la Segunda Guerra Púnica la Cartago de Aníbal Barca.

Es un libreto ya musicado por otros compositores de la época, como Johann Adolf Hasse (1699-1783), Giuseppe Sarti (1729-1802), Gluck, Niccolo Jommelli (1741-1790), Niccolò Piccinni (1728-1800) y Galuppi. Pretende ser un homenaje al nuevo príncipe.

Estructura musical
La obertura de esta ópera es la parte más destacable de la misma. Meses después, el propio Mozart la modificó ligeramente para hacer de ella una pieza de concierto independiente (KV 161). En un momento posterior le añadió un presto como movimiento suplementario (KV 163). Esta nueva obertura como pieza independiente tiene el número 141a en el nuevo catálogo Köchel.

Es una ópera de un solo acto, compuesta por once arias y dos coros, más un recitativo acompañado, el diálogo entre Fortuna y Escipión “E ben provami”.

De las piezas vocales de esta ópera, destacan:

N.º 2: Lieve sono al par del vento (diosa Fortuna)
N.º 3: Ciglio che al sol si gira (diosa Constancia)
N.º 6: Voi colaggiù ridete (Emilio Pablo)
N.º 7: Quercia añosa su l’erte pendice (Pablo)
N.º 9: Biancheggia in mar lo scoglio (diosa Constancia)
N.º 10: Di che sei l’arbitra (Escipión)
N.º 11 Licencia: Ah perché cercar degg’io (soprano)

Valoración
Mozart tenía dieciséis años cuando la compuso. Se enfrentó a un tema clásico con fines apologéticos. Se trata de un trabajo de circunstancia que sólo adquiere carácter más personal y mozartiano en los momentos de la descripción del sueño, recreado por música de flautas, y en el despertar de Escipión, en el único recitativo de la ópera, “tumultuoso y típicamente mozartiano, pero de clara derivación italiana” (Abert, citado por A. Poggi). Las arias se asemejan mucho a las de Ascanio in Alba, del año anterior, si bien resultan más largas, brillantes y elaboradas.

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¿Quien fue Escipión?

Publio Cornelio Escipión Emiliano Africano Menor Numantino (en latín, Publius Cornelius Scipio Aemilianus Africanus minor Numantinus) (185 a. C. - 129 a. C.), más conocido como Escipión el Joven y también Escipión Africano Menor, fue un militar y político romano del siglo II a. C.

Biografía.
Juventud y primeros años.
Desde joven, se debatió entre el tradicionalismo romano y la influencia helenística. A los diecisiete años acompañó a su padre Lucio Emilio Paulo Macedónico a Grecia, y luchó bajo sus órdenes en la batalla de Pidna, en el año 168 a. C.

Seguramente en Grecia conoció al historiador Polibio y en 167 a. C., cuando éste fue enviado a Roma, junto con otros exiliados aqueos, Escipión le ofreció su patrocinio y la protección de su poderosa familia y formó con él una gran amistad que continuó sin interrupción durante toda su vida.

De Polibio aprendió mucha literatura griega y en general la refinada cultura griega, pero por otro lado fue un ejemplo también de las virtudes romanas.

Su amistad con Cayo Lelio hijo fue tan notable como la del padre de éste con Publio Cornelio Escipión el Africano, y ha sido inmortalizada por el célebre tratado de Cicerón titulado Laelius sive de Amicitia.

Escipión Emiliano pronto se convirtió en la cabeza del clan de los Escipiones, que integraba a políticos, como Lucio Calpurnio Pisón Cesonino y Quinto Fabio Máximo Emiliano; filósofos, como Panecio de Rodas; escritores, como Lucilio y Terencio; e historiadores como Polibio. Casado con Sempronia, su prima, y hermana de los Gracos, se opuso, sin embargo, a la política de éstos, aunque no simpatizaba con el extremista partido conservador.

Familia
Ostentó el cargo de cónsul en 147 a. C., concluyó victoriosamente la Tercera Guerra Púnica destruyendo Cartago tras un asedio que duró tres años, y de la misma forma concluyó las guerras contra los celtíberos tras la toma de Numancia. Era hijo menor del primer matrimonio de Lucio Emilio Paulo Macedónico, conquistador de Macedonia. Después fue adoptado por Publio Cornelio Escipión, el hijo mayor de Publio Cornelio Escipión el Africano, vencedor de Cartago en la Segunda Guerra Púnica (Batalla de Zama, 202 a. C.), de quien tomó el nombre.

Su hermano mayor Quinto Fabio Máximo Emiliano fue a su vez adoptado por la gens Fabia. Tras conquistar Numancia, recibió el sobrenombre de Numantino.

Se casó con su prima Sempronia, hija de Tiberio Sempronio Graco y de Cornelia menor (hermana de su padre adoptivo Publio Cornelio Escipión).

Campañas en Hispania.
Escipión atrajo la atención pública por primera vez en el año 151 a. C. En este año, después de varios desastres en Hispania, no se presentaron voluntarios para el reclutamiento de tropas que estaban realizando los cónsules.

Entonces Emiliano se ofreció como voluntario para servir en el lugar que los cónsules consideraran conveniente; fue nombrado tribuno militar y acompañó al cónsul Licinio Lúculo a Hispania donde se distinguió por su coraje; mató a un cabecilla hispano en combate singular e hizo un acto de valentía al ser el primero en trepar por los muros de la ciudad de Intercatia. Estas hazañas le hicieron ganar la admiración de los enemigos y la de sus compañeros.

En 150 a. C. Lúculo lo envió a África para obtener de Masinisa algunos elefantes, y el rey númida lo recibió muy bien; el rey estaba en guerra con Cartago y pidió a Emiliano que hiciera de mediador, pero fue incapaz de lograr nada. Escipión consiguió algunos elefantes con los que volvió a Hispania.

Conquista de Cartago
Tercera Guerra Púnica
En 150 a. C. comenzaba la Tercera Guerra Púnica. En 149 a. C. se produjo el desembarco en Útica y el asedio de Cartago, que tuvo que interrumpirse al año siguiente por razones logísticas. Escipión Emiliano actuó como tribuno militar, destacando por su inteligencia y capacidad militar, en contraste con la incompetencia de sus superiores. Por su valentía personal y habilitad militar pudo reparar, en gran medida, los errores, y la incapacidad del cónsul Manilio, cuyo ejército en una ocasión salvó de la destrucción. Sus habilidades le ganaron la confianza absoluta de Masinisa y de las tropas romanas, mientras que su fidelidad a su palabra lo hizo apreciado por el enemigo. En consecuencia, los comisionados, que habían sido enviados por el Senado para inspeccionar el estado de cosas en el campamento romano, hicieron un informe muy favorable de las habilidades y de la conducta de Emiliano.

El año siguiente Lucio Calpurnio Pisón cogió el mando del ejército romano y Escipión volvió a Roma, acompañado por los deseos de los soldados que pronto volviera a ser su comandante. Muchos de ellos escribieron a sus amigos en Roma, diciendo que sólo Escipión podría conquistar Cartago.

Esto hizo que el pueblo romano acuñara la creencia de que sólo un descendiente de Publio Cornelio Escipión el Africano (vencedor de Aníbal en la Batalla de Zama) podía vencer en Cartago, en una guerra que se les estaba haciendo demasiado larga a los habitantes de la ciudad del Tíber.

Incluso personas de edad como Catón, que siempre estaba más dispuesto a la crítica que a la alabanza, elogió a Escipión con las palabras de Homero, "Sólo él tiene la sabiduría, el resto son sombras vacías".

La predisposición a favor de Escipión aumentó todavía más debido a la falta de éxito de las operaciones de Pisón, y, en consecuencia, en el día que iba a presentarse al edilato, fue elegido cónsul, incluso aunque no cumpliera los requisitos requeridos por la legalidad vigente, ya que sólo tenía treinta y siete años. Que las leyes duerman por esta noche proclamaron los romanos, y Escipión Emiliano fue proclamado en la primera magistratura.

Ruinas de Carthago.
El Senado, por supuesto, le asignó África como su provincia, a la que inmediatamente partió, acompañado por sus amigos Polibio y Lelio.

Reanudó el bloqueo y emprendió acciones complementarias en el interior del país. En 146 a. C. se produjo el asalto final, el incendio y destrucción de la ciudad. Según Polibio, derramó lágrimas sobre las ruinas, citando un verso de la Ilíada: Llegará también un día en que perecerá Troya, la santa. Luego explicó que esta frase que hoy se aplicaba a Cartago, algún día podría ser aplicada a su patria, Roma.

África se convirtió en provincia romana y Escipión Emiliano volvió a Roma donde celebró un espléndido triunfo y el sobrenombre de "Africano" que había recibido por herencia le fue dado por derecho propio.

Censura
Elegido censor en 142 a. C., con Lucio Mummio. Se caracterizó por su severidad en la represión de la inmoralidad y el lujo, pero sus intentos fueron boicoteados por su colega, que vivía con gran ostentación y era en este sentido más indulgente.

En la solemne oración ofrecida en la celebración del lustro, Escipión cambió la súplica para la ampliación de la República en una para la preservación de sus posesiones actuales.

En 139 a. C. fue acusado por . Claudio Asellus, un tribuno de la plebe que había sido reducido a la condición de aerarius por Emiliano, y privado de su cargo público, pero fue absuelto.

Por este tiempo también dirigió una embajada en Egipto y Asia, misión a la que sólo se llevó cinco esclavos para dar ejemplo de combatir el lujo.

Conquista de Numancia
Guerra Numantina
Fue nombrado de nuevo cónsul en ausencia, para el año 134 a. C. junto con Cayo Fulvio Flaco y se le asignó la provincia de Hispania, con el mandato expreso de acabar con la resistencia numantina, donde los ejércitos romanos iban de desastre en desastre.

Al llegar a la zona, y ante la indisciplina del ejército, rehuyó el combate, salvo escaramuzas menores, y puso asedio a la ciudad de Numancia en toda regla. El hambre y las epidemias terminaron con la resistencia de Numancia en el año 133 a. C.. Casi todos los numantinos mataron a sus familiares y luego se suicidaron. Los pocos supervivientes fueron vendidos como esclavos, y la ciudad arrasada. Cincuenta de sus principales habitantes adornaron el triunfo de Emiliano y los restantes fueron vendidos como esclavos.

Emiliano recibió el sobrenombre de Numantino además del de Africano menor.

Lucha política

Mientras Escipión estaba ocupado en la reducción de Numancia, Roma estaba convulsa por las medidas del tribuno Tiberio Sempronio Graco, y que terminaron con el asesinato de éste. A pesar de que Escipión estaba casado con Sempronia, hermana del tribuno de la plebe muerto, no tenía ninguna simpatía con sus reformas, y al recibir la noticia de su muerte en Numancia, se dice que exclamó con un verso de Homero:

«Así perecen todos los que hacen lo mismo otra vez.»
A su regreso a Roma en el año 132 a. C., no ocultó su aprobación a la muerte de Graco, y cuando le preguntó el tribuno Cayo Papirio Carbón, en la asamblea de las tribus, lo que pensaba de la muerte de Tiberio Graco, él respondió que su asesinato fue justo (jure caesum). El pueblo, que esperaba una respuesta diferente, en voz alta expresó su desaprobación, y entonces Escipión, con desprecio aristocrático por la multitud, exclamó: Taceant quibus Italia noverca est."

El pueblo no olvidó este insulto, y desde este momento Escipión perdió gran parte de su influencia sobre ellos. Gracias principalmente a su influencia y autoridad el partido aristocrático fue capaz de derrotar el proyecto de ley del tribuno Carbón, que permitía la reelección indefinida de los tribunos.

Desde entonces Escipión Emiliano fue considerado la cabeza de la aristocracia (los "optimates") e impuso medidas, en el año 129 a. C. que tenían como consecuencia la virtual derogación de la ley agraria de Tiberio Graco; con la oposición vehemente de los tres miembros de la comisión agraria Fulvio Flaco, Papirio Carbón y Cayo Sempronio Graco.

Su misteriosa muerte
En el foro fue acusado por Carbón de ser enemigo del pueblo, mientras el pueblo gritaba: «¡Abajo el tirano». Por la noche volvió a su casa acompañado por senadores y un gran número de aliados, y luego se retiró a su cuarto de dormir con la intención de redactar un discurso para el día siguiente.

Por la mañana, Escipión fue encontrado muerto en su habitación. Los rumores más contradictorios surgieron a raíz de su muerte, pero la opinión general era que fue asesinado. Algunos pensaban que había muerto de muerte natural, y otros que se suicidó, pero el hecho concreto, que es admitido en todos los relatos, es que no hubo investigación de la causa de su muerte, lo que corroboraba la opinión popular de que fue asesinado.

Como culpables de su muerte se señalaron a su esposa Sempronia y su madre Cornelia Escipiona Menor, o Carbón, Fulvio y Cayo Sempronio Graco; Cicerón menciona expresamente que su asesino fue Papirio Carbón.

Maometto II (título original en italiano; en español, Mehmed II) es una ópera en dos actos con música de Gioachino Rossini y libreto en italiano de Cesare della Valle, ambientado en los años 1470 durante la época de la guerra entre los turcos y los venecianos. Della Valle basó el libreto en una obra anterior suya, Anna Erizo. El nombre del rol titular, Maometto II, se refiere al sultán turco otomano histórico, el gran conquistador de Constantinopla, Mehmed II, quien vivió entre 1432 y 1481.

Historia

La ópera se compuso cuando la carrera de Rossini empezó a ralentizarse a una sola ópera al año, y apareció casi un año después de Bianca e Falliero, aunque le sucedió inmediatamente Matilde di Shabran. Rossini comenzó a componer la ópera en mayo de 1820 para Nápoles, pero varios levantamientos políticos, que amenazaban el gobierno del rey Fernando I, tuvieron que estar lo suficiente bajo control antes de permitir que continuara la actividad teatral y para que tuviera lugar la primera representación en el Teatro di San Carlo en Nápoles el 3 de diciembre de 1820. En el estreno, el bajo Filippo Galli desempeñó el papel de Maometto II, Andrea Nozzari fue Paolo, Isabella Colbran su hija Anna y Giuseppe Ciccimarra el noble Condulmiero.

Mientras que "(la ópera) no gustó mucho a los napolitanos", "fue bien recibida cuando Rossini la revisó en Venecia en el Teatro La Fenice en diciembre de 1822." En 1823 y 1824, Maometto II fue presentado en Viena y en Milán y luego en Lisboa en 1826, pero después se la perdió de vista debido a que "una gran parte de su partitura (fue adaptada) a un nuevo libreto en francés" y representada en París el 9 de octubre de 1826 como Le siège de Corinthe, las guerras de los años 1820 entre los griegos y los turcos eran entonces más tópicas que aquellas entre los turcos y los venecianos de la original.

Como Maometto II, la ópera desapareció y, aunque hoy se representa raramente, se revivió por el Festival Rossini en Pesaro en 1985. Se dio la primera representación en los Estados Unidos el 17 de septiembre de 1988, cuando fue presentada en la ópera de San Francisco. No hay referencias a una producción en el Reino Unido.

Esta ópera rara vez se representa en la actualidad; en las estadísticas de Operabase aparece con sólo 5 representaciones en el período 2005-2010.

Synopsis

Time: 1470
Place: Negroponte, in the Aegean Sea
Act 1
[For the Venice version, 1822: Rossini added an overture]

The palace of the Governor, Erisso

Byzantium has just fallen to the Turks, and the troops of Maometto II (Sultan Mehmed II) are laying siege at the Venetian city of Negroponte (Chalkis). Maometto has demanded the surrender of the city the following day.

Amongst the Venetians, a council of war is being held and different opinions as to proposed actions are expressed. Young Calbo pushes Paolo Erisso to go on fighting and defend the city, while General Condulmiero wishes to yield. The consensus is to continue fighting and the troops swear allegiance to Calbo.

Another part of the palace

Alone, Erisso's daughter, Anna, contemplates her father's plight. Aria: "Ah! che invan su questo ciglio" (Ah! In vain I call for sweet oblivion). Erisso enters along with Calbo, and he explains their situation, suggesting that she marry Calbo as additional protection. However, her discomfort is clear: she explains that she has fallen in love with a man named Uberto while her father was away in Venice. When told that this same Uberto traveled with Erisso and never remained in Corinth, she realizes that she has been duped by an unknown noble.

Trio: "Ohime! qual fulmine" (Alas, what a thunderbolt). Erisso gives her a dagger with which to defend herself if necessary.

[This begins the terzettone ("the big fat trio") which runs through the following 25 minutes of the action, including the tempo di mezzo of the cannon shot]

A cannon shot is heard, and Erisso and Calbo rush off to battle. Anna leaves to go to the church to pray.

A square outside the church

The women gather and, upon Anna's arrival, she learns from them that a traitor has allowed entry into the city by the Turks. Briefly, Anna prays: "Giusto cielo" (Merciful heaven, in such peril / no counsel, / no hope / is forthcoming). All take refuge in the church.

The city, the following morning

Maometto and his men enter the city, which he seems to know well. Selim is curious as to why, but his general reveals nothing. Then soldiers rush in and announce that Erisso and Calbo have been captured. Both men are led in, in chains. Maometto recognizes their gallantry, but demands that they and their men surrender and states that then all will be released. By his silence, Erisso rejects the offer and, as the two are about to be led away to be tortured, Anna and the women appear from the church.

Each character recognizes the situation with which they are confronted: Anna realizes that Maometto is the man who was her lover "Uberto"; Maometto is dumbfounded to re-discover Anna; and Erisso, similarly dumbfounded, cannot believe that she could have fallen for the Sultan. Each of the other characters also expresses their anguish or surprise. Anna threatens to kill herself unless Maometto releases Erisso and Calbo; he agrees. Although he is confused about her continuing love, he promises her a life of luxury.

Act 2
Maometto's tent

Anna, who has been taken to Maometto's tent, is surrounded by Muslim girls who appeal to her to soften her feelings towards him. Indignantly, she rejects them and states her determination to escape. At that moment, Maometto enters. He says that he understands her conflicting emotions on discovering that Uberto is now Maometto, but he still loves her and wishes her to reign with him as queen of Italy while he will allow her father and Calbo (who has been described as her brother) to live. Rejecting him, she declares "I loved Uberto; I loath a liar" and continues to explain that her love for her country is so strong that she could never love him as much.

In their duet ("Anna, tu piangi? Il pianto / pur non è d'odio un segno" / Anna, are you crying? Your tears are not a sign of hatred...) her conflicting emotions are revealed with Maometto declaring that she will eventually be his and Anna stating "I love, but sooner would I be buried than yield to love".

Noise from outside is revealed to be Maometto's soldiers ready to continue their attack on the citadel. As he prepares to leave, Maometto promises that while he still has a hope of possessing Anna, he will protect her father. She insists on something to guarantee her safety in his absence and, as a symbol of his promise and his protection, he gives her his imperial seal of authority. Urged on by his captains, Maometto vows to fight or die as they leave for battle in the citadel: (Aria: "All'invito generoso" / At this gallant request). Anna vows to find a means of preserving her honor, and also leaves.

The church vaults with Anna's mother's tomb

Erisso and Calbo are hiding in the vault. Erisso speaks of his frustration, wishing that he could be fighting again in the citadel. He kneels before his wife's tomb wishing that he too was dead and not having to endure his daughter's disgrace and to see her with Maometto. Calbo tries to assure him that Anna was duped, that she is innocent, and that she was forcefully abducted by Maometto's men: (Aria: "Non temer: d'un basso affetto / non fu mai quel cor capace" / Do not fear: that heart was never capable of base emotions).

[Venice version, 1822: At this point, Maometto enters and confront the two men. Maometto proclaims that he still wishes to marry Anna, but Erisso states that he would rather kill his daughter. In a duet which becomes a trio, the three men lay their out their claims and feelings, Calbo asserting his love for Anna, Erisso revealing that Anna has become Calbo's wife, and when Maometto swears vengeance upon the two men, Calbo taunts him to return to the battlefield. The trio concludes with all three claiming that Anna shall be his reward—as a father, as a lover, as a husband. Maometto then leaves. All of the confrontation between Anna, her father, and Calbo is omitted].

While Erisso hopes that Calbo is right, Anna enters. Initially, he spurns his daughter for consorting with the enemy but she swears that she will never marry Maometto. As proof, Anna gives him Maometto's seal, which will enable both men to come out of hiding. However, she declares that she must die, but not before her father marries her to Calbo at her mother's tomb. Erisso clasps both their hands in his as they all stand beside the tomb: (Terzettino: "In questi estremi istanti" / In these moments...). The two men depart for the combat against Maometto.

Alone, Anna contemplates her situation (Aria: "Alfin compita è la metà dell'opra" / At last one half of the task is accomplished). From the church above the vaults, a chorus of women are praying: "Nume, cui 'l sole è trono" / O God whose throne is the sun... Turn your face again to us.

[Venice version, 1822: The women join Anna and a commotion is heard as the battle rages. Suddenly, the Venetian soldiers rush in proclaiming their victory and they are followed by Erisso and Calbo. Erisso embraces his daughter and tells her that she must give herself in marriage to Calbo: "Let your hand be the reward for his love". She agrees. (Aria: "Tanti affetti in tal momento" / So many emotions all at once, Rossini's aria from La donna del lago (1819).

With the women and soldiers singing of their joy, Anna joins Calbo at the altar as the opera ends.]
When the women stop, they call out to Anna and a few of them enter the vault to tell her that Maometto has been defeated by Erisso and has fled, but that her life is now in danger, since he will be seeking revenge. She tells them that she would rather die.

Maometto's men rush in, but they appear to be powerless to act, in spite of her demands: "Sì ferite: il chieggo, il merto" / Yes, strike: I ask it, I deserve it. At that moment, Maometto and his captains enter and confront Anna. Maometto asks for his seal to be returned, but telling him that she gave it to her father and that she has married Calbo, she stabs herself and dies on her mother's tomb.

Crítica de Gramophone
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Mehmet II was the Ottoman sultan who captured Byzantine Constantinople in 1453. The portrait attributed to Gentile Bellini, on display at the Victoria and Albert Museum, shows the man in pensive mood: bearded, turbaned, modestly dressed. There’s no sign of his ambition, his power or his cruelty. This is the Mehmet of Rossini’s opera, where he is a warrior, certainly, but also a lover.

Sad to say, the romantic side to the plot is pure fiction. Maometto is besieging the Venetian colony of Negroponte (the present-day Greek island of Euboea). Erisso, the governor, wishes his daughter Anna to marry Calbo, one of his generals. Anna, however, is in love with ‘Uberto’, whom she had met in Corinth. He turns out to be none other than Maometto. When the city falls, Anna fiercely rejects the sultan. Maometto leaves to continue fighting; Anna begs her father to marry her to Calbo. On Maometto’s return, she stabs herself by the tomb of her mother.

Rossini composed the opera in 1820, towards the end of his seven-year stint in Naples. The part of Anna was one of the many written for Isabella Colbran, the mistress who was to become his first wife. Lasting nearly three hours, Maometto secondo is laid out on a spacious scale. The first of the two acts has as its heart a terzettone (a ‘big trio’), which incorporates a change of scene and a women’s chorus. And Act 2 includes a fine terzettino – not all that little – as Calbo, Anna and Erisso bid one another farewell. In fact, the music throughout is quite excellent, and beautifully scored. It’s extraordinary to find that last year’s staging by Garsington Opera was the first in Britain; it has been well caught, live, in the company’s first venture into commercial recording. There is some stage noise and applause but nothing too intrusive.

Siân Davies and Caitlin Hulcup are outstanding, and Paul Nilon brings a welcome touch of steel to Erisso. Darren Jeffery doesn’t quite have the solidity and agility of Samuel Ramey on the Philips recording but he makes a Maometto to be reckoned with. David Parry keeps his forces well under control. A few passages are cut. The documentation includes the libretto and translation and an introduction by Richard Osborne. Now let’s have a production at Covent Garden or Glyndebourne.

The Knot Garden is the third opera by composer Michael Tippett for which he wrote the original English libretto. The work had its first performance at the Royal Opera House, Covent Garden, on 2 December 1970 conducted by Sir Colin Davis and produced by Sir Peter Hall. There is a recording with the original cast.

Performance history
The first American performance was in 1974 at Northwestern University, and the first German performance in 1987 at the Musiktheater im Revier in Gelsenkirchen. In 1984 Tippett authorised Meirion Bowen to create a reduced orchestration for a revival with the London Sinfonietta at the Wilde Theatre, conducted by Howard Williams. The reduced version has been revived six times, with productions in Britain, America, Australia, and Austria. There was a revival at the Royal Opera House in 1988, directed by Nicholas Hytner and, in 2005, Scottish Opera produced the opera for the Tippett centenary.

Synopsis
Act 1
The psychiatrist Mangus introduces the action. Thea enters, soon followed by the hysterical girl Flora, who rushes screaming into Thea's arms. Faber enters, and Thea sends Flora off with Mangus, then scolds Faber for (as she imagines) playing the lecher with Flora. Faber protests "I do not flirt with Flora; Flora screams before I...impossible!"

Mel and Dov enter dressed up as Ariel and Caliban from The Tempest. They are lovers, but Mel flirts with Thea, and out of jealousy Dov makes a play for Faber. This tense foursome is disrupted when Flora again rushes in screaming: Thea's sister Denise has arrived for a visit, and she is disfigured by torture. Denise introduces herself in a dramatic aria about her struggle for universal justice. This becomes an ensemble, and the act closes on Mel's soft rejoinder, "Sure, baby."

Act 2
The second act is a dreamlike series of dialogues. In the score, the composer described his vision of the staging: "It appears as if the centre of the stage had the power to 'suck in' a character at the back of the stage, say, and 'eject' him at the front. During their passage through the maze, characters meet and play out their scenes. But always one of the characters in these scenes is about to be ejected while a fresh character has been sucked in and is whirled to the meeting point."

The first pair to appear are Thea and Denise, who speak in parallel, unable to meet. Thea is replaced by Faber, who does make some contact with the touchy Denise, but she is then replaced by Flora, who again reacts to Faber with screams. She is whirled offstage and Denise reappears with a horsewhip, followed by Dov, who continues his earlier flirtation. Faber is responsive, but is spun offstage and replaced by Mel, and the lovers share a duet acknowledging that their affair is ending. Dov now disappears to be replaced by Denise, who sees Mel as representing the oppressed of the earth (the tune to "We Shall Overcome" appears in the orchestra). Characters appear and disappear in quick succession until the sequence ends with Flora alone with Dov.

Dov comforts Flora by encouraging her to sing, and she performs "Die liebe Farbe" from Schubert's Die schöne Müllerin. Dov responds with the song that would later form the first part of the Songs for Dov cycle. The act ends on Mel's re-entry.

Act 3
Mangus declares that his production of The Tempest has begun: "This garden is now an island," and the characters obligingly play out the roles Mangus assigns them. In addition to Mel and Dov as Caliban and Ariel, Faber becomes Ferdinand, Flora becomes Miranda, and Mangus is Prospero. Thea and Denise remain themselves and comment on the action, critical of Mangus's controlling and voyeuristic role as impresario of the drama. At the conclusion of the charade Mel and Denise leave together, followed by Dov, who is not yet able to let go. Flora goes off alone. Thea and Faber are reconciled.

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Tippett The Knot Garden

Gramophone Magazine

Author:
Michael Oliver

If it is a sign of a great opera that it grows on each hearing, then The Knot Garden is a great opera. It has something to do, I think, with the way that its characters, so obviously in one sense symbols (look at their names!), do not cease existing when the opera ends (its last line, indeed, is ''the curtain rises''). Tippett himself, in the cycle of Songs for Dov, imagined a possible future for the character closest to him, the musician. But might there not also be songs for the adolescent Flora, the flower who has now opened, freed from the half-imagined, half-real sexual threat of her foster-father Faber, free to dance into the world outside the garden? Songs for Thea, no longer hiding from her marriage in that garden? Songs for Faber, too, no longer retreating in disillusion from a wife who has become ''usual, habitual'' to the business world where she cannot follow? And Denise the freedom-fighter (named for the martyred St Denis) and Mel, the black ''man of honey'', have their songs, perhaps, in Tippett's next opera, The Ice Break.

They are real characters, the more so because we have shared with them the self-knowledge they have gained in the knot garden (which is both moving labyrinth, hurling them together in catalytic conjunctions that are not of their choosing, and hortus conclusus, an enclosed secret place in which they may learn what they are seeking, if not yet find it).

The music grows, too, after 'the curtain rises'. The dazzling juxtapositions of vividly strange sounds that are one's first impression (the tense 'electric storm' music for strings and piano that opens the opera, the magic spell for celesta and harp with high flute staccatos that Mangus/Prospero summons up a moment later, the brilliant toccata for violins and brass that opens the drama proper, the beautiful horn chords with carolling solo violins that evoke Thea's garden) are a satisfyingly apt parallel to the cinematic cross-cuttings of the plot but, like them, are under masterfully purposive control. Prospero/Mangus/Tippett, wryly self-deflating 'man of power', has made a musico-dramatic image of harmony achieved through acceptance of diverse individuality: not the least of this opera's achievements is its unity of text, dramaturgy and music.

The superb peformance points this up: all of the singers (with the possible exception of Thomas Carey, who sounds slightly ill at ease) have passed far beyond conquering the music's very considerable technical difficulties into true involvement with their several-layered characters. Their predicaments are real and involving, and it is partly these singers' doing that one finds oneself imagining their sequels. The orchestral playing, too, is very find, and the recording is exceptionally vivid. Everyone concerned with the project, it seems, approached it with the conviction and commitment demanded by a great opera, and it is for us to judge whether it is. I have very little doubt of it.'

CÉSAR CERVERA - Madrid- ABC

16/01/2015

El noble permaneció encerrado injustamente por el viejo régimen en la fortaleza de Vincennes y La Bastilla, durante más de trece años, hasta que el estallido de la Revolución Francesa lo puso en libertad. Había sido acusado, se dice que injustamente, de intentar envenenar a unas prostitutas durante una orgía

Define la RAE el sadismo, citando como su origen al escritor Donatien Alphonse François de Sade, como «la perversión sexual de quien provoca su propia excitación cometiendo actos de crueldad en otra persona». La leyenda negra del Marqués de Sade, un novelista salpicado por los tumultuosos años de la Revolución francesa y por varios escándalos sexuales, envió sus obras al terrero de lo maldito y la Iglesia católica las incluyó en el Índice de libros prohibidos. Bien es cierto que los supuestos crímenes que cometió nunca alcanzaron ni la sombra de los que narraba en sus textos de ficción.

La infancia y juventud de Donatien Alphonse François de Sade fue bastante convencional, sin rastro de la oscura erótica que marcaría su obra literaria. Hijo único de Jean-Bastiste François Joseph –diplomático, militar y conde de Sade– y de Marie Eleonore de Maille de Carman, de sangre borbónica, Donatien nació en París en 1740 y fue educado en sus primeros años por el importante noble Luis José de Borbón-Condé. Tras viajar por varios países de Europa junto a sus padres por causas diplomáticas, con 10 años, Donatien regresó a París para ingresar en el prestigioso colegio jesuita Louis-le-Grand. De aquel niño se ha dicho que tenía una mente brillante y que devoraba todo tipo de libros, con especial predilección por las obras de historia y, sobre todo, los relatos de viajeros, que le proporcionaban información sobre las costumbres de pueblos remotos y exóticos.

Una destacado héroe militar de Francia
Cuando todavía era un adolescente, el heredero de la casa de Sade –una de las más antiguas de la zona de Provenza– ingresó en la academia militar. A la edad de los 16 años, Donatien participó en su primera batalla al mando de cuatro compañías de filibusteros durante la toma de Mahón (Menorca) a los ingleses, dentro del contexto de la Guerra de los Siete Años. En el asalto murieron más de cuatrocientos franceses, pero la buena actuación del joven teniente le ganó gran prestigio. Así, hasta el final de la guerra en 1763, Donatien recorrió la mayor parte de los frentes franceses repartidos por Europa, incluida la zona oriental, y alcanzó el grado de capitán en la caballería de Borgoña.

Se rodeaba con asiduidad de prostitutas en su estancia en París
Después de regresar a Francia, donde se casó contra su voluntad, algo cotidiano en la época, con la hija mayor de los Montreuil –familia noble con una excelente posición económica–, Donatien inició su carrera literaria y, con ella, la algarabía de escándalos sexuales. Instalado en el castillo de la familia de su mujer en Échaffars, la zona de Normandía, el militar retirado momentáneamente se vio envuelto en un primer y confuso incidente al ser arrestado en 1763 y conducido a la fortaleza de Vincennes por orden del Rey debido, sostienen diversos autores, a un misterioso manuscrito firmado por Sade con alto contenido sexual. Donatien pasó 15 días encerrado hasta que la familia de su esposa se hizo cargo de él.

«Los días, que en un matrimonio por conveniencia sólo traen consigo espinas, hubieran dejado que se abrieran rosas de primavera. Cómo hubiese recogido esos días que ahora aborrezco», escribe en una carta Sade como fe de que todavía seguía esperando que brotara el amor, insatisfecho con su matrimonio. Es por ello, quizás, que el noble francés mantuvo varias amantes, la mayoría habituales de la Corte, y se rodeó con asiduidad de los servicios de prostitutas durante su estancia en París. No en vano, su carrera política fue en ascenso y, a la muerte de su padre en 1767, heredó el título de conde de Sade (en su caso como marqués, pues era costumbre en su familia emplearlos alternativamente). El 16 de abril de 1767 alcanzó el grado de capitán comandante en el regimiento del maestre de campo de Caballería.

El escándalo de Arcueil: violación y tortura
Dos años después, el famoso escándalo de Arcueil destruyó para siempre el prestigio acumulado por el marqués. Según la versión de la supuesta víctima, Sade contrató los servicios de una mujer llamada Rose Keller, a quien forzó, azotó y torturó derramando cera ardiendo sobre unos cortes que previamente le había realizado con un cuchillo. Sin embargo, como ocurre con toda la leyenda negra sobre su vida, es difícil probar cuánto hay de cierto en las acusaciones y cuánto es la consecuencia indeseable de los textos eróticos y «sádicos» que Donatien ya distribuía por aquellos años. De una forma u otra, el noble pasó en prisión siete meses y el incidente, deformado hasta la exageración, tuvo graves consecuencias para su carrera.

Fue capturado y encarcelado en Vincennes por mediación de su poderosa suegra

Al ser liberado, Sade se centró aún más en su afición por el teatro. Montó un teatro en el castillo de Lacoste y formó una compañía con un repertorio superior a las veinte obras. Pero de nuevo otro escándalo sexual sacude en esos años su biografía. En el verano de 1772, tuvo lugar el «caso de Marsella». Sade, tras una orgía con varias prostitutas, fue acusado de haberlas envenenado con un afrodisíaco llamado la «mosca española», el mismo que pudo estar detrás de la muerte de Fernando «el Católico». Tras un larga jornada de orgía, dos de las muchachas sufrieron una indisposición que remitió pasados unos días. Siempre bajo la estricta lupa que le había cosechado su literatura, el marqués fue sentenciado a muerte por sodomía y envenenamiento, sin que la recuperación de las mujeres fuera prueba suficiente de su inocencia.

Antes de ser prendido, Sade huyó a Italia, donde terminó arrestado en Chambéry (Saboya) -entonces parte del Reino de Cerdeña- por petición de su suegra, la influyente Señora de Montreuil. Tras permanecer encerrado en el castillo de Miolans (en Saint-Pierre-d'Albigny) durante cinco meses, el noble francés consiguió evadirse con la ayuda de su esposa y se refugió en Italia, probablemente también en España. El 13 de febrero de 1777, enterado de que su madre estaba agonizando, Sade regresó a París junto con su esposa y, esa misma noche, fue capturado en el hotel donde se hospedaban y encarcelado en la fortaleza de Vincennes por mediación de su todopoderosa suegra.

Sade permaneció 13 años en la prisión de Vincennes, a pesar de que su causa fue anulada por irregularidades solo un año después de su ingreso. Su estancia allí afectó gravemente a la salud física y mental del marqués que, con el único contacto en el exterior de su esposa, dedicó su estancia a leer y a escribir obras de teatro y cartas. Bien es cierto que las condiciones de esta fortaleza no eran las mismas que las de las cárceles destinadas a las clases bajas, en las que se hacinaban los presos en condiciones infrahumanas.

Quizás por este exceso de «lujo» para tan pocos presos, se contaban menos de una decena, la prisión fue cerrada y Sade trasladado a la Bastilla en 1784. «Es una prisión donde estoy mil veces peor y mil veces más estrecho que en el desastroso lugar que he abandonado», escribió a su esposa quejándose de su nuevo destino. Sin embargo, su estancia allí no duraría mucho tiempo puesto que cinco años después, con el estallido de la Revolución francesa, el noble fue trasladado nuevamente a un manicomio, antes de que la Asamblea Revolucionaria anulase definitivamente las medidas que la suegra de Sade mantenía desde hace años para evitar su liberación.

«El libro más abominable jamás engendrado»
Moralmente hundido, arruinado, obeso hasta el punto de no poder caminar sin ayuda y con la vista disminuida, el Marqués de Sade salió de prisión a los cincuenta y un años de edad el 13 de marzo de 1790, noche de Viernes Santo. Y aunque sus obras de teatro no terminaron de triunfar en el París de la Revolución, el escritor se adhirió y participó activamente en el proceso revolucionario. De esta forma, colaboró escribiendo diversos discursos, como el pronunciado en el funeral de Marat, y se le asignó tareas para la organización de hospitales y asistencia pública. Paradójicamente, siendo secretario de una sección de la ciudad, los Montreuil solicitaron el amparo del marqués cuando su domicilio fue precintado y ellos acusados de «extranjeros». Sade ofreció su ayuda a sus suegros –quienes lo habían mantenido trece años encarcelado en Vincennes y La Bastilla– y se encargó de que no fueran molestados durante el tiempo que permaneció en el cargo. Pero, durante el periodo del Terror de Maximilien Robespierre, la condición de moderado del marqués le llevó de nuevo a prisión, donde se salvó por muy poco de la guillotina.

Sade terminó sus días en el asilo para locos de Charenton
Tampoco esta vez a su salida de prisión Sade pudo ganarse la vida en el teatro y terminó viviendo en la indigencia casi completa. Además, el escritor francés comenzó a recibir respuestas muy agresivas contra sus textos. Muchas de las obras de Sade, en efecto, contienen explícitas descripciones de violaciones e innumerables perversiones, parafilias y actos de violencia extrema que en ocasiones agredían directamente los convenios sociales.

Así lo consideró el Emperador Napoleón que arrojó al fuego la novela «Justine o los infortunios de la virtud», distribuida clandestinamente por Francia, porque «es el libro más abominable jamás engendrado por la imaginación más depravada». Es por ello que gran parte de su obra se perdió, víctima de los ataques y la censura, entre ellos, la de su propia familia, que destruyó numerosos manuscritos en varias fases.

Encarcelado por el régimen napoleónico que le acusó de «demencia libertina» en 1801, Sade fue ingresado en el asilo para locos de Charenton gracias a la asistencia de su familia, que se encargó de pagar su estancia y su manutención. A su muerte en 1814, uno de sus hijos quemó todos los manuscritos inéditos, incluida una obra en varios volúmenes, «Les Journées de Florbelle», que el marqués había seguido escribiendo hasta que le fallaron los dedos. No en vano, su legado no tardó en ser revisado y reverenciada por la siguiente generación de escritores. No así su leyenda negra que le sigue acompañando con el mero recitar de su nombre.

La película "Quills" sobre el Marques de Sade
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Título original
Quills

Año
2000

Duración
120 min.

País
Estados Unidos

Director
Philip Kaufman

Reparto
Geoffrey Rush, Kate Winslet, Joaquin Phoenix, Michael Caine, Billie Whitelaw, Patrick Malahide, Amelia Warner, Jane Menelaus, Stephen Moyer, Tony Pritchard, Stephen Marcus

Género
Drama | Drama de época. Biográfico. Revolución Francesa. Siglo XVIII

Sinopsis
Francia siglo XVIII. El Marqués de Sade pasa los diez últimos años de su vida en el asilo Charenton. Allí entabla amistad con el abate Coulmier, con el que comparte el afecto de Madeleine, la lavandera del asilo. Cuando Napoleón envía a un médico para que cure su presunta locura, el temperamento rebelde del marqués se agudiza todavía más. Obtuvo tres nominaciones a los Oscar, incluyendo el de mejor actor (Geoffrey Rush). (FILMAFFINITY)

Premios
2000: 3 nominaciones al Oscar: Mejor actor (Geoffrey Rush), vestuario, dirección artística
2000: 2 nominaciones al Globo de Oro: Mejor actor - drama (Geoffrey Rush), guión
2000: 2 premios National Board of Review: Libertad de expresión, actor secundario
2000: 4 nominaciones BAFTA, incluyendo mejor diseño de vestuario y maquillaje
2000: Critics' Choice Awards: Mejor actor secundario (Phoenix). Top 10 - Películas del año
2000: Sindicato de Actores (SAG): Nom. Mejor actor (Rush) y actriz sec. (Winslet)

Críticas
"Aceptable y digna, aunque tampoco es para lanzar cohetes"
Carlos Boyero: Diario El Mundo

"Relato fascinante (...) La descomunal actuación de Rush, situado en el punto exacto en el que converge locura y genialidad, es la gran atracción de este sólido y emocionante filme (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)."
Omar Khan: Cinemanía

La independencia de Portugal frente a la Monarquía Hispánica o Restauração da Independência ("restauración de la independencia") se produjo el 1 de diciembre de 1640 mediante la entronización de Juan IV de Portugal de la Casa de Braganza, nueva dinastía reinante en el reino de Portugal en detrimento de la Casa de Austria. La unión ibérica se había mantenido durante 60 años, desde 1580. Actualmente el 1 de diciembre es fiesta nacional portuguesa.

Antecedentes

La muerte del rey don Sebastián en la Batalla de Alcazarquivir (1578) dio origen a una crisis dinástica, dado que la sucesión en la persona del cardenal Enrique I de Portugal fue muy efímera (murió en 1580). Felipe II de España reclamó sus derechos al trono portugués y envió un ejército, obteniendo su proclamación en las Cortes de Tomar de 1581.

Durante 60 años, Portugal formó una unión dinástica aeque principaliter compartiendo el mismo soberano de la Casa de Austria con los demás reinos españoles. El 1 de diciembre las intrigas de la nobleza terminaron con la proclamación de Juan IV de Portugal de la Casa de Braganza como rey de Portugal.

Durante el mandato de Felipe IV se limitaron los privilegios de la nobleza portuguesa. Los impuestos aumentaron y la población empobrecía, siendo el imperio amenazado por Inglaterra y Países Bajos, tradicionales enemigos de España.

Guerra de Restauración.

El sentimiento de autonomía fue creciendo y en 1640 tuvo lugar una revuelta, en la que un grupo de conspiradores de la nobleza aclamó al Duque de Braganza como Rey de Portugal, con el título de Juan IV (1640-1656), dando inicio a la cuarta dinastía, la Dinastía de Braganza.

El esfuerzo nacional fue mantenido durante 28 años, con lo cual fue posible vencer en las sucesivas tentativas de invasión de los ejércitos de Felipe IV de España. En 1668 se firmó el tratado de Lisboa de 1668 por el cual España reconocía la soberanía del país vecino. La victoria de los restauradores portugueses se debió en gran medida a la Sublevación de Cataluña, ya que todos los mejores soldados castellanos estaban allí. También influyeron los esfuerzos diplomáticos de Inglaterra, Francia, Holanda y Roma por limitar el poder del Imperio español.

Paralelamente, las tropas portuguesas lograron expulsar a los holandeses de Brasil y de Angola y Santo Tomé y Príncipe (1641-1654), restableciendo el poder atlántico portugués.

Fernando António Nogueira Pessoa, más conocido como Fernando Pessoa (Lisboa, 13 de junio de 1888 - Lisboa, 30 de noviembre de 1935) fue un poeta y escritor portugués, considerado uno de los más brillantes e importantes de la literatura mundial y, en particular, de la lengua portuguesa.

Tuvo una vida discreta, centrada en el periodismo, la publicidad, el comercio y, principalmente, la literatura, en la que se desdobló en varias personalidades conocidas como heterónimos. La figura enigmática en la que se convirtió motiva gran parte de los estudios sobre su vida y su obra.

Habiendo vivido la mayor parte de su juventud en Sudáfrica, donde estudió hasta el año 1905, la lengua inglesa tuvo gran importancia en su vida, pues Pessoa traducía, trabajaba y pensaba en ese idioma. De día, Pessoa se ganaba la vida como traductor. Por la noche, escribía poesía: no escribía «su» propia poesía, sino la de diversos autores ficticios, diferentes en estilo, modos y voz. Publicó bajo varios heterónimos —de los cuales los más importantes son Alberto Caeiro, Álvaro de Campos, Bernardo Soares y Ricardo Reis—, e incluso publicó críticas contra sus propias obras, firmadas por sus heterónimos.

Murió por problemas hepáticos a los 47 años en la misma ciudad en que naciera, dejando una descomunal obra inédita que todavía suscita análisis y controversias.

Albert Speer contó en sus Memorias (1969) que, en diciembre de 1944, Furtwängler le preguntó si Alemania tenía alguna posibilidad de ganar la guerra, a lo que Speer respondió negativamente, aconsejándole al director que se trasladase a Suiza para evitar las posibles persecuciones nazis.

Aparentemente el consejo de Speer fue seguido al pié de la letra, pues Furtwängler escapó a Suiza, después de un concierto en Viena con la Wiener Philarmoniker, el 28 de enero de 1945. En aquella velada tan importante para su vida, Furtwängler dirigió una versión de la Sinfonía nº 2 de Johannes Brahms que fue grabada en cinta y es considerada universalmente como una de sus grandes interpretaciones.

Tras la guerra esta y otras grabaciones radiofónicas fueron confiscadas por la Unión Soviética, que en 1990 devolvió una copia a la República Federal de Alemania

Alemania tiene perdida la guerra. Furtwangler nos ofrece un Bruckner de referencia. Tres días después el 10 de Octubre de 1944 los mismos interpretes ofrecieron la misma obra en Sankt Florian,la abadía austriaca donde esta enterrado Brukckner y de la que fue organista.

Es un disco imprescindible en cualquier colección.

Furtwangler fue siempre un enamorado de la música de Bruckner en especial de la Sinfonías 7, 8 y 9.

Alemania (y Austria que forma parte de Alemania) tiene perdida la guerra. Furtwangler nos ofrece un Bruckner de referencia lleno de pasión. Un disco imprescindible en cualquier colección.

Furtwangler fue siempre un enamorado de la música de Bruckner en especial de la Sinfonías 7, 8 y 9.

Wilhelm Furtwängler (25 de enero de 1886, Berlín – 30 de noviembre de 1954, Baden-Baden) fue un director de orquesta y compositor alemán, considerado uno de los más notables del siglo XX.

Vida y carrera.

Gustav Heinrich Ernst Martin Wilhelm Furtwängler nació en la casa del 25 Maassenstrasse en el distrito de Schöneberg, Berlín, en el seno de una eminente familia de intelectuales y científicos originaria de la Selva negra.

Su padre Adolf Furtwängler1 era un importante arqueólogo y Adelheid Wendt su madre fue pintora y muy ligada a la música (su padre fue amigo de Johannes Brahms), su hermano fue Walter (1887-1967) y sus hermanas Marit (1891-1971) y Annele (1900).

Pasó su infancia en Schwabing en Múnich, donde su padre enseñaba en la universidad. Recibió educación musical desde muy pequeño con Josef Rheinberger, Max von Schillings, Conrad Ansorge y Felix Mottl desarrollando un temprano amor por la música de Beethoven, compositor al que permaneció estrechamente ligado durante toda su vida. Un viaje a Grecia con su padre lo marcó para siempre.

A los veinte años, en el tiempo que Furtwängler debutaba en la dirección, había ya compuesto varias obras. Sin embargo, no fueron bien recibidas y sumado a la inseguridad económica que significaba una carrera como compositor, decidió concentrarse en la dirección.

En su primer concierto, dirigió la Orquesta Kaim (hoy Orquesta Filarmónica de Múnich) en la Sinfonía n.º 9 de Anton Bruckner. Seguidamente obtuvo puestos de dirección en diversos teatros de Múnich, Lübeck, Mannheim, Frankfurt y Viena, antes de asegurarse un empleo en la Staatskapelle de Berlín y en la Staatsoper Unter den Linden (sucediendo a Richard Strauss) en 1920, y en 1922, en la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig (donde sucedió a Arthur Nikisch) y también en la prestigiosa Orquesta Filarmónica de Berlín de la que fue su regente hasta finales de la Segunda Guerra Mundial siendo reemplazado entre 1945 y 1952 por Sergiu Celibidache, regresó en 1952 hasta su muerte en 1954 y fue sucedido por Herbert von Karajan, su rival.

Fue también director musical de la Orquesta Filarmónica de Viena, del Festival de Salzburgo y del Festival de Bayreuth, donde dirigió producciones entre los años 1927 y 1944.

Hacia el final de la guerra, bajo la extrema presión del Partido Nazi, Furtwängler viajó a Suiza. Después del proceso de desnazificación del que fue exonerado en 1946 volvió a dirigir en 1947 en Salzburgo y Lucerna. En enero de 1948, en París, Londres y Berlín. En abril dio ocho conciertos en el Teatro Colón de Buenos Aires y luego en Italia y Austria. Su visita a Chicago en cambio fue boicoteada por artistas que lo acusaron de colaboracionismo.

En los primeros cuatro años de la década de 1950 desarrolló febril actividad, estrenó las Cuatro últimas canciones de Richard Strauss con Kirsten Flagstad en Londres, grabó para la RAI El anillo del nibelungo en La Scala (un acto por día), regresó a Buenos Aires, El Cairo, Edinburgo, Viena, Lucerna, Berlín y dos conciertos en Caracas. Además, grabó el célebre registro de Tristán e Isolda para el sello EMI en Londres.

Se repuso de una grave pulmonía contraída en 1953 pero volvió a contraerla en un viaje en tren y murió en 1954 en Baden-Baden. Había comprado un chalet en la localidad suiza de Montreux (Clarens, Basset Coulon), que sólo usó unos meses. Está enterrado en el cementerio de Heidelberg junto a su madre y a su hermana Marit, esposa de Max Scheler.

Vida privada
Su relación con Bertel Hildebrand, hija del escultor Adolf von Hildebrand no se concretó en matrimonio (ella se casó con el compositor Walter Braunfels).2 Casado con la danesa Zitla Lund entre 1923-1931, tuvo un largo romance anterior con la violinista Melanie Michaelis (1882-1969). Se casó en segundas nupcias en 1943 con Elisabeth Ackermann Furtwängler (1910-2013, de soltera Albert y viuda de Hans Ackermann) con quien tuvo su hijo Andreas E. Furtwängler (*1944)

Estilo de dirección
Furtwängler tenía una técnica de dirección única. Los vídeos muestran sus movimientos torpes y desgarbados como si fuese un médium en trance. Sus gestos parecen tener poca relación con el ritmo musical, mientras que sus movimientos físicos fueron descritos como el de un "títere en una cuerda" por uno de los músicos de la orquesta.

Pese a esto, o quizás gracias a esto, por su estilo no ortodoxo, los músicos quedaban hipnotizados por su dirección. Sus mejores interpretaciones están caracterizadas por una profunda sonoridad, llevadas por el bajo, de vuelo lírico y fuertes extremos de emoción que coexisten con una lógica. Fue exponente de una manera subjetiva e hiperexpresiva de entender la interpretación orquestal, y uno de los que mejor supo expresar la grandeza épica y la emoción interiorizada de las grandes páginas del repertorio romántico y tardorromántico germano, de los que fue un maestro indiscutible. Muchos críticos y comentaristas lo consideran entre los más grandes directores de la historia.

Son célebres sus lecturas de Beethoven, Brahms, Bruckner y Wagner. Sin embargo, también apoyó la música del siglo XX y fue conocido por dirigir los estrenos de obras modernas, como el Concierto para Orquesta de Béla Bartók, Paul Hindemith, Arnold Schönberg, Hans Pfitzner y Richard Strauss, entre otros.

Relación con el Partido Nazi
La relación y la actitud de Furtwängler hacia Adolf Hitler y el Partido Nazi fue un tema hasta hoy muy controvertido. Cuando los Nazis llegaron al poder en 1933, Furtwängler fue muy crítico hacia ellos. Se atrevió a dirigir el prohibido Félix Mendelssohn y en 1934, se le prohibió dirigir el estreno de la ópera Mathis der Maler de Paul Hindemith, y Furtwängler renunció en protesta a su puesto en la Ópera de Berlín (hoy Staatsoper Unter den Linden) en el que estuvo sólo un año.

En 1936, cuando Furtwängler se encontraba cada vez más insatisfecho con el régimen, hubo signos de que iba a seguir los pasos de Erich Kleiber, cuando se le ofreció el puesto de director principal en la Orquesta Filarmónica de Nueva York, donde sucedería a Arturo Toscanini. Es posible que Furtwängler aceptase el puesto, pero un reportaje en la columna berlinesa de la Associated Press, posiblemente por orden de Hermann Göring, decía que deseaba retomar su puesto en la Ópera de Berlín. Esto causó que en Nueva York los ánimos se tornasen contra él; desde su punto de vista, ello significaba que Furtwängler daba todo su apoyo al Partido Nazi.

Hoy es ampliamente aceptado que esa no fue la realidad (Furtwängler siempre rechazó dar el saludo nazi, por ejemplo, e incluso hay grabaciones en las que se le observa limpiando su mano después de dársela a Goebbels), y que su rechazo al Partido Nacionalsocialista prevaleció hasta su muerte.

Furtwängler fue sin duda alguna el más importante director que decidió quedarse en la Alemania nazi. Otros muchos directores muy conocidos que trabajaban en Alemania y Austria se marcharon cuando los nazis llegaron al poder, bien porque eran judíos, bien porque estaban en desacuerdo con las políticas nazis. Entre los directores que abandonaron el país están Bruno Walter, Otto Klemperer, Erich Kleiber, Fritz Busch, Fritz Stiedry y Jascha Horenstein.

Por ser un ícono cultural, Furtwängler fue tratado relativamente bien por los nazis; tenía un prestigioso perfil y era una figura cultural importante. En la guerra cultural entablada entre Joseph Goebbels y Hermann Göring por el dominio de la cultura Furtwängler fue utilizado como arma contra el ascendente joven austríaco Herbert von Karajan, afiliado al partido nazi.

Sus conciertos eran frecuentemente transmitidos por radio a las tropas alemanas para elevarles la moral, si bien estaba limitado por las autoridades en lo que se le permitía dirigir. Su actitud hacia los judíos sigue siendo controvertida hasta hoy. Por un lado, alabó a artistas judíos como Artur Schnabel y aparentemente salvó algunos judíos miembros de la Filarmónica de Berlín de los campos de concentración, pero por otro lado fue crítico en lo que consideraba la dominación judía en la prensa.

Hacia 1944 era visto con malos ojos por las autoridades nazis, incluso se lo consideró entre los posibles conspiradores del complot del 20 de julio de 1944 para matar a Hitler. Según Albert Speer, en diciembre de 1944 Furtwängler le preguntó si es que Alemania tenía alguna oportunidad de ganar la guerra. Speer le dijo que no y le aconsejó al director que se trasladase a Suiza por las posibles persecuciones nazis.

De hecho, Furtwängler escapó a Suiza poco después de un concierto en Viena con la Orquesta Filarmónica de Viena el 28 de enero de 1945. En aquel concierto dirigió una versión de la Sinfonía nº 2 de Brahms que fue grabada en cinta y es considerada como una de sus grandes versiones.

Tras la guerra, las grabaciones radiofónicas fueron confiscadas por la Unión Soviética, que en 1990 devolvió una copia a la República Federal de Alemania.

Desnazificación
En su doble proceso de desnazificación, primero en Viena y luego en Berlín, se acusó a Furtwängler de apoyar al nazismo al permanecer en Alemania, tocando en actividades del partido nazi y haciendo un comentario antisemita contra el director en parte judío Victor de Sabata que por otra parte, había sido amigo personal de Benito Mussolini, quizás una de las razones por las que tocó en Alemania durante el régimen nazi. Sin embargo, eventualmente aclaró todos esos cargos.

Como parte de su discurso final en su proceso de desnazificación, Furtwängler dijo:

"Yo sabía que Alemania se encontraba en una terrible crisis; me sentía responsable por la música alemana, y que era mi misión el sobrevivir a esta crisis, del modo que se pudiera. La preocupación de que mi arte fuera mal usado como propaganda ha de ceder a la gran preocupación de que la música alemana debía ser preservada, que la música debía ser ofrecida al pueblo alemán por sus propios músicos. Este público, compatriota de Bach y Beethoven, de Mozart y Schubert, aun teniendo que vivir bajo el control de un régimen obsesionado con la guerra total. Nadie que no haya vivido aquí en aquellos días posiblemente pueda juzgar cómo eran las cosas. :¿Acaso Thomas Mann [quien fue crítico de las acciones de Furtwängler] realmente cree que en la Alemania de Himmler a uno no le debería ser permitido tocar a Beethoven? Quizás no lo haya notado, pues la gente lo necesitaba más que nunca, nunca antes anhelaba tanto oír a Beethoven y a su mensaje de libertad y amor humano, que precisamente estos alemanes, que vivieron bajo el terror de Himmler. No me pesa haberme quedado con ellos (citado de The Furtwängler Record de John Ardoin)

A diferencia de Arthur Rubinstein y Vladimir Horowitz, el violinista Sir Yehudi Menuhin estuvo entre su defensores junto a otros judíos como Bruno Walter y Nathan Milstein. En 1933 Menuhin rechazó tocar con él, pero a finales de los años 1940 - después de una investigación personal sobre Furtwängler - comenzó a apoyarlo y tocó junto a él. Entre sus defensores figuraron Boleslav Barlog, Sergiu Celibidache, Ernest Ansermet, Hugo Strelitzer, Paul Hindemith, Szymon Goldberg y su secretaría judía Berta Geissmar.

La obra teatral Taking Sides (1995), del dramaturgo británico Ronald Harwood, trata acerca de las acusaciones estadounidenses contra Furtwängler por haber servido al régimen nazi. En 2001 dicha obra sirvió de base para una película de István Szabó con Harvey Keitel y Stellan Skarsgård en el rol de Furtwängler, que en español se llamó Requiem por un imperio. [

Influencias
Uno de los protegidos de Furtwängler fue el pianista Karl Robert Kreiten, que fue colgado por los nazis en 1943 (la pieza teatral "Requiem por K.Kreiten" de Heinrich Riemenschneider, estrenada en 1987, trata el tema).

También tuvo una importante influencia sobre el director/pianista Daniel Barenboim, del que la viuda de Furtwängler, Elisabeth Furtwängler, dijo "Er furtwänglere" ("Él furtwänglerea"). Barenboim ha grabado la Sinfonía n° 2 del director con la Orquesta Sinfónica de Chicago.

Las interpretaciones de Furtwängler de Beethoven, Bruckner y Wagner permanecen referenciales hasta hoy. Directores como Zubin Mehta, Carlos Kleiber, Claudio Abbado y cantantes como Dietrich Fischer Dieskau han testimoniado su veneración por las versiones del director.

Premios y honores
1929 - Pour le Mérite
1939 - Legión de Honor (prohibida por Hitler)
1952 - Orden del Mérito de la República Federal de Alemania
1955 - Plaza Furtwängler en Viena
1990 - Establecimiento del Premio Wilhelm Furtwängler (Plácido Domingo fue el primer galardonado)

Grabaciones notables
Hay una gran cantidad de grabaciones de Furtwängler actualmente disponibles, muchas de conciertos en vivo. Muchas de esas grabaciones fueron realizadas durante la Segunda Guerra Mundial usando tecnología experimental de cintas.

Después de la guerra fueron confiscadas por la Unión Soviética por décadas y sólo recientemente han sido ampliamente disponibles, a menudo en muchos sellos legítimos e ilegales. A pesar de las limitaciones sonoras, las grabaciones de esta época son muy admiradas por su intensidad por los seguidores de Furtwängler.

Esta es sólo una pequeña selección de algunas de las grabaciones más famosas de Furtwängler.

Beethoven, Sinfonía nº 3 , versión en vivo con la Orquesta Filarmónica de Viena, diciembre de 1944 (Grammofono 2000, Magic Master, Music and Arts, Preiser, Tahra).

Beethoven, Sinfonía nº 5, interpretación en vivo con la Orquesta Filarmónica de Berlín, junio de 1943 (Classica d'Oro, Deutsche Grammophon, Enterprise, Music and Arts, Opus Kura, Tahra).

Beethoven, Sinfonía nº 7, versión en vivo con la Filarmónica de Berlín, noviembre de 1943 (Classica d'Oro, Deutsche Grammophon, Music and Arts, Opus Kura).

Beethoven, Sinfonía nº 9, versión en vivo con la Filarmónica de Berlín, marzo de 1942 (Archipel, Classica d'Oro, Music and Arts, Opus Kura, Tahra).

Beethoven, Sinfonía nº 9, versión en vivo en la reapertura del Bayreuther Festspiele con Elisabeth Schwarzkopf, Elisabeth Höngen, Hans Hopf y Otto Edelmann (EMI 1951). Se considera que esta grabación tiene una duración de 74 minutos en CD.

Brahms, Sinfonía nº 1, versión en vivo con la Orquesta Sinfónica de la Radio del Norte de Alemania, Hamburg, October 1951 (Music and Arts, Tahra).

Brahms, Sinfonía nº 2, versión en vivo con la Filarmónica de Viena, enero de 1945 (Deutsche Grammophon, Archipel, Grammofono 2000, Music and Arts).

Brahms, Sinfonía nº 3, versión en vivo con la Orquesta Filarmónica de Berlín, diciembre de 1949 (EMI).

Brahms, Sinfonía nº 4, versión en vivo con la Orquesta Filarmónica de Berlín, octubre de 1948 (EMI).

Bruckner, Sinfonía nº 5, versión en vivo con la Orquesta Filarmónica de Berlín, octubre de 1942 (Classica d'Oro, Deutsche Grammophon, Music and Arts).

Bruckner, Sinfonía nº 8, versión en vivo con la Filarmónica de Viena, octubre de 1944 (Deustche Grammophon, Music and Arts).

Bruckner, Sinfonía nº 9, versión en vivo con la Filarmónica de Berlín, octubre de 1944 (Deutsche Grammophon).

Furtwängler, Sinfonía nº 2, versión en vivo con la Filarmónica de Viena, febrero de 1953 (Orfeo).

Mozart, Don Giovanni, versiones del Festival de Salzburgo de 1953 y de 1954. Están disponibles en muchos sellos, pero la mayoría en EMI.

Schubert, Sinfonía nº 9, versión en vivo con la Filarmónica de Berlín, 1942 (Deutsche Grammophon, Magic Master, Music and Arts, Opus Kura).

Schumann, Sinfonía n.º 4, grabación en estudio con la Filarmónica de Berlín, Deutsche Grammophon, mayo de 1953 (Deutsche Grammophon).

Chaikovski, Sinfonía nº 6 ("Pathétique"), grabación en estudio con la Orquesta Filarmónica de Berlín, HMV, 1938 (EMI, Naxos).

Wagner, Tristan und Isolde, grabación en estudio con Flagstad, HMV, julio de 1952 (EMI, Naxos)

Obras notables
Para orquesta
Sinfonía n.° 1 en si menor
Sinfonía n.° 2 en mi menor
Sinfonía n.° 3 en do♯ Minor
Obertura en Mi♭ Mayor
Concierto Sinfónico para Piano y Orquesta

Música de cámara
Quinteto para piano en Do mayor
Sonata para violín n.° 1 en Re menor
Sonata para violín n.° 2 en Re mayor

Para coro
Te Deum para coro y orquesta

Estrenos notables

Bartók, Concierto para piano n° 1, el compositor como solista, Orquesta del Teatro, Fráncfort del Meno, 1 de julio de 1927.

Schoenberg, Variaciones para orquesta, op. 31, Orquesta Filarmónica de Berlín, Berlín, 2 de diciembre de 1928.

Hindemith, Suite de Mathis der Maler, Orquesta Filarmónica de Berlín, Berlín, 11 de marzo de 1934.

Richard Strauss, Cuatro últimas canciones, Kirsten Flagstad como solista, Orquesta Philharmonia, Londres, 22 de mayo de 1950.

En las imágenes Furtwangler con Hitler (1939), con Goebels (do fotos) y con Richard Strauss,

Jonathan Swift (Dublín, 30 de noviembre de 1667- 19 de octubre de 1745) fue un escritor satírico irlandés. Su obra principal es "Los viajes de Gulliver", que constituye una de las críticas más amargas y a la vez satíricas, que se han escrito contra la sociedad y la condición humana.

Caterina Cornaro ossia La Regina di Cipro (Catalina Cornaro o La reina de Chipre) es una tragedia lírica, u ópera, en un prólogo y dos actos con música de Gaetano Donizetti sobre el libreto en italiano de Giacomo Sacchèro, basado en el libreto de Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges para la ópera La reine de Chypre (1841) de Halévy. Se basa en la vida de Catalina Cornaro (1454 - 1510), reina de Chipre de 1474 a 1489. Se estrenó en el Teatro San Carlos, Nápoles el 18 de enero de 1844.

Historia

Después del éxito de Linda di Chamounix, Caterina Cornaro fue encargada por Bartolomeo Merelli, empresario del Kaertnerthortheater en Viena, y se compuso en parte en 1842, justo antes de Don Pasquale, y terminado durante el verano siguiente. Los vieneses se dieron cuenta de que el mismo tema había sido musicado el año precedente por Franz Paul Lachner y se canceló el estreno. Donizetti se dedicó a Maria di Rohan, estrenada en el Theater am Kärntnertor en junio de 1843, y buscó un teatro adecuado para Caterina. Dos meses después del triunfo de Dom Sébastien en París, Caterina fue abucheada en el Teatro San Carlo de Nápoles.

En el invierno de 1844-45, Donizetti se dedicó a una revisión que proporcionó un final diferente. La nueva versión fue presentada en Parma en febrero de 1845, con Marianna Barbieri-Nini en el rol titular. Fue la última de las óperas de Donizetti estrenadas en vida del autor.

Una reposición contemporánea tuvo lugar en el Teatro San Carlos de Nápoles en 1972, con Leyla Gencer, Renato Bruson y Giacomo Aragall. Gencer cantó una versión de concierto al año siguiente en el Carnegie Hall, Nueva York. El mismo año, Montserrat Caballé cantó Caterina en París en la Salle Pleyel y siguió con interpretaciones de concierto en Londres, Barcelona y Niza, algunas de las cuales se han conservado grabadas.

Esta ópera rara vez se representa en la actualidad; en las estadísticas de Operabase aparece con sólo una representación en el período 2005-2010.

Personajes

Personaje Tesitura Reparto del estreno, 1 de enero de 1844

Caterina Cornaro, noble veneciana soprano Fanny Goldberg
Matilde, dama de Caterina mezzosoprano Anna Salvetti
Gerardo, prometido de Caterina tenor Gaetano Fraschini
Lusignano, rey de Chipre barítono Filippo Coletti
Mocenigo, miembro del Consejo de los Diez bajo Nicola Benevento
Andrea Cornaro, padre de Caterina bajo Marco Arati
Strozzi, esbirro de Mocenigo tenor Anafesto Rossi
Un caballero del rey tenor Domenico Ceci

La mejor version de Caterina Cornaro es la de de David Parry en Opera Rara.

Gaetano DONIZETTI
Caterina Cornaro ~ 115’53

Opéra en un prologue et deux actes sur un livret de Giaccomo Sacchèro

Carmen Giannatasio : Caterina Cornaro
Graeme Broadbent : Andrea Cornaro, le père de Caterina
Colin Lee : Gerardo, un jeune Français
Troy Cook : Lusignano, roi de Chypre
Vuyani Mlinde : Mocenigo, conseiller des Dix et ambassadeur vénitien à Chypre
Loïc Felix : Strozzi, chef des mercenaires coupe-gorges / un chevalier du Roi
Sophie Bevan : Matilde, la confidente de Caterina

BBC Singers
Orchestre Symphonique de la BBC
Direction : David Parry

En la imagen la protagonista de la grabación Carmen Giannatasio como Caterina Cornaro.

Belisario (Belisarius) is a tragedia lirica (tragic opera) in three acts by Gaetano Donizetti. Salvadore Cammarano wrote the Italian libretto after Luigi Marchionni's adaptation of Eduard von Schenk's[de] play, Belisarius, first staged in Munich in 1820 and then (in Italian) in Naples in 1826. The plot is loosely based on the life of the famous general Belisarius of the 6th century Byzantine Empire.

It premiered to critical and popular success on 4 February 1836 at the Teatro La Fenice, Venice, and was given many additional performances that season, although Donizetti scholar William Ashbrook notes that there would have been more had the opera not been presented so late in the season.

However, in spite of its initial short term success and critical reaction, as represented by a review in La Gazzetta privilegiata which stated that "A new masterwork has been added to Italian music.....Belisario not only pleased and delighted, but also conquered, enflamed and ravished the full auditorium", in the long run, had "Donizetti poured music of the calibre of his Lucia di Lammermoor into the score of Belisario the shortcomings of its wayward plot and dramatic structure would matter less". By April 1836, even the composer himself recognized that the work stood below Lucia in accomplishment.

Composition history

With the success of Lucia di Lammermoor in September 1835, Donizetti moved on to stagings of Maria Stuarda, the first under that name at La Scala in late 1835. He had signed the contract in July 1835 to present Belisario in Venice, for what would be the first visit to that city since 1819, but it was not until October that the subject was finally agreed upon.

There followed discussions with impresario Natale Fabbrici about employing a Venetian librettist, Pietro Beltrame. However, not only did the composer prefer to work with a librettist known to him and with whom he could work in close proximity, but he had already begun working with Cammarano who was revising - to the composer's satisfaction - an earlier version of Belisario which the librettist had submitted to the Teatro San Carlo management in 1832.

Of greater concern to Donizetti was the singers who were to be engaged. Primarily, he was concerned about the identity of the leading tenor: "Until I know for sure, I cannot compose duets, finales and trios", he writes in October. By the time Donizetti arrived in Venice on 6 January 1836, the score of Belisario was almost finished, and because of delays, he had time to hear several of the proposed singers in a performance of Rossini's L'assedio di Corinto given on 12 January, the day before rehearsals of Belisario were to begin.

In the case of Antonietta Vial (who was to sing the role of Irene and whom he described on first hearing her as "both a bastard soprano and a veiled contralto", he was able to make adjustments to suit her vocal limitations. By the time of the first performance, which was well received, Donizetti reported to his publisher the audience's reaction to most of the numbers, specifically that "in the duet for Vial and Salvatore, many shouts of bravi, but at the end (so they say) the situation is so moving that they were weeping".

In a review of a 2011 London performance, some of the strengths of Donizetti's score are outlined:

"The central couple are played by bass and soprano, which brings Verdi's Macbeth immediately to mind. But Donizetti's score has none of Verdi's furious compression, and dramatically we are in very different territory. Belisario and Antonina, the latter more Regan than Lady Macbeth, are at each others' throats rather than united by desire for power. Her machinations lead to his being blinded then expelled from Byzantium into the natural world beyond. The emotional centre lies, however, in Donizetti's forceful depiction of Belisario's relationship with his strong-willed daughter Irene – you think at once of Cordelia – and his eventual reunion with Alamiro, the son who vanished in infancy and in whose supposed murder Belisario is implicated."

Performance history
19th century

The opera's popularity continued through the 19th century, with stagings in 31 cities both in Europe and America. Its first performance in London took place on 1 April 1837, but it only reached the United States on 29 July 1843 in Philadelphia and later in New York on 14 February 1844.

After an 1899 performance in Coblenz, the opera disappeared.

20th century and beyond

Modern productions have been rare. Revivals took place in 1969 at La Fenice, in 1970 at Bergamo, in 1972 in London, in 1973 in Naples, in 1981 in Buenos Aires, and in 1990 at Rutgers University in New Jersey. Most notable amongst performers in the leading female role has been Leyla Gencer.

The opera was presented in January 2005 by the North Carolina School for Arts using a then brand-new performance score prepared by Ottavio Sbragia. Realizing close to the beginning of rehearsals that a performance score was not available, NCSA enlisted the help of musicologist Philip Gossett, who was able to put them in touch with Sbragia, and his version, which was based on the original 1836 performances in Venice, became the work's critical edition.

The same year saw stagings by Turkish State Opera and Ballet in Istambul.

In July 2010, the opera was performed by the Buenos Aires Lirica and a concert performance, starring Nelly Miricioiu with London's Chelsea Opera Group under conductor Richard Bonynge, was given at Queen Elizabeth Hall on 13 February 2011.

Belisario was given a new production at the Teatro Donizetti in Bergamo as part of the Donizetti Festival in September 2012 using the critical edition, while the BBC Symphony Orchestra presented a concert performance in London on 28 October 2012 with Canadian soprano Joyce El-Khoury as Antonina and Sicilian baritone Nicola Alaimo as the title character. The cast recorded the opera for Opera Rara.

Roles
Role Voice type Premiere Cast, 4 February 1836
(Conductor: —)

Antonina, Belisario's wife soprano Carolina Ungher

Irene, their daughter mezzo-soprano Antonietta Vial

Belisario, General of the army baritone Celestino Salvatori

Giustiniano, Emperor of the Orient bass Saverio Giorgi

Alamiro, prisoner of Belisario tenor Ignazio Pasini

Eudora soprano Amalia Badessi

Eutropio, head of the imperial guard tenor Adone Dell'Oro

Eusebio, caretaker of the prison bass Giovanni Rizzi

Ottario bass Giovanni Rizzi

Senators, veterans, shepherds, guards, captives, people

Synopsis

Place: Byzantium and the Haemus mountains.
Time: sixth century A.D.
Act 1
Il Trionfo (Triumph)

The hall in the emperor's palace

Irene and the populace greet the victor Belisarius. Antonina hates her husband because Proclus, the slave of Belisarius, has confessed on his deathbed, that upon command of his master he had exposed her son on the shore of the ocean, thus causing his death. The Emperor Justinian greets his commander and grants his prayer for the release of the prisoners. The captive, Alamiro, who adores Belisarius, refuses to leave him (Recitative and duet: Che veggio!... Il don sprezzi forse, Alamiro? / "What do I see, you Alamiro reject my gift?"). The general adopts him in place of his long lost son. Irene congratulates her father, but Antonina has already begun her work of hate, by traducing Belisarius to Justinian, and the innocent man is accused of high treason and thrown into prison on the evidence of his wife.

Act 2
L'Esilio (Exile)

Before the prison

Alamiro and his friends lament the fate of Belisarius, whose eyes have been put out by his enemies, falsely construing and disobeying the commands of the emperor. Alamiro swears vengeance (Aria: Trema, Bisanzio! sterminatrice, Su te la guerra discenderà / "Tremble, murderous Byzantium, war shall descend upon thee"). Irene clad as a youth arrives to act as guide to her father, who is about to be released from prison (Duet: Oh tu, che della eterna, orribil notte /"Oh thou, who in terrible darkness").

Act 3
La Morte (Death)

In the mountains

As the clang of weapons is heard, Irene leads Belisarius to a cave for safety. Alamiro now leads the army of the Alanni against Byzantium to avenge Belisarius. Belisarius confronts him and recognizes him as his son through an amulet. At his father's request, the son leaves the ranks of the enemies of Byzantium, and the Alanni, now under the command of Ottavio, march to Byzantium, having no fear, as the emperor's army is bereft of its leader.

Hall in Byzantium

Antonina, in remorse, tells the emperor that her testimony against Belisarius was false. Irene approaches with news of the victory and informs Antonina that Alamiro is her son, and that it was the slave, not Belisarius, who had planned his death. Meanwhile, the blind Belisarius has led the Byzantine army and defeated the Alanni, who had threatened Byzantium, but an arrow has mortally wounded him. He is carried in dying, and the sorrowing emperor promises to be a father to Alamiro and Irene.

Carteia es un yacimiento arqueológico de la provincia de Cádiz, declarado bien de interés cultural en 1968, situado en el término municipal de San Roque, concretamente en el polígono industrial de Guadarranque, tiene una posición estratégica dentro de la bahía de Algeciras. De origen púnico, pasó a ser en época romana la Colonia Libertinorum Carteia, primera colonia latina establecida fuera de suelo itálico, constatándose su abandono a fines del siglo V o principios del s. VI d. C, momento en que se instalan en Carteia los visigodos y más tarde estuvo en manos musulmanas.

Según relata Livio en uno de sus escritos, el antiguo asentamiento púnico pasó a convertirse Colonia Libertinorum Carteia en el año 171 a. C., cuando allí se establecieron más de 4000 hombres, hijos de soldados romanos y mujeres hispanas. La última ocupación corresponde a fines del s. XVI, momento en el que se erige la Torre del Rocadillo, almenara de vigilancia costera.

Pertenece a la Red de Espacios Culturales de Andalucía.

Intervenciones arqueológicas
Las primeras excavaciones se produjeron en la década de 1950 por Julio Martínez Santaolalla, pero fue en los años 1960 cuando se delimita el perímetro de la muralla debido a la construcción de la refinería de Gibraltar-San Roque en terrenos próximos al yacimiento y que amenazaba con destruir los restos, a partir de estas primeras catas el arqueólogo Pellicer situó el origen de la ciudad en el siglo III a. C.; sin embargo posteriores intervenciones (entre 1965 y 1970) localizaron niveles ibéricos en la zona monumental.

Desde 1971 hasta 1985 se continuaron las excavaciones, esta vez en el foro, templo y termas bajo la dirección del profesor Francisco Presedo de la Universidad de Sevilla.

Desde 1994 hasta nuestros días se vienen realizando trabajos en la zona que pretenden ampliar la superficie excavada fuera del foro, termas y el teatro.

Época púnica (siglo IV a. C.)
Los restos se localizan en la zona oriental del foro, se trata de dos lienzos separados entre sí unos 3 metros realizados con una técnica similar a los de otros yacimientos de la misma época en el norte de África, sillares cuadrados, almohadillados y unidos entre sí mediante engatillados.

Época romana (a partir de 171 a. C.)

Según Tito Livio

En 171 a. C. una legación de 4000 hombres, de un "tipo nuevo", se presentó frente al senado romano para pedir el reconocimiento de su estatus jurídico, eran hijos de soldados romanos y de mujeres hispanas. Tal situación representaba un limbo jurídico, y esto obligó al senado romano a improvisar una solución. Se encomendó al pretor Lucio Canuleyo recogiese sus nombres y los manumitiese. Aunque en el texto se habla de manumitir, estos hombres no eran esclavos, pero se les concedió tal condición porque es más fácil llegar a ser ciudadano latino desde la esclavitud que desde la no ciudadanía. Fue una ficción jurídica improvisada que, además, saltó una generación ya que se les consideró libertini (hijo de liberto) y no liberto simplemente. Al ser hijos de libertos ya podían ser ciudadanos latinos. Carteia es la primera colonia latina fuera de Italia que se conoce.

Foro
En la parte alta del foro se encuentra el templo del que solo se conserva el podio cuadrangular de 18 metros de lado, durante las excavaciones se localizaron varios elementos arquitectónicos tales como columnas estriadas, capiteles corintios, prótomos de toro y cornisas decoradas con elementos vegetales.

A los pies del templo se encuentran las Tabernae, espacios cerrados que se han interpretado como establecimientos comerciales. El resto del foro se encuentra sin excavar por encontrarse sobre éste el Cortijo de Rocadillo.

Teatro
Aunque aún permanezca en su mayor parte bajo tierra algunas estructuras pueden identificarse a simple vista, según parece su tamaño debe ser mayor que el de otros teatros de la Bética como pueden ser el de Malaca, Itálica o Baelo e incluso comparable al de Mérida3 Se conserva la Scaena y dos tercios del graderío.

Termas de Carteia.
Se han localizado el caldarium, tepidarium y una natatio o piscina. Son perfectamente identificables las columnas del hypocaustum por donde circulaba el aire caliente del tepidarium.

Murallas
Se han constatado diferentes fases constructivas debido a la reutilización de la muralla en diferentes épocas, la más antigua es de origen púnica, siendo la mejor conservada de la península aunque en algunas zonas se localizaron en los años setenta cerámica ibérica.

La muralla se halla hoy día destruida o cubierta de vegetación (que se está excavando) y no es identificable a simple vista en la mayor parte del perímetro, según planos levantados en los años sesenta poseía torres de planta cuadrada en tramos por toda su longitud.

Torre Cartagena
Aunque es probable que corresponda a parte del recinto amurallado prerromano la construcción que hoy vemos es totalmente del medievo, cuando actuaba como torre almenara.

Edad Media (a partir del siglo VI)
De época visigoda se localizan una serie de tumbas realizadas con material de edificios anteriores en los alrededores del templo, probablemente la presencia en esta época sea muy reducida. Con la llegada de Tarik en el 711 la ciudad cae sin lucha y se edifica una mezquita en un templo preexistente aunque de esta época no se conserva nada en las zonas excavadas. Posteriormente los meriníes edifican la hisn Qartayana o Torre Cartagena que aún se conserva.

Corbiau tiene obsesión por la tensa, dramática y decadente belleza del Barroco y esta vez ha puesto sus ojos en el Barroco francés. No debe asombrarnos, pues el Barroco Francés fue un arte hecho para la propaganda, como casi todo el arte barroco. En Le Roi Danse (traducida al castellano como La pasión del Rey), Corbiau nos muestra la compleja relación entre el arte y el poder encarnada en uno de los compositores más celebrados del Barroco Francés, el italiano hecho francés Jean Baptiste Lully, el dramaturgo francés más celebrado Moliére y Luis XIV, popularmente conocido como El Rey Sol.

Su majestad Luis XIV, por la gracia de Dios rey de Francia, sabía usar todos los símbolos para acentuar su poder. Hizo construir Versalles para tener un universo a su medida… las fuentes con sus impresionantes juegos de agua debían funcionar a un ritmo específico cuando el se paseaba por los jardínes. Luis XIV, Le Roi Soleil, extremó las ceremonias de la etiqueta cortesana y anuló la independencia de los príncipes… en muchas ocasiones y de maneras implacables, dejó muy en claro que la única fortaleza a la que debía aspirar un noble francés, era un lugar en el corazón de Su Majestad.

Aquí, Corbiau pone en lid por los afectos de Luis XIV a las dos luminarias del arte francés del barroco: Lully, el compositor bailarín y Molière, el mordaz comediante dramaturgo. Si el primero lo hace bailar, el segundo lo hace reír. Si el primero resalta su juventud y su belleza, el segundo realza su inteligencia y sagacidad. En ambos creadores el joven rey halla espacio para su poder… el joven y feroz rey marca de un modo profundo a la vez que terrible la vida de los dos hombres.

El arte y el poder siempre han tenido una relación de odio y de amor. No pueden vivir el uno sin el otro y son una pareja prolífica tanto unidos como en agrio divorcio. El arte barroco, como muestra Corbiau, tenía una función política ineludible: patrocinar la armonía del universo; el universo entendido como sistema, donde cada elemento tiene un lugar y debe, desde su inalterable posición, contribuir a la permanencia de esta armonía.

Y de este modo, el rey baila y todo el universo debe ajustarse a su danza. En las elaboradas ceremonias de la corte, sean de etiqueta o de diversión, todos tienen su lugar en la comparsa mientras el rey ejecuta su danza ordenadora del universo. Y si el rey se tambalea…

¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡ABSOLUTA RECOMENDACIÓN DE LA PELÍCULA¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡

Jean Baptiste Lully (Florencia, Italia, 28 de noviembre de 1632 - París, 22 de marzo de 1687) fue un compositor francés de origen italiano, uno de los primeros compositores de ópera en Francia.

Sus óperas combinaban el estilo italiano con el añadido de un ballet. En muchas ocasiones había textos literarios. Adaptó para ópera obras de Moliere.